De Fängslande Animationerna av Oskar Fischinger

I år är det 50 år sedan Oskar Fischinger dog, ett klarsynt geni som kom närmare än någon annan konstnär har gjort att uttrycka de gåtfulla, abstrakta gemensamma nämnare som finns mellan musik och bilder. Genom sina animerade filmer sammanförde Fischinger bildspråken hos former, figurer, linjer och färger med musikens språk av toner, takter, harmonier och dissonanser. Genom sin uppfinning Lumigraphen, en ljusemitterande apparat som manövrerades för hand på ett sätt som liknade ett musikinstrument, demonstrerade han potentialen hos estetisk-emotionella band som kunde skapas genom improviserade, dynamiska färgkompositioner spelade på en maskin. Och genom sina målningar förmedlade han de förhöjda konceptuella plan som dolde sig i hans filmer genom att frysa dem på förenklade, tvådimensionella ytor. Samtidigt lade han under hela sin karriär, i texter och tal, grundligt fram sina konstnärliga avsikter. ”Jag vill att detta verk ska tillgodose vår tids andliga och emotionella behov”, skrev han 1950. ”För det finns något vi alla söker - något vi försöker uppnå under en livstid... i hopp om att... en dag, kanske, något ska uppenbaras, något som uppstår ur det okända, något som avslöjar Den sanna skapelsen: den kreativa sanningen!”

Oskar Fischinger: En född konstnär

Vissa konstnärer blir konstnärer; andra föds till det. Oskar Fischinger studerade aldrig konst i skolan. Han föddes 1900 i Hessen i Tyskland och blev, liksom de flesta i sin generation, inkallad till militärtjänst som tonåring. Men på grund av sin dåliga fysiska kondition tvingades han inte strida för Tyskland i kriget. I stället tog han arbete på en orgelfabrik. Den tidiga kontakten med mekanismerna bakom musikskapande skulle senare få avgörande betydelse för Fischinger, särskilt i kombination med den ingenjörsutbildning han kunde få efter kriget, när familjen flyttade till Frankfurt. Kanske var dessa erfarenheter inte typiska för någon som var ämnad att bli en stor konstnär, men de var kreativa till sin natur, och det visade sig att de var perfekta för det öde som väntade just denna konstnär.

År 1921 lärde Fischinger känna den tyske avantgardefilmregissören Walter Ruttman. Ruttman var en av en handfull konstnärer som experimenterade med film som ett abstrakt medium och utforskade hur den kunde samspela med andra konstformer. Fischinger inspirerades av det Ruttman gjorde, och tack vare sin mekaniska och tekniska bakgrund lyckades han i sin tur imponera på Ruttman. Det gjorde han genom att uppfinna en mekanisk animationsapparat: en ”vaxskärningsmaskin”. När Ruttman fick höra talas om apparaten blev han så imponerad att han bad Fischinger om rättigheterna att använda den. Fischinger licensierade rättigheterna till sin maskin till Ruttman och flyttade därefter till München, där han fick tillgång till mer utrustning som gjorde det möjligt för honom att experimentera vidare på egen hand.

Oskar Fischinger - stillbild från Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Filmerna

Under sin tid i München gjorde Fischinger några av sina tidigaste filmer. I stället för att efterlikna den realistiska världen undersökte de andra sätt som ljus och ljud kunde samspela på i en film. År 1926 skrev han en av sina banbrytande essäer med titeln Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, eller En ny konst: rumslig ljusmusik. Även om den inte verkar ha publicerats under hans livstid finns den nu arkiverad hos The Center for Visual Music i Los Angeles, som äger och förvaltar Fischingers konstnärliga arv, inklusive hans filmer och dokument. Tankarna som Fischinger uttryckte i denna essä, tillsammans med de bedrifter som framgår av hans tidiga filmer, placerar honom i samma filosofiska sällskap som konstnärer som Wassily Kandinsky, som starkt trodde på den icke-föreställande bildens förmåga att kommunicera andligt på samma abstrakta nivå som musik. Men genom att fokusera på film i stället för måleri kunde Fischinger förstå en väsentlig skillnad mellan musik och bilder: att musik, till skillnad från statiska bilder, utspelar sig i tiden.

En enskild ton som bara varar ett ögonblick har inte samma emotionella effekt på en lyssnare som en symfoni som spelas under en timme. Detsamma gäller bilder. En enskild visuell komposition i en målning har inte samma emotionella effekt på en betraktare som en visuell komposition som utspelar sig över tid i en rörlig bild. Genom att tillämpa detta grundläggande tankesätt ägnade Fischinger de följande två decennierna åt att skapa några av de mest banbrytande abstrakta animerade filmer som någonsin gjorts. Vissa var tonsatta och har kallats de första musikvideorna. Men de liknade inte musikvideor så som vi känner dem i dag. De tonsattes endast i ett försök att undersöka likheterna i hur visuella och musikaliska kompositioner kommunicerar abstrakt till våra hjärnor.

Oskar Fischinger - stillbild från Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition in Blue

År 1935, när Oskar Fischinger bodde i Berlin, skapade han det som många anser vara hans magnum opus: en film med titeln Composition in Blue. Den animerade kortfilmen spelades in på 35 mm färgfilm och är tonsatt till en melodi ur The Merry Wives of Windsor, en opera av den tyske tonsättaren Otto Nicolai, baserad på pjäsen med samma namn av William Shakespeare. Genom hela filmen dansar intensivt färgade, abstrakta former i perfekt synk med musiken. Bakgrunden tycks skifta från två till tre dimensioner och kollapsar ofta in i sig själv, vilket förvandlar filmen till en oändlig, lekfull visuell njutning.

En anmärkningsvärd aspekt av Composition in Blue är hur den skapades. Fischinger byggde för hand var och en av de små former som dansar runt i filmen. Det är målade modeller som flyttades minutiöst medan filmen spelades in, en bildruta i taget. Varje frusen bildruta kunde under andra omständigheter ha utgjort en abstrakt målning. Eller, om han hade velat, hade varje komposition före inspelningen kunnat betraktas som en skulptural installation. Men det var endast i rörelse, när de utspelade sig över tid, som Fischinger trodde att dessa abstrakta bilder kunde uppnå samma genomslagskraft som musikaliska kompositioner, och det var mot detta mål han riktade sitt arbete.

Oskar Fischinger - stillbild från Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

Målningarna

Composition in Blue fick internationellt erkännande. Delvis tack vare framgången kunde Fischinger komma till Amerika 1936, där han hade olika tjänster i Hollywood och arbetade för Paramount, Walt Disney och andra studior. Men han lärde sig snabbt om den avgrund som finns mellan konstnärers idealistiska mål och de kommersiella filmbolagens mål. Eftersom han inte kunde få det ekonomiska stöd som krävdes för att fortsätta göra sina rent konstnärliga animationer tvingades Fischinger så småningom överge filmen. I stället ägnade han under slutet av 1940-talet mycket av sin uppmärksamhet åt sin uppfinning, Lumigraphen. Och ironiskt nog tillbringade han de sista 15 åren av sitt liv som målare.

Målningarna som Fischinger skapade är anmärkningsvärda i sin variation. Liksom hans tidigare animationer tycks de innehålla det abstrakta bildspråket hos alla andra abstrakta konstnärer under 1900-talet. Men detta är inte efterbildande verk. Tvärtom påbörjade Fischinger de flesta av dessa bilder långt innan konstnärer som Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis och Kenneth Noland på egen hand kom fram till dem. Och tvärtemot vad man kunde förvänta sig tar hans målningar inte något från hans filmer; de förstärker i stället hans idéer om musik och bilder och effekterna av att uppleva dem i tiden. Varje målning är ett fångat ögonblick - ett isolerat fragment av en större upplevelse. Att se dem i hans filmer tar oss med på en resa. Att se dem i hans målningar låter oss uppskatta dem som finsmakare.

Oskar Fischinger - stillbild från Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Värsta hyllningen någonsin

Oskar Fischinger var uppenbarligen en pionjär, så det är inte förvånande att människor ofta vill hylla honom och hans bedrifter. Men i juni förra året, på det som skulle ha varit hans 117:e födelsedag, ”hyllade” Google Fischinger med en Google Doodle - en av de interaktiva distraktioner som Google erbjuder användarna på sin söksida. Doodlen gav besökarna möjlighet att förändra en musikalisk-visuell komposition genom att klicka på skärmen. Även om den var underhållande var det en absurd hyllning till Fischinger. Fischinger sade en gång, med hänvisning till sina erfarenheter i Hollywood: ”Ingen förnuftig kreativ konstnär kan skapa ett förnuftigt konstverk om en grupp medarbetare av alla möjliga slag var och en får säga sitt om det slutliga skapandet... De förändrar idéerna, dödar idéerna innan de föds, hindrar idéer från att födas och ersätter de absoluta kreativa motiven med enbart billiga idéer som passar den lägsta gemensamma nämnaren.”

Hur Google tänkte att en välbetald programmerare som arbetade för en kommersiell fabrik skulle kunna hylla denna konstnär genom att bokstavligen erbjuda alla med en internetuppkoppling ”möjlighet att säga sitt om det slutliga skapandet” är okänt. Någonstans går något förlorat i översättningen. Men kommer resten av mänskligheten någonsin att hinna ikapp Oskar Fischinger? Kanske. Det är inte svårt att förstå vad Fischinger ville att vi skulle göra med hans verk. Han ville att vi skulle använda det för andlig och emotionell näring. Det bästa sättet för oss att hylla hans arv är kanske inte att skapa tramsiga sällskapsspel eller att reducera hans bedrifter till påståenden som ”Wow, gjorde han allt det där utan dator?!” I stället borde vi kanske ge honom det erkännande han förtjänar som konstnär, filosof och poet och försöka förstå det djupare syftet med hans verk, som uppmanar oss att återknyta till de dolda mysterier som förenar våra varierande och fortfarande ganska missförstådda sinnesförmågor.

Google uppmärksammar Oskar Fischingers 117:e födelsedag, © Google

Utvald bild: Oskar Fischinger - stillbild från Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio 2017

Redigerad av IdeelArt (2026)