Allvarlig och inte så allvarlig: Kyong Lee i 14 frågor

FÄRGENS SPRÅK

På IdeelArt tror vi att en konstnärs berättelse berättas både inne i och utanför studion. I denna serie ställer vi 14 frågor som överbryggar klyftan mellan kreativ vision och vardagsliv, och blandar professionell insikt med personliga egenheter som gör varje konstnär unik.

Från hennes studio med utsikt över koreanska risfält, en plats delad med fem katter, en hund och årstidernas skiftande ljus, skapar Kyong Lee verk som försöker förvandla känsla till ett synligt språk. Upptäck hur en kärlek till jazz, inflytandet från en eftertänksam mentor och ett avgörande materialskifte hjälpte henne att hitta den "Emotionella Färgen" som definierar hennes praktik idag.

De inte så allvarliga frågorna

8 frågor för att avslöja oväntade egenheter och vardagsliv hos Kyong Lee

Om din konst vore en låt eller ett musikstycke, vad skulle spelas i bakgrunden?

Miles Davis Kind of Blue,
Keith Jarretts The Köln Concert,
Pat Methenys Travels,
och Debussys Clair de Lune.

Jag tillbringar långa timmar i studion, och den här musiken hjälper mig att stanna kvar i ett tyst, reflekterande tillstånd där färg och känsla kan utvecklas långsamt.

Vad är något du är besatt av eller har ett starkt intresse för som inte har något med konst att göra?

Jag har en liten grönsaksträdgård, tar dagliga promenader med min hund, tar hand om herrelösa katter på min gård och älskar att titta på himlen.

Kaffe, te eller något starkare medan du arbetar? Eller bara ljus och tystnad?

Jag börjar min dag med en kopp kaffe, sedan byter jag till te – ofta mjölkte eller yuzute – under dagen. Jag arbetar alltid med musik i bakgrunden, oftast jazz. Melodier av artister som Pat Metheny och Keith Jarrett hjälper ofta till att hålla rytmen i mitt arbete flytande.
Min studio är sömlöst kopplad till mitt dagliga liv, delad med en hund och fem katter. En liten bäck rinner i närheten, och en stor zelkova och ett körsbärsträd står på gården, omgivna av risfält. Det är en miljö där årstidernas växlingar känns djupt, och jag hittar inspiration under mina dagliga promenader här med min hund.

Om du kunde träffa vem som helst, levande eller död, vem skulle det vara?

Den avlidne Klaus Stümpfel, min professor vid HBK Braunschweig. Han lärde mig genom sin passion och allvar inför konsten. Han var inte känd, men han var den viktigaste läraren i mitt liv.

Om du inte var konstnär, vad skulle du göra då?

Jag har varit dragen till konst sedan femte klass, när jag började kopiera Cézannes akvareller av Mont Sainte-Victoire – det var då drömmen först tog form. När jag senare insåg att konstnärslivet inte var den romantiska idealbild jag föreställt mig som barn, blev jag ännu mer engagerad i mitt arbete. Jag har aldrig seriöst övervägt ett annat yrke, men om jag måste föreställa mig ett, skulle jag kanske vara forskare inom biologi eller historia – ämnen jag alltid älskat.

Kan du dela med dig av en kort berättelse eller ett ögonblick från ditt liv som haft stark påverkan på ditt liv som konstnär?

En person som har haft stort inflytande på min konstnärliga resa är Christelle Thomas från IdeelArt. Sedan vårt första onlinemöte 2017 har hon stöttat mitt arbete med konsekvent förtroende och omsorg.

Under stunder när jag känner mig känslomässigt låg eller kreativt fastlåst blir hennes korta men uppriktiga meddelanden ofta en tyst styrka som hjälper mig att återvända till mitt arbete. I höstas skickade hon en bild från Paul Cézannes ateljé i Aix-en-Provence. Med vetskap om min beundran för Cézanne rörde hennes omtänksamma gest mig djupt och fick mig att återigen fråga: Vilken färg har den här känslan jag känner? Vilka ord kan bära den? Och i vilken form kan jag ge dessa känslor gestalt när de byggs upp, lager för lager?
Stunder som dessa – oväntade möten och subtila känslomässiga darrningar – förnyar ständigt min nyfikenhet och blir drivkraften bakom min skaparlust.

Hur ser en bra dag ut för dig, utanför ateljén?

En bra dag utanför ateljén är en dag då jag känner att mina sinnen fortfarande är levande. Dagliga rutiner kan göra perceptionen trubbig, men inom den upprepningen dyker ofta oväntade ögonblick av medvetenhet upp.
Att promenera med min hund en klar dag och låta blicken följa de avlägsna bergskedjorna, dela nybryggt kaffe med min man eller lägga märke till de första azaleorna som blommar halvvägs uppför ett berg efter en lång vinter – dessa vardagliga stunder ger mig stilla glädje.
De flesta dagar är fyllda av upprepning och en viss känsla av stagnation. Men när mina sinnen inom denna vardaglighet försiktigt vaknar till liv igen, räcker det för att det ska kännas som en bra dag.

Finns det något med dig som troligen skulle överraska dem som bara känner ditt arbete genom din konst?

Jag är en liten koreansk kvinna. Människor som möter mitt arbete innan de träffar mig erkänner ofta att de föreställt sig konstnären som en stor man som målar dessa verk.

Den (mer) seriösa intervjun

6 frågor för att fördjupa sig i de idéer, erfarenheter och förhoppningar som formar Lees kreativa resa.

Vilka teman eller frågor återkommer ofta i ditt arbete?

Jag återkommer ständigt till frågan om hur känsla blir språk, och hur språk i sin tur blir färg. Jag dras till tillstånd innan saker är klart definierade – där känslor dröjer kvar, skiftar och motstår exakt namngivning. Det är i detta gränsland jag finner det mest sanna uttrycket för mänsklig erfarenhet.
Ett annat återkommande element i mitt arbete är den horisontella strukturen. De horisontella banden som dök upp i mina tidigare verk och i serien ‘Emotional Color Change’ fungerar som en tyst ram, som låter tid, känsla och perception utvecklas jämnt snarare än hierarkiskt. Genom denna struktur utforskar jag ackumulering, subtil variation och balansen mellan ordning och slump.

Kan du beskriva ett avgörande ögonblick i din resa som konstnär?

Jag reste till Tyskland sommaren 1991 och återvände till Korea sommaren 2000. Under mina studier utomlands skapade jag abstrakta verk i oljefärg med vatten som motiv, och fortsatte i samma anda efter hemkomsten.
Vändpunkten kom 2001. Genom ett internationellt utbytesprogram på Ssamzie Space residency besökte jag New York och fick två avgörande insikter. För det första var Koreas monsunperiod i direkt konflikt med min arbetsmetod. Oljemålningstekniken jag använde – som förlitade sig på separationen av vatten och olja – orsakade sprickor och grumliga färger i den höga luftfuktigheten. För det andra, för att förverkliga den horisontella strukturen jag eftersträvade, var ett grundläggande materialskifte nödvändigt. Jag ville att varje färg skulle inta sitt eget tydliga territorium på duken, inte bara blandas till övergångar.
Att samarbeta med konstnärer i New York gav mig mod att experimentera. Jag började utforska de högkvalitativa akrylfärger som just då blev tillgängliga i Korea. Metoden att applicera tjock tejp horisontellt och fylla utrymmena med färg – detta var omöjligt med långsamtorkande oljefärger, men genomförbart med akryl. Detta tekniska skifte var inte bara ett materialbyte; det var det avgörande ögonblicket som öppnade vägen för att konkretisera det visuella språk jag hela tiden sökt.

Vilka material eller processer är viktigast i din praktik, och varför?

Att arbeta med akrylfärg på papper och duk är centralt i min praktik. Jag väljer akryl för dess responsivitet till tid – hur snabbt den torkar, hur precist den kan läggas i lager och hur levande den håller färgen. Dessa egenskaper gör att varje färg kan behålla sitt eget territorium istället för att lösas upp i kontinuerliga övergångar.
Jag arbetar ofta med horisontella strukturer, använder tejp för att definiera gränser och skapar rytm genom upprepning. Denna process speglar hur jag förstår känsla – som något som ackumuleras över tid, strukturerat men öppet för subtila skiftningar.
Material är viktiga för mig eftersom de låter färgen fungera inte bara som en representation, utan som en dokumentation av perceptuella och känslomässiga tillstånd.

Hur vill du att människor ska känna när de upplever ditt arbete?

Jag hoppas att betraktare stannar upp och känner sig dragna att komma närmare verket. Inte för att avkoda det, utan för att tyst känna känslor återvända inom sig själva, utan press.
Färg når oss före språket – känns innan det förklaras. Om mitt arbete kan skapa ett ögonblick där känslan kommer före orden, och betraktare upptäcker ett namn för en känsla de ännu inte kände inom färgerna, är det tillräckligt för mig.

Kan du berätta om en typisk arbetsdag i din ateljé?

Jag arbetar bara medan det är dagsljus. Även om jag använder dagsljusbalanserade lampor inomhus undviker jag att arbeta med färg på natten, eftersom jag förlitar mig på subtila skiftningar i naturligt ljus. På kvällarna läser jag vanligtvis böcker eller tittar på filmer på Netflix istället för att rita. En minnesvärd film jag nyligen såg var Train Dreams, baserad på romanen av Dennis Johnson, som jag tyckte var mycket imponerande.
För att vara trogen dagens känslor arbetar jag med flera dukar eller pappersark utlagda samtidigt. Jag följer inga fasta ritualer – varje dags arbete svarar på de känslomässiga och situationella förutsättningarna i det ögonblicket. Jag fokuserar på mitt ateljéarbete på morgonen, tar en sen brunch runt kl. 13 och fortsätter arbeta under eftermiddagen fram till middagen.

Vilka drömmar eller förhoppningar har du för din konstnärliga resa?

Min serie "Color as Adjective", som utforskar relationen mellan känsla, färg och språk, har nu överstigit 420 verk. Vissa färger är redan uttömda och kan inte längre skapas, medan många andra väntar på att upptäckas och skapas. Jag har ställt ut dessa färger i små grupper under det gemensamma substantivet "skönhet."
Det jag drömmer om nu är att samla hela serien i ett enda utrymme. Det skulle vara en helhet av alla känslor jag har upptäckt, upplevt och känt – en tidsdokumentation i sig. Jag hoppas att besökare inom detta utrymme ska upptäcka sina egna känslor genom färgens språk och uppleva världen på sätt som skiljer sig från, eller kanske liknar, mina.

Av Francis Berthomier
Alla bilder ©Kyong Lee

UPPTÄCK VERKEN AV KYONG LEE TILLGÄNGLIGA PÅ IDEELART