ศิลปินนามธรรมชาวอเมริกาใต้ 10 คนที่ควรจับตามองในปี 2025

ศิลปะนามธรรมจากอเมริกาใต้กำลังประสบกับการฟื้นฟูที่น่าทึ่ง โดยได้รับแรงหนุนจากการยอมรับในตลาดที่ไม่เคยมีมาก่อนและการยอมรับจากสถาบันระดับโลก

การฟื้นตัวนี้ไม่ใช่แค่การสังเกตเทรนด์การจัดแสดงเท่านั้น แต่ยังได้รับการวัดผลจากราคาประมูลที่พุ่งสูงขึ้นสำหรับศิลปินยุคกลางศตวรรษอย่าง Lygia Pape และ Hélio Oiticica และได้รับการยืนยันโดยการเป็นตัวแทนของมรดกทางประวัติศาสตร์และศิลปินร่วมสมัยโดยแกลเลอรีชั้นนำระดับโลกเช่น Hauser & Wirth, Pace, และ David Zwirner

ในเวลาเดียวกัน พิพิธภัณฑ์ตั้งแต่ Getty ถึง Museum of Modern Art ได้ดำเนินการประเมินทางวิชาการอย่างจริงจังต่อขบวนการอย่าง Neo-Concretism และ Kinetic Art โดยย้ายพวกเขาจากขอบสู่ศูนย์กลางของประวัติศาสตร์ศิลปะโลก

ศิลปินสิบคนที่โดดเด่นที่นี่เป็นผู้สืบทอดและนวัตกรของประเพณีที่ฟื้นฟูนี้ ใช้ภาษาทางสายตาที่ทรงพลังเพื่อสำรวจประเด็นร่วมสมัยเกี่ยวกับอัตลักษณ์ วัสดุ และสถานที่

Ad Minoliti (Argentina)

Ad Minoliti (เกิด 1980) ได้กลายเป็นหนึ่งในเสียงที่สร้างสรรค์ที่สุดในวงการนามธรรมอเมริกาใต้ร่วมสมัย สร้างสิ่งที่พวกเขาเรียกว่า "ผลงานหลังเรขาคณิต" ที่ใช้ "เรขาคณิตและสีเพื่อสร้างนิยายสมมุติที่ไม่ใช่ไบนารี" นิทรรศการหลักของพวกเขา "Manifestación pluriversal" ที่ Contemporary Art Museum St. Louis (กันยายน 2024-กุมภาพันธ์ 2025) ได้แนะนำผู้ชมชาวอเมริกันให้รู้จักกับแนวทางเฉพาะตัวของพวกเขาต่อการนามธรรมในฐานะการปฏิบัติทางสังคม

งานของ Minoliti ดึงเอาประเพณีอันมั่งคั่งของการนามธรรมเรขาคณิตของอาร์เจนตินาในขณะที่จินตนาการใหม่อย่างสมบูรณ์ถึงความเป็นไปได้ของมัน "พาเลตต์ลูกกวาด" และการสืบสวนรูปแบบที่สนุกสนานของพวกเขาสร้างสิ่งที่ The Guardian อธิบายว่าเป็น "เรขาคณิตที่ไม่ใช่ไบนารี": ผลงานนามธรรมที่ท้าทายความคิดแบบไบนารีดั้งเดิมผ่านวิธีการทางสายตาล้วนๆ โครงการล่าสุดได้สำรวจธีมต่างๆ รวมถึงความเป็น Queer, เฟมินิสม์ และอนาคตที่คาดการณ์ได้ แสดงให้เห็นว่าศิลปะนามธรรมสามารถมีส่วนร่วมกับประเด็นสังคมร่วมสมัยได้อย่างไร

นิทรรศการ "Nature is Queer" (2024) และการเข้าร่วมใน "The Feminist School of Painting" ที่ Galerie Crèvecoeur แสดงให้เห็นถึงการยอมรับในระดับนานาชาติที่เพิ่มขึ้นของพวกเขา งานของ Minoliti แสดงถึงเจเนอเรชันใหม่ของศิลปินอเมริกาใต้ที่ใช้การนามธรรมเพื่อจินตนาการถึงอนาคตทางเลือกและท้าทายโครงสร้างสังคมที่มีอยู่

Bruno Dunley (Brazil)

Bruno Dunley (เกิด 1984, Petrópolis) ได้สร้างชื่อเสียงในฐานะที่นักวิจารณ์เรียกว่า "จิตรกรของจิตรกร": ศิลปินที่ผลงานแสดงให้เห็นความเข้าใจลึกซึ้งในคุณสมบัติพื้นฐานของการวาดภาพในขณะที่ผลักดันสื่อไปสู่ดินแดนใหม่ นิทรรศการเดี่ยวล่าสุดของเขา "Pequenas Alegrias" (ความสุขเล็กๆ) ที่ Nara Roesler Rio de Janeiro (เมษายน-มิถุนายน 2024) แสดงให้เห็นถึงแนวทางที่เป็นผู้ใหญ่ของเขาต่อการนามธรรมในฐานะกระบวนการของการทบทวนและปรับแต่งอย่างต่อเนื่อง

ภาพวาดของ Dunley เผยตัวเองอย่างช้าๆ สร้างขึ้นผ่านชั้นของการลงสี การแก้ไข และการลบ การเคลื่อนไหวที่ควบคุมอย่างระมัดระวังของเขาสร้างผลงานที่ดูเหมือนลอยอยู่ระหว่างการแทนภาพและนามธรรมบริสุทธิ์ โดยมีรูปทรงที่บ่งบอกถึงภูมิทัศน์ สถาปัตยกรรม หรืออารมณ์บริสุทธิ์ ขึ้นอยู่กับมุมมองของผู้ชม นักวิจารณ์ได้สังเกตความสัมพันธ์ของงานเขากับการสืบสวนทางเรขาคณิตของ Alfredo Volpi และแนวทางการวาดภาพที่เป็นศิลปะมากขึ้นของศิลปินยุโรปร่วมสมัยเช่น Luc Tuymans

นิทรรศการปี 2023 ของเขา "Clouds" ที่ Nara Roesler New York สำรวจนามธรรมในฐานะ "an abstract occurrence" โดยตรวจสอบว่าปรากฏการณ์ทางธรรมชาติสามารถแปลเป็นการสืบสวนเชิงรูปแบบบริสุทธิ์ได้อย่างไร

ปัจจุบันได้รับการเป็นตัวแทนโดย Nara Roesler, Dunley ยังคงพัฒนาวิธีการวาดภาพร่วมสมัยที่เป็นเอกลักษณ์ของบราซิลที่ให้เกียรติแก่มรดกโมเดิร์นของประเทศในขณะที่ยังคงร่วมสมัยอย่างเต็มที่

Cristina Ghetti (อาร์เจนตินา/สเปน)

Cristina Ghetti ชาวอาร์เจนตินา (เกิด 1969) ทำงานจากวาเลนเซีย ประเทศสเปน ซึ่งเธอได้พัฒนาวิธีการเฉพาะตัวในการนามธรรมเรขาคณิตที่เชื่อมโยง Op Art, Geometric Abstraction และ Kinetic Art เธอได้รับปริญญาโทด้านศิลปะภาพและมัลติมีเดียและได้ทำวิทยานิพนธ์ปริญญาเอกเรื่อง "Post Medial Geometry" ที่มหาวิทยาลัยเทคโนโลยีวาเลนเซีย Ghetti นำทั้งสัญชาตญาณทางศิลปะและความเข้มงวดทางวิชาการมาสู่การปฏิบัติของเธอ

ภาพวาดของเธอใช้ระบบเรขาคณิตที่เข้มงวดซึ่งสร้างการเปลี่ยนแปลงการรับรู้ที่ละเอียดอ่อน ทำให้องค์ประกอบที่นิ่งดูเหมือนจะเต้นและหายใจ การทำงานในประเพณีของ Op Art โครงสร้างสีแบบอนุกรมของ Ghetti สร้างสิ่งที่เธออธิบายว่าเป็น "visual music": รูปแบบที่ดูเหมือนจะสร้างคุณสมบัติทางเสียงของตัวเองผ่านวิธีการทางสายตาเท่านั้น เทคนิคของเธอเกี่ยวข้องกับการสร้างองค์ประกอบดิจิทัลที่หลอกล่อจิตใจให้รับรู้การเคลื่อนไหวและความลึก ซึ่งเธอแปลเป็นภาพวาดอะคริลิกบนผืนผ้าใบ

ผลงานของ Ghetti ได้รับการจัดแสดงอย่างกว้างขวาง รวมถึงที่ MACBA Buenos Aires สถานทูตอาร์เจนตินาในวอชิงตัน ดีซี และ Frost Art Museum ในไมอามี ผลงานของเธอถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันถาวร เช่น พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยและการออกแบบแห่งชาติของซานโฮเซ ประเทศคอสตาริกา และพิพิธภัณฑ์ศิลปะพลาสติก Eduardo Sívori ในบัวโนสไอเรส แสดงให้เห็นถึงความเชื่อมโยงอย่างต่อเนื่องของเธอกับวงการศิลปะอเมริกาใต้แม้จะมีฐานอยู่ในสเปน

Daniela Marin (เวเนซุเอลา/เปรู)

Daniela Marin ชาวเวเนซุเอลา (เกิด 1977) ได้สร้างชื่อเสียงให้ตัวเองในฐานะหนึ่งในเสียงที่น่าสนใจที่สุดในนามธรรมร่วมสมัยของอเมริกาใต้จากฐานที่ลิมา ประเทศเปรู เธอเป็นบัณฑิตจากโรงเรียนออกแบบ Altos de Chavón ที่มีชื่อเสียง Marin สร้างผลงานที่เต็มไปด้วยความแม่นยำทางสถาปัตยกรรมในขณะที่ยังคงรักษาจังหวะดนตรีในความสัมพันธ์ของสี

ภาพวาดของเธอแสดงให้เห็นสิ่งที่อาจเรียกว่า "constructive lyricism": ผืนผ้าใบแต่ละผืนถูกสร้างขึ้นผ่านการวางชั้นอย่างเป็นระบบของรูปทรงเรขาคณิตที่ในบางวิธีเกินกว่าที่มาทางคณิตศาสตร์เพื่อบรรลุสิ่งที่ลึกซึ้งทางอารมณ์ ความสว่างที่เธอบรรลุผ่านการจัดสีอย่างพิถีพิถันทำให้เกิดการเปรียบเทียบกับศิลปิน kinetic ชาวเวเนซุเอลาที่ยิ่งใหญ่ แต่ผลงานของเธอยังคงมีความร่วมสมัยอย่างชัดเจนในความเข้มงวดเชิงแนวคิด

ปัจจุบันได้รับการเป็นตัวแทนโดย IdeelArt ผลงานของ Marin สะท้อนบทสนทนาข้ามวัฒนธรรมระหว่างมรดกเวเนซุเอลาของเธอและบ้านที่เธอรับเลี้ยงในเปรู สร้างนามธรรมที่พูดถึงประสบการณ์การอพยพและการสังเคราะห์วัฒนธรรมในละตินอเมริกาโดยรวม

Francisca Aninat (ชิลี)

ศิลปินชิลี Francisca Aninat ได้พัฒนาวิธีการที่โดดเด่นที่สุดวิธีหนึ่งในการวาดภาพนามธรรมในศิลปะอเมริกาใต้ร่วมสมัย กระบวนการของเธอที่ฉีกผืนผ้าใบที่วาดภาพออกและประกอบใหม่ผ่านการเย็บ สร้างผลงานที่ทำหน้าที่ทั้งเป็นภาพวาดและวัตถุสิ่งทอ ท้าทายขอบเขตดั้งเดิมระหว่างสื่อ

นิทรรศการเดี่ยวล่าสุดของเธอ "Hills in the Distance" ที่ Bendana-Pinel ในปารีส (จนถึงกรกฎาคม 2024) แสดงให้เห็นว่าผืนผ้าใบที่ฉีกขาดและเย็บต่อกันของเธอสร้างสิ่งที่เธอเรียกว่า "นามธรรมที่สัมผัสได้" ผลงานแต่ละชิ้นกลายเป็นการทำสมาธิเกี่ยวกับความทรงจำ บาดแผล และการเยียวยา โดยการซ่อมแซมทางกายภาพกลายเป็นแก่นของความหมายของผลงาน

กระบวนการของ Aninat ดึงความสนใจไปที่วัสดุพื้นฐานของการวาดภาพในขณะที่สร้างผลงานที่พูดถึงธีมกว้างๆ ของการแตกสลายและการสร้างใหม่—ธีมที่สะท้อนอย่างทรงพลังในบริบทของประวัติศาสตร์การเมืองที่ซับซ้อนของชิลี ผลงานของเธอถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันรวมถึงคอลเลกชันศิลปะผู้หญิงของมหาวิทยาลัยเคมบริดจ์ และเธอยังคงพัฒนาวิธีการเฉพาะตัวของเธอในการนามธรรมทั้งในแง่ของประสบการณ์ทางสายตาและทางกายภาพ

Jaime Gili (เวเนซุเอลา/สหราชอาณาจักร)

ศิลปินเวเนซุเอลาที่อาศัยในลอนดอน Jaime Gili ใช้เวลาหลายสิบปีในการพัฒนาวิธีการเฉพาะตัวในการนามธรรมเรขาคณิตที่เฉลิมฉลอง "พลังเคลื่อนไหวและความมองโลกในแง่ดีของศิลปะ สถาปัตยกรรม และการออกแบบโมเดิร์นนิสม์กลางศตวรรษ" ในขณะที่ยังคงทันสมัยในประเด็นที่สนใจ ภาพวาดขอบแข็งที่มีสีสันสดใสของเขาสร้างสิ่งที่นักวิจารณ์คนหนึ่งอธิบายว่าเป็น "เรขาคณิตไฟฟ้าที่เคลื่อนไหว"

ผลงานของ Gili ดึงเอาประเพณีอันมั่งคั่งของศิลปะเคลื่อนไหวและเรขาคณิตของเวเนซุเอลาอย่างชัดเจน แต่เติมพลังให้กับการอ้างอิงทางประวัติศาสตร์เหล่านี้สำหรับผู้ชมร่วมสมัย ภาพวาด งานพิมพ์ และงานศิลปะสาธารณะของเขาแสดงให้เห็นว่าประเพณีโมเดิร์นนิสม์ละตินอเมริกาสามารถฟื้นฟูได้โดยไม่กลายเป็นแค่ความคิดถึง ผลงานล่าสุดมีส่วนร่วมกับสถานการณ์ทางการเมืองในบ้านเกิดของเขามากขึ้น โดยใช้วิธีนามธรรมเพื่อพูดถึงความเป็นจริงทางสังคมที่จับต้องได้

เนื่องจากอาศัยและทำงานในสหราชอาณาจักรตั้งแต่ปี 1996 Gili แสดงถึงการเข้าถึงระดับโลกของศิลปะนามธรรมอเมริกาใต้ ผลงานของเขาปรากฏในคอลเลกชันสำคัญและยังคงมีอิทธิพลต่อศิลปินรุ่นใหม่ที่สำรวจจุดตัดระหว่างนามธรรมเรขาคณิตและการมีส่วนร่วมทางการเมือง

Johanna Unzueta (ชิลี)

Johanna Unzueta (เกิด 1974, ซานติอาโก) สร้างสิ่งที่อาจเรียกว่า "มินิมัลลิสม์อบอุ่น"—นามธรรมเชิงเรขาคณิตที่ใช้วัสดุธรรมชาติและกระบวนการทำด้วยมือเพื่อสร้างผลงานที่รู้สึกทั้งเป็นระบบและลึกซึ้งในความเป็นมนุษย์ การทำงานระหว่างนิวยอร์กและเบอร์ลิน Unzueta ได้พัฒนาวิธีปฏิบัติที่โดดเด่นซึ่งผสมผสานผ้าสักหลาด ไม้ และการวาดภาพเข้าด้วยกันเป็นระบบเดียว

นิทรรศการล่าสุดของเธอ "Naturalist" ที่ Casey Kaplan (2024) แสดงให้เห็นแนวทางที่เป็นผู้ใหญ่ของเธอในการนามธรรมในฐานะวิธีการสำรวจความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งแวดล้อมธรรมชาติและสิ่งแวดล้อมที่สร้างขึ้น งานผ้าสักหลาดของเธอโดยเฉพาะแสดงให้เห็นว่าเทคนิคงานฝีมือแบบดั้งเดิมสามารถนำมาใช้สร้างองค์ประกอบนามธรรมที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงทั้งประเพณีผ้าทอของชนพื้นเมืองและศิลปะมินิมอลร่วมสมัย

งานของ Unzueta กล่าวถึง "แนวคิดเรื่องแรงงาน ผลผลิต และความก้าวหน้า" ผ่านกระบวนการทำด้วยมือที่ตั้งใจชะลอการผลิตศิลปะ การจัดองค์ประกอบเรขาคณิตของเธอซึ่งสร้างขึ้นจากการแสดงออกอย่างสัญชาตญาณแทนระบบคณิตศาสตร์ ส่งผลให้งานรู้สึกทั้งร่วมสมัยและไร้กาลเวลา เธอยังมีบทบาทในงานออกแบบสิ่งพิมพ์และสิ่งพิมพ์ของศิลปิน สะท้อนถึงการมีส่วนร่วมอย่างกว้างขวางกับวัฒนธรรมภาพ

Marina Perez Simão (Brazil)

Marina Perez Simão (เกิด 1980, วิโตเรีย) เป็นหนึ่งในจิตรกรนามธรรมร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดของบราซิล โดยปี 2025 เป็นปีสำคัญสำหรับการยอมรับในระดับนานาชาติ นิทรรศการสถาบันหลักของเธอ "Tuning Fork" ที่ Instituto Tomie Ohtake (สิงหาคม-ตุลาคม 2025) เป็นการแสดงนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ครั้งใหญ่ครั้งแรกในบราซิล ขณะที่การเข้าร่วมใน "Horizontes - Peintures brésiliennes" ที่ Fondation Cartier ใน ปารีส (เมษายน-ตุลาคม 2023), ได้แนะนำงานของเธอแก่ผู้ชมในยุโรป

ได้รับการเป็นตัวแทนโดย Pace Gallery และ Mendes Wood DM Simão สร้างภาพวาดที่ลอยอยู่ที่ขอบของภูมิทัศน์โดยไม่เคยกลายเป็นภาพแทนจริง โซนสีที่เข้มข้นของเธอดูเหมือนจะละลายกลายเป็นบรรยากาศบริสุทธิ์ สร้างงานที่ทำหน้าที่ทั้งในฐานะประสบการณ์ทางอารมณ์และทางสายตา กระบวนการของเธอซึ่งอิงจากการสะสมและการวางภาพความทรงจำเคียงข้างกัน ส่งผลให้งานภาพวาดรู้สึกทั้งส่วนตัวลึกซึ้งและมีความหมายสากล

นิทรรศการล่าสุดได้แก่ "Diffusion" ที่ Mendes Wood DM ปารีส (2024) และ "ZWIELICHT" ที่ G2 Kunsthalle ในไลพ์ซิก แสดงให้เห็นถึงการเติบโตของเธอในเวทีนานาชาติ งานของเธอเป็นตัวแทนของแนวทางนามธรรมแบบบราซิลที่โดดเด่น ซึ่งยอมรับทั้งมรดกโมเดิร์นนิสม์ที่มั่งคั่งของประเทศและตำแหน่งสากลร่วมสมัย

Marina Weffort (Brazil)

Marina Weffort (เกิด 1980, เซาเปาลู) เป็นตัวแทนของนามธรรมผ้าทอบราซิลที่ล้ำสมัย สร้างงานที่อยู่ตรงจุดตัดระหว่างจิตรกรรม ประติมากรรม และงานฝีมือ โดยได้รับการเป็นตัวแทนจาก Galeria Luisa Strina หนึ่งในแกลเลอรีศิลปะร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดของบราซิล Weffort ทำงานกับจิตรกรรม การวาดภาพ วัตถุ และการติดตั้งเพื่อสำรวจความสัมพันธ์ระหว่างวัสดุ กระบวนการ และความหมาย

นามธรรมผ้าทอแบบมินิมอลของเธอใช้ผ้าตัดและผ้าทอเพื่อสร้างโครงสร้างแบบตารางที่ดูเหมือนจะหายใจด้วยแสง งานเหล่านี้ท้าทายลำดับชั้นแบบดั้งเดิมระหว่างศิลปะชั้นสูงและงานฝีมือ แสดงให้เห็นว่าเทคนิคผ้าทอสามารถนำมาใช้สร้างองค์ประกอบนามธรรมที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงทั้งประเพณีวัฒนธรรมบราซิลและวงการศิลปะสากลร่วมสมัย

แนวปฏิบัติของ Weffort สะท้อนแนวโน้มที่กว้างขึ้นในศิลปะบราซิลร่วมสมัยที่มุ่งเน้นการทดลองวัสดุและงานที่เน้นกระบวนการ การสำรวจความสัมพันธ์ระหว่างสื่อที่แตกต่างกันของเธอส่งผลให้เกิดผลงานที่รู้สึกทั้งเข้มงวดในแนวคิดและดึงดูดใจทางประสาทสัมผัส เป็นตัวแทนของศิลปินบราซิลรุ่นใหม่ที่ขยายความเป็นไปได้ของศิลปะนามธรรม

Martin Reyna (Argentina)

Martin Reyna ได้กลายเป็นผู้เชี่ยวชาญในสิ่งที่อาจเรียกว่า "เรขาคณิตของเหลว" โดยทำงานส่วนใหญ่ในสีน้ำ ซึ่งเป็นสื่อที่มักถูกมองข้ามในวงการนามธรรมอย่างจริงจัง Reyna สร้างผลงานขนาดใหญ่ที่แรงโน้มถ่วงกลายเป็นเครื่องมือหลักในการจัดองค์ประกอบ การล้างสีในแนวตั้งของเขาไหลลงบนกระดาษด้วยความสุ่มที่ควบคุมได้ สร้างเอฟเฟกต์บรรยากาศที่บ่งบอกถึงทั้งปรากฏการณ์ธรรมชาติและประสบการณ์สีบริสุทธิ์

ตั้งอยู่ระหว่างบัวโนสไอเรสและปารีส, ผลงานของ Reyna เชื่อมช่องว่างระหว่างเสรีภาพในการแสดงออกแบบนามธรรมและการสำรวจสีของศิลปินอย่าง Helen Frankenthaler แต่มีความรู้สึกแบบอเมริกาใต้ที่ชัดเจน ภาพวาดของเขามักจะสื่อถึงภูมิทัศน์กว้างใหญ่ของทุ่งหญ้าอาร์เจนตินา แต่ยังคงไม่เป็นตัวแทนอย่างเด็ดขาด

ผลงานล่าสุดของศิลปินได้รับความสนใจจากความเข้าใจที่ซับซ้อนเกี่ยวกับวิธีที่ความไม่แน่นอนโดยธรรมชาติของสีน้ำสามารถนำมาใช้สร้างผลงานที่มีความมั่นคงทางโครงสร้างอย่างน่าประหลาดใจ แต่ละชิ้นอ่านเหมือนโน้ตภาพที่มีความสัมพันธ์ของสีที่ดูเหมือนจะสร้างเสียงดนตรีภายในของตัวเอง

ผลงานของเขาเพิ่งได้รับการจัดแสดงในนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ "The Sound of Color" ที่ MACA-Zulia ในเวเนซุเอลา ซึ่งยืนยันตำแหน่งของเขาในบริบทกว้างของนามธรรมละตินอเมริกา

ปัจจุบันได้รับการเป็นตัวแทนโดย IdeelArt, Reyna ยังคงพัฒนาวิธีการนามธรรมที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาผ่านสื่อของเหลว 

+   +   +

ศิลปินสิบคนนี้เป็นตัวแทนของความหลากหลายและความมีชีวิตชีวาของศิลปะนามธรรมร่วมสมัยในอเมริกาใต้ แต่ละคนมีมุมมองเฉพาะตัวในการสนทนาที่ต่อเนื่องระหว่างนามธรรมและอัตลักษณ์ ประเพณีและนวัตกรรม

สิ่งที่รวมพวกเขาไว้ด้วยกันไม่ใช่สไตล์หรือแนวทางที่เหมือนกัน แต่เป็นความมุ่งมั่นที่จะผลักดันศิลปะนามธรรมเข้าสู่ดินแดนใหม่ ๆ ในขณะที่ยังคงเชื่อมโยงกับประเพณีวัฒนธรรมอันมั่งคั่งของภูมิภาคของพวกเขา ในขณะที่ศิลปะอเมริกาใต้ยังคงได้รับการยอมรับในระดับสากล ศิลปินเหล่านี้จึงมีบทบาทสำคัญในการกำหนดความหมายของนามธรรมในศตวรรษที่ 21

ผลงานของพวกเขาแสดงให้เห็นว่าศิลปะนามธรรมอเมริกาใต้ไม่ได้เพียงแค่ตามเทรนด์สากลเท่านั้น แต่ยังมีบทบาทในการสร้างสรรค์เทรนด์ใหม่ ๆ สร้างโอกาสใหม่ ๆ สำหรับการที่ศิลปะนามธรรมสามารถมีส่วนร่วมกับความเป็นจริงทางสังคม การเมือง และวัฒนธรรมร่วมสมัย ในขณะที่ยังคงรักษาความมุ่งมั่นพื้นฐานต่อการนวัตกรรมรูปแบบและประสบการณ์ด้านสุนทรียภาพ

Francis Berthomier

ภาพเด่น: Double Wave  โดย Cristina Ghetti (2017, รายละเอียด) ภาพทั้งหมดได้รับอนุญาตจากศิลปิน

ซื้อผลงานศิลปะจากศิลปินชาวอเมริกาใต้บน IdeelArt