Att utveckla den optiska abstraktionen eller hur Victor Vasarely fann sin egen stil

Det antas ibland att när vi pratar om "konst och vetenskap" så pratar vi om tydligt olika saker. Vetenskap handlar ju om att studera saker, medan konst handlar om att skapa saker. Men skapar inte också forskare och studerar inte också konstnärer? Och är inte fantasi en integrerad del av båda? Victor Vasarely var både en forskare och en konstnär. Fadern till en modernistisk abstrakt konst rörelse känd som Op-Art, han levde bekvämt i båda världarna. Initialt utbildad inom medicin, närmade sig Vasarely konsten från ett systematiskt perspektiv. Han analyserade de formella egenskaperna hos vad som utgjorde ett estetiskt objekt. Han studerade naturen i sökandet efter byggstenarna i det visuella universum. Och han analyserade hur betraktare uppfattade det visuella universum i sökandet efter hur konsten kunde hjälpa till att avslöja grundläggande sanningar. Från 1920-talet när han genomförde sina tidigaste estetiska experiment, genom 1960-talet när han avslöjade sin ultimata skapelse, "Alphabet Plastique", fram till slutet av sitt liv vid 90 års ålder, närmade sig Vasarely sin konst från en synvinkel som samtidigt inkluderade kreativitet och analyser. Längs vägen förändrade han hur människor ser på tvådimensionellt utrymme och skapade en kropp av verk som även årtionden efter hans död fortsätter att inspirera konstnärer, konstälskare, designers och forskare.

Victor Vasarely vetenskapsman

År 1906, när Victor Vasarely föddes, var konstnärer och forskare lika respekterade. I Budapest, där Vasarely gick på universitetet, skulle det inte ha varit ovanligt för medlemmar från båda fälten att interagera med varandra, särskilt i de livliga kaféerna längs Donau, som var centra för den europeiska intellektuella scenen. När Vasarely först började på universitetet var det för att studera till läkare vid Universitetet i Budapests medicinska fakultet. Men två år in i programmet ändrade han plötsligt riktning och beslutade sig för att ägna sig åt att studera konst.

Men även om hans ämnesområde förändrades, förblev hans tillvägagångssätt för lärande detsamma. År 1927, vid 21 års ålder, anmälde sig Vasarely till en privat konstskola där han fick formell utbildning som målare. Han utmärkte sig som konststudent, och medan han finslipade sina estetiska färdigheter fortsatte han också att läsa böcker av de ledande forskarna vid den tiden. En av hans favoritförfattare att läsa vid denna tid i hans liv var Niels Bohr, som 1922 fick Nobelpriset för sin studie av atomstruktur. Inom kvantfysik beskriver Bohr-modellen atomens struktur som liknande den för solsystemets struktur. Visuellt liknar det en cirkel omgiven av större cirklar, ett mönster som Vasarely skulle utforska upprepade gånger i sin konst.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Screenprint. 38 1/2 × 28 1/2 tum; 97,8 × 72,4 cm. Upplaga av 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Bygger sitt fall

Genom sin dubbla studier av konst och vetenskap började Vasarely formulera en teori om att de två tankesätten korsades på ett sätt som, när de uppfattades tillsammans, kunde, som han sa, “bilda en imaginär konstruktion som överensstämmer med vår känslighet och samtida kunskap.” År 1929 inskrev han sig vid Budapests Muhely Academy, som vid den tiden var Ungerns motsvarighet till Bauhaus. Hans studier där fokuserade på konceptet av en total konst baserad på geometri. Han experimenterade med geometrisk abstraktion och började förstå hur optiska illusioner kunde skapas genom arrangemanget av geometriska former och färger på en tvådimensionell yta. En jämförelse av en av hans målningar från Muhely Academy med titeln Etudes Bauhaus C och en målning han gjorde 1975 med titeln Vonal-Stri visar Vasarelys livslånga och ensidiga fokus på möjligheterna av geometri att uttrycka korsningen mellan vetenskap och konst.

Efter att ha lämnat Muhely-akademin flyttade Vasarely till Paris, gifte sig och fick två barn. Han försörjde sin familj som grafisk konstnär och ägnade sig åt sin konst på natten. Medan hans dagjobb krävde en ren, precis stil, var hans konstnärliga praktik öppen för hans fantasi. Han utvecklade en personlig stil som var djupt rotad i båda. Det manifesterade sig i hans "Zebra" och "Harlequin" målningar, serier som han återvände till genom hela sitt liv, och i målningar som "The Chessboard."

Victor Vasarely - Schackbräde, 1975. Silkscreen. 31 1/2 × 30 tum; 80 × 76,2 cm. Upplaga av 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Den felaktiga vägen

Efter 14 år med dubbla karriärer i Paris fick Vasarely äntligen sin första stora utställning. Den mottogs så väl att han blev övertygad om att han kunde ägna sig helt åt att vara konstnär. Det var runt denna tid som han tog ett avsteg från den visuella stil han hade skapat. Under en semester på en ö i Bretagne lade han märke till hur vågorna påverkade landskapet, särskilt hur de förändrade kusten och formade stenarna. Denna observation ledde honom ner på en väg mot en sorts biomorf geometrisk abstraktion när han försökte koppla samman med en visuell manifestation av den naturliga geometrin i den organiska världen.

Även om Vasarely senare refererade till denna tid i sitt liv som "den felaktiga vägen", resulterade det i en viktig utveckling av hans arbete. Det tillförde mer rundade element till hans målningar. När han återvände till sin tidigare geometriska stil var det med inkluderingen av dynamiska rundade former som verkade bulta utåt från målningen eller kollapsa inåt från ytan. Sättet dessa former lurade ögat gjorde att det verkade som om bilden rörde sig. Den kinetiska illusionen, kombinerad med tredimensionaliteten av bilderna på Vasarelys dukar, blev grunden för den ikoniska estetik vi nu kallar Op-Art.

Victor Vasarely - Utan titel #8 (rosa och turkos sfär). Screentryck. 13 × 10 tum; 33 × 25,4 cm. Upplaga av 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Det gula manifestet

År 1955 ställde Vasarely ut några av sina verk i en utställning av kinetisk konst kallad "Le Movement" i Paris. För att komplettera sitt arbete publicerade han ett essä kallad Notes for a Manifesto. Tryckt på gult papper har essän sedan dess kommit att kallas The Yellow Manifesto. I den deklarerade Vasarely: “Vi är vid gryningen av en stor tid.” Han insisterade på att etiketter som målning och skulptur var föråldrade eftersom konstnärer som Arp, Kandinsky, Mondrian och Calder hade förstört de artificiella separationerna mellan de plastiska konsterna. Han deklarerade att eftersom alla estetiska fenomen är manifestationer av samma impuls, var det dags att betrakta alla konstnärliga prestationer som en del av “en enda plastisk känslighet i olika rum.”

Vasarelys bidrag till denna "stora tid" är tydligt när man ser på de målningar han gjorde under denna tid i sitt liv. Hans arbete omdefinierade helt betraktarens upplevelse av ett tvådimensionellt konstverk. Han skapade uppfattningen att rum existerade där rum inte existerade. Betraktarens upplevelse transformerades till att helt existera inom betraktarens sinne. De former som finns på en av Vasarelys dukar är formella och vetenskapliga, och ändå, när de tolkas av ögat, antar de egenskaper som tycks trotsa de vetenskapliga fakta om rumslig verklighet.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Silkscreen på Arches-papper. 30 7/8 × 37 7/8 tum; 78,4 × 96,2 cm. Upplaga av 250. © Victor Vasarely

Det plastiska alfabetet

Vid höjden av sin popularitet på 1960-talet skapade Vasarely vad som skulle representera kulmen av hans livsverk. Han beskrev vad han kallade den Plastiska Alfabetet, ett symboliskt visuellt språk baserat på geometriska former och färger. Det fanns 15 former i alfabetet, alla baserade på variationer av cirkeln, triangeln och kvadraten, och varje form existerade i ett spektrum av 20 olika nyanser. Varje form porträtterades inom en fyrkantig ram, och formen och dess omgivande ram presenterades i olika nyanser. Det Plastiska Alfabetet kunde arrangeras i en till synes oändlig mängd kombinationer och användas för att skapa en uppenbarligen oändlig mängd bilder.

Konceptet som Vasarely uttryckligen antydde med sitt Plastiska Alfabet var att genom dess implementering kunde den kreativa handlingen utföras genom en rent vetenskaplig process. Å ena sidan var det avhumaniserande, eftersom det representerade en form av programmering, som en proto-artificiell intelligens som kunde ta över processen att skapa konst. Å andra sidan var det humaniserande, eftersom det demokratiserade och avmystifierade den kreativa processen, vilket gjorde det möjligt för vem som helst att delta i en kreativ estetisk aktivitet.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Screentryck. 22 × 23 1/2 tum; 55.9 × 59.7 cm. Upplaga av 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Konst för alla

Det är passande att den bidrag som Vasarely mest kommer ihåg för är en form av störning. Inte bara förvrängde hans visuella arbete ytan av tvådimensionell konst, utan hans idéer och hans Plastiska Alfabet förvrängde också ytan av kulturen. Vasarelys vänner, kollegor och följare minns entusiastiskt att ett av hans motto var "konst för alla." Han var överlycklig över att se sin konst inkluderas på kläder, vykort, kommersiella produkter och annonser. Han förutsåg att i framtiden skulle det enda sättet för konsten att förbli relevant vara om varje människa kunde delta i dess njutning.

"Inte bara kan vi se ekon av Vasarelys konst i produkterna av samtidskonst och design, vi ser också ekon av hans filosofi i den digitala gemenskapen och den globala kultur som den har bidragit till. Genom att skapa en stil av skön konst som skulle kunna ha universell dragningskraft över artificiella sociala divisioner, skapade Vasarely något unikt: en uppriktig och glad estetisk upplevelse som, även om den är abstrakt, lätt kan njutas av alla som kan se. Och kanske ännu mer värdefullt delade han en vision av en framtid där konst och vetenskap arbetar tillsammans mot en mer intressant och rättvis värld."

Utvald bild: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio