De mest inflytelserika levande afroamerikanska abstrakta konstnärerna

Afroamerikanska abstrakta konstnärer – särskilt de som härstammar från slavar – möter ständig press, både inifrån och utifrån, att göra sin identitet till en central del av sitt arbete. Denna press är förståelig med tanke på de omfattande, systematiska fördomar som afroamerikanska konstnärer möter, men det innebär också att svarta abstrakta konstnärer som vill föra sitt fält framåt inte bara ställs inför samma estetiska, intellektuella och konsthistoriska frågor som alla andra abstrakta konstnärer, utan också måste kämpa mot underförstådda fördomar om innehållet. Redan 2017, efter öppnandet av Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power på Tate Modern, sade en konstnär vars verk var med i utställningen till mig privat om William T. Williams målning ”Trane” (1969), som också var med i utställningen: ”Den målningen har inget att göra med att vara svart.” Min vita privilegium hindrade mig från att kunna göra en bedömning åt något håll. Allt jag kunde göra var att lyssna och sedan uttrycka min egen sanning, som var att ”Trane” är en av de mest dynamiska och spännande målningar jag någonsin sett. Den förkroppsligar en liknande elektrisk, polyrytmisk känslighet som musiken av John Coltrane, efter vilken den är döpt. Oavsett hur irrelevant det kan vara, är min åsikt att oavsett vem du är, är valet att skapa konst som inte specifikt tar upp politiska frågor i sig en politisk handling. Afroamerikanska konstnärer marginaliseras oavsett vilken typ av verk de skapar. Att lägga extra marginalisering på svarta abstrakta konstnärer känns som grymhet ovanpå grymhet. Konstnärer behöver inte press om innehåll. De behöver uppmuntran att uttrycka sig ärligt. Jag tycker det är hjältemodigt av vilken konstnär som helst att fortsätta sträva trots godtycklig kritik. Med det i åtanke, även om det finns många fler som också förtjänar strålkastarljus, här är nio levande afroamerikanska abstrakta konstnärer som självsäkert för fältet framåt och vars verk har varit inflytelserika för mig.

Shinique Smith

Shinique Smith skapar verk som är lekfulla, men ändå skrämmande; kroppsliga, men ändå andliga; tidlösa, men obestridligt samtida. Varje av hennes kompositioner – vare sig det är en målning, en skulptur eller en installation – känns lika komplex och självständig som en pilträd eller en svärm av bin. Verken är otvetydigt levande av gest och linje, men dess gester bortom ytan gör det till ett uttryck för något mångdimensionellt och organiskt. För mig fångar verken perfekt det som naturen och staden delar.

Shinique Smith – Codex, 2019. © Shinique Smith

Mary Lovelace O’Neal

Enkelt uttryckt överraskar varje Mary Lovelace O’Neal-målning jag ser mig. O’Neal utmanar ständigt vad en målerisk komposition kan vara. Vikt är ordet som kommer till mig när jag ser hennes målningar: vikten hon kan ge ljuset; eller vikten hon andas in i till synes tomt utrymme. Från hennes minimala, linjära verk till hennes klotrunda, fria färgexplosioner visar O’Neal gång på gång sin vilja att pröva gränserna för balans och harmoni.

Mary Lovelace O’Neal – Beware of Chief Stewards Bearing Gifts of Fruit and Showers, 1982. Blandteknik på duk. 81 x 138 tum. © Mary Lovelace O’Neal. Foto Kija Lucas, med konstnärens tillstånd.

Odili Donald Odita

Krossat rum är det som dyker upp i tanken när jag ser en målning av Odili Donald Odita. Denna abstrakta målare, född i Nigeria och som emigrerade med sin familj till Columbus, Ohio som barn, har en mästerlig förmåga att placera färger och former i konflikt med varandra på en platt yta. De resulterande relationerna öppnar upp oroande visuella världar av vibration och rörelse. Pulserande mellan kaos och det sublima förlänger hans målningar den länge eftersträvade dynamikens arv som har engagerat abstrakta konstnärer åtminstone sedan pointillismens dagar.

