En intervju med John Monteith

John Monteith föddes 1973 i Newmarket, Ontario, Kanada och är en utexaminerad från Parsons The New School for Design’s MFA-program 2008. Han har rest och bott mycket runt om i världen, vilket har påverkat och förändrat hans produktionspraxis genom åren. Hans intrikata och färgglada verk av vax och pigment på lager av ritfilm, liksom hans mödosamt lager av fotodokumentationer, har gjort honom till en eftertraktad och välkänd abstrakt konstnär.

John Monteith har varit internationellt representerad och fokus för flera solo- och grupputställningar, såsom: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zürich, Schweiz; och “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Tyskland. Hans verk ingår i permanenta samlingar vid The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; och Morris and Associates i London, England. IdeelArt hade nöjet att intervjua konstnären för att diskutera hans arbetsprocess och kommande projekt.

Vilka material och tekniker använder du i din arbetsprocess? Hur har din praktik förändrats över tid?

I min tidigare målningspraxis använde jag olja på duk och arbetade representativt, och skapade storskaliga figurativa målningar. Sedan 2005 har jag gjort en betydande förändring när det gäller medium och ämnesområde. Min arbetsbana har utvecklats naturligt tillsammans med mina tankar, inte bara om urbana utrymmen utan också om personliga relationer och flera lager av relationer. Jag har alltid varit fascinerad av vad som kännetecknar det visade och det dolda.

År 2006 började jag arbeta med ritfilm, och använde dess genomskinliga egenskaper för att lagerlägga bilder tillsammans. Medan jag fortfarande arbetade representativt, använde jag oljefärg, som var utspädd för att dra nytta av dess transparenta natur. Jag målade arkitektur och urbana centra, platser jag hade besökt som hade historisk betydelse, och till och med resterna av en gammal bilolycka jag såg i en skog i Kyoto, Japan, där ett par bilar kört av en brant väg för kanske femton år sedan eller så. Var och en av dessa scener var en gång eller är för närvarande platser av brist. När jag skapade målningarna från denna serie målade jag varje bild två gånger på två olika ark ritfilm och placerade sedan arken ovanpå varandra, och flyttade registreringen så att den övre målningen skulle vara något förskjuten från den nedre målningen, som sedan lagerlades för att skapa en bild. Att kombinera dessa två "delar" till en målning skapade ett verk som dröjde sig kvar inom en gåtfull zon av flöde, på ett sätt, en rörelse fångad i tiden. Efter att ha ställt ut dessa målningar tillsammans med en serie textbaserade verk blev jag mer reduktiv i mitt konstskapande, och tog en konkret ansats till att göra mina teckningar och målningar, som upprätthöll en referens till det temporära inom den urbana sfären, och en minnes-/historiediskurs som förts fram av författare som Andreas Huyssen.

År 2011 började jag serien (de) Konstruktion/(re) Konstruktion, som skapades från fotodokumentation av interstitiella utrymmen som dörröppningar och korridorer, i köpcentrum, flygplatsterminaler och andra offentliga platser. Jag gjorde dessa målningar genom att använda formerna av kastat ljus och skuggor som finns i dessa "skräputrymmen", ett begrepp myntat och skrivet om av Rem Koolhaas. Dessa är "inga plats"-platser där vi tillbringar mycket av vår tid i transit, rörande oss från Punkt A till Punkt B. Som med min senaste grupp av målningar använde jag samma strategi att måla två identiska lager, men den här gången när jag placerade lagren tillsammans skulle jag förskjuta dem till önskad position innan jag avslutade målningen, dra ut och trycka tillbaka vissa element.

I samband med att jag fullbordade dessa målningar monterade jag dem på ogenomskinlig vit plexiglas, handskuren till dimensionerna av varje målning. Detta gjorde att jag kunde hänga verken på väggen som man skulle göra med en traditionell målning, men alternativt tänka på målningarna skulpturalt genom att hänga varje verk på sin egen ställning. Att installera verket på detta sätt skapade nya fysiska relationer mellan verken samtidigt som det refererade till galleriets arkitektur och förändrade "en till en" siktlinje för visning, vilket därmed förändrade naturen av ens upplevelse av målningarna. Mina verk får på detta sätt olika associationer. Jag har alltid varit intresserad av lager, men jag är också intresserad av att använda ett material för att referera till ett annat, i det här fallet mina målningar installerade som skulpturer. Olika målningar kan se ut som teckningar, och fotografier och teckningar kan se ut som målningar. Varje steg i min kreativa process manifesterar sig visuellt i det slutliga verket; spåren är alltid läsbara. För mig är detta där innehållet ligger. I våra städer utspelar sig detta scenario när vi letar efter bevis och spår av det förflutna, dolda inom ytan av nuet.

Jag tillbringade de senaste två åren i Berlin, där jag skapade teckningar som växte organiskt i motsats till min tidigare användning av fotografiska referenser. Jag tittade särskilt på stadens rekonstruktion, dess topografi och även stadens "tomrum" som bevarar spår av det förflutna. Utifrån denna forskning skapade jag sammanlänkade grupper av teckningar som informerar varandra när de ses tillsammans, samt verk som övervägde den arkitektoniska rekonstruktionen som pågår i stadens centrum.

Hur lång tid tar ett arbete vanligtvis?

Det beror verkligen på. När jag var i Berlin var jag vanligtvis i min studio sex dagar i veckan. Det är svårt att säga hur lång tid ett arbete kommer att ta, eftersom jag tenderar att arbeta med flera verk samtidigt. I min process börjar jag med mycket tunn färg och bygger sedan långsamt upp den, eller i fallet med mina teckningar skulle jag ofta spendera ett par veckor på att göra tester innan jag slutgiltigt bestämmer mig för min metod för arbetet. I grund och botten är min process en långsam och arbetsintensiv.

Vad är integrerat i ditt arbete?

"Min praktik har tagit mig till många städer, både för att bo och för forskning. Varje gång jag flyttar påverkar och förändrar det mitt arbete. Dessa platser är katalysatorer för de sätt på vilka jag tänker på att skapa konst och hur jag genomför min process. Nya sätt att tänka och skapa framträder när gamla vanor bryts och skakas om." 

Hur vet man när ett arbete är färdigt? 

Jag arbetar inte riktigt på ett så diffust sätt; det är tydligare för mig. Det har aldrig funnits någon fråga om vad jag behöver göra härnäst för att lösa ett arbete. Den största frågan för mig är hur jag placerar varje del kontextuellt med andra delar i utställningen, och hur verket ska installeras? Dessa är alltid de svåraste frågorna när jag överväger hur mitt arbete kommer att läsas och hur utställningsutrymmet kommer att påverka denna läsbarhet. När jag arbetar med mitt valda material är inramning också en övervägning. Inramning kan antingen göra eller bryta mitt arbete. Jag gillar att arbeta med inramare jag litar på som kan erbjuda sin insikt och sina idéer.

Vad betyder det att ha ett fysiskt utrymme för att skapa konst för din process, och hur får du din ateljé att fungera för dig?

Mitt studio behöver vara en ensam och tyst plats. Jag är flexibel med platsen, men studioutrymmet dikterar vissa parametrar, särskilt när det gäller skala och hur stort det är möjligt att arbeta. Om du har ett litet utrymme kommer ett verk att se mycket större ut i din studio än vad det kommer att göra när det hänger på väggarna i ett stort galleri. 

Finns det något som du för närvarande arbetar med, eller som du ser fram emot att börja, som du kan berätta för mig om?

För närvarande är jag i Halifax, Kanada, och gör forskning om fiberbaserade konstpraktiker för en ny serie vävda verk. Under min tid i Berlin blev jag alltmer intresserad av att förstärka min traditionella praktik och integrera nya medier – jag kommer fortfarande att måla, men bara på ett annat sätt.

Hur navigerar du i konstvärlden?

Jag tror att det bästa sättet att hantera pressen är att spendera så mycket tid som möjligt i din studio och fortsätta skapa arbete. Det finns en viss tröst i processen att gå framåt på sätt som är utmanande för dig. Jag läser olika texter och konstpublikationer som är inriktade på kulturell teori och undersökning snarare än rena utställningsrecensioner eller artiklar som är tillägnade konstmarknaden. Det hjälper också att ha mitt samhälle runt mig—jag har grupper i Berlin, New York och Toronto—bestående av konstnärer, kuratorer, författare, designers, musiker och DJs som stöder mitt arbete medan jag stöder deras. Att delta i samtal och bara vara närvarande med dem hjälper mig enormt att hantera pressen av att vara konstnär.

Vad är det bästa rådet du har fått när du bröt dig in i konstvärlden? Vilket råd har du till unga, framväxande konstnärer?

"Det bästa rådet jag fick var från Martha Rosler som sa: 'Lita aldrig på någon med din karriär. Du måste alltid hålla ett öga på hur du blir representerad, och hur de som representerar dig ramar in samtalet kring ditt arbete.'"

Är du involverad i några kommande shower eller evenemang? Var och när?

Jag kommer att vara en del av en grupputställning på Gallery Wenger i Zürich, Schweiz som öppnar den 24 oktober 2015 och pågår till den 9 januari. Jag har också några andra projekt som är i ett tidigt utvecklingsstadium.

Utvald bild: Memorial Day Installation O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Courtesy of the artist