"De Gör Abstraktionen - En Intervju med Pompidou Chefskurator Christine Macel"

Centre Pompidou kommer att skriva historia denna sommar med Elles font l’abstraction – den mest omfattande förklaringen hittills av kvinnliga konstnärers bidrag till utvecklingen av abstrakt konst. Pompidous chefsintendent Christine Macel samlade mer än 500 verk av 106 konstnärer till utställningen. Långt ifrån att bara fylla gallerier med konst, tog Macel tillfället i akt att visa vad en kurators roll verkligen är – kuratorer skriver, och i bästa fall rättar, konsthistorien. Dussintals av de konstnärer hon valde kommer att vara bekanta för publiken. Många andra kommer att vara helt nya, även för experter inom området. Det beror på att Macel och hennes team har gjort det otroligt svåra arbetet att upptäcka och lyfta fram globala kvinnliga röster som, trots sin genialitet och påverkan, utelämnats från den konsthistoriska kanon. Utställningen och dess stödjande dokumentation – inklusive texter, filmer och föreläsningar – sträcker sig från 1860-talet till 1980-talet och kommer för alltid att förändra vår förståelse av abstraktionens utveckling som ett plastiskt språk. Efter min nyliga intervju med Macel har jag kommit att tro att detta bara är början. Vår konversation följer nedan.

Tack för att du talar med oss, Christine, jag har varit beundrare av ditt arbete sedan du kuraterade Venedigbiennalen 2017. Är Elles font l’abstraction det mest ambitiösa institutionella försöket du känner till att på rätt sätt erkänna kvinnliga abstrakta konstnärers internationella bidrag?

Ja, verkligen. Det är därför jag bestämde mig för att göra denna forskning och utställning. Det fanns tydligt en process där kvinnliga konstnärer osynliggjordes i abstraktionens historiografi.

Vad var den största utmaningen med att få denna utställning till Centre Pompidou?

Låneprocessen och budgetfrågor, liksom pandemisituationen. Men jag måste säga att det fanns ett otroligt stöd från museer och privata samlare över hela världen, liksom från sponsorer. Mitt under pandemin kunde jag räkna med stöd från Van Cleef and Arpels, Luma Foundation, Pompidous vänner med flera, som var avgörande för att förverkliga detta projekt. För att inte tala om samarbetet med Guggenheim Bilbao som var avgörande för denna utställning. Många konsthistoriker och forskare har också varit mycket stödjande. Framför allt Griselda Pollock, som är en av de många skribenterna i katalogen och vår hedersgäst vid symposiet med Aware-föreningen. Konstnärerna själva var också mycket entusiastiska. Det var en stor energikick! Jag hade fina samtal med Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud och Jessica Stockholder, för att bara nämna några.

Dessa fyra konstnärer har särskilt så olika visuella språk. Det är uppfriskande att se det otroligt breda spektrum av visuella uttryck som representeras i denna utställning.

Mitt uttalande är att öppna definitionen av de medier som berörs av abstraktion, utifrån konstnärernas egna ståndpunkter. Spiritualism, dans, konsthantverk, fotografi och film har varit en del av denna historiografi. Jag vill också betona varje konstnär som särskild och originell.

Huguette Caland – Bribes de corps, 1973. Med tillstånd av Caland-familjen. Foto Elon Schoenholz, med tillstånd av Caland-familjen

Vilken ton hoppas du sätta med denna utställning?

En explosion av glädje och njutning; en beundran och respekt för alla dessa konstnärer; en medvetenhet om den långa väg som ligger framför oss för att verkligen fördjupa denna historia.

Så många konstnärer i denna utställning har aldrig fått rättmätig beundran och respekt. Är det fortfarande en alienerande upplevelse att vara kvinnlig abstrakt konstnär idag?

Nej, idag är vi inte i en situation av alienation utan av öppenhet, upptäckter och återupptäckter. Dörren är vidöppen, och många museer, konsthistoriker och unga forskare arbetar för att skapa en annan framtid.

Du kunde utan tvekan ha inkluderat många fler konstnärer i denna utställning. Hur begränsade du dina val?

Det är en så komplex process att jag inte kan beskriva den med några få ord. Tillgänglighet av verken, transportkostnader, platsfrågor med mera är också en del av det slutgiltiga resultatet. Men jag har realiserat en stor del av det jag ville göra.

Georgiana Houghton – Album of Spirit Art, 1866-84. Bild med tillstånd från The College of Psychic Studies, London

Var du rädd för att utelämna någon avgörande?

Det är mindre en rädsla än en viss sorg, en ånger ibland, att tvingas välja. Uteslutning är alltid en del av arbetet, eftersom historien alltid är en ofullständig berättelse. Denna medvetenhet om den totala berättelsens omöjlighet är något som ligger i kärnan av forskning i allmänhet. Konsthistorien är alltid ofullbordad och omskriven. Inget är definitivt, bara ett förslag.

Du var åtta år när du först besökte Centre Pompidou. Hur skulle din uppfattning under uppväxten ha varit annorlunda om Elles font l’abstraction hade varit utställningen som visades vid det tillfället?

Det skulle ha varit en helt annan inställning. Det tog tid att inse hur konsthistorien dominerades av manliga konsthistoriker och konstnärer. Jag minns tydligt de konstnärer jag upptäckte när jag gick till Pompidou som barn: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, alla män! Men som tonåring var jag mycket intresserad av kvinnliga författare: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Jag minns också att jag läste Shere Hite, som stod på samma hylla som Freud i folkbiblioteket! Det är kanske därför jag som student bestämde mig för att skriva min uppsats om Rebecca Horn och översätta alla hennes filmer från tyska till franska.

För att omformulera frågan du ställde 2017 som chef för den visuella konstsektorn vid Venedigbiennalen: Vad betyder det att vara kvinnlig abstrakt konstnär idag?

Egentligen borde det rätta vara att vara konstnär "rakt av". Vi är nu förbi essentialismen, förhoppningsvis. Jag har aldrig tänkt på mig själv som en ”kvinnlig kurator”. Som jag brukade säga, har ingen någonsin frågat Okwui Enwezor om han var far eller gift under sina intervjuer som chef för Venedigbiennalen. Jag tyckte det var mycket irriterande att alltid bli tillfrågad om mitt kön och min så kallade situation som ”kvinna” istället för om mitt arbete. Vi behöver återigen mycket forskning och utställningar för att nå denna punkt även för ”kvinnliga konstnärer”. Men dörren är nu vidöppen och det kommer inte att bli något steg tillbaka tack vare den yngre generationen konststuderande.

Joan Mitchell – Mephisto, 1958. © Joan Mitchells dödsbo © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Så hela din karriär har du berättat en mer fullständig historia. Men abstraktion handlar inte så mycket om att berätta historier som om att utmana uppfattningen. Betyder denna utställnings framträdande just nu att du tror att vår generation behöver återvända till mer esoteriska sysselsättningar?

Nej, det skulle jag inte säga. Men i en tid då människor lever med virtualitet och bilder, i en parallell värld, mestadels föreställande, känner jag att närvaron av abstrakt konst leder oss in i en annan sfär. Den berättar om något som är förankrat både i våra kognitiva och andliga dimensioner. Man kan mycket tydligt känna vad ett abstrakt verk berättar, om det till exempel är materialistiskt eller transcendentalt, om det är roligt eller taktilt, utan några ord. Det är lite som musik. Uppfattningen räcker för att förstå poängerna, och till och med för att känna vem konstnären bakom är. I en tid då konsten ibland är alltför tungt lastad med förklaringar och parallella diskurser, älskar jag att vara med verk som ”talar” för sig själva.

Våra tack till Christine Macel för att hon generöst gav IdeelArt denna intervju. Elles font l’abstraction visas 5 maj – 23 augusti 2021 på Centre Pompidou i Paris.

Framträdande bild: Hilma Af Klint – Svanen, nr 16, Grupp IX/SUW, 1915. Med tillstånd av Hilma af Klint-stiftelsen. Foto: Moderna Museet, Stockholm
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Intervju av Phillip Barcio