Jackie Saccoccios abstrakta konst i stor skala

Den älskade amerikanska abstrakta konstnären Jackie Saccoccio har avlidit vid 56 års ålder. Enligt ett uttalande från Van Doren Waxter, hennes långvariga gallerist, hade Saccoccio kämpat mot cancer under de senaste fem åren. Nyheten om hennes bortgång kommer som en chock och en besvikelse för dem som haft nöjet att se hennes verk på nära håll. Saccoccio var en hängiven experimentell abstraktionist som under en 30-årig karriär byggde upp ett växande rykte, särskilt bland sina konstnärskollegor, som en samtida mästare. Hennes målningar balanserade på en tunn linje mellan att vara skönhetsföremål tillgängliga för alla oavsett konstbakgrund, och att vara föremål med utsökt komplex akademisk värde, förståeliga i sin helhet endast för de mest lärda teoretiska konstkritikerna. I olika intervjuer genom åren delade Saccoccio generöst med sig av de otaliga influenser som hittade vägen in i hennes verk, och avslöjade att hon hade en encyklopedisk nyfikenhet på konsthistoria. Hon nämnde allt från Hans Holbein till Helen Frankenthaler, och alla positioner från grottkonst till konceptuell konst, som spelade en roll i utvecklingen av hennes visuella idéer. Hennes tekniska skicklighet med sitt medium skiljde henne också åt, då hon outtröttligt utforskade de möjligheter som finns inom färgens materiella egenskaper. Trots all kritisk text som skrivits om hennes verk är den enkla sanningen att Saccoccios skapelser är en ren glädje att betrakta. Som en jazzälskare med slutna ögon, uppslukad av musiken i en undanskymd klubb i New Orleans, kan en betraktare stående framför en Saccoccio-målning lätt och lyckligt gå vilse i de lager av polyrhythm som oändligt simmar i hennes stormiga hav av färger, linjer, former och strukturer. Förutom all hennes professionella och tekniska skicklighet kunde Saccoccio på något sätt förflytta oss någon annanstans för en stund med sina målningar. Det är en beundransvärd gåva.

Förgängliga rum

Saccoccio föddes i Providence, Rhode Island, 1963. Efter att ha tagit sin BFA från Rhode Island School of Design (RISD) och sin MFA från The School of the Art Institute of Chicago, flyttade hon till New York för att påbörja sin konstnärliga karriär. Även om hon var engagerad i abstraktion redan på 1990-talet, tog hennes verk en tydlig vändning på 2000-talet när hon lämnade sin lilla ateljé i Harlem och flyttade till Connecticut, där en mycket större arbetsyta gjorde det möjligt för henne att arbeta med flera stora målningar samtidigt. Den ökade ytan tillät inte bara Saccoccio att arbeta med flera målningar samtidigt, eftersom hon kunde låta flera målningar torka på en gång – den skapade också det mentala utrymme som gjorde att hon kunde nå ett genombrott i sin metod: en teknik där den våta färgen från en målning droppas på och fungerar som utgångspunkt för en annan målning.

Saccoccio sade en gång att hennes teknik att använda en målning för att starta en annan påminde henne om den romerska myten om Narcissus och Echo. I den berättelsen är Narcissus besatt av sin egen spegelbild. Echo är förälskad i Narcissus, men hon är drabbad av en förbannelse som bara tillåter henne att upprepa andras ord. Saccoccio pressar en våt duk mot en annan och skapar en materiell spegelbild, en sorts visuell ekon, som blir startpunkten för nästa målning. Precis som i berättelsen om Narcissus och Echo, som slutar med att de två huvudpersonerna tragiskt vissnar bort, var Saccoccio alltid intresserad av att förmedla temat förgänglighet med sina målningar. Ett sätt hon uppnådde detta på var genom att ständigt vrida målningen medan hon arbetade, så att det slutgiltiga verket skulle verka dras i alla riktningar samtidigt av gravitationen, som om bilden dras isär och förmultnar framför våra ögon.

Jackie Saccoccio, Femme Brut, installationsvy på Van Doren Waxter, 2020

Svar i formen

Det var också viktigt för Saccoccio att betraktare skulle känna att hennes målningar innehöll det hon kallade ”svar.” Hon fick en insikt en gång när hon bläddrade bland de klassiska porträtten på Thyssen-Bornemisza-museet i Madrid. Varje porträtt verkade ha en djup närvaro som gick bortom figuren – något som hade mindre att göra med personen och mer med färgen, eller strukturen, eller ljuset. År 2012 visade Saccoccio upp en serie stora målningar som hon kallade Porträtt, vilka hon sade växte fram ur den insikten. Varje porträtt innehåller en amorf, men otvetydig form som har en liknande sorts visuell närvaro. Täckt av 50 eller fler lager färg och otaliga märken, färger och strukturer, njuter dessa porträtt av komplexitet och förvirring. Ändå lyckades Saccoccio ge varje porträtt sitt eget raka svar, hur dimmigt det än var, i den eteriska närvaron av en central form.

När hon skapade sina målningar var Saccoccio noga med att aldrig sudda ut, utan bara lägga till. Det var viktigt för henne att varje ögonblick i processen fanns kvar i det slutgiltiga verket. Även om vi inte kan se allt under lagren exakt, kan vi kanske på något plan ana det förflutnas tyngd i impastoryggarna eller i den subtila effekten av underfärgerna. Hon kallade denna idé att visa allt på en gång för en form av ”psykologisk kubism,” med hänvisning till kubismens princip att visa flera samtidiga perspektiv. Att se tillbaka på de uttalanden Saccoccio gjort om sitt arbete har ökat min respekt för denna konstnär och för den uppskattning hon hade för människans mångfaldiga erfarenheter. Jag tycker det är så modigt att hon å ena sidan sade att hennes verk handlar om förgänglighet, medan hon å andra sidan sade att de innehåller svar. Vissa kan se det som en motsägelse, men jag håller med Saccoccio om att förgänglighet är det enda svaret. Sötman i det verk Saccoccio lämnat åt oss att begrunda är som en skvätt honung som hjälper oss att svälja den bittra pillret.

Utvald bild: Jackie Saccoccio i sin ateljé i Connecticut, november 2019. Foto av Charles Benton, med tillstånd från Van Doren Waxter, NY.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio