Hur abstrakt expressionism påverkade skulptur - En Guggenheim-utställning

En nyligen öppnad skulpturutställning på Solomon R. Guggenheim-museet i New York känns förvirrad när det gäller arvet från vita, patriarkala konströrelser från förr. Knotted, Torn, Scattered: Sculpture after Abstract Expressionism påstår sig vara en undersökning av ”de mångfaldiga sätt som konstnärer på 1960- och 70-talen svarade på framgångarna hos abstrakta expressionistiska målare för att formulera unika tillvägagångssätt inom skulpturpraktiken.” Kurateringen inkluderar verk från Guggenheims samling av sex konstnärer: Richard Serra, Robert Morris, Tony Smith, Lynda Benglis, Senga Nengudi och Maren Hassinger. Kurateringen (och tillhörande text) antyder en övergripande sympati för abstrakt expressionism som egentligen bara gäller hälften av konstnärerna i utställningen – männen. Oavsett om de försökte föra den vidare eller uttryckligen avvisade den i sin praktik, har Serra, Morris och Smith åtminstone vid något tillfälle uttryckt en samhörighet med tanken på att vara en del av den officiella konsthistoriska linjen som abstrakt expressionism tillhör. Det är dock en överdrift att säga samma sak om Benglis, Nengudi och Hassinger – de tre kvinnor vars verk ingår i utställningen. Under hela sin karriär har Benglis uppmärksammat misogynin inom abstrakt expressionism, minimalism och deras förespråkare, samt den hela rasistiska, sexistiska, patriarkala konsthistoriska världsbild de representerar. Nengudi och Hassinger har under sina respektive karriärer ägnat sig åt att skapa helt egna visuella uttryck som, om något, undergräver de könsbestämda, patriarkala system som hyllas i denna utställning. Kanske försökte Guggenheim vara antisexistiskt och antirasistiskt genom att kuratera in Benglis – en gigant inom feministisk konst – och Nengudi och Hassinger – två kvinnor med annan hudfärg – i en utställning med tre ikoner från vit, patriarkal konsthistoria. Men om det var tanken, känns försöket misslyckat och kanske till och med motsatsen uppnådd.

Representation i inspiration

2014 anordnade Museum of Contemporary Art i Denver en ambitiös retrospektiv utställning av Senga Nengudis verk, som är långvarig invånare i närliggande Colorado Springs. Den retrospektiva utställningen gav rättvis representation åt denna konstnärs inspirationskällor. Den klargjorde att Nengudi är en särpräglad konstnär vars verk inte kan förklaras med den vanliga konsthistoriska kanonens termer. Född i Chicago 1943 flyttade hon med sin mor 1949 till Los Angeles. Efter att ha tagit sin kandidatexamen vid Cal State studerade hon ett år vid Waseda-universitetet i Tokyo, där hon bekantade sig med idéerna och metoderna hos Gutai-gruppen. Vid återkomsten till Los Angeles blev hon en del av den experimentella Studio Z-kollektivet och började utveckla en tvärvetenskaplig praktik rotad i skärningspunkten mellan svart feministisk performance och skulptur. 1974 började hon arbeta med strumpbyxor och dokumenterade intuitiva dansföreställningar där hon gestaltade skulpturala rumsliga besättningar, där hon trasslade in sig i längder av materialet som var fästa vid väggarna. Hennes verk i den nuvarande Guggenheim-utställningen är hämtade från den serien. Det skulle rimligen kunna placeras i arvet från Gutai, Fluxus, feminism och den svarta avantgarden, men att pressa in det i en diskussion om abstrakt expressionism är en överdrift.

Senga Nengudi - Performanceverk, 1978/2013. Gelatinsilvertryck, triptyk, 40 x 31 1/2 tum (101,6 x 80 cm) och 31 1/2 x 40 tum (80 x 101,6 cm) vardera. A.P. 1/1, upplaga om 5. Fotografier av Harmon Outlaw. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, inköpt med medel bidragna av Photography Council, med ytterligare medel från Manuel de Santaren 2019.20. © 2020 Senga Nengudi

Född i Los Angeles har Maren Hassinger haft en livslång koppling till Nengudi, och de två samarbetar ibland. Liksom Nengudi är Hassinger en helt särpräglad konstnär vars verk knappt har någon koppling till det ideologiska arvet från abstrakt expressionism. Hassinger studerade vid Bennington College i Vermont och beklagade hur hennes lärare hyllade Clement Greenberg och hans syn på konsthistorien som det enda rätta. Hennes fiber-skulpturer och installationer har en känslomässig tyngd som har mer gemensamt med Eva Hesses verk, en annan helt särpräglad konstnär som Hassinger räknar som en influens. Hassingers verk i Guggenheim-utställningen köptes nyligen in av museet. Det består av stora sjömansrep med lösa öglor knutna i dem. På något sätt kopplar den medföljande texten detta verk till en filtklump-skulptur av Robert Morris. Jag förstår att Guggenheim vill visa upp detta fantastiska nya Hassinger-inköp, men varför låtsas att det har något att göra med minimalism eller Morris? Kände kuratorerna sig obekväma med att ge detta kraftfulla verk ett eget utrymme att uttrycka sina verkliga frågor?

Lynda Benglis - Juliet, 1974. Aluminiumgips, aluminiumnät, 32 1/2 × 19 3/4 × 7 1/4 tum (82,6 × 50,2 × 18,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, gåva från Andrew Powie Fuller och Geraldine Spreckels Fuller Collection, 2009.4. © Lynda Benglis / Licensierad av VAGA vid Artists Rights

Byt ut patriarkatet

På ett slags bakvänt sätt är Lynda Benglis den enda kvinnliga konstnär som kanske kan inkluderas i denna utställning eftersom hon i slutet av 1960-talet gjorde en serie golvmålningar som svar på den dominerande, patriarkala hållning som Pollock och de abstrakta expressionisterna förespråkade. Benglis var dock inte sympatisk genom att härma detta sätt att måla. Tvärtom. Det var en gest avsedd att håna rörelsen. De två verken av Benglis som ingår i Knotted, Torn, Scattered – ”Two” och ”Juliet” – gjordes 1973 respektive 1974. Vid denna tid hade Benglis gått vidare till att göra banbrytande videoverk, och även om hon fortfarande arbetade i andra medier som skulptur, arbetade hon helt i ett kreativt mentalt rum som var skilt från manlighet – och helt skilt från den manligt centrerade konsthistoriska kanonens anda. Det känns fel att dessa två knutna skulpturer av Benglis presenteras i denna utställning som förlängningar av något estetiskt eller intellektuellt arv som Pollock startade.

Visas i förgrunden: Tony Smith - Wingbone, 1962. Gips, tyg och trä, 26 x 25 x 118 tum (66 x 63,5 x 299,7 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, inköpt genom tidigare gåvor från Andrew Powie Fuller och Geraldine Spreckels Fuller Bequest samt Richard S. Zeisler Bequest, 2013.7. © 2020 Estate of Tony Smith / Artists Rights Society (ARS), New York

För att citera Manifestet för kvinnlig revolt (1970), ”Kvinnan får inte definieras i förhållande till mannen. Mannen är inte modellen att hålla upp för kvinnans självupptäcktsprocess.” Samma känsla gäller konstnärer som identifierar sig med någon mänsklig identitet definierad i förhållande till konstnärer med någon annan mänsklig identitet. Att samla verken av Benglis, Nengudi och Hassinger i en utställning som hyllar den vita, patriarkala konsthistorien undergräver det arbete dessa konstnärer gjort för att förverkliga sin fulla potential som individer och förnekar deras verkliga arv. Den godtyckliga, och i bästa fall partiella, version av konsthistorien som Knotted, Torn, Scattered bygger på har sin plats, men dessa konstnärer förtjänar bättre än att visas i dess bojor.

Omslagsbild: Maren Hassinger - Untitled, 1972/2020. Rep. Mått varierande. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Inköpt genom tidigare gåva från domaren och fru Samuel I. Rosenman, 2020 © 2020 Maren Hassinger
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio