Den bestående arvet av Jack Whitten

Jack Whitten—berömd abstrakt målare, social filosof och kulturell ledare—har avlidit vid 78 års ålder. Under en utställningskarriär som sträckte sig över mer än 50 år skapade Whitten ett konstnärligt arv baserat på samma princip som han levde efter—att genom att förändra vår perception kan vi skapa en mer fredlig kultur. I studion var han konceptuellt rigorös, estetiskt dynamisk och en oförtröttlig experimentatör. De flesta konstnärer är lyckliga om de utvecklar en enda unik visuell position under sin karriär. Whitten utvecklade flera. Hans tillvägagångssätt var så innovativt och så experimentellt att det ofta ledde till att han missförstods, även av sina supportrar. Den verkligheten gjorde att Whitten var undervärderad av marknaden under större delen av sitt liv och undererkänd i den konsthistoriska diskussionen. Men konsthandlares och köpares inställning har äntligen börjat komma ikapp Whitten under det senaste decenniet och ett halvt, under vilket hans verk har visats i mer än 40 utställningar. Folk börjar uppskatta att trots det utbud av olika stilar som Whitten använde, finns det många enande aspekter i hans verk. Till exempel är idén om lager viktig för allt som Whitten producerade. Så är också konceptet perception. Ljus är också viktigt. Och det är mönster. Dessa fyra element relaterar till vad Whitten löst beskrev som sin "världsåskådning." Som han förklarade, “Världsåskådning är en kosmisk deklaration av varande.” Hans världsåskådning var att ljus är det som hjälper oss att uppfatta; och perception är det som hjälper oss att känna igen mönster; mönster är det som leder oss till att formulera våra övertygelser; och våra övertygelser bestämmer hur vi strukturerar samhället. Whitten insisterade på att konst kan vara en kraftfull förändringsagent, eftersom den adresserar vår perception och därmed kan hjälpa oss att skapa en mer etisk och empatisk värld.

Konst är vårt enda hopp

Whitten först omfamnade den transformativa potentialen av konst i sina tidiga 20-årsåldern. Han såg det som en metod för att hantera vad som fram till dess hade varit, för honom, en fruktansvärd upplevelse av världen. Han beskrev att växa upp i den amerikanska södern i klara termer—oavbruten rasism och våld riktat mot honom och varje annan person av färg. Han lämnade sin hemstat Alabama 1960, vid 21 års ålder, och återvände aldrig. Han flyttade till New York City och anmälde sig till Cooper Union. Fjorton år senare firades hans verk i en separatutställning på Whitney Museum of American Art. Många av verken i den utställningen tillhörde det som anses vara hans första ikoniska visuella position—hans så kallade "slab"-målningar. För att skapa dessa verk lade Whitten sina dukar på golvet och tryckte färg över dem med en gummiskrapa. Så snart ett lager färg torkade, applicerade han ett annat, och så vidare. Han byggde upp lagren tills ytan var tät och dimensionell. Varje underfärg syns igenom i slutet.

Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastel on paper, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, photo credits Allan Stone Projects, New York

För Whitten var dessa målningar ett filosofiskt försök att bryta igenom till ett alternativ bortom hans våldsamma förflutna. De var ett försök, inte så mycket att upptäcka vad som är universellt, utan snarare att upptäcka vad som finns bortom jaget. Han trodde att kulturen var fylld med stereotyper, och att denna process av att arbeta, av att låta alla de olika färgerna och lagren kika fram till den slutliga, abstrakta kompositionen, var ett sätt att förstöra de förväntningar som dessa stereotyper bygger på. Hans "slab"-målningar är inbjudningar att undra vad som pågår; att ifrågasätta hur något skapas; att analysera förutbestämda antaganden; och att tänka på något annat än det som är känt. Han såg dem som ett direkt försök att förvirra stel tänkande. Som han en gång sa, “Konst har makten att bryta ner barriärer som upprättats av simpla fundamentalistiska tänkare som försöker behålla makten. Om fundamentalister är rädda för Röd, Gul och Blå, då måste Röd, Svart och Grön, eller Rosa och Lavendel ge dem mardrömmar!"

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Ingen destination, endast struktur

Så snart Whitten blev känd för sina "slab"-målningar övergav han den tekniken och började arbeta i en collage-stil, där han använde uttorkade bitar av akrylfärg som plattor. Med plattorna skapade han det som ser ut som mosaiker. Han insåg att genom att inte lägga dessa färgbitar platt, reflekterade de ljus på ett annat sätt, vilket tillförde dimension och liv till verken. Detta blev hans nästa ikoniska visuella position. Han fortsatte att utveckla det under åren och kom slutligen fram till en teknik för att göra formar för sina färgplattor, istället för att förlita sig på färgbitar. Han kallade dessa formade färgplattor "ready nows" och använde dem för att konstruera arkitektoniska kompositioner som liknar tegelväggar. Han använde denna teknik för att skapa sina "minnes"-målningar, såsom 9-11-01, som minnesmärkte attackerna mot World Trade Center, som han bevittnade från sin lägenhet i Tribeca. Men även denna teknik, som visade sig vara den mest populära bland samlare och institutioner, var inte hans slutgiltiga estetiska destination. Han fortsatte att experimentera och utvecklas under resten av sitt liv.

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Det finns flera klichéer för att ta itu med den metafysiska frågan om vad som är viktigare i livet: resan eller destinationen. Whitten hade ett favoritcitat som han plockat upp från sin tidigare dealer Allan Stone. Det löd: "Det finns ingen destination." För Whitten existerade livet på en kontinuerlig linje - en väg till ingenstans. Allt som betydde något för honom var processer - processer av att se; av att tänka; av att experimentera; av att skapa. Under hela sin karriär förblev han trogen tanken att det alltid fanns något nytt som väntade runt hörnet. Som en jazzmusiker som spelar i en viss tonart, gav han sig själv underliggande strukturer - intellektuella utgångspunkter baserade på kärnfilosofier. Och därifrån improviserade han. De mönster, lager och ljus han lämnade efter sig för oss att beundra erbjuder oss vägar mot nya perceptionssystem. De visar oss en väg framåt mot något djupare och viktigare än jaget.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acrylic, molasses, copper, salt, coal, ash, chocolate, onion, herbs, rust, eggshell, razor blade on canvas, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Utvald bild: Jack Whitten - Fem decennier av målning, Target och Friedman-gallerierna, 13 september 2015 - 24 januari 2016, Organiserad av Museum of Contemporary Art, San Diego

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål

Av Philip Barcio