Intervju med den amerikanska abstrakta målaren Dana Gordon

Nya målningar av Dana Gordon visas på Sideshow Gallery i Brooklyn fram till den 4 juni 2017. Vi hade nyligen möjlighet att träffa Gordon och prata med honom om denna spännande nya samling verk.

IdealArt: I sin katalogessä för din nuvarande utställning på Sideshow Gallery i Brooklyn kallar James Panero din nya samling verk för ”något annorlunda” och hävdar att det utgör en betydande förändring i din riktning. Hur svarar du på den bedömningen?
Dana Gordon: Jag håller med, förutom att jag inte ser det som en förändring av riktning. Jag ser det som samma riktning, bara nästa utveckling; betydande nya utvecklingar.

IA: Dela gärna dina tankar om relationen du hade till improvisation när du skapade dessa målningar.
DG: Jag ser hela målningsprocessen som improvisation. Jag tänker ut något att göra, provar det, och det fungerar eller inte. Sedan reagerar jag igen på det som finns där. Jag fortsätter improvisera tills det känns färdigt. Det jag väljer att göra kan baseras mer eller mindre på det senaste i mitt arbete, det äldre i mitt arbete, annan konst, andra saker av alla slag som jag har sett, tänkt, känt eller upplevt, och allt ovanstående – och ofta är det något som bara dyker upp i mitt sinne och jag provar det. Naturligtvis finns det alltid omedvetna skäl till saker som ”bara dyker upp” i ditt sinne. Jag försöker låta mitt omedvetna styra mitt arbete, eftersom det finns mycket mer i det omedvetna än i medvetandet. Detta sker via visuell respons på det omedvetnas drivkraft, inte via psykologisk eller litterär analys. Jag tror att man måste öva denna typ av respons för att få den naturligt och fullt ut, eftersom den allmänna utbildningen raderar bort den från dina förmågor, trots att den är grundläggande och ursprunglig. Det är också en bred upplevelse av bildkonst som förnekas av mycket akademisk kritik. Detta beror på att dessa skribenter helt enkelt inte förstår eller ser det visuella och förklarar allt i konsten genom litterära, politiska eller bokstavliga angreppssätt. Det finns förstås skribenter som förstår det visuella. Det är svårt att skriva om.

IA: Verken i denna utställning ger mig en känsla av att de har vuxit fram ur någon form av förhandling. Vilka känslor av konflikt och/eller samarbete upplevde du under skapandeprocessen?
DG: Konflikt eller samarbete kom inte in i bilden – åtminstone inte i min medvetna upplevelse. Jag antar att det alltid finns en slags förhandling – i meningen: om jag placerar detta här och det där, blir det bättre, eller om jag placerar det annorlunda. Jag väger alltid hur väl olika saker fungerar tillsammans. Det finns också en slutgiltig förhandling, kan man säga, när man måste bestämma sig för om man ska behålla en vacker, fantastisk del av bilden eller offra den för att göra målningen som helhet bättre. Detta händer ofta. Kanske kommer din fråga från det faktum att alla dessa målningar är delade i två vertikalt. Och de använder uppenbarligen flera olika slags abstrakta tekniker. Jag tyckte det var intressant att ha vad som kan se ut som två målningar i en målning. Och att jag har gjort dessa två till en. Och, egentligen, tre. Det finns varje sida och det finns helheten. Kanske är det egentligen fyra: varje sida, helheten av de två sidorna, och helheten av de två sidorna och den ena. Tidigare i min karriär gjorde jag filmer som hade delar som talade med varandra, bokstavligt såväl som bildligt och konceptuellt. Det finns en filmruta av detta i katalogen. James Panero nämnde i katalogen ”liknande spänningar, med ett rutnät över en fri form-design” och ”trianglar med hårda kanter balanserade mot vilda linjer.” När det gäller att använda varierade abstrakta tekniker ser jag dem som alla en del av mitt arv som konstnär. Jag kan använda eller göra vad jag vill. Det finns en stark tendens inom abstrakt konst, särskilt sedan andra världskriget, att reducera sitt arbete till en enkel aspekt av det visuella, så reducerad som möjligt. Varför inte använda många visuella tekniker istället för bara en? Att använda varierad teknik och komplex rymd är typiskt för de gamla mästarna, även om det döljs av den sömlösa framställningen av scenen, berättelsen.

Dana Gordon - Olydiga motiv, 2015-2017, 72 x 120 tum, olja och akryl på duk, © konstnären

IA: Finns det någon skillnad mellan konflikt och samarbete?
DG: Jag skulle säga att de är motsatser. Naturligtvis kan konfliktlösning leda till samarbete. Jag tycker inte att områdena och teknikerna i mina nya målningar står i konflikt. Jag tycker att allt i varje målning fungerar bra tillsammans. Det betyder inte att alla delar av en målning är lika.

IA: Dela gärna dina tankar om dina färgval för denna samling verk.
DG: Generellt, nästan uteslutande, använder jag inte jordfärger eller svart. Endast det jag betraktar som ”spektrala” färger. Primärfärgerna, sekundärfärgerna; ljusare och mörkare. Och olika versioner av dem från olika färgtillverkare. Det finns egentligen inte en oändlig variation av dessa specifika färger – betraktaren kan bara uppfatta relativt få olika nyanser av varje färg (om de inte ligger precis intill varandra, och även då är det inte så många). Lyckligtvis ger olika tillverkningsmetoder och olika materialkällor variationer. Jag använder primär- och sekundärfärger främst eftersom deras renhet ger mer intensiv färg, alltså mer färg. Ett rödare rött, ett blåare blått, osv. Dessa egenskaper förändras också beroende på var du placerar färgen i bilden, vilken form den har och hur stor den är. Min känsla för färg kommer från många källor. Först är jag säker på att det finns en medfödd färgkänsla som varje person har och som är olika. Sedan finns allt jag har sett, både i naturen och i konsten. Dessutom studerade jag Albers färgsystem. Valet sker genom en omedveten interaktion som talar om för mig vilken färg jag ska använda. All färg bär, eller kan bära, starka känslor och betydelser.

IA: Känner du att färgförhållandena du uttryckt i dessa målningar skiljer sig från de färgförhållanden du uttryckt i tidigare verk?
DG: Nej. Inte för mig. Det finns fler måleritekniker, så samma färger kan se annorlunda ut.

IA: På vilka sätt påverkade processen att skapa dessa målningar din relation till gest?
DG: Tydligt är att det finns starkare användning av gest i dessa än i de senaste tio årens verk. Gest i vanlig mening – känslan av rörelse i färgen eller från sättet färgen applicerades på, och kalligrafisk linje. Gest (och som teckning) bär alla slags betydelser. Jag ville använda mer av det i dessa målningar. Mitt arbete från tidigare decennier använde också bred gest. I mitten av tjugoårsåldern studerade jag en hel del kinesisk landskaps- och zen-målning, eftersom jag kände att detta är en del av måleriet som en målare bör smälta. Och runt mitten av 1970-talet, efter ett decennium med formade och tredimensionella dukar och andra relaterade experiment, ”gick jag tillbaka till början,” satte ett kritmärke på ett svart papper och utvecklade mitt arbete därifrån, utforskande hur märken blir linjer och bildar former. Alla slags linjer och märkesbildningar utforskades genom åren. Den finaste linjen blir konturen för färgade former.

Dana Gordon - Coming To, 2015-16, olja och akryl på duk, 72 x 60 tum (vänster) och Jacobs Ladder, 2015-2016, olja och akryl på duk, 72 x 60 tum (höger), © konstnären

IA: Dela gärna på vilket sätt du uppfattar denna samling verk som ett estetiskt uttalande, och på vilket sätt du uppfattar det som början på en dialog med betraktarna.
DG: All konst är ett estetiskt uttalande. Jag tror att det är hela saken. Allt annat i det – politik, litterära idéer, osv. – är känslosamhet och minskar eller döljer konsten. Känslan i en Giotto, till exempel, kommer mer från konstnärens estetiska skicklighet än från hans religiösa tro. Hans estetiska skicklighet gör det möjligt för honom att gestalta sin andlighet i det visuella.

IA: I vilken utsträckning, om någon, tror du att dessa verk behöver slutföras av betraktarna?
DG: Jag har en dialog med målningen som betraktare när jag skapar den. Jag tror inte att målningen behöver slutföras av betraktare. Den är färdig när jag är klar med den. Jag hoppas att betraktarna engagerar sig i målningarna, i en visuell dialog, om man så vill. Jag är glad om målningarna får liv i betraktarens sinne. Jag hoppas att detta liv är nära det jag hade i mitt sinne och mina känslor när jag gjorde målningen. Jag vet att det kommer att vara något, eller ganska mycket, annorlunda.

IA: Du har tidigare sagt att du är inspirerad ”att göra abstrakta målningar som är lika fulla, rika, kompletta och meningsfulla som de stora mästarmålningarna från förr.” I samband med det uttalandet, hur definierar du ordet ”stor”?
DG: Vad jag menade med det uttalandet är att jag har en känsla av att abstrakt måleri historiskt sett inte har nått andlighetens fullhet, uttryckets omfattning och rymdens öppenhet och komplexitet som de gamla mästarmålningarna hade. Jag tror att Cézanne tidigt kände av detta problem, som vi kan se i hans berömda uttalande, ”Men jag ville göra något solidt och bestående av impressionismen, som museernas konst.” Jag tror inte att han uppnådde vad han menade med detta, han uppnådde något annat. Detta betyder inte att många av de stora moderna abstrakta mästarna inte gjorde djup och berörande konst. Naturligtvis gjorde de det. Men det är begränsat till att hålla sig till att göra bara en sak, och till det exklusiva behovet av platthet som trycker ut mot betraktaren. Ja, det finns viss rymd i dessa målningar, men den är begränsad. Jag säger detta även om jag vördar Rothko, Pollock med flera som stora konstnärer. Miró förstod det, ibland. Efter kriget tror jag att Arshile Gorky kom närmast det jag har i åtanke, i mycket av hans verk från 1944 och framåt (och jag har ofta tänkt att han var den störste av alla sina samtida – Pollock, de Kooning med flera). Hans Hofmann och Helen Frankenthaler kommer nära ibland. (Jag talar om abstrakt konst här, inte figurativ i en abstrakt stil.)

IA: Kan du ge några specifika exempel på de stora mästarmålningarna från förr?
DG: Giotto, allra mest. Många av renässansens och barockens mästare: Masaccio, Limbourg-bröderna, Titian, Georgione, Bosch, Velázquez, El Greco, med flera, ända fram till sena (men inte tidiga) Goya.

IA: Har du redan kommit till bedömningsfasen om verken som visas i denna utställning?
DG: Jag är ofta i bedömningsfasen. Om allt arbete jag någonsin gjort, från innan jag ens börjar måla, ända fram till just nu. Det finns många gånger när jag känner att jag har lagt bort bedömningen och arbetar fritt från den. (Något i stil med ”att bli av med alla röster i huvudet,” sade en målarvän en gång.) Dessa stunder är mycket viktiga. Men om de verkligen är fria från bedömning, är jag inte så säker på.

Utvald bild: Porträtt av konstnären, © IdeelArt
Av Phillip Barcio