Lyrisk abstraktion: Konsten som vägrar vara kall

Tokyo, 1957. Georges Mathieu, barfota, insvept i en kimono, hans långa kropp hoprullad som en fjäder redo att släppas, står framför en åttameters duk. Han har blivit inbjuden av Jiro Yoshihara från Gutai Art Association, avantgardgruppen som predikar konst som ren materiell mötesplats. Publiken tittar på. Mathieu skissar inte, planerar inte, tvekar inte. Han sträcker sig efter färgtuben. Han klämmer ut färgen direkt på ytan. Hans arm sveper. En kalligrafisk virvelvindsutbrott uppstår. Inom några minuter existerar La Bataille de Hakata. Han kommer att måla tjugo dukar till innan han går ombord på sitt flyg hem. Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Georges Mathieu målar la Bataille de Bouvines - 25 avril 1954 - ©Robert Descharnes

Om den scenen talar till dig, risken, svetten, färgen som inte kan lämnas orörd, då är du redan inne i argumentet i denna essä. För läsare som är intresserade av nyckelfakta om lyrisk abstraktion har vår mycket detaljerade FAQ längst ner allt du behöver.

Född två gånger, alltid i opposition

Lyrisk abstraktion uppstod inte ur tomma intet. Den föddes ur en specifik, kroppslig avsky mot kyla. Den första födelsen skedde i Paris, 1947, en stad som fortfarande blödde efter nazisternas ockupation. Kritikern Jean José Marchand och målaren Georges Mathieu myntade termen Abstraction Lyrique för att beskriva verken som visades i "L'Imaginaire" på Galerie du Luxembourg: målningar som visade, som Marchand observerade, en lyrik frigjord från all tjänstgöring. Ingen tjänstgöring till geometrin. Ingen tjänstgöring till det rationella rutnätet som, i sin mest perversa politiska inkarnation, just hade försökt mörda Europa. Gesten var en överlevnadshandling: penseldraget som bevis på fortsatt mänsklig närvaro.

Den andra födelsen kom i New York, 1969, och fienden hade förändrats, men det var fortfarande kallt. Den amerikanske kritikern och samlaren Larry Aldrich publicerade "Young Lyrical Painters" i Art in America, där han namngav en generation målare som hade blivit utmattade av minimalismens iskalla perfektionism och Popkonstens kalkylerade ironi. Whitney Museum skulle kodifiera rörelsen med en fullständig utställning 1971. Återigen: värme som reser sig mot ett system. Varje gång lyrisk abstraktion har uppstått har det inte varit som en stil, utan som en vägran: en vägran att låta målning bli ett koncept utan kropp, en form utan puls.

Denna dubbla genealogi (Paris 1947 / New York 1969) är mer än historisk trivia. Den avslöjar något strukturellt om vad lyrisk abstraktion är. Det är en rörelse som definierar sig mot något annat, vilket betyder att dess identitet är ständigt levande, ständigt reaktiv. Tänk på Martin Reyna, en argentinsk född målare som har bott och arbetat i Paris i årtionden. Hans encres och utspädda akryler är samtidigt komponerade och frigjorda: Reyna etablerar en struktur: ett territorium, en rytm, en uppsättning villkor, och låter sedan färgen röra sig inom den enligt sin egen logik, den slutgiltiga ytan tillhör lika mycket konstnärens beslut som färgens. När du tittar på en Reyna-duk känner du motståndet, inte mot någon särskild historisk rörelse, utan mot själva idén om målningen som en sluten, bestämd sak. Han är, i detta avseende, en direkt arvtagare till Parisvägran 1947.

Martin Reyna - L'Ile - 2023

Vad Kroppen Vet

Här är vad som skiljer lyrisk abstraktion från andra former av expressiv målning: processen är inte ett medel, det är budskapet.

Mathieus "Tubism" (att pressa ut färg direkt från tuben i hög hastighet) var inte en teknisk genväg. Det var en filosofisk deklaration: ingen medling mellan impuls och yta. Jean-Paul Riopelle, den kanadensiska medlemmen i Art Informel-kretsen i Paris, avskaffade helt penseln och arbetade endast med palettkniv, byggde upp tjocka mosaikliknande impastos av färg som känns envisa och materiellt närvarande. Helen Frankenthaler gick i motsatt riktning: hennes soak-stain-teknik hällde pigment på rå, ogrundad duk så att färgen absorberades snarare än applicerades, gränsen mellan målning och underlag kollapsade helt. Var och en av dessa är ett annat sätt att utmana kontroll, ett annat sätt att låta kroppen tala innan sinnet kan redigera.

Denna kroppsfokuserade logik är precis vad du ser och känner i verken av Macha Poynder, den Paris-baserade målaren som bygger sina dukar genom performativa gester, automatisk teckning och intuitiva färgval som hon beskriver som uttryck för det undermedvetna snarare än intellektet. Hennes ytor blandar områden av till synes slumpmässighet, där färg har stänkts eller droppats, med zoner av medveten precision applicerad av en tränad hand, och spänningen mellan dessa två tillstånd är målningen. Poynder liknar sin process vid skapandet av musik: inte komponerad i förväg, utan upptäckt i handlingen. Hennes verk finns i de permanenta samlingarna på Centre Pompidou och Rijksmuseum, vilket antyder att institutioner också kan känna skillnaden mellan en målning som utförts och en som bara har gjorts.

Macha Poynder - Långt borta - 2026

Janise Yntema, som arbetar i Bryssel med encaustic-vax (bivax applicerat och smält med en blåslampa) befinner sig i en liknande laddad zon mellan kontroll och frigörelse. Vaxet beter sig: upp till en viss punkt. Sedan kommer värmen, och det som hade placerats blir vad det blir. Varje halvgenomskinligt lager fångar ljuset på olika sätt, så att det att titta in i en Yntema-duk är som att titta in i något som är upplyst inifrån. Ögonblicket mellan riktning och slump är inte ett problem hon försöker lösa; det är hela ämnet. Och i Brooklyn arbetar Emily Berger på träpaneler (se huvudbild) med oljefärg i breda horisontella gester som engagerar hela hennes arm (skrapning, skumning, dragning) så att varje märke otvetydigt är ett bevis på ett fysiskt engagemang. Hennes ytor, har Berger sagt, hyllar konstnärens hand. I en era som ofta föredrar att handen ska vara osynlig är detta inte en estetisk preferens. Det är en ståndpunkt.

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer, en österrikiskfödd målare baserad i Belgrad, tillför ännu en nyans till frågan om kropp och process. Hans målningar rör sig över register, från precisa, nästan arkitektoniska teckningar till breda atmosfäriska färgfält, men i varje läge är märket genomtänkt utan att vara kalkylerat, ytan nådd genom genuint fysiskt engagemang snarare än förutbestämd plan. Landauer beskriver sin praktik som en process av utgrävning: flytten till Belgrad gav honom distansen att ifrågasätta bekanta saker, och den ifrågasättandet syns i ytor som känns både konstruerade och upptäckta.

Paul Landauer - Movement - 2023

Världen väntade inte på Paris eller New York

En av de bestående myterna inom konsthistorien är att rörelser uppstår på ett ställe och "sprider sig" till andra, som om kultur vore en slags smitta. Lyrisk abstraktion komplicerar denna modell avsevärt. Gutai-gruppen i Japan var inte en satellit till fransk Art Informel: det var en parallell uppfinning, driven av sin egen efterkrigsbrådska, sin egen möte med materia och performance. Kazuo Shiraga målade med fötterna, upphängd i rep ovanför duken. När Mathieu anlände till Tokyo 1957 var mötet mellan två lika fullt utvecklade sensibiliteter, inte en lärare och hans elever.

Zao Wou-Ki, den kinesiskfödda målaren som bosatte sig i Paris efter studier i Hangzhou, syntetiserade den spontana energin i orientalisk bläckkonst med de rumsliga ambitionerna i europeisk Art Informel på ett sätt som ingen av traditionerna ensam kunde ha åstadkommit. Hans storskaliga dukar är samtidigt kalligrafiska och atmosfäriska, en slags måleri utan motstycke eftersom det krävde just hans biografi, just hans vägskäl. I Kanada publicerade Riopelle och Automatistes sitt Refus Global-manifest 1948, där de förkastade provinsiell kyrklig auktoritet till förmån för en experimentell, sekulär konstvision, ett annat kallt system som förnekades, en annan gest av värme som hävdades.

Idag för Yari Ostovany, född i Teheran och nu verksam i San Francisco, denna globala syntes vidare. Hans målningar bygger upp pigment i täta, atmosfäriska lager, för att sedan tvätta tillbaka dem, skrapa ner dem, lösa upp och återskapa ytor tills de bär något som känns uråldrigt utan att vara arkeologiskt. Ostovany talar om persisk poesi som en formativ influens, och den influensen är läsbar i de ytor han skapar: djup som öppnar och stänger sig, färger som framträder och sedan drar sig tillbaka, en yta som aldrig riktigt löser sig i stillhet. Hans verk är varken amerikansk Color Field eller iransk miniatur eller något däremellan: det är precis sig självt, en känslighet som bara global konfluens kunde ha frambringat.

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

Den tredje kylan: Lyrisk abstraktion och den samtida världen

I den samtida konstvärlden i början av tjugoförsta århundradet möter lyrisk abstraktion sin tredje kyla. Den första var den rationalistiska rutnätsstrukturen. Den andra var minimalismens reducerande logik. Den tredje är den algoritmiska bilden, tekniskt felfri, omedelbart producerad, genererad från statistiska fördelningar av vad mänsklig visuell kultur redan har skapat. Den AI-genererade bilden är den kallaste hittills: den bär ingen risk, inget engagemang, ingen kropp. Den kan inte misslyckas. Vilket betyder att den inte heller, i någon meningsfull bemärkelse, kan lyckas.

En duk av Poynder bär på spåret av en gest gjord vid ett specifikt ögonblick, i ett specifikt tillstånd av kropp och sinne, som inte kan upprepas. En Landauer-målning håller det biometriska spåret av gester räknade och utförda i en särskild kropps särskilda tid. Ett verk av Jill Moser, vars lyriska, kalligrafiska markeringar navigerar rummet mellan målning och skrivet språk, mellan bild och den mening som föregår ord, kunde inte ha skapats genom någon process som går från beräkning till utförande. Dessa målningar är inte produkten av en algoritms förutsägelse av hur en målning borde se ut. De är vad som händer när en mänsklig kropp möter material under villkor av äkta osäkerhet.

Jill Moser - Målning - 2007

Det är inte en liten sak. Det är faktiskt hela saken. Lyrisk abstraktion har aldrig handlat om en särskild stil eller teknik. Det har alltid handlat om insisterandet på att målning är en händelse, inte en produkt: märket på ytan är bevis på ett liv som levs, en risk som tas, ett ögonblick som inte kan rekonstrueras från statistiska data. Mot den tredje kylan är det insisterandet inte nostalgiskt. Det är nödvändigt.

Av Francis Berthomier

Mer målning som vägrar vara kall

De samtida konstnärer som presenteras i denna essä (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, och Jill Moser) är ett personligt urval från den bredare gemenskapen av lyriska och gestiska målare som representeras av IdeelArt. Många andra konstnärer i samlingen delar denna känsla. 

För samlare som är intresserade av att utforska lyrisk abstraktion genom verk som finns tillgängliga idag, har IdeelArt en exklusiv samling med över 700 gestiska och lyriska abstrakta konstverk som kan upptäckas genom att klicka här.

Lyrisk Abstraktion: Vanliga frågor

För läsare som vill ha fakta, och för Google, som också vill ha dem.

1. Vad är lyrisk abstraktion?

Lyrisk abstraktion är en form av icke-figurativ målning som prioriterar spontanitet, känslomässig intensitet och den synliga spår av konstnärens gest framför geometrisk struktur eller intellektuellt system. Den finns i två historiskt distinkta men filosofiskt relaterade versioner. Den europeiska versionen, Abstraction Lyrique, uppstod i efterkrigstidens Paris i slutet av 1940-talet som en underström av Art Informel, och hyllade den instinktiva markeringen som ett uttryck för mänsklig frihet efter ockupationens och totalitarismens trauma. Den amerikanska versionen identifierades i slutet av 1960-talet och början av 1970-talet av samlaren Larry Aldrich och kristalliserades i Whitney Museums utställning 1971, denna gång som en reaktion mot Minimalismens kliniska reduktivism och Pop Arts ironiska distans. Båda versionerna delar ett engagemang för flyt, färg och det som kan kallas "produktiv olycka": ögonblicket när målningen gör något som målaren inte helt planerat, och det oplanerade behålls eftersom det är sannare än något som planen skulle ha producerat. Visuellt tenderar lyrisk abstraktion mot atmosfäriskt rum, gestiska eller måleriska markeringar och en övergripande känsla av rörelse, till skillnad från de hårda kanterna, linjerna och de kalkylerade symmetrierna i geometrisk abstraktion.

Utställningskatalog - Whitney Museum - Lyrical Abstraction - 1971 - Klicka för att bläddra i katalogen

2. Vad är skillnaden mellan lyrisk abstraktion och abstrakt expressionism?

Förvirringen är förståelig: båda rörelserna hyllar gesten, kroppen och känslomässig direkthet, men skillnaderna är verkliga och viktiga. Abstract Expressionism, som utvecklades i New York från mitten av 1940-talet och framåt, präglades ofta av en heroisk, till och med våldsam energi: Action Painting med Pollocks droppteknik, den monumentala konfrontationen i de Koonings figur-i-abstraktion, sublimiteten i Rothkos färgfält. Den förknippades med en särskild (och ganska macho) mytologi om konstnären som existentiell kämpe. Lyrisk abstraktion, särskilt den amerikanska versionen från slutet av 1960-talet, var delvis en reaktion mot denna ortodoxi. Den var mer flytande, mer poetisk, mer fokuserad på skönhet som ett legitimt mål i sig. Konstnärer som Helen Frankenthaler, Joan Mitchell och Dan Christensen arbetade i register som var lättare, mer genomlysta, mer, för att använda termen exakt, lyriska. Skillnaden är inte en fråga om allvar; det är en fråga om ton. Om Abstract Expressionism är jazz på full volym, är lyrisk abstraktion samma jazz spelad i ett rum där fönstren är öppna.

Mark Rothko på Fondation Louis Vuitton - december 2023 - ©IdeelArt

3. Vem myntade begreppet "lyrisk abstraktion"?

Begreppet myntades i Paris 1947 av konstkritikern Jean José Marchand och målaren Georges Mathieu för att beskriva verken som visades i utställningen "L'Imaginaire" på Galerie du Luxembourg. Marchand använde det för att förmedla en känsla av måleri som hade brutit sig loss från all "tjänstgöring": till figurativ konst, till teori, till de kvarvarande kraven från förkrigstidens stilar. Begreppet återupplivades senare oberoende i USA av Larry Aldrich, den amerikanske samlaren och grundaren av Aldrich Contemporary Art Museum, i hans artikel "Young Lyrical Painters" i Art in America 1969. Även om Aldrich sannolikt var medveten om den europeiska användningen, motiverades hans användning av begreppet av en annan kritisk kontext: önskan att namnge en post-minimalistisk känsla snarare än en efterkrigstidens europeisk.

Utdrag från utställningskatalogen - Höjdpunkter från konståret 1968-69 - Aldrich Museum of Modern Art - Bläddra i katalogen 

4. Vilka är de viktigaste konstnärerna inom lyrisk abstraktion?

På den europeiska sidan inkluderar de grundläggande gestalterna Georges Mathieu, den självutnämnde grundaren, känd för sina teatrala framträdanden och Tubist-teknik, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), vars råa, improviserade märken speglade efterkrigstidens nihilism), Hans Hartung, vars snabba, disciplinerade drag utforskade fri vilja genom hastighet), Jean-Paul Riopelle, den kanadensiskfödde parisaren vars palettknivsmosaiker blev ikoniska, Zao Wou-Ki, vars syntes av orientalisk kalligrafi och Art Informel var sui generis, och Simon Hantaï, som började inom lyrisk abstraktion innan han helt lämnade den 1958 för att utveckla sin egen teknik pliage, en av de mest unika banorna i efterkrigstidens måleri. På den amerikanska sidan inkluderar de viktiga namnen Helen Frankenthaler, uppfinnaren av soak-stain-tekniken, Sam Francis, vars tachistiska stänk engagerade sig i buddhistiska begrepp om tomhet, Joan Mitchell, som förenade Action Painting med impressionistisk färgkänsla, Dan Christensen, som använde industriella sprutpistoler för att skapa lysande slingor, och Ronnie Landfield, som myntade uttrycket "new sensibility" för att beskriva vad hans generation gjorde.

Riopelle - Chevreuse - 1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, september 2023 - © IdeelArt

5. Vilka tekniker definierar lyrisk abstraktion?

Process och teknik är centrala för lyrisk abstraktion på ett sätt som nästan är definierande: hur är oskiljaktigt från vad. Mathieus "Tubism" (att applicera färg direkt från tuben i snabb takt, utan förberedande skiss) maximerade spontanitet och kalligrafisk precision samtidigt. Riopelle arbetade uteslutande med palettkniv och byggde täta, skulpturala impastoskikt som liknar mosaik eller geologiska lager. Frankenthaler hällde utspädd färg på opreparerad duk så att den sögs in i väven, vilket eliminerade skillnaden mellan yta och grund. Christensen använde en industriell sprutpistol för att skapa kontinuerliga, slingrande linjer som gick bortom armens fysiska räckvidd. Mer nyligen blandar konstnärer som Macha Poynder automatisk teckning och performativ gest med avsiktlig lagerläggning, deras ytor håller samtidigt spår av slump och avsikt; Janise Yntema arbetar med encaustic bivax som smälts med blåslampa, och bygger halvgenomskinliga lager som fångar och förmedlar ljus; och Emily Berger engagerar hela sin kropp i horisontella gestiska drag på trä, skrapar och gnuggar tills panelen bär bevis på flera fysiska insatser. Det som alla dessa tekniker har gemensamt är en envishet vid irreversibilitet: märket är gjort, och skapandet kan inte helt ångras.

Janise Yntema - Viskningen av ensamhet - 2017

6. När och var uppstod lyrisk abstraktion?

Lyrisk abstraktion har två distinkta historiska ursprung som inte bör sammanblandas, även om de är besläktade i anda. Det första är Paris, 1947: utställningen "L'Imaginaire" på Galerie du Luxembourg, där Jean José Marchand och Georges Mathieu använde termen Abstraction Lyrique för att beskriva en ny form av total abstraktion som växte fram i efterkrigstidens Art Informel. Denna europeiska rörelse blomstrade under 1950-talet, med centrum i Paris, med betydande bidrag från konstnärer från Frankrike, Kanada, Japan och Kina. Det andra ursprunget är New York, 1969–1971: Larry Aldrichs artikel i Art in America "Young Lyrical Painters" (1969) namngav en ny generation amerikanska konstnärer som rörde sig bort från minimalismen, och rörelsen konsoliderades av Whitney Museums utställning "Lyrical Abstraction" 1971. Dessa två ögonblick är historiskt skilda: de europeiska konstnärerna var till stor del okända för, eller avfärdade av, New Yorks kritiska etablissemang, men de representerar parallella svar på parallella problem: behovet av att återbekräfta det mänskliga, det gestiska och det emotionella mot system som blivit för kalla. (se även fråga 12 för mer detaljer)

Jean-Paul Riopelle och Fernand Leduc på utställningen "Automatisme" på Galerie de Luxembourg, Paris, 1947

7. Vad är skillnaden mellan lyrisk abstraktion och geometrisk abstraktion?

Detta är den grundläggande antagonismen i abstraktionen under 1900-talet, och det är värt att ta på allvar. Geometrisk abstraktion, från Mondrians rutnät till Albers kvadrater till hard-edge-målningarna på 1960-talet, utgår från en plan. Formen finns innan målningen gör det. Utförandet handlar om precision: linjen går dit det bestämdes att linjen skulle gå. Lyrisk abstraktion utgår från motsatt övertygelse: formen uppstår under själva målningsakten, genom mötet mellan konstnärens kropp, mediet och ögonblicket. Planen, om det finns någon, överges eller överskrids omedelbart. Geometrisk abstraktion värderar kontroll, struktur och upprepbarhet; lyrisk abstraktion värderar spontanitet, slump och oersättlig singularitet. Ingen är överlägsen, men de representerar verkligen motsatta filosofier om vad en målning är och vad den är till för. För en detaljerad utforskning av den geometriska traditionen, se IdeelArts följeskrivning "Geometric Abstraction: NOT Another Heroic Tale of Malevich and Mondrian".

Piet Mondrian - Tableau iii (Komposition i oval - detalj) - 1914 - Stedelijk Museum Amsterdam

8. Är lyrisk abstraktion fortfarande relevant idag?

Inte bara relevant, utan troligen mer nödvändigt än någonsin tidigare. I en visuell kultur som alltmer är mättad med algoritmiskt genererade bilder som är tekniskt perfekta men upplevelsemässigt tomma, representerar lyrisk abstraktion det oundvikliga argumentet för det mänskliga avtrycket: målningen som bara kunde ha skapats av denna kropp, i detta ögonblick, under dessa villkor av äkta osäkerhet. Samtida utövare som Yari Ostovany (San Francisco, född i Teheran), vars pigmentmättade ytor refererar till persisk poetisk tradition och amerikansk Color Field samtidigt, eller Paul Landauer (Belgrad, född i Wien), vars målningar rör sig mellan arkitektonisk precision och atmosfärisk bredd, alltid framkomna genom fysisk engagemang snarare än formel, eller Jill Moser (New York), vars kalligrafiska markeringar befinner sig i gränslandet mellan målning och skriven språk, mellan gest och mening: alla skapar de verk som en generativ AI inte kan återskapa på riktigt. Detta handlar inte om visuellt utseende: en algoritm kan visserligen producera något som ser ut som lyrisk abstraktion, och övertygande nog. Men den mänskliga närvaron i hjärtat av praktiken kan inte simuleras.

Det dessa målare skapar är inte främst en bild: det är bevis på ett liv, en risk, ett fysiskt ögonblick som inträffade en gång och inte kan rekonstrueras från statistiska data. Ytan är dokumentationen, inte resultatet. Stort institutionellt intresse fortsätter att växa: år 2025 ägnade Monnaie de Paris och Centre Pompidou gemensamt en omfattande retrospektiv till Georges Mathieu, "Geste, Vitesse, Mouvement", den första sådana översikten på över femtio år. 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - Från "Geste, Vitesse, Mouvement"-utställningen på Monnaie de Paris, 2025. Bläddra i katalogen här

9. Vad är skillnaden mellan lyrisk abstraktion och tachism — är det samma sak?

Inte riktigt, även om de två är nära besläktade och termerna ofta används omväxlande, vilket orsakar verklig förvirring. Tachisme (från franskan "tache", vilket betyder fläck eller plump) är en specifik teknik: den spontana appliceringen av färg i klumpar, droppar och stänk som uppstod i Paris i slutet av 1940-talet och kodifierades av kritikern Michel Tapié 1952. Lyrisk abstraktion är en bredare känsla som omfattar Tachisme men inte är begränsad till det. Du kan tänka på Tachisme som en av metoderna som lyrisk abstraktion använder, snarare än dess synonym. Båda faller under det större paraplyet Art Informel, den europeiska efterkrigstidens avvisande av rationella, geometriska tillvägagångssätt till målning.

Typisk tachistmålning: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. Vad är skillnaden mellan lyrisk abstraktion och Color Field-målning?

Dessa två rörelser delar en generation, en geografi (båda blomstrade i efterkrigstidens Amerika) och ett engagemang för färg som den primära bäraren av känsla, vilket är anledningen till att de så ofta förväxlas. Den avgörande skillnaden ligger i gestens roll. Color Field-målare som Mark Rothko, Barnett Newman och Morris Louis rörde sig bort från den synliga penseldraget, mot stora, omslutande färgfält som suddade ut konstnärens hand. Lyrisk abstraktion gick i motsatt riktning: gesten, märket, den fysiska spår av målarens kropp är precis vad verket handlar om. Helen Frankenthaler är det mest lärorika exemplet, eftersom hennes soak-stain-teknik skapade atmosfäriska färgfält samtidigt som den förblev djupt rotad i den gestiska processen. I praktiken är gränsen mellan de två verkligen porös, och många målningar passar bekvämt i båda lägren.

Morris Louis - Pi - 1960 - North Carolina Museum of Art (2015 utställning) - ©IdeelArt

11. Är Joan Mitchell lyrisk abstraktion eller abstrakt expressionism?

Ärligt talat både och, och den tvetydigheten är en del av vad som gör henne till en så viktig figur. Mitchell utbildades och fostrades inom den abstrakta expressionistiska kretsen i New York, och hon delade dess engagemang för storskalig, fysiskt engagerad målning. Men hennes verk har en lyrisk kvalitet, en ljusstyrka och en koppling till landskap och naturlig känsla som lika mycket placerar dem i den lyriska traditionen. Hon tillbringade mycket av sin karriär i Frankrike, där hon var närmare den europeiska Abstraktion Lyrique känslighet än den heroiska machon i New York-skolan. De flesta konsthistoriker placerar henne idag i skärningspunkten mellan de två rörelserna, vilket kanske är den mest intressanta position en målare kan inta.

Joan Mitchell i sin studio i Vétheuil, 1983. Fotograf: Robert Freson, Joan Mitchell Foundation Archives. © Joan Mitchell Foundation

12. Vad är skillnaden mellan "abstraction lyrique" och "lyrisk abstraktion"?

De delar ett filosofiskt DNA men är historiskt skilda.

Abstraction Lyrique är den franska termen, myntad i Paris 1947 av Jean-José Marchand och Georges Mathieu, för att beskriva en efterkrigstidens europeiska riktning rotad i Art Informel, existentialistiskt tänkande och avvisandet av geometrisk rationalism.

Marchand, en konstkritiker, myntade först namnet för att beskriva verken av Mathieu som ställdes ut i november 1947 på den fjortonde Salon des Surindépendants, fyra månader efter att han lagt märke till Mathieu på Salon des Réalités Nouvelles:

"Jag skulle först vilja lyfta fram verken av den abstrakta konstnären Georges Mathieu. Denna unge man visar två stora, mycket lyriska målningar som är mycket rörande och som, tror jag, kan beröra publiken, även om de inte föreställer något."

Men det är Mathieu som teoretiserade rörelsen. I sin första skrift om konst, med titeln "La liberté, c’est le vide" (Frihet är tomhet), skriven 1947 och publicerad den 22 april 1948 i H.W.P.S.M.T.B.-utställningskatalogen, lade Mathieu grunden för en ”metafysik av tomhet”, som förkunnade riskens metafysik och invigde färdplanen för Abstraction Lyrique – ett begrepp han föredrog framför "Abstractivisme Lyrique" (Lyrisk Abstractivism) som ursprungligen användes av Marchand.

För Mathieu kräver Abstraction Lyrique att ”koncentration ersätter den klassiska improvisationsidén.” Den främjar en kallelse till andlighet, energi och intuition på bekostnad av metoder och formler, och kräver slutligen en verklig känslighet och en ”öppning mot Kosmos” från konstnärens sida.

"Medveten om att jag har fullgjort min roll, efter att ha gjort allt som stod i min makt, vet jag att tiden är på min sida, att sanningen till slut kommer att bryta fram i dagsljuset, att denna fria Abstraktion kommer att njuta av en fatal triumf, och jag anar till och med att den kan ge upphov till den största förvirringen och den största lättheten." -Georges Mathieu

H.W.P.S.M.T.B. utställningskatalog (utdrag)

"Lyrical Abstraction" som en amerikansk rörelse namngavs självständigt 1969 av samlaren Larry Aldrich, som en reaktion på minimalism och popkonst. Whitney Museum kodifierade den amerikanska rörelsen med en fullständig utställning 1971 med titeln "Lyrical Abstraction", med ett utställningsuttalande skrivet av Larry Aldrich: 

"I början av förra säsongen blev det tydligt att det inom måleriet skedde en rörelse bort från det geometriska, hårdkantade och minimalistiska, mot mer lyriska, sensuella, romantiska abstraktioner i färger som var mjukare och mer livfulla. Målare skapade, i betydande antal, verk som var visuellt "vackra", vilket fram till dess i konstvärlden på sextiotalet var ett smutsigt ord. Även om de inte återvände till någon tidigare stil, relaterade dessa nya unga målare till män som målat i en målerisk natur i tjugo år eller mer: Mark Rothko, Robert Motherwell och andra. Konstnärens hand är alltid synlig i denna typ av målning, även när målningarna görs med spraypistoler, svampar eller andra föremål. Ytor är aldrig anonyma som i minimalistiska målningar; de är fint nyanserade och ofta suggestiva av molniga tomrum. Dessa målningar representerar alla ett tydligt skifte mot ett uttrycksfullt intresse. När jag undersökte denna lyriska trend fann jag många unga konstnärer vars målningar tilltalade mig så mycket att jag kände mig tvungen att förvärva många av dem. Majoriteten av målningarna i Lyrical Abstraction-utställningen skapades 1969, och alla är nu en del av min samling." -Larry Aldrich

Utställningskatalog - Whitney Museum - "Lyrical Abstraction" (1971) - sidorna 32 och 33 - Klicka för att bläddra

De två rörelserna utvecklades till stor del parallellt, med begränsad kännedom om varandra vid den tiden: den kritiska establishmenten i New York under 1950- och 60-talen var ökänd för att avfärda den parisiska scenen. Idag används termerna mer eller mindre synonymt för att beskriva den gemensamma känslan, men när historiker använder dem exakt, syftar Abstraction Lyrique på den europeiska efterkrigsströmningen och "Lyrical Abstraction" på den amerikanska rörelsen från slutet av 1960- och 70-talen.

13. Hur känner jag igen lyrisk abstraktion — vad ska jag leta efter i en målning?

Några kännetecken, inga av dem avgörande var för sig men övertygande i kombination. För det första, leta efter synliga spår av fysisk process: penseldrag som visar hastighet eller tryck, märken som inte kunde ha gjorts med ett verktyg hållit på armlängds avstånd från duken, ytor som visar tecken på att ha bearbetats och bearbetats igen. För det andra, leta efter en känsla av atmosfäriskt eller emotionellt rum, eftersom lyrisk abstraktion tenderar mot djup och rörelse snarare än den platta, deklarativa ytan hos hard-edge-målning. För det tredje, lägg märke till om färgen känns uttrycksfull snarare än strukturell: i lyrisk abstraktion är färg stämning, inte arkitektur. Slutligen, och mest avslöjande, fråga dig om målningen känns som om den upptäckts snarare än designats. Om svaret är ja, om verket verkar ha kommit till sig självt genom en process av risk och osäkerhet, tittar du nästan säkert på lyrisk abstraktion.

Emily Berger - Fire And Ice - 2020

14. Vilken roll spelar slump och olyckshändelser i lyrisk abstraktion?

Central, men nyanserad. Lyrisk abstraktion dyrkar inte slumpen för dess egen skull, för det skulle bara vara ren slumpmässighet, och slump är inte samma sak som spontanitet. Det lyriska abstraktionisterna värderar är det som kan kallas "produktiv slump": ögonblicket när färgen gör något som målaren inte helt avsåg, och det oavsiktliga erkänns som sannare, mer levande, mer uttrycksfullt än något som planen skulle ha producerat. Målarens skicklighet ligger inte i att undvika dessa ögonblick utan i att veta hur man läser dem, svarar på dem och behåller dem. Mathieu beskrev detta som ett tillstånd av "extatisk koncentration", som kombinerar full medvetenhet med upphävandet av avsiktlig kontroll. Frankenthaler talade om att lära sig att lita på färgen. Riopelles palettknivsmosaiker krävde ständiga mikrobeslut som svar på vad det föregående penseldraget hade gjort. I varje fall är slumpen inte verkets upphovsman – konstnären är det – men slumpen är en oumbärlig medarbetare.

Georges Mathieu på Bezalel National Museum, Jerusalem, 1962, Yona Fisher Archive

15. Vad är kopplingen mellan lyrisk abstraktion och musik?

Det ligger inbyggt i namnet. "Lyrisk" kommer från lyra, Orfeus instrument, roten till lyrisk poesi, idén om konst som sjungs snarare än talas. Kandinsky, vars tidiga abstrakta verk förutsåg mycket av vad lyrisk abstraktion skulle bli, talade uttryckligen om måleri som visuell musik: han trodde att färg och form kunde förmedla känsla med samma direkthet som ljud, och helt kringgå språket. Många lyriska abstraktionister utvecklade denna parallell medvetet. Mathieu framförde sina målningar till livejazz, och hans duk från 1959 Le Massacre de la Saint-Barthélemy målades medan trummisen Kenny Clarke improviserade bredvid honom. Joan Mitchell beskrev ofta sina målningar i musikaliska termer, som kompositioner med rytm, tempo och tystnad. Kopplingen är inte bara metaforisk: både musik och lyrisk abstraktion skapar mening genom varaktighet, repetition, variation och hantering av spänning och upplösning, snarare än genom fasta, läsbara bilder.

Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959

16. Vad är skillnaden mellan lyrisk abstraktion och neoexpressionism?

Neoexpressionismen uppstod i slutet av 1970-talet och dominerade konstmarknaden under 1980-talet, med konstnärer som Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat och Julian Schnabel. Båda rörelserna värderar gest, känsla och färgens fysiska närvaro, så förvirringen är förståelig. De viktigaste skillnaderna är figurativt innehåll och kulturell temperatur. Neoexpressionismen behåller nästan alltid igenkännbar bildvärld: förvrängda figurer, symboliska objekt, narrativa fragment. Lyrisk abstraktion är resolut icke-figurativ. Neoexpressionismen är också råare, mer konfrontativ, mer intresserad av myt, historia och kulturell trauma som explicit ämne. Lyrisk abstraktion är mer fokuserad på ren sensation, färgförhållanden och perceptionspsykologi. Om lyrisk abstraktion är jazz spelad med öppna fönster, är neoexpressionismen ett helt annat instrument: högre, mer teatralisk och mycket intresserad av att berätta en historia.

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - februari 2023 - Installationsvy - ©IdeelArt

17. Kan lyrisk abstraktion inkludera figurativa element?

Tekniskt sett nej, men i praktiken är gränsen suddig och intressant. Lyrisk abstraktion är per definition icke-figurativ, vilket betyder att den inte avbildar igenkännbara motiv. Men många målare som arbetar i den lyriska traditionen upptäcker att gestiska markeringar, atmosfäriska färger och organiska former börjar antyda landskap, kropp eller väder utan att konstnären avsett det. Joan Mitchells sena målningar svävar ständigt på gränsen till landskap utan att någonsin avbilda ett. Riopelles mosaiker framkallar flygbilder av terräng. Detta är inte ett misslyckande för abstraktionen: det är vad som händer när målning är tillräckligt levande och kroppslig, eftersom världen sipprar tillbaka in. Den viktiga skillnaden är en fråga om avsikt: lyrisk abstraktion utgår inte från en figur eller en plats. Det som kommer oinbjudet är en del av dess ärlighet.

Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - Juni 2019 - ©IdeelArt

Paul Landauers "The night: Self Portrait as a Young Boy" (nedan) illustrerar denna gräns med särskild kraft. En gestalt framträder ur ett turbulent fält av djupa röda och svarta färger, inte så mycket målad som framkallad, formen som samlas ur färgens egen logik. Landauer började inte från en figur i traditionell mening: han började från färg, från process, från ett känslomässigt inre. Figurationen kom till. Och eftersom den kom på det sättet bär den något som ett rakt porträtt aldrig kunde: känslan av ett minne som stiger upp snarare än beskrivs.

Paul Landauer - The Night (Självporträtt som ung pojke) - 2025

18. Vad bör en samlare leta efter när hen köper lyrisk abstraktion?

Utöver de vanliga övervägandena kring skick, proveniens och konstnärens meritlista ställer lyrisk abstraktion några specifika frågor till samlaren. För det första: håller ytan för långvarig betraktelse? Lyrisk abstraktion avslöjar sig långsamt, och en målning som fungerar på avstånd bör också belöna noggrann granskning, där de fysiska spåren av processen blir synliga. För det andra: är gesten övertygande? Det finns en skillnad mellan ett märke gjort med genuint fysiskt engagemang och ett som bara låtsas vara spontant utan att egentligen riskera något, och med viss erfarenhet lär sig ögat att känna den skillnaden. För det tredje: har verket intern sammanhållning? Den bästa lyriska abstraktionen är inte kaotisk: den har en logik som känns snarare än läses, en struktur som håller även om ingen plan föregick den. Slutligen, lita på din egen kroppsliga reaktion. Lyrisk abstraktion är skapad för att kännas innan den förstås, och en samlare som reagerar fysiskt på ett verk, som känner dess energi i kroppen innan sinnet hunnit ikapp, upplever precis det som målaren avsåg. 

Alla bilder © konstnärerna om inget annat anges
Utvald bild: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (detalj)

Lyrisk konst från vårt lager (Ett urval)