Hur abstrakt expressionism påverkade skulptur - En Guggenheim-utställning

En nyligen öppnad skulpturutställning på Solomon R. Guggenheim Museum i New York känns förvirrad när det kommer till arvet av vita, patriarkala konstnärsrörelser från det förflutna. Knotted, Torn, Scattered: Sculpture after Abstract Expressionism påstår sig vara en övervägning av "de olika sätt som konstnärer på 1960- och 70-talen svarade på prestationerna hos abstrakta expressionistmålare för att formulera unika tillvägagångssätt för skulptural praktik." Kurationen inkluderar verk från Guggenheim-samlingen av sex konstnärer: Richard Serra, Robert Morris, Tony Smith, Lynda Benglis, Senga Nengudi och Maren Hassinger. Kurationen (och den medföljande texten) antyder en övergripande nivå av sympati med abstrakt expressionism som egentligen bara gäller hälften av konstnärerna i utställningen—männen. Oavsett om de försökte vidareutveckla den, eller uttryckligen avvisade den i sin praktik, har Serra, Morris och Smith åtminstone vid något tillfälle uttalat en vänlighet till idén om att vara en del av den officiella konsthistoriska linjen som abstrakt expressionism tillhör. Det är dock en sträcka att säga detsamma om Benglis, Nengudi och Hassinger—de tre kvinnor vars verk ingår i utställningen. Under hela sin karriär har Benglis uppmärksammat misogynin inom abstrakt expressionism, minimalism och deras protagonister, samt den hela rasistiska, sexistiska, patriarkala visionen av konsthistorien som de representerar. Nengudi och Hassinger har å sin sida ägnat sina respektive karriärer åt att skapa helt distinkta visuella röster som, om något, undergräver de könade, patriarkala system som hyllas i denna utställning. Kanske försökte Guggenheim vara anti-sexistiska och anti-rasistiska genom att kuratera Benglis—en gigant inom feministisk konst—och Nengudi och Hassinger—två färgade kvinnor—i en utställning med tre ikoner av vit, patriarkal konsthistoria. Men om det var idén, känner jag att försöket faller platt, och kanske till och med uppnår motsatt mål.

Representation i Inspiration

År 2014 anordnade Museum of Contemporary Art i Denver en ambitiös retrospektiv av Senga Nengudis verk, som är en långvarig invånare i det närliggande Colorado Springs. Den retrospektiven gav en korrekt representation av denna konstnärs inspirationer. Genom att göra det klargjorde den att Nengudi är en distinkt konstnär vars verk inte kan förklaras utifrån den vanliga konsthistoriska kanon. Född i Chicago 1943 flyttade hon med sin mamma 1949 till Los Angeles. Efter att ha avlagt sin kandidatexamen vid Cal State, gick hon på Waseda University i Tokyo i ett år, där hon bekantade sig med idéerna och metoderna från Gutai-gruppen. När hon återvände till Los Angeles blev hon en del av den experimentella kollektivet Studio Z och började utveckla en tvärvetenskaplig praktik som är rotad i korsningen mellan svart feministisk performance och skulptur. År 1974 började hon arbeta med strumpbyxor och dokumenterade intuitiva dansföreställningar där hon manifesterade skulpturala beboenden av rummet, och blev intrasslad i längder av materialet som var fästa vid väggarna. Hennes arbete i den aktuella Guggenheim-utställningen är hämtat från den serien. Det skulle rimligtvis kunna placeras i arvet av Gutai, Fluxus, Feminism och den svarta avantgarden, men att pressa in det i en diskussion om abstrakt expressionism är en sträcka.

Senga Nengudi - Performance Piece, 1978/2013. Gelatin silver prints, triptyk, 40 x 31 1/2 tum (101,6 x 80 cm) och 31 1/2 x 40 tum (80 x 101,6 cm) vardera. A.P. 1/1, upplaga av 5. Fotografier av Harmon Outlaw. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Inköpt med medel bidragna av Photography Council, med ytterligare medel bidragna av Manuel de Santaren 2019.20. © 2020 Senga Nengudi

En infödd i Los Angeles har Maren Hassinger haft en livslång koppling till Nengudi, och de två är till och med ibland samarbetspartners. Precis som Nengudi är Hassinger en helt distinkt konstnär vars arbete nästan inte har någon koppling till den ideologiska arvet av Abstrakt Expressionism. Hassinger studerade vid Bennington College i Vermont och beklagade sig över hur hennes lärare höll upp Clement Greenberg och hans vision av konsthistorien som det ultimata. Hennes fiber-skulpturer och installationer har en känslomässig tyngd som har mer gemensamt med verken av Eva Hesse, en annan helt distinkt konstnär, som Hassinger räknar som en influens. Hassinger-arbetet i Guggenheim-utställningen förvärvades nyligen av museet. Det innehåller stora nautiska rep med knutar bundna i dem. På något sätt relaterar texten som följer med utställningen detta arbete till en filt-skulptur av Robert Morris. Jag förstår att Guggenheim vill visa upp detta fantastiska nya Hassinger-förvärv, men varför låtsas att det har något att göra med Minimalism eller Morris? Var curators obekväma med att ge detta kraftfulla verk sitt eget utrymme för att uttrycka sina sanna bekymmer?

Lynda Benglis - Juliet, 1974. Aluminiumgips, aluminiumnät, 32 1/2 × 19 3/4 × 7 1/4 tum (82,6 × 50,2 × 18,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Gåva, Andrew Powie Fuller och Geraldine Spreckels Fuller Collection, 2009.4. © Lynda Benglis / Licensierad av VAGA vid Artists Rights

Byt ut patriarkatet

På ett bakvänt sätt är Lynda Benglis den enda kvinnliga konstnären som skulle kunna inkluderas i denna utställning eftersom Benglis på slutet av 1960-talet gjorde en serie golvmålningar som svarade på den dominerande, patriarkala hållning som Pollock och de abstrakta expressionisterna förespråkade. Men Benglis var inte sympatisk genom att efterlikna detta sätt att måla. Snarare tvärtom. Det var en gest avsedd att förlöjliga rörelsen. De två verken av Benglis som ingår i Knotted, Torn, Scattered—"Two" och "Juliet"—gjordes 1973 respektive 1974. Vid denna tidpunkt hade Benglis gått vidare till att skapa banbrytande videokonstverk, och även om hon fortfarande arbetade i andra medier som skulptur, arbetade hon fullt ut i ett kreativt mentalt utrymme som var skilt från manlighet—och helt avskilt från etosen i den manliga centrala konsthistoriska kanon. Det verkar fel att dessa två knutna skulpturer av Benglis presenteras i denna utställning som förlängningar av någon estetisk eller intellektuell arv som Pollock inledde.

Visas i förgrunden: Tony Smith - Wingbone, 1962. Gips, tyg och trä, 26 x 25 x 118 tum (66 x 63,5 x 299,7 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Inköpt genom tidigare gåvor från Andrew Powie Fuller och Geraldine Spreckels Fuller Testamente samt Richard S. Zeisler Testamente, 2013.7. © 2020 Tony Smiths egendom / Artists Rights Society (ARS), New York

För att citera Manifestet för den kvinnliga revolten (1970), "Kvinna får inte definieras i förhållande till man. Man är inte modellen att hålla upp för kvinnans självupptäcktsprocess." Samma känsla gäller för konstnärer som självassocierar sig med någon mänsklig identitet som definieras i förhållande till konstnärer av någon annan mänsklig identitet. Att samla verken av Benglis, Nengudi och Hassinger i en utställning som firar den vita, patriarkala konsthistorien underminerar det arbete dessa konstnärer har gjort för att manifestera sin fulla potential som individer, och nekar deras sanna arv. Den godtyckliga, och i bästa fall delvisa versionen av konsthistorien som Knotted, Torn, Scattered bygger på har sin plats, men dessa konstnärer förtjänar bättre än att visas i bojor till den.

Utvald bild: Maren Hassinger - Utan titel, 1972/2020. Rep. Variabla dimensioner. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Inköpt genom tidigare gåva av domare och fru Samuel I. Rosenman, 2020 © 2020 Maren Hassinger
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio