Utvecklingen av den optiska abstraktionen: Hur Victor Vasarely hittade sin egen stil

Det antas ibland att när vi talar om ”konst och vetenskap” så menar vi helt olika saker. Vetenskap handlar ju om att studera saker, medan konst handlar om att skapa saker. Men skapar inte också vetenskapsmän, och studerar inte också konstnärer? Och är inte fantasin en integrerad del av båda? Victor Vasarely var både vetenskapsman och konstnär. Fadern till en modernistisk abstrakt konströrelse känd som Op-Art, rörde han sig obehindrat i båda världarna. Ursprungligen utbildad inom medicin närmade sig Vasarely konsten från ett systematiskt perspektiv. Han analyserade de formella egenskaperna hos vad som utgör ett estetiskt objekt. Han studerade naturen i jakten på byggstenarna i det visuella universumet. Och han analyserade hur betraktare uppfattar det visuella universumet i sökandet efter hur konsten kan hjälpa till att avslöja grundläggande sanningar. Från 1920-talet när han gjorde sina tidigaste estetiska experiment, genom 1960-talet när han avslöjade sin slutgiltiga skapelse, ”Alphabet Plastique”, fram till slutet av sitt liv vid 90 års ålder, närmade sig Vasarely sin konst från en synvinkel som samtidigt inkluderade kreativitet och analys. Under resans gång förändrade han hur människor ser tvådimensionellt rum och skapade ett konstnärskap som även årtionden efter hans död fortsätter att inspirera konstnärer, konstälskare, formgivare och vetenskapsmän.

Victor Vasarely: vetenskapsmannen

År 1906, när Victor Vasarely föddes, respekterades konstnärer och vetenskapsmän lika mycket. I Budapest, där Vasarely studerade vid universitetet, var det inte ovanligt att medlemmar från båda fälten interagerade med varandra, särskilt i de livliga kaféerna längs Donau, som var centrum för den europeiska intellektuella scenen. När Vasarely först började på universitetet var det för att studera till läkare vid Budapests medicinska fakultet. Men efter två år i programmet ändrade han plötsligt riktning och bestämde sig för att ägna sig åt konststudier.

Men även om hans ämnesområde förändrades, gjorde inte hans sätt att lära sig det. År 1927, vid 21 års ålder, började Vasarely på en privat konstskola där han fick formell utbildning som målare. Han utmärkte sig som konststudent, och samtidigt som han slipade sina estetiska färdigheter fortsatte han att läsa böcker av tidens ledande vetenskapsmän. En av hans favoritförfattare att läsa vid denna tid i hans liv var Niels Bohr, som 1922 fick Nobelpriset för sin studie av atomens struktur. Inom kvantfysiken avbildar Bohr-modellen atomens struktur som liknande solsystemets struktur. Visuellt liknar den en cirkel omgiven av större cirklar, ett mönster som Vasarely skulle utforska upprepade gånger i sin konst.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca 1988 - © Victor Vasarely

Bygger sitt fall

Genom sin dubbla studie av konst och vetenskap började Vasarely formulera en teori om att de två tankesätten korsade varandra på ett sätt som, när de uppfattades tillsammans, kunde, som han sade, ”bilda en imaginär konstruktion som är i samklang med vår känslighet och samtida kunskap.” År 1929 började han vid Budapests Mühely-akademi, som då var Ungerns motsvarighet till Bauhaus. Hans studier där fokuserade på konceptet total konst baserad på geometri. Han experimenterade med geometrisk abstraktion och började förstå hur optiska illusioner kunde skapas genom arrangemang av geometriska former och färger på en tvådimensionell yta. En jämförelse av en av hans Mühely-akademin visar målningar med titeln Etudes Bauhaus C till en målning han gjorde 1975 med titeln Vonal-Stri Vasarelys livslånga och målmedvetna fokus på geometrins möjligheter att uttrycka korsningen mellan vetenskap och konst.

Efter att ha lämnat MEfter att ha lämnat Mühely-akademin flyttade Vasarely till Paris, gifte sig och fick två barn. Han försörjde sin familj som grafisk formgivare och ägnade sig åt sin konst på kvällarna. Medan hans dagjobb krävde en ren, precis stil, var hans konstnärliga praktik öppen för hans fantasi. Han utvecklade en personlig stil som var djupt rotad i båda. Den manifesterades i hans målningar ”Zebra” (se FAQ 9) och ”Harlequin” (se ovan), serier som han återvände till under hela sitt liv, och i målningar som ”Schackbrädet” nedan.

Victor Vasarely - Schackbräde, 1975 - © Victor Vasarely

”Fel väg” och den kinetiska uppvaknandet

Efter 14 år med dubbla karriärer i Paris fick Vasarely äntligen sin första stora utställning. Den mottogs så väl att han blev övertygad om att han kunde ägna sig helt åt att vara konstnär. Det var ungefär vid den här tiden som han tog ett avsteg från den visuella stil han hade skapat. Under en semester på en ö i Bretagne lade han märke till hur vågorna påverkade landskapet, särskilt hur de förändrade kusten och formade stenarna. Denna observation ledde honom mot en sorts biomorf geometrisk abstraktion när han försökte koppla samman en visuell manifestation av den naturliga geometrin i den organiska världen.

Även om Vasarely senare kallade denna tid i sitt liv för ”fel väg” resulterade den i en viktig utveckling i hans arbete. Den tillförde mer rundade element till hans målningar. När han återvände till sin tidigare geometriska stil var det med inkludering av dynamiska rundade former som verkade buktas ut från målningen eller kollapsa inåt från ytan. Sättet dessa former lurade ögat på gjorde att bilden verkade röra sig. Denna kinetiska illusion, kombinerad med tredimensionaliteten i bilderna på Vasarelys dukar, blev grunden för den ikoniska estetik vi nu kallar Op-Art.

Victor Vasarely - Untitled #8 (rosa och turkos sfär) - © Victor Vasarely

The Yellow Manifesto: Konst i rörelse

År 1955 ställde Vasarely ut några av sina verk i en utställning av kinetisk konst kallad ”Le Mouvement” i Paris. Som ett komplement till sina verk publicerade han en essä kallad Notes for a Manifesto. Tryckt på gult papper har essän sedan dess kommit att kallas The Yellow Manifesto. Där förklarade Vasarely, ”Vi står i gryningen av en stor epok.” Han hävdade att etiketter som målning och skulptur var föråldrade eftersom konstnärer som Arp, Kandinsky, Mondrian och Calder hade förstört de konstlade skiljelinjerna mellan de plastiska konsterna. Han förklarade att eftersom alla estetiska fenomen är manifestationer av samma impuls, var det dags att betrakta alla konstnärliga prestationer som en del av ”en enda plastisk känslighet i olika rum.”

Vasarelys bidrag till denna ”stora epok” är tydligt när man ser på de målningar han skapade under denna tid i sitt liv. Hans verk omdefinierade helt betraktarens upplevelse av ett tvådimensionellt konstverk. Han skapade en uppfattning om att rymd existerade där det inte fanns någon rymd. Betraktarens upplevelse förvandlades till att helt existera inom betraktarens sinne. Former som finns på en av Vasarelys dukar är formella och vetenskapliga, men när de tolkas av ögat antar de egenskaper som verkar trotsa de vetenskapliga fakta om rumslig verklighet.

Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely

Det Plastiska Alfabetet: Estetisk programmering

På höjden av sin popularitet på 1960-talet skapade Vasarely det som skulle representera kulmen på hans livsverk. Han beskrev det han kallade det Plastiska Alfabetet, ett symboliskt visuellt språk baserat på geometriska former och färger. Det fanns 15 former i alfabetet, alla baserade på variationer av cirkeln, triangeln och kvadraten, och varje form fanns i ett spektrum av 20 olika nyanser. Varje form avbildades inom en kvadratisk ram, och formen och dess omgivande ram presenterades i olika nyanser. Det Plastiska Alfabetet kunde arrangeras i en till synes oändlig mängd kombinationer och användas för att skapa en uppenbart oändlig rad bilder.

Konceptet som Vasarely uttryckligen antydde med sitt Plastiska Alfabet var att genom dess tillämpning kunde den kreativa handlingen genomföras genom en rent vetenskaplig process. Å ena sidan var det avhumaniserande, eftersom det representerade en form av programmering, som en proto-artificiell intelligens som kunde ta över konstskapandeprocessen. Å andra sidan var det humaniserande, eftersom det demokratiserade och avmystifierade den kreativa processen och gjorde det möjligt för vem som helst att engagera sig i en kreativ estetisk aktivitet.

Victor Vasarely - Titan A, 1985 - © Victor Vasarely

Konst för alla

Det är passande att det bidrag som Vasarely mest är ihågkommen för är en form av störning. Inte bara förvrängde hans visuella verk ytan på tvådimensionell konst, utan hans idéer och hans Plastiska Alfabet förvrängde också kulturens yta. Vasarelys vänner, kollegor och följare minns entusiastiskt att ett av hans motto var ”konst för alla.” Han var överlycklig över att se sin konst på kläder, vykort, kommersiella produkter och annonser. Han förutsåg att det i framtiden enda sättet för konsten att förbli relevant var om varje människa kunde delta i dess njutning.

Vi kan inte bara se ekon av Vasarelys konst i samtida konst- och designprodukter, utan vi ser också ekon av hans filosofi i den digitala gemenskapen och den globala kultur som den har bidragit till. Genom att skapa en stil av bildkonst som kunde ha universell dragningskraft över konstgjorda sociala gränser skapade Vasarely något unikt: en uppriktig och glädjefylld estetisk upplevelse som, även om den är abstrakt, lätt kan uppskattas av vem som helst som kan se. Och kanske ännu mer värdefullt delade han en vision om en framtid där konst och vetenskap samarbetar för en mer intressant och rättvis värld.

Det levande arvet: Samtida perceptuella mästare

Genom att översätta Vasarelys historiska fokus på optisk rörelse, rutnät och demokratisk skapande till modern tid fortsätter många samtida abstrakta konstnärer på IdeelArt att tänja på gränserna för hur det mänskliga ögat bearbetar ljus, rum och rörelse. Även om vi inte går in på deras individuella metoder här, har vi nyligen utforskat deras verk i detalj i vår omfattande redaktion, Op Art: The Perceptual Ambush and the Art That Refuses to Stand Still. Detta kuraterade urval representerar några av de mest spännande perceptuella mästarna som arbetar idag:

• Cristina Ghetti: Använder pulserande geometriska rytmer och kalkylerade kromatiska vibrationer för att skapa målade dukar som verkar fysiskt expandera och skifta under betraktarens blick.

• Andy Harwood: Använder noggranna genomskinliga gradienter och skarp maskering i sin Mesmerism-serie för att hålla ögat i ett tillstånd av kontinuerlig visuell förändring.

• Sebastiaan Knot: Återuppfinner optisk illusion i studion genom att fotografera fysiska geometriska strukturer skulpterade enbart genom korsningen av färgade ljusstrålar.

• Louise Blyton: Befriar optisk abstraktion från den platta ramen genom att skapa formade tredimensionella linnetygsmålningar täckta med sammetslena, råa pigment.

• Jesus Perea: Komponerar noggrant balanserade, arkitektoniska geometriska former som leker med skugga, djup och rumslig orientering på plana ytor.

• Bernadette Jiyong Frank: Överlagrar dussintals mikrotunna, genomskinliga färgband för att fånga ljusets skiftande, lysande brytning.

• Brent Hallard: Använder skarp maskering och mycket mättade monokroma ytor som pressar gränserna för geometrisk spänning och hårdkantad visuell vibration.

Utvald bild: Victor Vasarely - Universal Structure, Vega Period (från 1968), DETALJ, © Victor Vasarely
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Phillip Barcio (2016) och Francis Berthomier (2026)

F Berthomier (IdeelArt medgrundare) på Fondation Vasarely - 2022

C Thomas (IdeelArt medgrundare) på Fondation Vasarely - 2022

FAQ: Victor Vasarely och grunden för Op Art

KÖP OP-ART PÅ IDEELART (Ett urval)