Mycket måleriska abstrakta konstnärer: De nya alkemisterna

I sin ateljé i Heidelberg skrapar Arvid Boecker (huvudbilden) metodiskt över sin duk med en screentryckssked. Lager för lager bygger han det han kallar en "färgarkeologi." Åttatusen kilometer bort i sin amerikanska ateljé gör Clay Johnson samma sak med byggverktyg, ibland förstör och bygger han om samma sektion trettio gånger. Under tiden, i Bryssel, värmer Janise Yntema bivax till exakt rätt temperatur med sin blåslampa och lägger till ett annat genomskinligt lager till månader av samlat arbete.

Dessa konstnärer har aldrig träffats, men de delar en besatthet som blir alltmer sällsynt i samtida konst: tron att färgen i sig—dess vikt, textur och fysiska närvaro—innehar en oersättlig kraft.

Clay Johnson, After Midnight,  2020

Konsten att ha tålamod som försvinner

Vi lever i en tid av konstnärliga genvägar. Digitala verktyg lovar omedelbara resultat. Nya tekniker dyker upp varje vecka, firade enbart för sin nyhet. Konstvärlden, som allt annat, har förförts av snabbhet och bekvämlighet. Traditionella måleriska tekniker—långsamma, arbetsintensiva, oförlåtande—verkar nästan anakronistiska.

Ändå, spridda över ateljéer från Tyskland till Kalifornien, från Belgien till Nederländerna, fortsätter vissa konstnärer att flytta färg över dukar med medeltida hantverkares hängivenhet. De representerar det vi kan kalla Mycket Målerisk Abstrakt Konst, en praktik definierad inte av gemensam estetik, utan av gemensam övertygelse: att den fysiska hanteringen av färg skapar något som ingen digital process kan efterlikna.

Det här är inte nostalgi. Det är motstånd.

Janise Yntema, Murmur, 2015

Vad gör konst "Mycket Målerisk"?

Se Clay Johnson arbeta, och du förstår genast. Han använder inte penslar - för mjuka, för förutsägbara. Istället angriper han sin duk med palettknivar och byggverktyg, skrapar, bygger, förstör, bygger upp igen. Hans akrylfärg torkar tillräckligt snabbt för att han ska kunna reagera på varje lager när det framträder, och skapar ytor så bearbetade att de närmar sig skulptur.

Eller observera Martina Nehrlings metodiska uppbyggnad av impastomärken, varje noggrant placerad penseldrag som greppar tag i sin granne som arkitektoniska element. Hennes rena, ogenomskinliga färger skapar hypnotiska mönster som verkar vibrera med fysisk energi.

Det dessa konstnärer delar är inte stil—their finished works look remarkably different. Det de delar är process: ett tvångsmässigt engagemang för färg som material, för yta som ämne, för tid som görs synlig genom ackumulerade lager.

Martina Nehrling, Apophis, 2024

De fyra pelarna i Very Painterly Art

Genom noggrann observation av deras metoder framträder fyra grundläggande principer som definierar Very Painterly Abstract Art. Dessa är inte regler utan tvångstankar, drivkrafter som formar varje beslut i ateljén.

Materialärlighet

Dessa konstnärer försöker inte få färg att se ut som något annat. Yari Ostovany hyllar hur pigment löses upp, täcker, skrapas bort, löses upp igen. Danny Giesbers bygger transparenta lager som skapar luminescerande fält, varje penseldrag spelar en avgörande roll i en helhetskomposition som tog månader att slutföra. Färg får vara färg—trögflytande, ogenomskinlig, envis, vacker i sig själv.

Tidsmässigt djup

Varje lager representerar ett beslut, ett ögonblick i tiden, ett svar på det som kom före. Jeremy Annears reliefliknande ytor blir arkeologiska platser för kreativt beslutsfattande. Du kan läsa historien om varje målning i dess topografi—där konstnären byggde upp, skrapade bort, ändrade riktning, fann lösning.

Fysisk engagemang

Dessa verk kräver kroppar, inte bara sinnen. Robert Niesse bygger upp och stressar flera färgsektioner genom komplexa fysiska processer. Emily Berger arbetar med gestiska horisontella svep, hela hennes kropp är involverad i varje märke. Målningarna bär spår av mänsklig ansträngning som ingen assistent kan återskapa, ingen digital process kan simulera.

Motstånd mot reproduktion

Kanske viktigast är att dessa verk inte kan uppskattas fullt ut genom skärmar. De kräver fysisk närvaro för full förståelse. I vår Instagram-era utgör detta ett djärvt konstnärligt uttalande: vissa upplevelser kan inte digitaliseras, vissa nöjen kan inte delas virtuellt.

Jeremy Annear, Cascading Lines, 2013

Modet i anakronism

Det krävs mod för att arbeta på detta sätt år 2025. Medan andra konstnärer utforskar AI-samarbete, NFT-möjligheter och installationer i spektakulär stil, drar sig dessa målare tillbaka till sina ateljéer för månader av ensamt arbete. De omfamnar tekniker som inte erbjuder några genvägar, ingen omedelbar tillfredsställelse, ingen viral potential.

Arvid Boeckers målningar växer fram genom tålmodig konstruktion—först skissar han kompositionen med blyerts, sedan utvecklar han färger och lager över långa perioder. Varje verk blir en topografisk karta över uthållig uppmärksamhet. I en kultur som belönar det omedelbara insisterar han på det slutgiltiga.

Janise Yntema arbetar med encaustic-vax, en teknik som bokstavligen är urgammal—använd av romarna och förfinad under årtusenden. I sin studio applicerar hon naturligt bivax och harts på träpaneler och använder värme som sitt aktiva lösningsmedel. Genom långsamma ackumulationer av halvtransparenta lager skapar hon bilder där ljuset självt blir kompositionellt närvarande. Hennes process kräver vad hon kallar "en alkemisk dans mellan det styrda och det okontrollerade"—motsatsen till digital förutsägbarhet.

Danny Giesbers, Neon 1 (vänster) och Dan Flavin (höger), 2020

Historiska ekon, samtida brådska

Detta tillvägagångssätt kopplar till lysande föregångare. Gerhard Richters squeegee-målningar visar den ultimata dialogen mellan kontroll och slump genom kraftigt bearbetade ytor. Frank Auerbach och Leon Kossoff förvandlade impasto till skulpturalt relief. Anselm Kiefer inkorporerade sand, aska och minne i ytor som bar historiens tyngd.

Men dagens Very Painterly Abstract-konstnärer möter en annan kulturell kontext. Där deras föregångare arbetade mot fotografins och massmedias dominans, arbetar dessa konstnärer mot den digitala kulturens dominans i sig. De skapar inte bara målningar; de bevarar ett sätt att tänka, ett sätt att engagera sig, en typ av upplevelse.

Emily Berger, Old Flame (vänster) och Red Dream (höger), 2022

Den internationella uthålligheten

Det anmärkningsvärda är hur detta engagemang visar sig över kulturer och kontinenter. Danny Giesbers i Nederländerna utvecklar algoritmiska tillvägagångssätt kombinerade med spontant märkeskapande. Hans "Shifts"-serie innehåller fosforescerande färger som förändras med ljusförhållanden—den kraftigt bearbetade ytan blir en deltagare i sin egen kontinuerliga utveckling.

Emily Berger lägger oljefärg på träpaneler i Kalifornien och skapar push-pull-dynamik genom komplementfärger som ger hennes kompositioner nyanserad ljusstyrka. Genom skrapning och skumning förenar hon Abstract Expressionists gest med samtida materialmedvetenhet.

Robert Niesse bygger blanka lager som alternerar med kraftfulla signaturmärken och skapar det han beskriver som "brutalt sammanhang och slutsats av färgkompositioner." Hans systematiska men intuitiva tillvägagångssätt speglar en designbakgrund samtidigt som det omfamnar spontan abstrakt expression.

Varje konstnär tillför kulturell specifikhet till ett gemensamt materiellt tvång, berikar vokabulären samtidigt som de behåller ett grundläggande engagemang för kraftigt bearbetade ytor och tidsmässigt djup.

Yari Ostovany, Här möts vi (För John Berger), 2015

Varför detta är viktigt nu

När vi försvarar Very Painterly Abstract Art försvarar vi mer än estetisk preferens. Vi försvarar värdet av uthålligt engagemang, av processer som inte kan påskyndas, av upplevelser som inte kan digitaliseras.

Dessa konstnärer påminner oss om att trots teknologiska framsteg finns något oersättligt i direkt, fysisk hantering av material. Deras kraftigt bearbetade ytor står som monument över mänsklig kreativitet – dokumentation av uthålligt engagemang mellan konstnär och medium som ingen digital process kan efterlikna.

Marknaden erkänner detta oersättliga. Vissa samlare söker verk som kräver fysisk närvaro för full förståelse, målningar som avslöjar nya detaljer vid varje betraktelse, ytor som förändras med ljus och perspektiv. Very Painterly Abstract artists erbjuder precis denna upplevelse.

Robert Niesse, 2121-6, 2024

Motståndets framtid

När den digitala kulturen blir mer genomgripande blir Very Painterly Abstract Art mer värdefullt – inte som historisk kuriositet, utan som en samtida nödvändighet. Dessa konstnärer bevarar inte det förflutna; de säkerställer att vissa typer av mänskliga upplevelser förblir möjliga.

De representerar de sista alkemisterna i en tid av omedelbarhet, som förvandlar råmaterial till oersättliga upplevelser genom tid, tålamod och fysisk engagemang. Deras ateljéer blir helgedomar där olika relationer till tid och skapande förblir möjliga.

När vi hyllar dessa konstnärer firar vi inte bara individuella prestationer, utan den fortsatta vitaliteten i metoder som vägrar kompromissa med snabbhet. De säkerställer att måleri förblir inte bara relevant utan också nödvändigt, och erbjuder något som blir alltmer sällsynt: möjligheten att möta fysiska spår av uthålligt mänskligt tänkande och känsla.

Deras färgtjocka ytor bär mer än pigment: de bär övertygelsen att vissa saker inte kan skyndas på, digitaliseras eller förenklas. I vår accelererade tid insisterar de på avmattning. I vår virtuella värld kräver de fysisk närvaro. I vår tid av oändlig reproduktion skapar de det oersättliga.

Detta är deras mod, deras gåva och deras arv.

Utvald bild: Arvid Boecker, Från vänster till höger: #1625, 2023, #1606, 2023, #1694, 2024. Med tillstånd av konstnären.