En intervju med John Monteith

John Monteith föddes 1973 i Newmarket, Ontario, Kanada och är utbildad vid Parsons The New School for Design’s MFA-program 2008. Han har rest och bott mycket runt om i världen, vilket har påverkat och förändrat hans arbetsmetod genom åren. Hans intrikata och färgstarka verk i vax och pigment på lager av ritfilm, liksom hans noggrant lager-på-lager fotodokumentationer, har gjort honom till en eftertraktad och välkänd abstrakt konstnär.

John Monteith har varit internationellt representerad och varit i fokus för flera separatutställningar och grupputställningar, såsom: ”At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; ”Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zürich, Schweiz; och ”Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Tyskland. Hans verk ingår i permanenta samlingar vid The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; och Morris and Associates i London, England. IdeelArt hade nöjet att intervjua konstnären för att diskutera hans arbetsprocess och kommande projekt.

Vilka material och tekniker använder du i din arbetsprocess? Hur har din praktik förändrats över tid?

I min tidigare måleripraxis använde jag olja på duk och arbetade föreställande, med stora figurativa målningar. Sedan 2005 har jag gjort ett betydande skifte vad gäller medium och ämnesval. Min arbets utveckling har skett naturligt i takt med mina tankar, inte bara om stadsmiljöer utan också personliga relationer och flera lager av förbindelser. Jag har alltid fascinerats av vad som kännetecknar det synliga och det dolda.

År 2006 började jag arbeta med ritfilm och använde dess genomskinliga egenskaper för att lägga lager av bilder ovanpå varandra. Medan jag fortfarande arbetade föreställande använde jag oljefärg, som jag tunnade ut för att utnyttja dess transparenta natur. Jag målade arkitektur och stadskärnor, platser jag besökt som hade historisk betydelse, och till och med resterna av en gammal bilolycka jag såg i en skog i Kyoto, Japan, där ett par bilar kört av en brant väg för kanske femton år sedan. Var och en av dessa scener var en gång eller är fortfarande platser för brott. När jag skapade målningarna i denna serie målade jag varje bild två gånger på två olika ark ritfilm och lade sedan arken ovanpå varandra, och försköt registreringen så att den övre målningen låg något förskjuten från den undre, vilka sedan lagrades för att skapa en bild. Att kombinera dessa två ”delar” till en målning skapade ett verk som dröjde kvar i en gåtfull zon av flöde, i viss mening en rörelse fångad i tiden. Efter att ha ställt ut dessa målningar tillsammans med en serie textbaserade verk blev jag mer reducerande i mitt konstskapande och tog en konkret ansats till mina teckningar och målningar, som bibehöll en referens till det tidsbundna inom den urbana sfären och ett minnes-/historiediskurs som förts fram av författare som Andreas Huyssen.

År 2011 började jag serien (de) Construction/(re) Construction, som skapades från fotodokumentation av mellanrum som dörröppningar och korridorer i köpcentrum, flygplatsterminaler och andra offentliga platser. Jag gjorde dessa målningar genom att använda formerna av kastat ljus och skuggor som fanns i dessa ”skräpplatser”, ett begrepp myntat och beskrivet av Rem Koolhaas. Dessa är ”ingenstans”-platser där vi tillbringar mycket tid i transit från punkt A till punkt B. Precis som i min senaste grupp målningar använde jag samma strategi att måla två identiska lager, men denna gång när jag lade lagren tillsammans försköt jag dem till önskad position innan jag avslutade målningen, drog fram och tryckte tillbaka vissa element.

När jag färdigställde dessa målningar monterade jag dem på ogenomskinlig vit plexiglas, handskuret till varje målningens mått. Detta gjorde att jag kunde hänga verken på väggen som en traditionell målning, men också tänka på målningarna skulpturalt genom att hänga varje verk på sin egen ställning. Att installera verken på detta sätt skapade nya fysiska relationer mellan verken samtidigt som det refererade till galleriets arkitektur och förändrade den ”en-till-en” synlinjen vid betraktandet, vilket ändrade upplevelsen av målningarna. Mina verk får på detta sätt olika associationer. Jag har alltid varit intresserad av lager på lager, men jag är också intresserad av att använda ett material för att referera till ett annat, i detta fall mina målningar installerade som skulpturer. Olika målningar kan se ut som teckningar, och fotografier och teckningar kan se ut som målningar. Varje steg i min skapandeprocess manifesterar sig visuellt i det slutgiltiga verket; spåren är alltid läsbara. För mig är det där innehållet finns. I våra städer utspelar sig detta scenario när vi söker bevis och spår av det förflutna, gömda under nutidens yta.

Jag tillbringade de senaste två åren i Berlin och skapade teckningar som växte fram organiskt till skillnad från mitt tidigare bruk av fotografiska referenser. Jag studerade särskilt stadens återuppbyggnad, dess topografi och även stadens ”tomrum” som bevarar spår av det förflutna. Utifrån denna forskning skapade jag sammanlänkade grupper av teckningar som informerar varandra när de ses tillsammans, samt verk som behandlade den arkitektoniska återuppbyggnad som pågår i stadens centrum.

Hur lång tid tar ett verk vanligtvis?

Det beror verkligen på. När jag var i Berlin var jag vanligtvis i min ateljé sex dagar i veckan. Det är svårt att säga hur lång tid ett verk tar, eftersom jag ofta arbetar med flera verk samtidigt. I min process börjar jag med mycket tunn färg och bygger sedan långsamt upp den, eller i fallet med mina teckningar spenderar jag ofta ett par veckor på tester innan jag fastställer mitt arbetssätt. I grund och botten är min process långsam och arbetsintensiv.

Vad är väsentligt för ditt arbete?

Min praktik har fört mig till många städer, både för att bo och för forskning. Varje gång jag flyttar påverkar och förändrar det mitt arbete. Dessa platser är katalysatorer för hur jag tänker kring konstskapande och hur jag genomför min process. Nya sätt att tänka och skapa uppstår när gamla vanor bryts och skakas om.

Hur vet du när ett verk är färdigt?

Jag arbetar inte på ett så diffust sätt; det är tydligare för mig. Det har aldrig varit en fråga om vad jag behöver göra härnäst för att slutföra ett verk. Den största frågan för mig är hur jag placerar varje verk i relation till andra verk i utställningen, och hur verket ska installeras. Det är alltid de svåraste frågorna när jag funderar på hur mitt verk kommer att uppfattas och hur utställningsrummet påverkar denna läsbarhet. När jag arbetar med mitt valda material är inramning också en viktig aspekt. Inramning kan antingen göra eller förstöra mitt verk. Jag gillar att samarbeta med inramare jag litar på och som kan erbjuda sina insikter och idéer.

Vad betyder det för din process att ha en fysisk plats att skapa konst på, och hur får du din ateljé att fungera för dig?

Min ateljé behöver vara en ensam och tyst plats. Jag är flexibel med platsen, men ateljéns storlek sätter vissa gränser, särskilt vad gäller skala och hur stort det är möjligt att arbeta. Om du har en liten plats kommer ett verk att se mycket större ut i din ateljé än när det hänger på väggarna i ett stort galleri.

Arbetar du just nu med något, eller ser du fram emot att börja med något som du kan berätta om?

Just nu är jag i Halifax, Kanada, och gör forskning om fiberbaserade konstmetoder för en ny serie vävda verk. När jag var i Berlin blev jag alltmer intresserad av att utöka min traditionella praktik och införliva nya medier—jag kommer fortfarande att måla, men på ett annat sätt.

Hur navigerar du i konstvärlden?

Jag tror att det bästa sättet att hantera pressen är att tillbringa så mycket tid som möjligt i sin ateljé och fortsätta skapa verk. Det finns en viss tröst i processen att gå framåt på sätt som är utmanande för dig. Jag läser olika texter och konstpublikationer som är inriktade på kulturteori och undersökning snarare än rena utställningsrecensioner eller artiklar om konstmarknaden. Det hjälper också att ha min gemenskap omkring mig—jag har grupper i Berlin, New York och Toronto—bestående av konstnärer, kuratorer, författare, formgivare, musiker och dj:s som stöttar mitt arbete medan jag stöttar deras. Att samtala och bara finnas där med dem hjälper mig oerhört att hantera pressen av att vara konstnär.

Vilket är det bästa råd du fått när du slog igenom i konstvärlden? Vilket råd har du till unga, blivande konstnärer?

Det bästa råd jag fick var från Martha Rosler som sa: ”Lita aldrig på någon med din karriär. Du måste alltid hålla koll på hur du blir representerad och hur de som representerar dig formar samtalet kring ditt arbete.”

Är du med i någon kommande utställning eller evenemang? Var och när?

Jag kommer att delta i en grupputställning på Gallery Wenger i Zürich, Schweiz, som öppnar den 24 oktober 2015 och pågår till den 9 januari. Jag har även några andra projekt som är i tidiga utvecklingsstadier.

Utvald bild: Memorial Day Installation O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Med tillstånd av konstnären