Låt oss prata mer om konsten av Larry Poons

Efter sin första utställning, i början av 1960-talet på Green Gallery i New York, blev Larry Poons snabbt en kritikers favorit. Den visade hans nu ökända prickmålningar—matematiska arrangemang av prickar på enfärgade bakgrunder. Målningarna sålde bra och älskades av andra konstnärer. Målningarnas platthet passade också väl in i den konsthistoriska myt som konstkritikern Clement Greenberg då drev om abstrakt måleris utveckling mot platta ytor, en trend han kallade ”Post Painterly Abstraction.” Poons gjorde dock inte dessa målningar för att bli rik eller göra konsthistoria. Han gjorde dem för att han var dålig på att teckna. Senare i livet mindes Poons plågan av att kämpa med att skapa former på rutat millimeterpapper och sedan måla in formerna. ”Jag var inte nöjd med det,” förklarade han. Efter att en vän sagt åt honom att förenkla, tänkte han, ”om jag gör det enklare, skulle jag bara måla prickarna.” Så föddes prickmålningarna. Poons var dock inte entusiastisk över prickarna. Så snart hans självförtroende ökade blev han mer experimentell och ändrade radikalt sitt arbetssätt. Hans stilskifte förolämpade Greenberg, avskräckte köpare och skrämde bort gallerister. Sedan dess har Poons pendlat i allmänhetens gunst, men han har aldrig slutat experimentera som målare. Under tiden har olika kritiker försökt hitta enhetliga teorier för att förklara hans utveckling, kanske för att ge någon slags sammanhängande tråd som kan hjälpa till att förklara hans verk för eftervärlden eller för marknaden. Oftast fokuserar de på färg. I en artikel för The New York Times skrev Roberta Smith, ”Herr Poons har visat en stark förkärlek för övergripande fält av pulserande färg, även om hans sätt att uppnå dem har varierat enormt.” I Hyperallergic skrev Jason Andrew att Poons ”har handlat om färg sedan hans historiska prickmålningar på 60-talet.” Dessa kritiker kan dock söka efter säkerhet där ingen finns. För Poons finns ingen sammanhängande tråd. Varje målning är sin egen målning. Poängen är bara att titta och att minnas, som Poons sagt, att ”i slutändan är det bara färg.”

Enkel Måleri

De prickmålningar Poons gjorde i början av 1960-talet kan ha uppstått ur en önskan att måla enklare, men det som frigjorde Poons att gå framåt som konstnär var att han fann modet att helt enkelt måla. När han övergav rutnätet upptäckte han alla möjliga intressanta tekniker. Han gjorde en serie målningar där färg droppades ner över duken för att skapa fält av måleriska ränder. Han gjorde gestiska kompositioner där märken och tecken stod i centrum. Under år experimenterade han med att fästa material på målningarnas ytor, som pappersark och repbitar, och skapade tjocka, tunga, strukturerade verk som sticker ut från väggen. Hans senaste verk för tillbaka teckningen i förgrunden, när Poons skissar former och figurer i sin komposition i förväg, målar in dem och improviserar runt dem.

Larry Poons - Untitled (från Conspiracy: The Artist as Witness), 1971. Screentryck. 19 3/4 × 27 tum (50,2 × 68,6 cm). Upplaga om 150. Alpha 137 Gallery. © Larry Poons

Larry Poons - Untitled, 1975. Silkscreen i färg. 35 x 25 tum (88,9 x 63,5 cm). Upplaga om 100. Robert Fontaine Gallery. © Larry Poons

En Framgångsrik Målare

När dokumentären The Price of Everything (regisserad av Nathaniel Kahn) hade premiär 2018 på Sundance Film Festival, återintroducerades allmänheten återigen för Larry Poons. Filmen granskar den samtida konstmarknaden ur auktionshusens perspektiv och deras ständiga strävan att driva upp priserna. Det uttryckliga budskapet auktionsförrättarna framför i filmen är att kvaliteten på ett konstverk är direkt kopplad till dess marknadsvärde. ”Det är mycket viktigt att bra konst är dyr,” säger den schweiziske auktionsförrättaren och konstsamlaren Simon de Pury. I filmen framstår Poons som en motpol—en veteran i konstvärlden som för länge sedan slutade bry sig om huruvida hans målningar säljer. I en intervju med Gabriella Angeleti på The Art Newspaper efter filmens släpp sade Poons, ”Om du definierar framgång som att kunna sälja något för att betala hyran, då betyder det att du är framgångsrik på att betala din hyra. Det betyder inte att din konst är bra eller inte.”

Larry Poons - Robert Kinder Spiele, 1975. Akryl på duk. 254 x 191,8 cm (100 x 75,5 tum). Knoedler Contemporary Art, New York. Förvärvad från ovanstående av nuvarande ägare, 1975. © Larry Poons

Istället beskriver Poons en målares framgång i mer jordnära termer, som ”att gå upp ur sängen på morgonen och känna för att måla och gå och måla.” Ironin går dock inte honom förbi att de Poons-målningar som konstmarknaden värderar högst är de målningar som målats av den minst skickliga versionen av Poons som konstnär. För honom var de älskade prickmålningarna inget annat än en enkel lösning på en förtroendekris. De är vackra målningar, men om Poons hade fått något personligt eller intellektuellt ut av att göra dem skulle han ha fortsatt. Han fann dem tråkiga, så han gick vidare. Marknaden fann dem inte tråkiga, så den grep sig fast vid dem. Poons är levande bevis på att en konstnär inte behöver känna sig bunden till något de inte tycker om att göra bara för att folk gillar det och är villiga att betala för det. Han visar oss att en framgångsrik målare är en målare som framgångsrikt hittar personliga skäl att fortsätta måla, oavsett om någon betalar dem för det eller inte.

Framträdande bild: Larry Poons - Tristan da Cunga, 1964. Liquitex på duk. 183,1 x 366,2 cm (72 1/16 x 144 3/16 tum). Gåva från herr och fru Burton Tremaine. National Gallery of Art Collection. © Larry Poons
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio