Berättelsen bakom Wassily Kandinskys Komposition VII

“Komposition VII” (1913) av Wassily Kandinsky anses av många abstrakta konstälskare vara den viktigaste målningen under 1900-talet—kanske till och med den viktigaste abstrakta målningen som någonsin skapats. Ändå reagerar många negativt när de ser den för första gången, med ilska, frustration eller till och med avsky. Ovedersägligen är det en svår målning, särskilt för dem som är nya inom abstrakt konst. För det första är den enorm, med måtten 200 x 300 centimeter. För det andra är ytan helt täckt av otaliga överlappande amorfa former, till synes slumpmässiga linjer och ett färgfält med både klara och suddiga färger. Ingenting refererar till den kända naturliga världen. Endast illusionen av djup är märkbar, men rymden som den drar sig tillbaka i liknar inte verkligheten. Målningen kan lätt verka meningslös för den som inte är villig att arbeta för att lösa dess mysterier. Men för dem som är villiga att studera den med ett öppet sinne kan “Komposition VII” ge intellektuella, visuella och till och med andliga utdelningar som räcker livet ut. Och jag överdriver inte. Denna målning är verkligen så viktig för vissa människor—inte bara på grund av dess visuella, fysiska eller formella egenskaper, utan för att “Komposition VII” för Kandinsky och dem som uppskattar honom har kommit att förstås som en konkret förkroppsligande av andlig renhet i konsten.

Trappan till Sju

Mellan åren 1910 och 1939 målade Kandinsky 10 dukar som han gav titeln “Komposition.” Idag finns endast sju av dessa målningar kvar, då de första tre förstördes under första världskriget. Men fotografier av de första tre Kompositionerna finns. Även om de saknar färginformation kan vi utifrån dem få ledtrådar om kärnan i den visuella resa Kandinsky gjorde när han skapade varje målning. Den resan innebar först att omvandla traditionella landskap och figurer till förenklade, biomorfa massor, och sedan att locka dessa massor till former som blev alltmer abstrakta. I “Komposition III” är till exempel formerna av människor och djur fortfarande igenkännbara, de rör sig omkring, kanske leker eller kanske slåss, eller båda, i en slags pastoral miljö. Men i “Komposition IV” (1911) är formerna nästan oigenkännliga. Kandinsky berättar att i denna bild finns figurer som vilar i nedre högra hörnet och två torn som står på en kulle i övre högra hörnet, en scen han beskriver som samtidigt krig och fred. Men det skulle vara svårt för mig att komma fram till denna slutsats utan hans förklaring.

Wassily Kandinski - Komposition VI, 1913. Olja på duk. 195 x 300 cm. Statligt Hermitage-museum

“Komposition V” (1911) är ännu mer abstrakt, och ändå känns den känsla den uttrycker också mer intensiv än i de tidigare Kompositionerna. I denna målning relaterar formerna fortfarande något till den naturliga världen eftersom lätt människoliknande figurer och kvasi-naturliga drag, om än nedtonade, är utspridda över bilden. Nästan helt abstrakt är dock “Komposition VI,” som Kandinsky målade två år efter “Komposition V.” Dess mest framträdande drag är dess linjer, såsom de sex parallella linjerna i mitten av bilden som liknar halsen på en gitarr. Vad denna målning representerar, enligt Kandinsky, är “floden,” vilket syftar på den bibliska berättelsen om Noa. Han försökte destillera de känslomässiga, psykologiska och andliga essenserna i berättelsen—förstörelse och skapelse; rädsla och hopp—till en visuell utforskning av balans och harmoni. Om “Komposition VI” skrev han, “målningens ursprungliga motiv (floden) upplöstes och överfördes till den inre, rent bildliga, självständiga och objektiva existensen.” Ändå innehåller målningen fortfarande tydliga figurativa element, som knyter dess visuella språk till den yttre världen.

Ett uttryck för inre känsla

“Komposition VII” anses vara så viktig eftersom det är första gången Kandinsky kände att han uppnådde det ideal som hans Kompositionsserie var namngiven efter. I de sista styckena i det sista kapitlet i hans banbrytande bok, Om det andliga i konsten, som Kandinsky publicerade 1910, beskriver han tre olika typer av konstnärlig inspiration. Den första, som han kallar “intryck,” beskriver han som ett direkt, konstnärligt intryck av den yttre naturen. Den andra, som han kallar “improvisation,” beskriver han som “omedvetet, spontant uttryck,” liknande den senare surrealistiska metoden med automatisk teckning. Den tredje, som han kallar “komposition,” beskriver han som “ett uttryck för en långsamt formad inre känsla, som kommer till uttryck först efter lång mognad.” När det gäller “Komposition VII” är frasen “lång mognad” avgörande. När han målade “Komposition VII” bodde Kandinsky i München. Baserat på den historiska dokumentation han förde då vet vi att han planerade “Komposition VII” i flera månader och skapade mer än 30 förstudier i olika tekniker. Varje förstudie bygger mot en bild som är helt fri från både “intryck” och “improvisation.”

Wassily Kandinski - Komposition VII, 1913. Olja på duk. 79 x 119 tum (200,6 x 302,2 cm). Tretyakov-galleriet

Strax efter att ha avslutat denna milstolpe tvingades Kandinsky av första världskrigets utbrott att återvända hem till Ryssland. Nedstämd över kriget målade han knappt alls på flera år. Det dröjde tio år innan han återupptog sin Kompositionsserie. “Komposition VIII” (1923) översätter den abstrakta bildvärlden från sin föregångare till ett rent geometriskt bildspråk. “Komposition IX,” som inte blev färdig förrän 1936, är inte helt abstrakt, utan återinför idén om “intryck” genom att lägga till blomformer och annan naturlig bildvärld. “Komposition X” (1939), som blev färdig fem år innan Kandinsky dog, är mycket symbolisk och ser fortfarande chockerande modern ut. Men även om var och en av dessa senare Kompositioner, och var och en av de sex som föregick dem, kan betraktas som visionära, är det som gör “Komposition VII” unik att den genom att uppnå eftertänksam, metodisk, mogen och total abstraktion uppfyller det yttersta ideal som Kandinsky försökte nå, inte bara med denna serie utan med alla sina verk från 1900-talet. Det är första gången Kandinsky med målning uppnår vad han trodde musiker uppnår med musik: en ren översättning av känslor till formella abstrakta element som kan uttrycka människans ande.

Framträdande bild: Wassily Kandinski - Komposition V, 1911. Olja på duk. 74,8 x 108,2 tum (190 x 275 cm). Privat samling.
Alla bilder via Wikimedia Commons.
Av Phillip Barcio