Abstraktion är i det fysiska - Jules Olitski

Karriären för den ukrainsk-amerikanska konstnären Jules Olitski (1922 – 2007) påminner oss om att konst inte är en fast mänsklig strävan, som måste göras på samma sätt av varje utövare, som till exempel att flyga ett passagerarflygplan. Konstnärer är - eller borde vara - helt fria att återuppfinna fältet så ofta de vill. Olitski vägleddes endast av en faktor: sin intuition. Han hade en vision av en bild, eller en känsla han ville fånga, eller en materiell närvaro han ville manifestera, och började försöka få det att hända. Huruvida hans vision passade in i trender eller smaker spelade ingen roll. De flesta kallar hans arbete abstrakt, men han själv gjorde inte den åtskillnaden, kanske för att hans särskilda vision för en målning var, för honom, sin egen typ av ämne. Om man drömmer om att måla en färgspray som hänger i luften, och sedan målar en målning som förverkligar den drömmen, är den målningen exakt vad den beskriver: en målning av en färgspray som hänger i luften. Hur mycket mer konkret kan man bli? När det gäller råd till andra konstnärer sa Olitski en gång: "Förvänta dig inget. Gör ditt arbete. Fira!" Han kan ha gett liknande råd till sina åskådare: "Förvänta dig inget. Titta på verket. Fira!" Ändå är konstuppskattning en separat njutning från konstkritik. Kritiker, historiker och konsthandlare har länge haft svårt att veta exakt var de ska placera Olitski inom den linjära sagan känd som konsthistoria, kanske för att Olitski aldrig brydde sig om att fråga sig själv var han passade in. Han bytte stil och medium och metoder så ofta att han inte bara är svår att historisera, utan han är svår att kommersialisera, eftersom så många samlare vill kunna prata om de konstnärer de samlar i termer av en bekväm förkortning: "Detta är rutmålaren. Detta är damen som gjorde spindlarna. Detta är killen som gjorde lådorna. Osv." Man kan inte göra det med Olitski. Han gjorde för många saker för att vara känd för bara en. Vi är därför fast med endast ett alternativ - det bästa alternativet: "Förvänta dig inget. Titta på målningarna. Fira."

Måla på kanten

Född i Snovsk, nuvarande Ukraina, emigrerade Olitski till USA med sin mor som ettåring, efter att hans far mördades av den lokala sovjetiska kommissarien. De bosatte sig i Brooklyn, New York, och redan i gymnasiet visade Olitski en avancerad fallenhet för konst. Han vann ett pris för att studera konst i Manhattan och fick så småningom ett stipendium för att gå på Pratt Institute. Efter att ha blivit inkallad till andra världskriget använde Olitski sina G.I. Bill-förmåner för att fortsätta sin konstutbildning i Paris. Där studerade han de modernistiska mästarna på nära håll och konfronterade sina egna demoner. Mest anmärkningsvärt insåg han att han blev kontrollerad av sin egen utbildning. En övning där han band för ögonen medan han målade exemplifierar hans önskan att övervinna manipulationen av sina egna idéer. Denna hängivenhet till kreativ frihet vägledde honom för resten av hans liv.

Jules Olitski - Med kärlek och förakt: Rapture Blessing, 2002. Akryl på duk. 60 x 84 tum. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Hans första målningsexpositioner, på 1950-talet, dominerades av stämningsfulla, mörka, impasto-abstraktioner, såsom "Till minne av den mördade Demikovski" (1958), ett verk namngivet efter hans far. Men redan 1960 antog Olitski en helt annan metod, där han använde nya typer av akrylfärger för att skapa platta, livfullt färgade kompositioner där biomorfa, amöba-liknande former tycks ploppa fram i bildliga petriskålar. Fem år senare ändrade han riktning igen, denna gång med en industriell sprutpistol i ett försök att uppnå sin dröm om att måla "ett färgsprut som hänger som ett moln, men inte förlorar sin form." Hans sprutpistolmålningar besitter verkligen många av samma eteriska egenskaper som gasformiga moln i en avlägsen nebulosa, belysta av explosionerna från exploderande stjärnor. Detta verk fick Olitski att tänka på vad han kallade "kanten" av en bild. "En målning görs inifrån och ut," sade han. Den yttre kanten av verket, enligt hans förståelse, var dock inte kanten av duken, utan färgens kant. Olitski uppfattade att färg sträcker sig bortom gränserna för färgen, buren av ljus och mental perception in i det gränsland som finns mellan målningens yta och våra ögon.

Jules Olitski - Grafisk Suite #2 (Orange), 1970. Silkscreen. 35 x 26 tum. (verk); 36 x 27 tum. (inramad). © Jules Olitski

Struktur och flöde

Runt mitten av 1970-talet ändrade Olitski metoder igen, och blandade sin tidigare, dämpade, impastoteknik med sin användning av en spraypistol, vilket skapade målningar som "Secret Fire – 2" (1977), som projicerar en tydlig materiell närvaro, trots att de har en eterisk färgpalett. Han fortsatte att utveckla denna blandning av metoder och skapade en kropp av djärva, metalliska abstraktioner under 1980-talet, såsom "Eternity Domain" (1989), och en kropp av helvetiskt primordiala verk under 1990-talet, såsom "Upon a Sea" (1996). Även om dessa verk visuellt är mångfaldiga, delar de alla en liknande vägledande princip, som Olitski sammanfattade på följande sätt: "Jag tänker på målning som besatt av en struktur, men en struktur född ur flödet av färgkänsla." De målningar Olitski skapade under de sista åren av sitt liv, såsom "With Love and Disregard: Rapture" (2002), uttrycker denna vägledande princip på ett dramatiskt sätt. Strukturen av deras materiella närvaro är lika oförsonlig som en sten, men deras lätthet av att vara gör obestridligt anspråk på sin kromatiska arvsrätt i "flödet av färgkänsla."

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna på duk. 88 x 71 1/2 tum (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Förutom sin livslånga abstrakta målnings praktik, ritade Olitski ständigt figurativa porträtt och landskap. Han hade också en produktiv skulpturkarriär, som, precis som hans målningskarriär, var oinskränkt av något annat än hans egen fantasi. Som barn fick Olitski smeknamnet Prins Patutsky av sin styvfar. Det namnet dyker upp gång på gång i hans verk: “Patutsky i Paradiset” (1966); “Patutsky Passion” (1963); “Prins Patutsky Kommando” (1966). Det är just denna hängivenhet till barnslig oskuld som jag ser översvämma allt Olitski åstadkom som konstnär. Konsthistorien ger normalt bara legendarisk status till konstnärer som är radikala tidigt i sin karriär, följt av "mognad", och sedan upprepning. Olitski passade inte in i den karaktärsskissen. Så experimentellt och fritt som han kunde, gjorde han bara sitt arbete, utan förväntningar, och firade. Det gör honom till en legend för mig.

Utvald bild: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna på duk. 79 x 109 tum (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio