Element av Abstraktion - Elizabeth Gourlay i en Intervju

Elizabeth Gourlay betraktar sitt arbete som en meditation över former och färger, och jämför ibland sin studioverksamhet med processen att komponera musik. Genom att använda en blandning av medier som sträcker sig från oljor till grafit till collage, skapar Gourlay abstrakta kompositioner som refererar till ett estetiskt vokabulär som är sublimt balanserat mellan natur och geometri. Som boende i Chester, Connecticut, har Gourlay verk i fyra grupputställningar denna månad, i New York, Connecticut och Massachusetts. IdeelArt hade en chans att prata med henne om hennes praktik, hennes utställningskalender och hennes nya verk.

Elizabeth Gourlay Intervju - Senaste Utställningar och Aktiviteter

IdeelArt: Du har en hektisk månad! Denna månad är du med i fyra grupputställningar i fyra olika städer. När du befinner dig i en tid som denna, när många olika åskådare får möjlighet att möta ditt arbete, tar du dig fortfarande tid att vara aktiv i studion eller föredrar du att vara i gallerierna och interagera med dessa åskådare och ta in deras reaktion på ditt arbete?

Elizabeth Gourlay: Det här är första gången jag har haft så mycket aktivitet på en gång. Det är spännande, men jag är så van vid att ge individuella utställningar min odelade uppmärksamhet, nu var jag tvungen att missa en vernissage för att delta i en annan. Men när konsten väl är levererad, blir tiden min egen. Även om jag är extremt ivrig att komma in i studion efter även en kort period av aktivitet som tar mig bort, njuter jag också av interaktionen som sker i galleriet, att prata med kollegor och vänner under vernissager och andra galleriaktiviteter. Abstrakt konst är ett språk, och att prata med besökare, särskilt konstnärer och vänner under evenemang, bygger upp en känsla av motståndskraft i de nya uttryck vi hittar.

IA: Du har utställningar den här månaden på idylliska, lantliga platser, som The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, samt i tätt befolkade stadsområden, som 1285 Avenue of the Americas Gallery, i Midtown Manhattan. På vilka sätt har åskådare i dramatiskt olika miljöer reagerat olika på ditt arbete?

TILL EXEMPEL. I båda fallen var publiken visuellt sofistikerad och verkade engagerad och positiv. I New York City verkade de generellt vara mer verbala, ställa frågor och uttrycka åsikter mer villigt. Jag tror att tittarna i New York tenderade att gå närmare verken!

IA: På vilka sätt har samtal eller andra typer av interaktioner med tittare påverkat riktningen för din praktik?

TILL EXEMPEL. "Jag försöker att inte påverkas av tittarnas reaktioner, men oundvikligen, om responsen är positiv mot en ny riktning som jag är entusiastisk över i arbetet, så tenderar det att påverka mig att fortsätta utforska den vägen. Det är alltid intressant att uppleva skillnaden i åsikter och hur och varför människor dras till olika verk."

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypi på papper. 40,6 x 38,1 cm.

Förr och nutid

IA: Hur skiljer sig det arbete du gör idag från det arbete du har gjort tidigare? 

TILL EXEMPEL. "Mitt arbete, från omkring 1994, var mycket ofta rutnätsbaserat och i fyrkantigt format. Det byggdes upp i lager av tvättar och dragna linjer. Runt 2005 började jag leka med mycket djärvare geometriska former och mättade färger. Sedan dess har jag gått fram och tillbaka mellan djärva, starka former och färger och arbete som är mer delikat och dämpat, ibland kombinerar jag de två. Verken börjar ofta på ett liknande sätt men kan sluta väldigt olika. Förmodligen är den största förändringen den frihet jag tillåter mig själv i skapandeprocessen."

IA: Du refererar ibland till meditation när du diskuterar ditt arbete. Kan du utveckla vad det ordet betyder i relation till din konst? Till exempel, anser du att processen att skapa verket är meditativ? Anser du att den färdiga produkten kan vara en potentiell meditativ förmedlare för betraktare? 

TILL EXEMPEL. Jag anser verkligen att processen är meditativ. Jag försöker att inte ta med för många idéer till studion, kanske en färgidé eller en formidé. När jag börjar arbeta, låter jag det inre ögat, det omedvetna sinnet, svara på verket och leda mig till att fånga det illusoriska mentala elementet som kan vara avlägset och ändå så närvarande. Vanligtvis sker mitt bästa arbete när mitt tänkande är otydligt, när jag är i samklang med verket. Oavsett om jag ritar direkt eller när jag lager på lager med tvättar, njuter jag av upplevelsen av att låta verket framträda. Jag kan inte uttrycka det bättre än Paul Klee som sa: "min hand är helt och hållet instrumentet för en mer avlägsen sfär." Jag arbetar inte med någon avsikt att skapa något för andras upplevelse, men jag är öppen för deras reaktion och tolkning. Jag har haft människor som lever med verket som ofta säger att de får fred, lugn glädje, eller att verket är förankrande när de ser på det. Så jag är säker på att betrakta de färdiga verken som meditativa mellanled är mycket giltigt, men jag låter dem som lever med verken och de som är experter på sinne och meditation göra den bästa bedömningen. Om en ikon, eller meditativ mellanled, är ett objekt som ger en lugn glädje, eller en fred som är förankrande, då ja, jag får ofta höra att mina verk har dessa effekter.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypi på papper. 38,1 x 40,6 cm.

Om processen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musik och dess förmåga att kommunicera känslor på en abstrakt nivå. Du gör också kopplingar mellan musik och ditt arbete. En koppling du gör är att ditt visuella ordförråd av linjer och färger kan tolkas som en referens till musikaliska skalor. Vilka andra sätt finns det som din process eller dina konstverk delar gemensamma drag med musikalisk komposition?

TILL EXEMPEL: Jag tänker inte medvetet på musik eller musikkomposition. Ändå är antalet människor som gör den kopplingen till musik så stort, det måste finnas något i analogin. Jag lyssnar ofta på musik när jag arbetar och jag lärde mig spela piano som barn, så detta kan påverka arbetet. Jag "komponerar" på ett sätt som kan verka liknande musikkomposition, särskilt i processen att leka med staplar, linjer och block av färg. Att flytta dem runt på bildplanet är så likt att ha noter och ackord på olika ställen runt ett notblad. 

IA: Prata lite om din process, specifikt förhållandet du har till collage. Till exempel, på vilka sätt påverkar processen att lager på lager av papper i ditt arbete dig annorlunda än processen att måla? 

TILL EXEMPEL: Oftast är min målningsprocess, oavsett om det är på papper eller linne, mycket direkt. Vanligtvis börjar jag med att dra linjer, följt av färgsköljningar, följt av former. Jag försöker överraska mig själv med en stark oväntad form, eller en färg bortom min vanliga palett. Jag flyttar runt dessa, försöker få en balans mellan färg och form. Denna fas känns som en pågående dans, där formalismen smyger sig in en stund och där jag trycker tillbaka mot den. Besluten om huruvida man ska inkludera de resulterande djärva intrången är en slags dynamik som kan hålla mig engagerad med ett verk i veckor. Collageverken börjar med att leka med färg, fläcka kanter med bläck och dra linjer på japanskt papper och sedan skära dessa i remsor. Jag collagear dessa på duken eller linnet noggrant men utan en förutbestämd komposition eller struktur i åtanke. När verket utvecklas börjar jag analysera för att låta redaktören komma tillbaka in i rummet, för att justera färg eller form tills verket känns rätt.   

Utvald bild: Elizabeth Gourlay i studio