Element av Abstraktion - Elizabeth Gourlay i en Intervju

Elizabeth Gourlay betraktar sitt arbete som en meditation över former och färger, och jämför ibland sin ateljépraktik med processen att komponera musik. Genom att använda en blandning av medier, från oljor till grafit till collage, skapar Gourlay abstrakta kompositioner som anspelar på ett estetiskt språk, sublimt balanserat mellan natur och geometri. Som bosatt i Chester, Connecticut, har Gourlay verk med i fyra grupputställningar denna månad, i New York, Connecticut och Massachusetts. IdeelArt fick en chans att samtala med henne om hennes praktik, hennes utställningskalender och hennes nya konstnärskap.

Elizabeth Gourlay Intervju – Nyliga utställningar och aktiviteter

IdeelArt: Du har en hektisk månad! Den här månaden deltar du i fyra grupputställningar i fyra olika städer. När du befinner dig i en sådan period, där många olika betraktare får möjlighet att möta ditt arbete, hinner du då fortfarande vara aktiv i ateljén eller föredrar du att vara i gallerierna och interagera med betraktarna och ta in deras reaktioner på ditt arbete?

Elizabeth Gourlay: Det här är första gången jag har så mycket aktivitet samtidigt. Det är spännande men jag är så van vid att ge enskilda utställningar min odelade uppmärksamhet, nu var jag tvungen att missa en vernissage för att gå på en annan. Men när verken väl är levererade blir tiden min egen. Även om jag är mycket ivrig att komma in i ateljén efter även en kort period av aktivitet som tar mig bort, njuter jag också av samspelet som sker i galleriet, att prata med andra konstnärer och vänner under vernissager och andra gallerihändelser. Abstrakt konst är ett språk, och samtal med betraktare, särskilt konstnärer och vänner under evenemang, bygger upp en känsla av motståndskraft i de nya uttryck vi finner.

IA: Du har utställningar denna månad på idylliska, lantliga platser, som The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, samt i tätbefolkade stadskärnor, som 1285 Avenue of the Americas Gallery i Midtown Manhattan. På vilka sätt har betraktare i så olika miljöer reagerat olika på ditt arbete?

E.G. I båda fallen var publiken visuellt kunnig och verkade engagerad och positiv. I New York City var de generellt mer högljudda, ställde frågor och uttryckte åsikter mer lättsamt. Jag tror att betraktarna i New York tenderade att gå närmare verken!

IA: På vilka sätt har samtal eller andra typer av möten med betraktare påverkat riktningen i din praktik?

E.G. Jag försöker att inte låta mig påverkas av betraktarnas reaktioner, men om responsen är positiv mot en ny riktning som jag är entusiastisk över i arbetet, tenderar det att påverka mig att fortsätta utforska den vägen. Det är alltid intressant att uppleva skillnader i åsikt och hur och varför människor dras till olika verk.

Elizabeth Gourlay – Tantara 1, 2013. Monotyp på papper. 40,6 x 38,1 cm.

Dåtid och nutid

IA: Hur skiljer sig det arbete du gör idag från det du gjort tidigare? 

E.G. Mitt arbete, från omkring 1994, var ofta rutnätsbaserat och i kvadratiskt format. Det byggdes upp i lager av tunna färgskikt och ritade linjer. Runt 2005 började jag leka med mycket djärvare geometriska former och mättade färger. Sedan dess har jag pendlat mellan djärva, starka former och färger och arbeten som är mer ömtåliga och dämpade, ibland kombinerande de två. Verken börjar ofta på liknande sätt men kan sluta mycket olika. Den största förändringen är nog den frihet jag tillåter mig själv i skapandeprocessen.

IA: Du nämner ibland meditation när du talar om ditt arbete. Kan du utveckla vad det ordet betyder i relation till din konst? Till exempel, anser du att själva skapandeprocessen är meditativ? Anser du att det färdiga verket kan vara en möjlig meditativ mellanhand för betraktare? 

E.G. Jag anser att processen är meditativ. Jag försöker att inte ta med för många idéer till ateljén, kanske en färgidé eller en formidé. När jag börjar arbeta låter jag det inre ögat, det undermedvetna, svara på arbetet och leda mig att fånga det svårfångade mentala elementet som kan vara avlägset och ändå så närvarande. Vanligtvis händer mitt bästa arbete när mitt tänkande är ostört, när jag är i samklang med arbetet. Oavsett om jag ritar direkt eller lägger på lager av färg, njuter jag av upplevelsen att låta verket växa fram. Jag kan inte uttrycka det bättre än Paul Klee som sa: ”min hand är helt och hållet ett instrument för en mer avlägsen sfär.” Jag arbetar inte med avsikten att skapa något för någon annans upplevelse, men jag är öppen för deras reaktion och tolkning. Jag har haft människor som lever med verken som ofta säger att att titta på verken ger dem ro, lugn glädje eller att verket är grundande. Så jag är säker på att betrakta de färdiga verken som meditativa mellanled är mycket giltigt, men jag låter dem som lever med verken och de som är experter på sinne och meditation göra den bästa bedömningen. Om en ikon, eller meditativ mellanhand, är ett föremål som ger lugn glädje eller en grundande ro, då ja, får jag ofta höra att mina verk har sådana effekter.

Elizabeth Gourlay – Kitha 4, 2014. Monotyp på papper. 38,1 x 40,6 cm.

Om processen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musik och dess förmåga att förmedla känslor på en abstrakt nivå. Du gör också kopplingar mellan musik och ditt arbete. En koppling du gör är att ditt visuella språk av linjer och färger kan tolkas som en anspelning på musikaliska skalor. Vilka andra sätt delar din process eller dina konstverk likheter med musikkomposition?      

EG: Jag tänker inte medvetet på musik eller musikkomposition. Men antalet personer som gör den kopplingen till musik är så stort, det måste finnas något i liknelsen. Jag lyssnar ofta på musik när jag arbetar och jag lärde mig spela piano som barn, så det kan påverka arbetet. Jag ”komponerar” på ett sätt som kan likna musikkomposition, särskilt i processen att leka med staplar, linjer och färgblock. Att flytta dem runt på bildytan är så likt att ha toner och ackord på olika platser i ett notblad. 

IA: Berätta lite om din process, särskilt relationen du har till collage. Till exempel, på vilka sätt påverkar processen att lägga lager av papper i ditt arbete dig annorlunda än måleriprocessen? 

EG: Vanligtvis är min måleriprocess, oavsett om det är på papper eller linne, mycket direkt. Vanligtvis börjar jag med att rita linjer, följt av färgskikt, följt av formelement. Jag försöker överraska mig själv med en stark oväntad form eller en färg utanför min vanliga palett. Jag flyttar runt dessa, försöker hitta en balans mellan färg och form. Det här stadiet känns som en pågående dans, där formalismen smyger sig in en stund och där jag tar ett steg tillbaka mot den. Besluten om huruvida de djärva inslagen ska ingå är en dynamik som kan hålla mig engagerad i ett verk i veckor. Collageverken börjar med att leka med färg, färga kanter med bläck och rita linjer på japanskt papper och sedan klippa dessa i remsor. Jag klistrar försiktigt fast dem på duk eller linne utan en förutbestämd komposition eller struktur i åtanke. När verket utvecklas börjar jag analysera för att släppa in redaktören i rummet igen, justera färg eller form tills verket känns rätt.   

Framhävd bild: Elizabeth Gourlay i ateljén