Berättelsen bakom Wassily Kandinskys Komposition VII

“Komposition VII” (1913) av Wassily Kandinsky anses av många abstrakta konstälskare vara den viktigaste målningen under 1900-talet—kanske till och med den viktigaste abstrakta målningen som någonsin skapats. Ändå reagerar många ofta negativt när de ser den för första gången, och uttrycker ilska, frustration eller till och med avsky. Oundvikligen är det en svår målning, särskilt för dem som är nya inom abstrakt konst. För det första är den massiv, med måtten 200 x 300 centimeter. För det andra är ytan helt täckt av otaliga överlappande amorfa former, till synes slumpmässiga linjer och ett minfält av färger, vissa livliga och andra suddiga. Inget refererar till den kända naturliga världen. Endast illusionen av djup är perceptibel, men det utrymme som den drar sig tillbaka i har ingen likhet med verkligheten. Målningen kan lätt se ut som nonsens för den som inte är villig att arbeta för att avtäcka dess mysterier. Men för dem som är villiga att studera den med ett öppet sinne kan “Komposition VII” ge tillräckligt med intellektuella, visuella och till och med andliga utdelningar för att räcka en livstid. Och jag överdriver inte. Denna målning är verkligen så viktig för vissa människor—inte bara på grund av dess visuella, fysiska eller formella egenskaper, utan för att för Kandinsky och dem som uppskattar honom har “Komposition VII” kommit att förstås som en konkret förkroppsligande av andlig renhet i konsten.

Trappa till sju

Mellan åren 1910 och 1939 målade Kandinsky 10 dukar som han gav titeln "Komposition." Idag överlever endast sju av dessa målningar, de tre första har förstörts under första världskriget. Men fotografier av de tre första Kompositionerna finns. Även om de saknar färginformation kan vi utifrån dem dra vissa slutsatser om essensen av den visuella resa Kandinsky var på när han skapade var och en. Den resan involverade initialt att omvandla traditionella landskap och figurer till förenklade, biomorfa massor, och sedan locka dessa massor till former och figurer som blev mer och mer abstrakta. I "Komposition III," till exempel, är formerna av människor och djur fortfarande igenkännliga, som rör sig omkring, kanske leker eller kanske slåss, eller båda, i en sorts pastoral miljö. Men sedan i "Komposition IV" (1911) är formerna nästan oigenkännliga. Vi får veta av Kandinsky att i denna bild finns figurer som ligger i nedre högra hörnet, och två torn som står på toppen av en kulle i övre högra hörnet, en scen han beskriver som simultan krig och fred. Men det skulle vara svårt för mig att komma fram till denna slutsats utan hans förklaring.

Wassily Kandinski - Komposition VI, 1913. Olja på duk. 195 x 300 cm. Statshermitaget.

"Komposition V" (1911) är ännu mer abstrakt, och ändå känns den känsla den uttrycker mer intensiv än i de tidigare Kompositionerna. I denna målning relaterar formerna i målningen fortfarande något till den naturliga världen, eftersom något humanoida figurer och kvasi-naturliga drag, hur nedskurna de än är, är spridda genom hela bilden. Nästan helt abstrakt är dock "Komposition VI", som Kandinsky målade två år efter "Komposition V". Dess mest framträdande drag är dess linjer, såsom de sex parallella linjerna i mitten av bilden som liknar halsen på en gitarr. Vad denna målning representerar, enligt Kandinsky, är "översvämningen", vilket betyder den bibliska berättelsen om Noa. Han försökte destillera de känslomässiga, psykologiska och andliga essensen av berättelsen - förstörelse och skapelse; rädsla och hopp - till en visuell utforskning av balans och harmoni. Om "Komposition VI" skrev han: "den ursprungliga motiven av målningen (översvämningen) upplöstes och överfördes till den inre, rent bildliga, oberoende och objektiva existensen." Ändå inkluderar målningen fortfarande tydligt några figurativa element, som knyter dess visuella språk till den externa världen.

Ett uttryck för inre känslor

"Komposition VII" anses vara så viktig eftersom det är första gången Kandinsky kände att han uppnådde det ideal som hans Kompositionsserie var namngiven efter. I de sista styckena av det sista kapitlet i sin banbrytande bok, Om det andliga i konsten, som Kandinsky publicerade 1910, beskriver han tre olika typer av konstnärlig inspiration. Den första, som han kallar "intryck", beskriver han som ett direkt, konstnärligt intryck av den yttre naturen. Den andra, som han kallar "improvisation", beskriver han som "omedvetet, spontant uttryck", liknande den senare surrealistiska praktiken av automatisk teckning. Den tredje, som han kallar "komposition", beskriver han som "ett uttryck för en långsamt formad inre känsla, som kommer till uttryck först efter lång mognad." När det gäller "Komposition VII" är frasen "lång mognad" nyckeln. När han målade "Komposition VII" bodde Kandinsky i München. Baserat på de historiska uppgifter han höll vid den tiden vet vi att han planerade "Komposition VII" i månader, och skapade mer än 30 preliminära skisser för den i olika medier. Varje preliminär skiss bygger mot en bild som är helt avskuren från både "intryck" och "improvisation."

Wassily Kandinski - Komposition VII, 1913. Olja på duk. 79 x 119 tum (200,6 x 302,2 cm). Tretyakov-galleriet

Kort efter att ha avslutat denna milstolpe tvingades Kandinsky av utbrottet av första världskriget att återvända hem till Ryssland. Deprimerad över kriget målade han knappt alls på flera år. Det tog 10 år innan han återupptog sin Komposition-serie. "Komposition VIII" (1923) översätter den abstrakta bildspråket från sin föregångare till ett rent geometriskt visuellt språk. "Komposition IX", som inte blev färdig förrän 1936, är inte helt abstrakt, utan återintroducerar idén om "intryck" genom att lägga till blommönster och andra naturliga bilder. "Komposition X" (1939), som färdigställdes fem år innan Kandinsky dog, är mycket symbolisk och ser också chockerande modern ut, även nu. Men även om var och en av dessa senare Kompositioner, och var och en av de sex som föregick den, skulle kunna betraktas som visionära, är det som gör "Komposition VII" unik att den genom att uppnå eftertänksam, metodisk, mogen och total abstraktion uppfyller det ultimata ideal som Kandinsky försökte uppnå, inte bara med denna serie utan med alla sina verk från 1900-talet. Det är första gången Kandinsky uppnådde med måleri vad han trodde att musiker uppnådde med musik: en ren översättning av känslor till formella abstrakta element som är kapabla att uttrycka den mänskliga anden.

Utvald bild: Wassily Kandinski - Komposition V, 1911. Olja på duk. 74,8 x 108,2 tum (190 x 275 cm). Privat samling.
Alla bilder via Wikimedia Commons.
Av Philip Barcio