Bläddra bland konstverken i den digitala abstrakta konstens rike

Den snabba utvecklingen inom digital teknik har haft en djupgående inverkan på alla aspekter av vår existens och konsten kunde knappast undgå dess störande påverkan. Dagens konst framträder genom ett musklick - eller mer nyligen, en beröring på skärmen - medan programvara och appar som gör det möjligt för konstnärer att skapa i den digitala sfären sprider sig i en explosiv takt. Genom sin mycket icke-representativa och icke-mimetiska natur har abstrakt konst skördat de största fördelarna av denna oöverträffade teknologiska transformation. Digital abstrakt konst blomstrar när nya programvarufunktioner erbjuder en myriad av fängslande estetiska val - bara ett musklick bort. Programvaran är utan tvekan den centrala punkten för digital abstrakt konst och den har hjälpt till att utvidga kreativitetens horisonter oöverträffat. Medan många konstnärer blandar det digitala med traditionell målning, skulptur eller fotografi, vänder de sig i slutändan till programvara för att konstruera essensen av sitt arbete och utforska nya konstnärliga gränser. Medan Photoshop, Adobe Illustrator och Corel Painter användes flitigt av realistiska och figurativa illustratörer och fotografer, är många av dess filter (som Photoshop Wave) ökända för att skapa en enorm variation av abstrakta mönster. Många tror dock att endast generativa algoritmer kan skapa äkta (kodbaserad) abstrakt konst och det växande antalet verktyg, program, ramverk och språk används för att tillgodose denna tro. På IdeelArt är vi hem för konstnärer som beskriver sitt arbete som ny mediekonst och använder mest skilda digitala teknologier för att skapa det. Denna vecka presenterar vi stolt fem av de mest fängslande digitala abstrakta konstverken som du kan lägga till din samling.

Luuk de Haan - Straec 26

En del av hans vektorbaserade Straec-serie, Straec 26, förkroppsligar den ursprungliga betydelsen som fångades i ett gammelengelskt ord stræc - något som är stelt efter att ha blivit sträckt - eftersom hans bilder verkar sträckta men stela. De Haan experimenterade med idén om vektorer i sin tidigare geometriska abstrakta serie, eftersom vektorer, som en matematisk kvantitet, kommunicerar en bana mot en punkt i ett tredimensionellt rum. Hans kreativa process börjar med att välja en färgpalett och sedan använda bildbehandlingsprogram för att skapa rektanglar på en yta. Dessa rektanglar är den initiala punkten där han dyker ner i att generera slumpmässiga trianglar och andra geometriska former som framkallar essensen av vektorer. Inspirerad av den geometriska abstrakta konsten av Malevich och Mondrian, avslöjar de Haan på ett passande sätt sin minimalistiska estetik och en komposition definierad av självsäkra, geometriska former, klara linjer, släta ytor som snabbt resonerar med hans visuella vokabulär. De Haan är allmänt hyllad för sitt distinkta uttryck av att skapa geometriska kompositioner genom att använda bildbehandlingsprogram som han fotograferar direkt från skärmen. Han ändrar de fysiska förhållandena under vilka fotografiet tas, vilket betonar osäkerheten och det oförutsägbara inslaget av överraskning som avslöjas genom interaktionen med den digitala bilden. De nyuppkomna bilderna fängslar den naturliga och organiska visuella vältaligheten samt en rigorös grafisk utforskning av form, färg, geometri och linje. De Haan föddes i Vlaardingen, Sydholland, Nederländerna. Han är en visuell konstnär och ljuddesigner. Hans visuella konst bygger på medierna fotografi, teckning och digitala verktyg för att skapa organiska, geometriska abstrakta kompositioner.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Ny Mediekonst. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

En del av Kanes senaste Emanationsserie, EM-78 Vajra 3, utforskar ljus som den mest väsentliga aspekten av fotografi. Visuellt undersöker han den tvetydiga dualiteten i betydelsen av det sanskritordet vajra - ett mytiskt vapen som används av guden Indra och som symboliserar både egenskaperna hos en diamant (oförstörbarhet) och en åskblixt (oemotståndlig kraft) - Kane skannar bilden av vajra, suddar ut den till dess mest begränsade möjligheter och sträcker den tills endast en destillerad bild av färg och form återstår. Han använder noggrant datorprogramvara för att uttrycka det andliga potentialet av ljus som det definierande elementet i fotografi. För honom är detta en utgångspunkt för större perceptuella upplevelser och hans avsikt med Emanationserien var att översätta ett unikt andligt fenomen till något sekulärt, samtida och universellt. Kane är en amerikansk multimediaartist vars arbete korsar gränserna för fotografi, måleri och tryckkonst i ett försök att undersöka idén om vad en bild är och kan vara. Han bor och arbetar i Kalifornien, nära San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment på duk. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Ett annat av Kanes konstverk som ingår i hans senaste Emanationsserie, EM2020-59, utforskar ytterligare egenskaper hos ljus som ett eteriskt element som överför de materiella egenskaperna hos fotografi till den metafysiska/spirituella sfären. En skannad bild av en buddhistisk thangka - en målning som avbildar en buddhistisk gudom - är återigen suddig och utdragen, vilket resulterar i enbart en destillerad bild av färg och form. Kane trycker dessa reducerade bilder på akvarellpapper som elementära representationer av ljuskropparna hos Buddhas som skänker en välsignelse till dem som ser dem. Han tolkar dessa välsignelser som stunder av lugn och medvetenhet och för att initiera samma upplevelse av fred och stillhet som en betraktare upplever när de möter konsten av Rothko eller Turrell. Kane blev djupt inspirerad av tanken att ett livlöst objekt skapat genom tillämpning av teknologi kunde skänka en sådan känsla till en betraktare.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment på akvarellpapper. 50,8 x 50,8 cm.

Jesus Perea - M338

I sin sökande efter skönhet genom geometri, Perea undersöker de rationella strukturer som ligger till grund för den oförutsägbara och affektiva naturen av intelligens. Tryckt på Hahnemuhle photo rag, M338 epitomiserar Perea’s mest unika manifestation av grafisk abstraktion. Han svänger mellan illustration och expressionism och syntetiserar världen av förnuft och världen av känslor i en uttrycksfull och övertygande digital skapelse. Belägen mellan den geometriska och biomorfa, framträder en matematisk skönhet av naturen som avslöjar mysterierna av både struktur och uttryck. Den vibrerande karaktären av hans digitalt skapade verk väcker en känsla av konstant rörelse - även när de är färdiga känns de som om de är levande med potential. Han jagar medvetet efter bilder som svävar mellan det förflutna och framtiden; mellan de arkitektoniska och naturliga världarna. År 2018, efter tre år av att enbart använda en dator som verktyg för komposition och skapelse, kände han behovet av att återuppleva rytmen och utvecklingen av att blanda manuella och digitala kreativa processer och M338 exemplifierar hans återkomst till blandningen av de två riken i hans oändliga strävan efter skönhet och ren känsla. Perea är en multidisciplinär abstrakt konstnär som bor och arbetar i Madrid, Spanien. Tillsammans med Richard Caldicott, Luuk de Haan och Pieter Bijwaard är Perea medlem av den samtida abstrakta konstkollektivet Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Digital skapelse, tryckt på Hahnemuhle Photo Rag de 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Det senaste från Snell avslöjar rytmiska, harmoniska visuella strukturer som transponerar en betraktare till de djupaste djupen av ren tanke. Han skapar visuella förslag som översätter reflektion till ett autentiskt meditativt tillstånd. Bleed # 202001 avslöjar dynamiken i Snells färgrelationer som uppstår från en kombination av arkitektoniska aspekter av hans kompositioner och hans livfulla, lysande ytor. Avsaknaden av meta-semantik och representation drar en betraktare mitt i det primala och tonala estetiska materialet. I denna primordiala upplevelse är en betraktare nedsänkt i färg, rytm och rum som öppnar sig för hans/hennes tolkande reflektion och därmed rensar vägen till ren transcendens. Han fångar ett objekt eller en plats med en traditionell kamera, digitalt avkodar den visuella informationen och reducerar och förenklar färgerna och formerna tills dessa reducerade element vecklar ut sig i sina självreferentiella relationer. Denna vecklingsprocess kartlägger tvetydigheten och övergångstillstånden som är inneboende i mediet. Snell kombinerar traditionella och digitala tekniker för att utforska möjligheterna för abstraktion och minimalism i samtida fotomedier. Han bor och arbetar i Launceston, Tasmanien.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Kromogenisk utskrift ansiktsmonterad 3mm matt plexiglas. 180 x 115 cm.

Utvald bild: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, installationsvy.
Av Jovana Vuković