Artikel: Konkret konst: En samlares guide till konsten av absolut klarhet
Konkret konst: En samlares guide till konsten av absolut klarhet
I konsthistorikerns lexikon är få termer så missförstådda som "Konkreta Konst." För den oinvigde antyder ordet tyngd, soliditet eller kanske det grå industriella materialet i sig. Inom konstvärlden betyder det dock något mycket mer radikalt: en avvisning av idén att konst måste handla "om" något annat. Medan traditionell abstraktion abstraherar från verkligheten (tar ett träd och reducerar det till linjer), konstruerar Konkreta Konst en ny verklighet. Den hävdar att en linje, en färg eller ett plan är en verklig sak, lika konkret som en stol eller en sten. Idag, när vi navigerar i en värld mättad av digitalt brus och oändliga berättelser, känns den Konkreta Konstnärens strävan efter "absolut klarhet" och autonom form inte bara relevant, utan nödvändig. Den erbjuder en visuell fristad, en plats där det du ser är exakt vad det är.
Bortom Abstraktion: Den Distinkta Naturen av Konkreta Konst
Tillsammans med Suprematism, Konstruktionism, De Stijl, Neo-Konkreta Konst och Minimalism är Konkreta Konst en av ett halvdussin geometriska abstrakta konströrelser som uppstod under 1900-talet, ungefär mellan 1913 och 1970. Men den skiljer sig tydligt från alla andra på denna lista. Skillnaden är kanske inte lätt att se. Visuellt producerade alla sex dessa rörelser liknande verk. Det beror på att alla baserades på samma syntax – ett visuellt språk rotat i icke-objektiva, formella element som linjer, former och färger.
Daniel Göttin - Untitled 1-12 - 2017
Den avgörande skillnaden mellan dem var nästan helt semantisk, vilket betyder att intentionen och betydelsen bakom varje var unik. Suprematism använde geometrisk abstraktion för att kommunicera "den rena känslans eller perceptionens överlägsenhet." Konstruktionism använde den för att konstruera nya användbara symboler för en modern värld. De Stijl använde geometriska element för att utforska universums inneboende harmoni. Konkreta Konst var rent plastisk: varje visuellt element den använde skapades på ett mekaniskt sätt och var utan någon symbolisk, emotionell, andlig eller naturalistisk betydelse. Neo-Konkreta Konst använde samma visuella språk som Konkreta Konst, men avvisade dess rena plasticitet och fokuserade istället på den fenomenologiska potential som uppstår när människor interagerar med konst. Minimalism höll med om att plastiska element skulle vara självrefererande, men tog den tron till sin ytterlighet, och gav estetiska komponenter autonom kraft till den grad att konstnären subliminerades, och all bevisning för författarskap, berättelse, biografi eller något annat som kunde störa verkets totalitära närvaro togs bort.
Av alla dessa rörelser är det bara en, konkreta konst, som kan hävda att vara rent abstrakt. Den sökte ensam aktivt att eliminera all yttre betydelse, och frigjorde konstnärer från att behöva kommunicera något utöver det som tydligt syns i verket.
Rörelsen mot Konkretion
Tendensen mot en ren, plastisk konst tog rot i Europa omkring mitten av 1800-talet. Det var då målare associerade med rörelser som impressionism och divisionism började isolera element som ljus och färg som saker värda individuell uppmärksamhet. Men ämnesval och mening var fortfarande viktiga för människor vid den tiden, om inte för konstnärerna själva, så åtminstone för deras beskyddare. Det krävdes rörelser som kubism och futurism för att börja förändra denna syn, och bana väg för konstnärer som Wassily Kandinsky och Kazimir Malevich att måla helt abstrakta verk i början av 1900-talet.
Men även Kandinsky och Malevich skapade verk som refererade till yttre betydelsekällor, såsom andlighet och symbolism. Det var inte förrän 1930 som den första europeiska konstnären framgångsrikt verbaliserade önskan att omfamna en verkligt meningslös, ren form av abstrakt visuell konst. Den konstnären var den nederländske målaren och författaren Theo van Doesburg. Van Doesburg hade först blivit framträdande omkring 1917, när han grundade De Stijl tillsammans med Piet Mondrian. Men han och Mondrian gick snart skilda vägar, eftersom Mondrian, liksom många andra abstrakta konstnärer, var starkt påverkad av utopisk spiritualitet. Van Doesburg ville undkomma alla sådana influenser, liksom alla naturalistiska eller figurativa referenser. Så, 1930, tillsammans med den schweiziske konstnären Otto Gustaf Carlsund, den franske målaren Jean Hélion, den armeniske målaren Léon Arthur Tutundjian och den franske typografen Marcel Wantz, medförfattade han Manifestet för Konkreta Konst.
Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian
Manifestet för Konkreta Konst
Manifestet lade fram sex principer: “1) Konst är universell. 2) Ett konstverk måste vara helt utformat och skapat av sinnet innan dess utförande. Det ska inte ta emot något av naturens, sensualitetens eller sentimentalitetens formdata. Vi vill utesluta lyrik, drama, symbolism och så vidare. 3) Målningen måste helt byggas upp med rent plastiska element, nämligen ytor och färger. Ett bildligt element har ingen betydelse utöver ”sig själv”; som en följd har en målning ingen annan betydelse än ”sig själv”. 4) Konstruktionen av en målning, liksom dess element, måste vara enkel och visuellt kontrollerbar. 5) Målningstekniken måste vara mekanisk, det vill säga exakt, anti-impressionistisk. 6) En strävan efter absolut klarhet är obligatorisk.”
Van Doesburg dog ett år efter att Manifestet för Konkreta Konst publicerades, så han fanns inte kvar länge nog för att försvara det mot den armé av kritiker som attackerade det under de följande decennierna. Kritikers klagomål kretsade främst kring vad de uppfattade som den kalla själlösheten och steriliteten i Konkreta Konst. Men det var förstås rörelsens avsikt hela tiden. Faktum är att det är svårt att föreställa sig att, om van Doesburg hade levt längre, han skulle ha brytt sig om att argumentera med sina kritiker. Han skulle sannolikt ha tolkat ordet själlös som en komplimang, och orden kall och steril som höga lovord.
Art Concret Manifesto, maj 1930, via wikiart.org
För att förstå varför Konkreta Konst först tilltalade så starkt många konstnärer är det avgörande att förstå att van Doesburg tillhörde en generation som blivit cynisk efter årtionden av våld. Den massiva död och förstörelse som följde med det moderna kriget chockade dem. Och många intellektuella kom fram till att våldet inte uppstått ur ett vakuum. Tvärtom såg de det som det oundvikliga resultatet av politiska, religiösa och ideologiska konflikter. Konkreta Konst var en vädjan till konstnärer att koppla bort från den verklighet som fört världen till randen av förstörelse.
Marknaden för Klarhet: Att Samla Konkreta Konst Idag
I mitten av 2020-talet har konstmarknaden bevittnat en tyst men avgörande förändring. Efter ett decennium dominerat av hyper-narrativ och politiskt laddad figurativ konst, vänder sig samlare och inredningsdesigners i allt större utsträckning mot Geometrisk Abstraktion och Minimalism. Denna trend är inte bara estetisk; den är psykologisk. I en period präglad av global volatilitet och digitalt brus ser konstvärlden en "flykt till struktur", en kollektiv längtan efter visuell fristad.
Konkreta Konst sitter i spetsen för denna rörelse. Eftersom den vägrar att referera till den kaotiska yttre världen, avvisar politik, tragedi och representation till förmån för ren form, erbjuder den en tidlös stabilitet som skyddar den från trendstyrd konsts nycker. Det är, per definition, en konst av säkerhet.
Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (vänster) och Cut Up Paper 1.27 (höger), 2016
"Blue Chip"-valideringen
Marknaden för de ursprungliga mästarna av denna rörelse har sett en stadig, robust tillväxt, vilket bekräftar dess status som en "säker" tillgångsklass. Medan Josef Albers ofta toppar marknadsrapporter med sin pålitliga auktionsvolym (hans tryckmarknad har enligt uppgift tredubblats i omsättning sedan 2015), är han inte ett undantag. Rekordresultat för Max Bill och Theo van Doesburg (vars Contra-Composition VII såldes för rekordhöga 4,1 miljoner dollar) bevisar genrens blue-chip-status. Samtidigt antyder en nylig ökning av institutionellt intresse för figurer som Verena Loewensberg och Richard Paul Lohse att marknaden aktivt omvärderar och höjer rörelsens nyckelfigurer i Europa.
Dessutom har den "Neo-Konkreta" grenen av rörelsen sett explosiv tillväxt, med brasilianska mästare som Lygia Pape och Hélio Oiticica som uppnår rekordförsäljningar som bekräftar rörelsens globala, tvärkulturella attraktionskraft.
Den samtida möjligheten
För den klarsynta samlaren fungerar denna historiska validering som en marknadssignal. När rörelsens "förfäder" befäster sin blue-chip-status breddas marknadens fokus naturligt för att hitta dess levande arvtagare. Att samla samtida Konkreta Konstverk är inte bara en tillgänglig ingångspunkt; det är en strategisk investering i fortsättningen av en prestigefylld tradition.
Genom att förvärva verk av levande utövare, såsom de som presenteras på IdeelArt, engagerar sig samlare i det aktuella kapitlet av en århundradelang historisk dialog. Till skillnad från uttrycksfulla stilar som kan kännas oskiljaktigt bundna till ett specifikt ögonblick i tiden, tillåter den matematiska renheten i Konkreta Konst den att fungera som ett permanent "visuellt ankare" i en samling, en ständigt älskad favorit för dem som söker både intellektuell stringens och estetisk ro.
Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris
Konkreta Konsts arv i samtida praktik
De strikta regler som fastställdes i Van Doesburgs manifest från 1930, som kräver mekanisk precision och borttagning av sentimentalitet, kan verka rigida idag. Men rörelsens kärnanda lever vidare i samtida praktik. Konstnärer fortsätter att förespråka den "konkreta" verkligheten i sina material, och använder struktur, geometri och färg inte för att symbolisera känslor, utan för att skapa autonoma objekt som interagerar direkt med betraktarens perception.
På IdeelArt bär flera konstnärer denna fackla och utvecklar traditionen för 2000-talet:
Tilman: En direkt arvtagare till den Konkreta traditionen, Tilman nämner uttryckligen rörelsen som en primär inspiration. Hans "byggda miljöer" och staplade objekt representerar inte världen; de är nya objekt som träder in i den. Genom att tolka funna visuella element till "gjorda konkreta objekt" genom en reduktiv process uppfyller han manifestets krav på verk som är konstruerade snarare än impressionistiska.
Arvid Boecker: Grundarna av Abstraction-Création efterlyste konst som var "skapad av sinnet" och utförd med mekanisk precision, och som avlägsnade konstnärens romantiska ego. Den tyske målaren Arvid Boecker förkroppsligar detta "vetenskapliga" synsätt på skapande. Genom att använda screentrycksskrapor istället för traditionella penslar tar han bort den uttrycksfulla gesten från handen och behandlar duken som en plats för rigorös konstruktion. Han applicerar lager på lager av oljefärg i en systematisk process av tillägg och subtraktion, och skapar verk där färg inte är en känsla, utan en fysisk vikt och djup. Hans praktik uppfyller rörelsens dröm om en konst som är lika objektiv och substantiell som en maskin eller en byggnad.
Daniel Göttin: Göttins verk för vidare det "plastiska" elementet i Konkreta Konst in i tredimensionellt rum. Genom att arbeta med industriella material som tejp, trä och metall skapar han plats-specifika interventioner som svarar på rummets arkitektur. Hans konst är inte ett fönster in i en illusion utan en fysisk förändring av verkligheten, som framhäver det konkreta samspelet mellan ljus, skugga och material.
Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Diptyk, 2024)
Ulla Pedersen: Den danska konstnären beskriver sin egen praktik som en "konkret utforskning av färg, materialitet, form och balans". Hennes verk uppfyller rörelsens kriterier för visuell kontrollerbarhet, och använder ofta en "reducerande" process för att kombinera positiva och negativa element till nya konfigurationer. Genom att ställa "form och icke-form" mot varandra behåller hon rörelsens fascination för matematisk precision och formens autonomi.
Brent Hallard: Hallards verk på aluminium och papper förkroppsligar den "absoluta klarhet" som Van Doesburg eftersträvade. Hans monokromatiska och semi-monokromatiska bilder av geometriska former avvisar berättande till förmån för precision och exakthet. Hans fokus på minimalistisk ikonografi skapar en direkt, omedierad visuell upplevelse som endast refererar till sig själv.
Arvid Boecker, från vänster till höger: #1744 (2025), #1691 (2024) och #1740 (2025)
Pierre Muckensturm: Ursprungligen en figurativ målare, övergick Muckensturm till abstraktion för att fånga en känsla av "lugnet och beständigheten". Hans storskaliga oljemålningar och tryck isolerar gestiska element, men istället för att använda dem för expressionistisk berättande behandlar han dem som strukturella komponenter. Han utforskar metodiskt dukens transformation och skapar verk där "harmonin med tiden" skapar en känsla av objektiv, tidlös verklighet liknande det Konkreta idealet.
Slutsats: Det mänskliga elementet
Samtida publik kan inte låta bli att finna mening i Konkreta Konst. Konstnärens avsikt betyder ofta lite för oss, eftersom vi ser verket i kontext med konsthistorien och våra personliga historier. Det är vad brasilianska konstnärer som Lygia Pape, Hélio Oiticica och Lygia Clark, som grundade Neo-Konkreta rörelsen, också insåg. De visste att även om en färg, en form eller en linje inte refererar till något annat än sig själv, får den ny mening när vi upplever den själva. Trots Konkreta Konstnärers bästa ansträngningar att uppnå objektiv renhet är absolut klarhet i abstrakt konst svårfångad, eftersom det mänskliga sinnet alltid står berett att glatt grumla vattnet med sin egen fantasi.
Av Phillip Barcio (2017) - Redigerad av Francis Berthomier (2025).
Omslagsbild: ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).
