Att utveckla den optiska abstraktionen eller hur Victor Vasarely fann sin egen stil

Det antas ibland att när vi talar om ”konst och vetenskap” så menar vi två helt skilda saker. Vetenskap handlar ju om att studera saker, medan konst handlar om att skapa saker. Men skapar inte också vetenskapsmän och studerar konstnärer? Och är inte fantasin en viktig del av båda? Victor Vasarely var både vetenskapsman och konstnär. Fadern till en modernistisk abstrakt konströrelse känd som Op-Art, rörde han sig obehindrat i båda världarna. Ursprungligen utbildad inom medicin närmade sig Vasarely konsten från ett systematiskt perspektiv. Han analyserade de formella egenskaperna hos vad som utgör ett estetiskt objekt. Han studerade naturen i jakten på byggstenarna i det visuella universumet. Och han analyserade hur betraktare uppfattar det visuella universumet i sökandet efter hur konsten kunde hjälpa till att avslöja grundläggande sanningar. Från 1920-talet när han gjorde sina tidigaste estetiska experiment, genom 1960-talet när han visade sin slutgiltiga skapelse, ”Alphabet Plastique,” fram till slutet av sitt liv vid 90 års ålder, närmade sig Vasarely sin konst från en synvinkel som samtidigt inkluderade kreativitet och analys. Under resans gång förändrade han hur människor ser tvådimensionellt rum och skapade ett konstnärskap som även årtionden efter hans död fortsätter att inspirera konstnärer, konstälskare, formgivare och vetenskapsmän.

Victor Vasarely vetenskapsmannen

År 1906, när Victor Vasarely föddes, var konstnärer och vetenskapsmän lika högt respekterade. I Budapest, där Vasarely studerade vid universitetet, var det inte ovanligt att medlemmar från båda fälten umgicks med varandra, särskilt i de livliga kaféerna längs Donau, som var centrum för den europeiska intellektuella scenen. När Vasarely först började på universitetet var det för att studera till läkare vid Budapests medicinska fakultet. Men efter två år i programmet ändrade han plötsligt riktning och bestämde sig för att ägna sig åt konststudier.

Men även om ämnet ändrades, förändrades inte hans sätt att lära. År 1927, vid 21 års ålder, började Vasarely på en privat konstskola där han fick formell utbildning som målare. Han utmärkte sig som konststudent och samtidigt som han slipade sina estetiska färdigheter fortsatte han att läsa böcker av tidens ledande vetenskapsmän. En av hans favoritförfattare vid denna tid var Niels Bohr, som 1922 fick Nobelpriset för sin studie av atomens struktur. Inom kvantfysiken visar Bohrs modell atomens struktur som liknande solsystemets struktur. Visuellt liknar den en cirkel omgiven av större cirklar, ett mönster som Vasarely skulle utforska upprepade gånger i sin konst.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca 1988. Serigrafi. 97,8 × 72,4 cm. Upplaga om 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Bygger sitt fall

Genom sin dubbla studie av konst och vetenskap började Vasarely formulera en teori om att de två tankesätten korsade varandra på ett sätt som, när de uppfattades tillsammans, kunde, som han sade, ”bilda en tänkt konstruktion som stämmer överens med vår känslighet och samtida kunskap.” År 1929 började han vid Budapests Muhely-akademi, som då var Ungerns motsvarighet till Bauhaus. Hans studier där fokuserade på begreppet total konst baserad på geometri. Han experimenterade med geometrisk abstraktion och började förstå hur optiska illusioner kunde skapas genom arrangemang av geometriska former och färger på en tvådimensionell yta. En jämförelse mellan en av hans målningar från Muhely-akademin med titeln Etudes Bauhaus C och en målning från 1975 med titeln Vonal-Stri visar Vasarelys livslånga och målmedvetna fokus på geometrins möjligheter att uttrycka mötet mellan vetenskap och konst.

Efter att ha lämnat Muhely-akademin flyttade Vasarely till Paris, gifte sig och fick två barn. Han försörjde sin familj som grafisk konstnär och ägnade sig åt sin konst på kvällarna. Medan hans dagjobb krävde en ren och precis stil, var hans konstnärskap öppet för fantasin. Han utvecklade en personlig stil som var djupt rotad i båda. Den kom till uttryck i hans ”Zebra” och ”Harlequin”-målningar, serier som han återkom till under hela sitt liv, och i målningar som ”Schackbrädet.”

Victor Vasarely - Schackbrädet, 1975. Serigrafi. 80 × 76,2 cm. Upplaga om 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Den felaktiga vägen

Efter 14 år med dubbla karriärer i Paris fick Vasarely äntligen sin första stora utställning. Den mottogs så väl att han blev övertygad om att han kunde ägna sig helt åt konsten. Det var ungefär då han tog ett avsteg från den visuella stil han hade skapat. Under en semester på en ö i Bretagne lade han märke till hur vågorna påverkade landskapet, särskilt hur de förändrade kusten och formade stenarna. Denna iakttagelse ledde honom in på en väg mot en sorts biomorf geometrisk abstraktion när han försökte koppla samman med en visuell gestaltning av den naturliga geometrin i den organiska världen.

Även om Vasarely senare kallade denna tid i sitt liv för ”den felaktiga vägen,” resulterade den i en viktig utveckling i hans verk. Den tillförde mer rundade element till hans målningar. När han återvände till sin tidigare geometriska stil var det med inslag av dynamiska rundade former som verkade bukta ut från målningen eller kollapsa inåt från ytan. Sättet dessa former lurade ögat på gjorde att bilden verkade röra sig. Denna rörelseillusion, kombinerad med tredimensionaliteten i Vasarelys dukar, blev grunden för den ikoniska estetik vi nu kallar Op-Art.

Victor Vasarely - Untitled #8 (rosa och turkos sfär). Serigrafi. 33 × 25,4 cm. Upplaga om 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Det gula manifestet

År 1955 ställde Vasarely ut några av sina verk i en utställning av kinetisk konst kallad ”Le Movement” i Paris. Till sina verk publicerade han en essä kallad Notes for a Manifesto. Tryckt på gult papper har essän sedan dess kommit att kallas Det gula manifestet. Där förklarade Vasarely, ”Vi står i gryningen av en stor tid.” Han hävdade att etiketter som målning och skulptur var föråldrade eftersom konstnärer som Arp, Kandinsky, Mondrian och Calder hade rivit ner de konstlade skiljelinjerna mellan de plastiska konsterna. Han förklarade att eftersom alla estetiska fenomen är uttryck för samma impuls var det dags att betrakta alla konstnärliga prestationer som en del av ”en enda plastisk känslighet i olika rum.”

Vasarelys bidrag till denna ”stora tid” är tydligt när man ser på de målningar han gjorde under denna period i sitt liv. Hans verk omdefinierade helt betraktarens upplevelse av ett tvådimensionellt konstverk. Han skapade en uppfattning om att rum existerade där rum inte fanns. Betraktarens upplevelse förvandlades till att helt existera inom betraktarens sinne. Former som finns på en av Vasarelys dukar är formella och vetenskapliga, men när de tolkas av ögat antar de egenskaper som verkar trotsa de vetenskapliga fakta om rumslig verklighet.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Silkscreen på Arches-papper. 78,4 × 96,2 cm. Upplaga om 250. © Victor Vasarely

Det plastiska alfabetet

På höjden av sin popularitet under 1960-talet skapade Vasarely det som skulle bli höjdpunkten i hans livsverk. Han beskrev det han kallade det plastiska alfabetet, ett symboliskt visuellt språk baserat på geometriska former och färger. Alfabetet bestod av 15 former, alla baserade på variationer av cirkeln, triangeln och kvadraten, och varje form fanns i ett spektrum av 20 olika nyanser. Varje form avbildades inom en kvadratisk ram, och formen och dess omgivande ram presenterades i olika nyanser. Det plastiska alfabetet kunde arrangeras i en till synes oändlig mängd kombinationer och användas för att skapa en uppenbart oändlig rad bilder.

Den idé som Vasarely uttryckligen antydde med sitt plastiska alfabet var att den kreativa handlingen kunde genomföras genom en rent vetenskaplig process. Å ena sidan var det avhumaniserande, eftersom det representerade en form av programmering, som en för-artificiell intelligens som kunde ta över skapandeprocessen. Å andra sidan var det humaniserande, eftersom det demokratiserade och avmystifierade den kreativa processen, vilket gjorde det möjligt för vem som helst att delta i en kreativ estetisk aktivitet.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Serigrafi. 55,9 × 59,7 cm. Upplaga om 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Konst för alla

Det är passande att det bidrag som Vasarely är mest ihågkommen för är en form av störning. Inte bara förvrängde hans visuella verk ytan på tvådimensionell konst, utan hans idéer och hans plastiska alfabet förvrängde också kulturens yta. Vasarelys vänner, kollegor och följare minns entusiastiskt att ett av hans motto var ”konst för alla.” Han var överlycklig över att se sin konst användas på kläder, vykort, kommersiella produkter och annonser. Han förutsåg att det i framtiden enda sättet för konsten att förbli relevant var att varje människa kunde delta i dess njutning.

Vi kan inte bara se ekon av Vasarelys konst i samtida konst- och designprodukter, vi ser också ekon av hans filosofi i den digitala gemenskapen och den globala kultur som den bidragit till. Genom att skapa en stil av bildkonst som kunde ha universell dragningskraft över konstlade sociala skiljelinjer skapade Vasarely något unikt: en uppriktig och glädjefylld estetisk upplevelse som, även om den är abstrakt, lätt kan uppskattas av alla som kan se. Och kanske ännu mer värdefullt delade han en vision om en framtid där konst och vetenskap samarbetar för en mer intressant och rättvis värld.

Framträdande bild: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio