"Rymden är tystnad. Zao Wou-Ki i Paris efter femton år"

Inspirerad av mötet med den tidiga abstrakta konsten av hans nya vän, den kinesiskfödde målaren Zao Wou-Ki, förklarade den belgiskfödde poeten och konstnären Henri Michaux en gång: ”Rymden är tystnad.” Det poetiska uttalandet valdes också som titel för den aktuella retrospektiven över Zao Wou-Ki, som öppnade på Musée d'Art Moderne i Paris den 1 juni 2018. Zao Wou-Ki: Rymden är tystnad visar 40 storskaliga målningar, många av dem aldrig tidigare utställda, och det är den första utställningen i Paris på minst 15 år som ger en så omfattande inblick i denna konstnärs verk. Utställningen erbjuder en sällsynt möjlighet att se så många stora verk av Wou-Ki samlade på ett ställe, och den är en fascinerande ingång till en diskussion om vad Michaux egentligen menade när han sade: ”Rymden är tystnad.” Gjorde han ett enkelt estetiskt påstående, talade bara i plastiska termer i ett försök att koppla negativ estetisk rymd till visuell tystnad? Eller gav han en poetisk röst åt en iakttagelse om lugnet som följer med att vara obehindrad? Eller var det kanske ett filosofiskt uttalande, avsett att kommentera förhållandet mellan den inre och yttre världen? Kanske är skönheten i uttalandet att det kan ha oändliga betydelser. Som Rymden är tystnad-utställningen visar, kan någon av dessa betydelser vara relevanta när man betraktar Zao Wou-Kis komplexa och flerskiktade arv.

Ett internationellt perspektiv på hemmet

I viss mening är Rymden är tystnad en hemkomst för Zao Wou-Ki. Konstnären föddes i Peking, Kina, 1920. Hans far, som inte var konstnär utan bankman, gav sin son namnet Wou-Ki, vilket betyder ”inga gränser.” Namnet förutsade det stöd hans familj gav honom när Wou-Ki vid tio års ålder först visade sina talanger som målare. I skolan vid Hangzhou konstskola studerade Wou-Ki figurativ målning och gamla kinesiska konsttraditioner. Men den unge konstnären var inte särskilt intresserad av att lära sig om sina kinesiska rötter. Istället lärde han sig vid sidan av så mycket han kunde om impressionisterna och västerländsk modernism, som han ansåg vara en mycket större inspirationskälla. Han hade sin första utställning 1941 och fick starkt stöd för sina talanger, men ändå kände han inte att han gjorde den typ av konst han ville skapa. Så 1948 flyttade han till Paris, där han för första gången kunde se verk av Picasso, Matisse och andra konstnärer som hade inspirerat honom under uppväxten i Kina.

Zao Wou-Ki - Hyllning till Matisse I - 02.02.86I, 1986. Olja på duk. Privat samling. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Dennis Bouchard

Det var i Paris som Wou-Ki övergick till abstraktion, och det var hans tidiga abstrakta verk som inspirerade hans nya vän Michaux att göra sitt nu berömda uttalande om rymden. Ironiskt nog var det också i Paris som Wou-Ki återknöt till samma gamla kinesiska traditioner som han tidigare hade förkastat. Han fick en insikt när han betraktade en fragment av orakelbenskrift, en typ av skrift på benfragment som går tillbaka till Sheng-dynastin under det andra årtusendet f.Kr. Skriften består av antropomorfa tecken och anses vara den första kinesiska skriften, och även om den är 1500 år yngre än de äldsta sumeriska och egyptiska hieroglyferna, räknas den till de äldsta organiserade symboliska skriftsystemen i mänsklighetens historia. Hans studium av orakelbenskriften ledde Wou-Ki till att börja efterlikna de ursprungliga formerna, vilket sedan väckte ett förnyat intresse för kinesisk kalligrafi och återknöt honom till de symboliska och abstrakta rötterna i den gamla kinesiska kulturen.

Zao Wou-Ki - Hyllning till Claude Monet, februari-juni 91 – Triptyk, 1991. Olja på duk. Privat samling. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Jean-Louis Losi

Öppenhet och storlek

Under hela 1950-talet kombinerade Wou-Ki sin förnyade uppskattning för kinesisk symbolism med sitt intresse för impressionistiska färger och utvecklade en distinkt abstrakt stil. Ändå kändes denna stil fortfarande begränsande för honom. Han ville ge sina dukar rymd på flera olika sätt. Han ville att visuell rymd skulle framträda när man betraktade ytorna. Han ville också att intellektuell rymd skulle öppnas, så att betraktarna kunde få större frihet att tolka verken. Slutligen ville han bokstavligen ha mer plats – det vill säga att hans dukar skulle vara större. Han gav sig slutligen tillåtelse att arbeta i mycket större format efter en resa till New York City 1957, där han mötte de monumentala dukarna av konstnärer som Franz Kline. Han antog omedelbart denna strategi i sitt eget arbete. Alla målningar som visas i Rymden är tystnad kommer från denna period och framåt. I deras vidsträckta ytor kan vi också se hur Wou-Ki försökte förmedla illusionen av visuell rymd.

Zao Wou-Ki - Utan titel, 2006. Indisk bläck på papper. Privat samling. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Dennis Bouchard

För att uppnå sitt behov av mer intellektuell rymd i sitt arbete började Wou-Ki 1959 att endast ge sina målningar titlar efter det datum de färdigställdes. Han uppgav att han försökte måla naturens energier och krafter, men för många betraktare tolkade det som att han målade landskap. Genom att endast titulera sina verk med färdigställandedatum visste han att betraktarna skulle ha mindre information att basera sina tolkningar på. Istället för att söka berättande mening i målningarna skulle folk vara tvungna att öppna sig för de mer abstrakta aspekterna av verken. Han hoppades att vi skulle se ljus och liv i dessa målningar. Viktigast av allt hoppades han att vi skulle se mysteriet i rymden. Liksom så många andra abstrakta konstnärer som tror att den synliga världen är kopplad till den musikaliska världen, visade Wou-Ki oss möjligheten att de imaginära rymder han avslöjar i sina enorma målningar också kan uppfattas som områden där det råder frånvaro av musik och frånvaro av något konkret. I dessa tysta rum kan vi kanske tänka mer på hur öppenhet utgör något väsentligt för naturen och för vår existens. Zao Wou-Ki: Rymden är tystnad visas på Musée d'Art Moderne i Paris fram till den 6 januari 2019.

Bild från utställningen: Zao Wou-Ki - Hyllning till Edgar Varèse - 25.10.64, 1986. Olja på duk. Gåva från Françoise Marquet, 2015 Musée cantonal des beaux-arts, Lausanne. © Adagp, Paris, 2018 Foto: Dennis Bouchard

Av Phillip Barcio