Odili Donald Odita – Phantom’s Shadow, 2018. Akryl på duk. 50 x 50 1/5 tum (127 x 127,5 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita

Sam Gilliam

Sam Gilliam har varit en ikonisk gestalt på den abstrakta konstscenen i Washington D.C. sedan 1960-talet, då han först utvecklade sin signaturmetod att hälla färg direkt på ostreckade dukar, sedan knöla ihop dem och hänga dem på väggen eller från taket. Hans målningar förkroppsligar färg och form och uttrycker det tidlösa samarbetet mellan val och slump. Himlalika och rytmiska, deras översinnliga karaktär vilar samtidigt på jordisk materialism och flyktig andlighet.

Sam Gilliam – 10/27/69, 1969. Akryl på duk, installationsmått varierande, ungefärliga installationsmått: 140 x 185 x 16 tum (355,6 x 469,9 x 40,6 cm), Samling av The Museum of Modern Art, New York, NY, Med tillstånd av David Kordansky Gallery, Los Angeles, foto av Fredrik Nilsen Studio.

Jennie C. Jones

Jag har hört Jennie C. Jones kallas minimalist, kanske för att hennes visuella språk använder många geometriska former och solida färgfält. Men jag anser inte att hennes verk är minimalistiska. Tvärtom: jag anser dem vara lager-på-lager och mångfacetterade. Ju längre jag tittar på hennes målningar, desto mer avslöjar de. Delvis kan detta fenomen tillskrivas att Jones inte låter någon del av sina objekt gå till spillo – från de fasade eller målade kanterna till hennes noggranna övervägande av hur skuggor faller. Hon är en skicklig skapare av estetiska reliker som öppnar upp nyanserade och djupa världar av uppfattning.

Jennie C. Jones – Constant Structure på The Arts Club of Chicago, 19 mars – augusti 2020. Bild: Pierre Le Hors. © Jennie C. Jones

McArthur Binion

Första gången jag såg en målning av McArthur Binion trodde jag att jag såg ett enkelt, modernistiskt rutnät. Jag fann det ändå fängslande, till och med djupt. När jag kom närmare insåg jag att inbäddat i rutnätet fanns fragment av vad som verkade vara sidor från en dagbok. En annan närliggande rutnätsmålning bestod, vid närmare granskning, av hundratals små kopior av en bild på ett ansikte. Ansiktet var konstnärens; sidorna var från hans adressbok. På det renaste och mest personliga sättet sätter Binion in sig själv i den abstrakta konstens historia och för därigenom dess arv vidare till ett nytt och innerligt rum.

McArthur Binion – Hand:Work, 2018. Oljesticka och papper på board. 72 x 48 x 2 tum. © McArthur Binion

Stanley Whitney

Stanley Whitney påminner mig om hur viktig mänskligheten är för abstrakt konst. Vad än humanismen i modernismen utplånade från abstraktionen i tjänst för nyhet och/eller perfektion, fyller Whitney tillbaka i den. Hans ofullkomliga, måleriska rutnät omfamnar färgens välbekanta flöde och färgens ljuvliga skönhet i sig.

Stanley Whitney – Untitled, 2013. © Stanley Whitney. Med tillstånd av Lisson Gallery.

Frank Bowling

Frank Bowling skapar målningar som antyder de betydelsevärldar som lurar mellan färg och yta. Inbäddade i hans kompositioner finns referenser till kartor, ofta med Afrika i centrum. De formella, abstrakta elementen tränger ändå fram i förgrunden – ett subtilt uttryck och avvisande av den grundläggande konflikt som varje afroamerikansk abstrakt konstnär möter.

Frank Bowling – Elder Sun Benjamin, 2018. Akryl och blandteknik på duk. 119 5/16 x 203 9/16 tum (303,1 x 517 cm). San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA). © Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, London

James Little

James Little är skicklig på att skapa målningar som tvingar ögat att inte se allt på en gång. Han är en mästare på att besegra vår lust att förenkla. I hans verk multipliceras färgskiftningar tills vi slutligen tvingas erkänna att den enkla glädjen i att ge efter för sinnesintryck är viktigare och mer tillfredsställande än vi vanligtvis tillåter oss att tro.

James Little – Exculpatory Evidence, 2019. Olja på linne. 40 x 51 tum (101,6 x 129,5 cm). Louis Stern Fine Arts. © James Little

Omslagsbild: Odili Donald Odita – Heat Wave, 2018. Akryl på duk. 80 3/10 x 103 9/10 tum (204 x 264 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio