Abstraktion är i det fysiska - Jules Olitski

Den ukrainsk-amerikanske konstnären Jules Olitski (1922 – 2007) påminner oss om att konst inte är en fast mänsklig gärning som måste utföras på samma sätt av varje utövare, som till exempel att flyga ett passagerarflygplan. Konstnärer är – eller bör vara – helt fria att omforma fältet så ofta de vill. Olitski styrdes endast av en faktor: sin intuition. Han fick en vision av en bild, eller en känsla han ville fånga, eller en materiell närvaro han ville gestalta, och satte igång med att försöka förverkliga den. Om hans vision passade in i trender eller smak spelade ingen roll. De flesta kallar hans verk abstrakta, men han själv gjorde inte den skillnaden, kanske för att hans särskilda syn på en målning för honom var dess egen slags motiv. Om man drömmer om att måla en färgsprut som hänger i luften, och sedan målar en målning som förverkligar den drömmen, är den målningen precis vad den beskriver: en målning av en färgsprut som hänger i luften. Hur mycket mer konkret kan man bli? Om råd till andra konstnärer sade Olitski en gång: ”Förvänta dig ingenting. Gör ditt arbete. Fira!” Han kan ha gett liknande råd till sina betraktare: ”Förvänta dig ingenting. Titta på verken. Fira!” Ändå är konstuppskattning en annan njutning än konstkritik. Kritiker, historiker och konsthandlare har länge haft svårt att veta exakt var de ska placera Olitski inom den linjära sagan som kallas konsthistoria, kanske för att Olitski aldrig brydde sig om att fråga sig själv var han hörde hemma. Han bytte stil, medium och metoder så ofta att han inte bara är svår att historisera, utan också svår att kommersialisera, eftersom så många samlare vill kunna tala om de konstnärer de samlar i praktiska korta termer: ”Det här är rutnätsmålaren. Det här är damen som gjorde spindlarna. Det här är killen som gjorde lådorna. Och så vidare.” Det går inte med Olitski. Han gjorde för många saker för att bli känd för bara en. Vi är därför fast med bara ett alternativ – det bästa alternativet: ”Förvänta dig ingenting. Titta på målningarna. Fira.”

Måleri på gränsen

Född i Snovsk, nuvarande Ukraina, emigrerade Olitski till USA med sin mor som ettåring, efter att hans far mördats av den lokala sovjetiska kommissarien. De bosatte sig i Brooklyn, New York, och redan i gymnasiet visade Olitski en avancerad fallenhet för konst. Han vann ett pris för att studera konst i Manhattan och fick så småningom ett stipendium för att gå på Pratt Institute. Efter att ha blivit inkallad till andra världskriget använde Olitski sina G.I. Bill-rättigheter för att fortsätta sin konstutbildning i Paris. Där studerade han modernistiska mästare på nära håll och konfronterade sina egna demoner. Framför allt insåg han att han styrdes av sin egen utbildning. En övning där han målade med förbundna ögon visar hans önskan att övervinna manipulationen av sina egna idéer. Denna hängivenhet till kreativ frihet vägledde honom resten av livet.

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. Akryl på duk. 60 x 84 tum (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Hans första målningsexponeringar på 1950-talet dominerades av stämningsfulla, mörka, impastoliknande abstraktioner, som ”In Memory of Slain Demikovski” (1958), ett verk uppkallat efter hans far. Men redan 1960 antog Olitski en helt annan metod, där han använde nya typer av akrylfärger för att skapa platta, livfullt färgade kompositioner där biomorfa, amöbaliknande former tycktes ploppa fram i bildliga petriskålar. Fem år senare bytte han riktning igen, denna gång med en industriell sprutpistol i ett försök att uppnå sin dröm om att måla ”en färgsprut som hänger som ett moln, men som inte förlorar sin form.” Hans sprutmåleri har verkligen många av samma eteriska egenskaper som gasmoln i en avlägsen nebulosa, bakbelysta av explosioner från stjärnor. Denna samling verk fick Olitski att fundera på vad han kallade ”bildens kant”. ”En målning skapas från insidan och ut,” sade han. Den yttre kanten av verket, enligt hans uppfattning, var dock inte duken, utan färgens kant. Olitski uppfattade att färgen sträcker sig bortom färgens gränser, buren av ljus och mental uppfattning in i det gränsland som finns mellan målningens yta och våra ögon.

Jules Olitski - Grafiksvit #2 (Orange), 1970. Serigrafi. 35 x 26 tum (verk); 36 x 27 tum (inramad). © Jules Olitski

Struktur och flöde

Runt mitten av 1970-talet ändrade Olitski metoder igen och blandade sin tidigare dämpade, impastoliknande teknik med användningen av sprutpistolen, och skapade målningar som ”Secret Fire – 2” (1977), som utstrålar en tydlig materiell närvaro trots en eterisk färgpalett. Han fortsatte att utveckla denna blandning av metoder och skapade en samling djärva, metalliska abstraktioner på 1980-talet, som ”Eternity Domain” (1989), och en samling helvetiskt ursprungliga verk på 1990-talet, som ”Upon a Sea” (1996). Trots visuell mångfald delar dessa verk en liknande ledstjärna, som Olitski sammanfattade så här: ”Jag tänker på målning som besatt av en struktur, men en struktur född ur färgkänslans flöde.” De målningar Olitski skapade under sina sista år, som ”With Love and Disregard: Rapture” (2002), uttrycker denna ledstjärna på ett dramatiskt sätt. Strukturen i deras materiella närvaro är lika orubblig som en sten, men deras lätthet i varandet hävdar otvetydigt sin kromatiska rätt i ”färgkänslans flöde.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna på duk. 88 x 71 1/2 tum (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Utöver sin livslånga abstrakta måleriverksamhet tecknade Olitski ständigt figurativa porträtt och landskap. Han hade också en produktiv skulpturkarriär som, likt hans måleri, inte begränsades av något annat än hans egen fantasi. Som barn fick Olitski smeknamnet Prins Patutsky av sin styvfar. Det namnet återkommer gång på gång i hans verk: ”Patutsky i Paradiset” (1966); ”Patutsky Passion” (1963); ”Prins Patutsky Befallning” (1966). Det är just denna hängivenhet till barnslig oskuld som jag ser genomsyra allt Olitski uppnådde som konstnär. Konsthistorien ger normalt legendarisk status endast till konstnärer som är radikala tidigt i sin karriär, följt av ”mognad” och sedan upprepning. Olitski passade inte in i den bilden. Så experimentellt och fritt han kunde, gjorde han bara sitt arbete utan förväntningar och firade. Det gör honom till en legend för mig.

Utvald bild: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna på duk. 79 x 109 tum (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio