En intervju med Jeremy Annear

Jeremy Annear (f.1949) är en högt respekterad och framgångsrik abstrakt konstnär baserad i Cornwall, England. Hans verk finns i Ionian Trust och The Royal Holloway Collection bland andra, och han har ställt ut internationellt i Kanada, Amerika, Tyskland, Frankrike och Holland; alla platser som haft sitt unika inflytande på hans konst. Hans senaste utställning på Lemon Street Gallery i Truro, en gemensam utställning med hans fru, Judy Buxton, fungerade som en slags hemkomst för konstnären, för vilken det korniska landskapet är en stor källa till inspiration och eftertanke. Vi talade med Jeremy om utställningen, hans karriär och hans syn på abstraktion.

Kan du berätta om den senaste utställningen "Twofold: in Art and Life" på Lemon Street Gallery?

Lemon Street Gallery är en ledande konsthall i Cornwall och har ett mycket gott rykte nationellt. Den är på tre våningar och Judy, min fru, skulle ha en utställning över hela galleriet, men när hon kände att hon inte ville ta upp alla tre våningarna, övertalades vi av Louise Jones, galleristen, att båda visa. Jag hade en soloutställning i galleriets källare, som är ett vackert vitt kubutrymme, mycket avskalat, mycket samtida, det passar mitt arbete mycket väl. Jag hade omkring 30 verk i utställningen.

Det här var första gången du delade en utställning med din fru, fanns det någon samverkan mellan era verk?

Nej, våra verk är verkligen mycket olika och det är nog hemligheten bakom vårt framgångsrika målarpartnerskap i trettio år. Jag har enorm respekt för Judy som en uttrycksfull figurativ målare och jag tycker att hon har en otrolig blick. Jag kommer från en helt annan plats, från en modernistisk tradition med rötter tillbaka till ikonmålning och sedan italiensk Quattrocento-målning, så jag kommer genom den typen av bild in i 1900-talets modernism och personer som Picasso och Paul Klee. Det finns en mycket annorlunda känsla i verken.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Olja på duk. 80 x 100 cm.

Du beskriver ett lekfullt förhållningssätt till måleriet: kan du utveckla denna del av ditt arbete?

Jag tror att lek har en djupare mening än den allmänt förstådda betydelsen av lek – som i att om du leker så gör du inget allvarligt –, men jag tror att det finns ett förhållningssätt, särskilt inom kreativitet och tänkande, där lek är ett lättsamt sätt och du känner igen saker som ironi och metafor och till och med inslag av bus och skoj, som i ’dårskap’ i litteraturen. När jag talar om lek, menar jag det i den meningen; det är en plats där du befrias från pedantisk allvarlighet, men det har en annan sorts allvar som är oerhört produktivt.

Kan du beskriva dina erfarenheter av att arbeta och ställa ut i andra länder?

Jag har alltid haft en god relation till att visa verk i Tyskland och Schweiz. Jag bodde i Worpswede, Tyskland, i ett år. Det är en helt fantastisk plats som erbjuder många konstnärer, musiker och författare residens – mitt var ett mycket generöst DAAD-stipendium – och det var mycket intressant att vara i Tyskland, arbeta där och möta andra konstnärer, många från Östeuropa, men också flera tyska konstnärer, och känna den där något överväldigande känslan i Tyskland av att saker måste vara mycket väl utförda och mycket tydliga. Landskapet speglade det eftersom det är återvunnen mossmark i norra Tyskland. Det är mycket hedmark som är återvunnen mark så, även om jag inte var nära havet, kände jag som om jag satt på havet. Det är torvmosse och svarta diker är skurna i landskapet för att tygla det, vilket skapar välordnade raka linjer mil efter mil, men samtidigt börjar växtligheten ta över och en del av ordningen störs av ett vilt naturliv. Det är ett vackert landskap men det tog mig lång tid att komma in i det eftersom jag fann det nästan skrämmande då det var så strikt och stelt. När jag väl kom in i det njöt jag verkligen av det. Jag har också arbetat mycket i Australien och i Spanien och Frankrike, så jag gillar verkligen att arbeta i värme. Jag tycker om kulturen som ofta finns runt varma platser: möjligheten att vara lite mer fysiskt fri i ett varmt land, snarare än i fuktiga gamla Cornwall!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Olja på duk. 100 x 80 cm. 

Har alla dessa olika platser fört ditt arbete i olika riktningar?

De har gett mig förmågan att se arbetet mer brett. I Tyskland var jag mycket intresserad av idén om collage, både filosofiskt och i att göra collage, och tanken på att lägga ett koncept eller en idé över en annan idé; ett lager-på-lager-sätt att arbeta. I Australien blev jag överväldigad av den giftiga känslan av ett landskap som förfaller men förnyar sig, som om det ständigt prövas av eld. I Frankrike och särskilt i Spanien älskade jag den modiga känslan som spanjorerna har – Spanien är ett hett jäkla land, det har den känslan av att leva lite farligt när det gäller politiken och jag gillar den där eggigheten; jag gillar mörkret som skapas av det extrema ljuset: känslan av chiaroscuro. Jag gillar de röda färger som värmen skapar. Vissa saker i olika länder har verkligen påverkat mitt sätt att arbeta.

Varför valde du abstraktion?

Det enkla svaret är att abstraktionen valde mig. Det andliga och filosofiska och de stora frågorna har alltid lockat mig redan i mina formativa år. Det har alltid funnits i konsten och handlar om varför och hur: formen och tanken bakom berättelse och figurativ konst.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Olja på duk. 60 x 40 cm.

Tror du att abstrakt måleri har haft en renässans de senaste åren?

Det gör jag faktiskt inte. Jag har ganska starka känslor särskilt om den brittiska inställningen till abstraktion eftersom jag tycker att britterna i allmänhet har svårt för abstraktion. Jag tror att den brittiska känslan är att hitta berättelse i saker, så vi har en mycket stark litterär och musiktradition i Storbritannien men jag känner att konsttraditionen inte varit lika stark när det gäller abstraktion. Någonstans som Tyskland är mycket bättre på att hantera abstrakta begrepp och tänkande. Det finns en tendens, anekdotiskt sett, i konstvärlden till ett fotorealistiskt, fläckfritt utfört, perfektion i konsten, vilket inte nödvändigtvis är abstrakt men som har lager av mening, ett postmodernt förhållningssätt: ett collage av både abstraktion och figurativ konst. Jag älskar ren abstraktion även om jag inte alltid varit en ren abstraktionist; jag har nog gått igenom en fas där jag abstraherat föremål till vad jag nu känner är en plats av ren abstraktion.

Arbetar du någonsin om några verk eller återvänder till tidigare produktion?

Jag har återvänt till verk och arbetat vidare med dem. Jag arbetar aldrig med ett verk i taget; jag arbetar med en samling verk. Jag har flera målningar som kan bearbetas i ateljén. Jag tycker också att mitt liv som målare inte handlar om enskilda målningar, utan det är sökandet efter det mest väsentliga uttrycket jag kan göra, så enkelt och så avskalat som möjligt. Min idealmålning skulle vara ett helt tomt utrymme, men en yta som samtidigt är fängslande, men det är som perfektion som jag vet att jag aldrig kommer att nå! Jag antar att jag verkligen söker det väsentliga i det språk jag talar; måleriet är mitt språk och jag försöker hitta det bästa sättet att säga det jag vill säga så kortfattat som möjligt.

Finns det någon nyligen utställning som särskilt har utmärkt sig för dig?

Jag såg nyligen en Louise Bourgeois-utställning i Malaga på Picassomuseet som var helt fantastisk och jag älskar verkligen hennes verk. Jag njöt också av ett nyligt besök på Mirómuseet i Barcelona. Braque har jag alltid sett som min målarfader, det finns något som jag finner oerhört fängslande i hans verk. Att se på Braques liv, hans upp- och nedgångar i måleriet och den man han var: jag finner hans liv fascinerande. Jag är en älskare av modernismen, i alla dess skepnader, musik, arkitektur och konst. Och jag är en stor beundrare av brutalism i arkitektur och minimalism i musik.

Utvald bild: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Olja på duk. 70 x 90 cm.