Intervju med den amerikanska abstrakta målaren Dana Gordon

Nya målningar av Dana Gordon visas på Sideshow Gallery i Brooklyn fram till 4 juni 2017. Vi hade nyligen möjlighet att prata med Gordon och diskutera detta spännande nya verk.

IdealArt: I sin katalogessä för din nuvarande utställning på Sideshow Gallery i Brooklyn, hänvisar James Panero till ditt nya verk som "något annorlunda" och förespråkar för att det representerar en betydande förändring av riktning för dig. Hur svarar du på den bedömningen?
Dana Gordon: Jag håller med, förutom att jag inte ser det som en förändring av riktning. Jag ser det som samma riktning, bara nästa utvecklingar; betydande nya utvecklingar.

IA: Vänligen dela med dig av dina tankar om förhållandet du hade till improvisation medan du skapade dessa målningar.
DG: Jag ser hela processen av målning som improvisation. Jag tänker på något att göra, jag provar det, och det fungerar eller så gör det inte. Sedan svarar jag igen på vad som finns där. Jag fortsätter att improvisera tills det känns färdigt. Vad jag väljer att göra kan baseras mer eller mindre på den senaste tiden av mitt arbete, den äldre tiden av mitt arbete, annan konst, andra saker av något slag som jag har sett, tänkt, känt eller upplevt, och allt ovanstående -- och ofta är det något som bara dyker upp i mitt sinne och jag provar det. Självklart finns det alltid omedvetna skäl till saker som "bara dyker upp" i ditt sinne. Jag försöker låta mitt omedvetna vägleda mitt arbete, för det finns mycket mer i det omedvetna än i medvetandet. Detta görs via visuell respons på den omedvetna impulsen, inte via psykologisk eller litterär analys. Jag tror att man måste öva denna typ av respons för att få det naturligt och fullt, eftersom den allmänna utbildningsgången är att sudda ut det från dina förmågor, även om det är primärt och uråldrigt. Det är också en bred erfarenhet av visuell konst som förnekas av mycket akademisk kritik. Detta beror på att dessa skribenter helt enkelt inte förstår, eller ser, det visuella och förklarar allt i konsten genom litterära, politiska eller bokstavliga angreppssätt. Det finns självklart skribenter som förstår det visuella. Det är svårt att skriva om.

IA: Verken i denna utställning förmedlar för mig en känsla av att de har uppstått ur någon slags förhandling. Vilka känslor av konflikt och/eller samarbete upplevde du under skapelseprocessen?
DG: Konflikt eller samarbete kom inte in i bilden -- åtminstone inte i min medvetna upplevelse. Jag antar att det alltid finns en slags förhandling – i den meningen att: om jag lägger detta här borta, och det där borta, blir det bättre, eller om jag lägger det på ett annat sätt. Jag väger alltid hur väl olika saker fungerar. Det finns också en slutgiltig förhandling, jag antar att man kan kalla det så, när man måste bestämma sig för om man ska behålla en vacker, fantastisk del av bilden, eller offra den för att göra målningen som helhet bättre. Detta är en vanlig förekomst. Kanske uppstår din fråga från det faktum att alla dessa målningar är delade i hälften vertikalt. Och de använder uppenbarligen flera olika typer av abstrakta tekniker. Jag tyckte att det var intressant att ha vad som skulle kunna verka som två målningar i en målning. Och att jag har gjort dessa två till en. Och, egentligen, tre. Det finns varje sida och det finns helheten. Kanske finns det faktiskt fyra: varje sida, helheten av de två sidorna, och helheten av de två sidorna och den ena. Tidigare i min karriär gjorde jag filmer som hade delar som pratade med varandra, bokstavligt såväl som bildligt och konceptuellt. Det finns en filmstillbild av detta i katalogen. James Panero hänvisade i katalogen till "liknande spänningar, med ett rutnät som överlagras på en fri formdesign" och "trianglar med hårda kanter balanserade mot vilda linjer." När det gäller att använda varierade abstrakta tekniker ser jag dem som en del av mitt arv som konstnär. Jag kan använda eller göra vad jag vill. Det finns en stark tendens inom abstrakt konst, särskilt sedan andra världskriget, att reducera sitt arbete till en enkel aspekt av det visuella, så reducerat som möjligt. Varför inte använda många visuella tekniker istället för bara en? Att använda varierad teknik och komplexa rum är typiskt för de gamla mästarna, även om det döljs av sömlösheten i den avbildade scenen, berättelsen.

Dana Gordon - Oreglerade ämnen, 2015-2017, 72 x 120 tum, olja och akryl på duk, © konstnären

IA: Finns det en skillnad mellan konflikt och samarbete?
DG: Jag skulle säga att de är motsatser. Självklart kan konfliktlösning leda till samarbete. Jag tycker inte att områdena och teknikerna i mina nya målningar står i konflikt. Jag tror att i varje målning fungerar allt tillsammans riktigt bra. Detta betyder inte att alla delar av en målning är desamma.

IA: Vänligen dela med dig av dina tankar om dina färgval för detta verk.
DG: Generellt, nästan uteslutande, använder jag inte jordfärger eller svart. Endast vad jag anser vara "spektrala" färger. De primära, de sekundära; ljusare och mörkare. Och olika versioner av dem som finns tillgängliga från olika färgtillverkare. Det finns egentligen inte en oändlig variation av dessa specifika färger – betraktaren kan bara uppfatta relativt få olika nyanser av en färg (om de inte ligger precis bredvid varandra, och även då är det inte så många). Lyckligtvis ger de olika tillverkningsmetoderna och olika materialkällor variationer. Jag använder de primära och sekundära färgerna främst eftersom deras renhet ger mer intensiv färg, dvs mer färg. En rödare röd, en blåare blå, osv. Dessa egenskaper förändras också beroende på var du placerar färgen i bilden, vilken form den har och hur stor den är. Min känsla för färg kommer från många källor. Först är jag säker på att det finns en inbyggd färgsinne som varje person har som är olika. Sedan finns det allt jag har sett, både i naturen och i konsten. Dessutom studerade jag Albers färgsystem. Valet kommer från en omedveten interaktion som berättar för mig vilken färg jag ska använda. All färg bär, eller kan bära, kraftfulla känslor och betydelser.

IA: Känner du att färgrelationerna du har uttryckt i dessa målningar är annorlunda än de färgrelationer du har uttryckt i tidigare verk?
DG: Nej. Inte för mig. Det finns fler måleritekniker, så samma färger kan se olika ut.

IA: På vilka sätt påverkade processen att skapa dessa målningar din relation till gest?
DG: Det är tydligt att det finns en starkare användning av gest i dessa än i de från de senaste tio åren. Gest i normal mening – känslan av rörelse i färgen eller från sättet färgen applicerades på, och kalligrafisk linje. Gest (och som teckning) bär alla möjliga betydelser. Jag ville använda mer av det i dessa målningar. Mitt arbete från tidigare decennier använde också bred gest. I mina tidiga tjugoårsåldern tillbringade jag ganska mycket tid med att studera kinesisk landskaps- och zenmålning, eftersom jag kände att detta är en del av måleri som en målare bör smälta. Och runt mitten av 1970-talet, efter ett decennium av arbete med formade och tredimensionella dukar, och andra relaterade experiment, "gick jag tillbaka till början", satte ett kritstreck på ett stycke svart papper och utvecklade mitt arbete därifrån, utforskade hur streck blir linjer och formar. Alla typer av linjer och markeringar utforskades under åren, Den finaste linjen blir konturen för färgade former.

Dana Gordon - Coming To, 2015-16, olja och akryl på duk, 72 x 60 tum (Vänster) och Jacobs Ladder, 2015-2016, olja och akryl på duk, 72 x 60 tum (Höger), © konstnären

IA: Vänligen dela med dig av de sätt på vilka du uppfattar detta verk som ett estetiskt uttalande, och de sätt på vilka du uppfattar det som början på en konversation med åskådarna.
DG: All konst är ett estetiskt uttalande. Jag tror att det är hela poängen. Allt annat i det – politik, litterära idéer, etc. – är känsla och minskar eller fördunklar konsten. Känslan i en Giotto, till exempel, kommer mer från konstnärens estetiska skicklighet än från hans religiösa övertygelser. Hans estetiska skicklighet gör det möjligt för honom att förkroppsliga sin spiritualitet i det visuella.

IA: I vilken kapacitet, om någon, tror du att dessa verk behöver avslutas av betraktarna?
DG: Jag har en konversation med målningen som betraktare när jag skapar den. Jag tror inte att målningen behöver vara färdig genom att ha betraktare. Den är färdig när jag är klar med den. Jag hoppas att betraktarna får en engagemang med målningarna, i en visuell konversation, om man så vill. Jag är glad om målningarna får ett liv i betraktarens sinne. Jag hoppas att detta liv är nära det jag hade i mitt sinne och mina känslor när jag skapade målningen. Jag vet att det kommer att vara något, eller ganska mycket, annorlunda.

IA: Du har tidigare sagt att du är inspirerad "att göra abstrakta målningar som är lika fulla, rika, kompletta och meningsfulla som de stora mästerverken från det förflutna." I samband med det uttalandet, hur definierar du ordet "stora?"
DG: Vad jag menade med det uttalandet är att jag har en känsla av att abstrakt måleri inte, historiskt sett, har uppnått den fullhet av anda, omfattning av uttryck och öppenhet och komplexitet av rum som de gamla mästarnas målningar hade. Jag tror att Cezanne kände av detta problem tidigt, som vi kan se i hans berömda uttalande: "Men jag ville göra något solidt och varaktigt av impressionismen, som konsten på museerna." Jag tror inte att han uppnådde vad han menade med detta, han uppnådde något annat. Detta betyder inte att många av de stora moderna abstrakta mästarna inte gjorde djup och berörande konst. Självklart gjorde de det. Men det är begränsat till att följa enbart en sak, och till det exklusiva behovet av platthet som skjuter ut mot betraktaren. Ja, det finns viss rymd i dessa målningar, men den är begränsad. Jag säger detta även om jag vördar Rothko, Pollock, m.fl. som stora konstnärer. Miro förstod det, ibland. Efter kriget tror jag att Arshile Gorky kom närmast det jag har i åtanke, i mycket av hans arbete från 1944 och framåt (och jag har ofta tänkt att han var den största av alla sina samtida – Pollock, de Kooning, m.fl.). Hans Hofmann och Helen Frankenthaler kommer nära det här och där. (Jag pratar abstrakt här, inte figurativt i en abstrakt-ish stil.)

IA: Kan du ge några specifika exempel på de stora mästerverken från det förflutna?
DG: Giotto, mest av allt. Många av renässansens och barockens mästare: Masaccio, Limbourgarna, Titian, Giorgione, Bosch, Velasquez, El Greco, osv., osv., hela vägen fram till sen (men inte tidig) Goya.

IA: Har ni kommit till bedömningsfasen angående verket som visas i denna utställning?
DG: Jag befinner mig ofta i bedömningsfasen. Om allt arbete jag någonsin har gjort, ända från innan jag ens börjar måla, fram till nuvarande sekund. Det finns många gånger då jag känner att jag har lagt bedömningen åt sidan och arbetar utan den. (Något i stil med "att bli av med alla röster i ditt huvud," sa en målarvän en gång.) Dessa stunder är mycket viktiga. Men huruvida de verkligen är fria från bedömning, är jag inte så säker på.

Utvald bild: Porträtt av konstnären, © IdeelArt
Av Philip Barcio