ศิลปินนามธรรมชาวอเมริกาใต้ 10 คนที่ควรจับตามองในปี 2025

ศิลปะนามธรรมอเมริกาใต้กำลังประสบกับยุคฟื้นฟูที่น่าทึ่ง ขับเคลื่อนโดยการยอมรับในตลาดที่ไม่เคยมีมาก่อนและการยอมรับจากสถาบันระดับโลก

การฟื้นตัวนี้ไม่ใช่แค่การสังเกตแนวโน้มการจัดแสดงเท่านั้น แต่ยังได้รับการวัดด้วยราคาประมูลที่พุ่งสูงขึ้นสำหรับศิลปินยุคกลางศตวรรษอย่าง Lygia Pape และ Hélio Oiticica และได้รับการยืนยันโดยการเป็นตัวแทนของมรดกทางประวัติศาสตร์และศิลปินร่วมสมัยโดยแกลเลอรีระดับโลกชั้นนำเช่น Hauser & Wirth, Pace และ David Zwirner

ในเวลาเดียวกัน พิพิธภัณฑ์ตั้งแต่ Getty ถึง Museum of Modern Art ได้ดำเนินการประเมินทางวิชาการอย่างจริงจังต่อขบวนการอย่าง Neo-Concretism และ Kinetic Art โดยย้ายพวกเขาจากขอบสู่ศูนย์กลางของประวัติศาสตร์ศิลปะโลก

ศิลปินสิบคนที่โดดเด่นที่นี่เป็นผู้สืบทอดและนวัตกรของประเพณีที่ฟื้นฟูนี้ ใช้ภาษาทางสายตาที่ทรงพลังเพื่อสำรวจประเด็นร่วมสมัยเกี่ยวกับอัตลักษณ์ วัสดุ และสถานที่

Ad Minoliti (อาร์เจนตินา)

Ad Minoliti (เกิด 1980) ได้กลายเป็นหนึ่งในเสียงที่สร้างสรรค์ที่สุดในวงการนามธรรมอเมริกาใต้ร่วมสมัย สร้างสิ่งที่พวกเขาเรียกว่า "งานหลังเรขาคณิต" ที่ใช้ "เรขาคณิตและสีเพื่อสร้างนิยายเชิงสมมติที่ไม่ใช่ไบนารี" นิทรรศการใหญ่ของพวกเขา "Manifestación pluriversal" ที่ Contemporary Art Museum St. Louis (กันยายน 2024-กุมภาพันธ์ 2025) ได้นำเสนอแนวทางเฉพาะตัวของพวกเขาต่อการนามธรรมในฐานะการปฏิบัติทางสังคมแก่ผู้ชมชาวอเมริกัน

งานของ Minoliti ดึงเอาประเพณีอันมั่งคั่งของการนามธรรมเรขาคณิตของอาร์เจนตินาในขณะที่จินตนาการใหม่ทั้งหมดถึงความเป็นไปได้ของมัน "พาเลตต์ลูกกวาด" และการสำรวจรูปแบบอย่างสนุกสนานของพวกเขาสร้างสิ่งที่ The Guardian อธิบายว่าเป็น "เรขาคณิตที่ไม่ใช่ไบนารี": งานนามธรรมที่ท้าทายความคิดแบบไบนารีดั้งเดิมผ่านวิธีการทางสายตาอย่างบริสุทธิ์ โครงการล่าสุดได้สำรวจธีมต่างๆ รวมถึงความเป็น Queer, สตรีนิยม และอนาคตเชิงสมมติ แสดงให้เห็นว่าศิลปะนามธรรมสามารถมีส่วนร่วมกับประเด็นสังคมร่วมสมัยได้อย่างไร

นิทรรศการของพวกเขา "Nature is Queer" (2024) และการเข้าร่วมใน "The Feminist School of Painting" ที่ Galerie Crèvecoeur แสดงให้เห็นถึงการยอมรับในระดับนานาชาติที่เพิ่มขึ้น งานของ Minoliti แสดงถึงเจเนอเรชันใหม่ของศิลปินอเมริกาใต้ที่ใช้การนามธรรมเพื่อจินตนาการถึงอนาคตทางเลือกและท้าทายโครงสร้างสังคมที่มีอยู่

Bruno Dunley (บราซิล)

Bruno Dunley (เกิด 1984, Petrópolis) ได้สร้างชื่อเสียงในฐานะที่นักวิจารณ์เรียกว่า "จิตรกรของจิตรกร": ศิลปินที่ผลงานแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจลึกซึ้งในคุณสมบัติพื้นฐานของการวาดภาพในขณะที่ผลักดันสื่อไปสู่ดินแดนใหม่ นิทรรศการเดี่ยวล่าสุดของเขา "Pequenas Alegrias" (ความสุขเล็กๆ) ที่ Nara Roesler Rio de Janeiro (เมษายน-มิถุนายน 2024) แสดงให้เห็นถึงแนวทางที่เป็นผู้ใหญ่ของเขาต่อการนามธรรมในฐานะกระบวนการของการทบทวนและปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง

ภาพวาดของ Dunley เปิดเผยตัวเองอย่างช้าๆ สร้างขึ้นผ่านชั้นของการลงสี การแก้ไข และการลบ ท่าทางที่ควบคุมอย่างระมัดระวังของเขาสร้างผลงานที่ดูเหมือนลอยอยู่ระหว่างการแทนภาพและนามธรรมบริสุทธิ์ โดยมีรูปแบบที่บ่งบอกถึงภูมิทัศน์ สถาปัตยกรรม หรืออารมณ์บริสุทธิ์ขึ้นอยู่กับมุมมองของผู้ชม นักวิจารณ์ได้สังเกตความสัมพันธ์ของผลงานเขากับการศึกษารูปทรงเรขาคณิตของ Alfredo Volpi และแนวทางการวาดภาพที่เป็นศิลปะมากขึ้นของศิลปินยุโรปร่วมสมัยอย่าง Luc Tuymans

นิทรรศการปี 2023 ของเขา "Clouds" ที่ Nara Roesler New York สำรวจนามธรรมในฐานะ "เหตุการณ์นามธรรม" โดยตรวจสอบว่าปรากฏการณ์ทางธรรมชาติสามารถแปลเป็นการศึกษารูปแบบบริสุทธิ์ได้อย่างไร

ปัจจุบันได้รับการเป็นตัวแทนโดย Nara Roesler, Dunley ยังคงพัฒนาวิธีการวาดภาพร่วมสมัยที่เป็นเอกลักษณ์แบบบราซิลที่ให้เกียรติแก่มรดกโมเดิร์นของประเทศในขณะที่ยังคงความร่วมสมัยอย่างเต็มที่

Cristina Ghetti (อาร์เจนตินา/สเปน)

Cristina Ghetti เกิดในอาร์เจนตินา (เกิดปี 1969) ทำงานจากเมืองบาเลนเซีย ประเทศสเปน ซึ่งเธอได้พัฒนาวิธีการเฉพาะตัวในการสร้างนามธรรมเรขาคณิตที่เชื่อมโยง Op Art, Geometric Abstraction และ Kinetic Art เธอได้รับปริญญาโทด้านศิลปะภาพและมัลติมีเดียและได้ทำวิทยานิพนธ์ปริญญาเอกเรื่อง "Post Medial Geometry" ที่มหาวิทยาลัยเทคโนโลยีบาเลนเซีย Ghetti นำทั้งสัญชาตญาณทางศิลปะและความเข้มงวดทางวิชาการมาสู่การปฏิบัติงานของเธอ

ภาพวาดของเธอใช้ระบบเรขาคณิตที่เข้มงวดซึ่งสร้างการเปลี่ยนแปลงการรับรู้ที่ละเอียดอ่อน ทำให้องค์ประกอบที่นิ่งดูเหมือนจะเต้นและหายใจได้ การทำงานในประเพณีของ Op Art โครงสร้างสีแบบอนุกรมของ Ghetti สร้างสิ่งที่เธออธิบายว่าเป็น "ดนตรีภาพ" คือรูปแบบที่ดูเหมือนจะสร้างคุณสมบัติทางเสียงของตัวเองผ่านวิธีการทางสายตาเท่านั้น เทคนิคของเธอเกี่ยวข้องกับการสร้างองค์ประกอบดิจิทัลที่หลอกลวงจิตใจให้รับรู้การเคลื่อนไหวและความลึก ซึ่งเธอแปลเป็นภาพวาดอะคริลิกบนผืนผ้าใบ

ผลงานของ Ghetti ได้รับการจัดแสดงอย่างกว้างขวาง รวมถึงที่ MACBA Buenos Aires, สถานทูตอาร์เจนตินาในวอชิงตัน ดีซี และ Frost Art Museum ในไมอามี ผลงานของเธอถูกเก็บรักษาในคอลเลกชันถาวร เช่น พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยและการออกแบบแห่งชาติของซานโฮเซ ประเทศคอสตาริกา และพิพิธภัณฑ์ศิลปะพลาสติก Eduardo Sívori ในบัวโนสไอเรส แสดงให้เห็นถึงความเชื่อมโยงอย่างต่อเนื่องของเธอกับวงการศิลปะในอเมริกาใต้แม้จะมีฐานอยู่ในสเปน

Daniela Marin (เวเนซุเอลา/เปรู)

Daniela Marin เกิดในเวเนซุเอลา (เกิดปี 1977) ได้สร้างชื่อเสียงให้ตัวเองเป็นหนึ่งในเสียงที่น่าสนใจที่สุดในนามธรรมอเมริกาใต้ร่วมสมัยจากฐานที่ลิมา เปรู เธอเป็นบัณฑิตจากโรงเรียนออกแบบ Altos de Chavón ที่มีชื่อเสียง Marin สร้างผลงานที่มีความแม่นยำทางสถาปัตยกรรมในขณะที่ยังคงรักษาจังหวะดนตรีในความสัมพันธ์ของสีของพวกเขา

ภาพวาดของเธอแสดงให้เห็นสิ่งที่อาจเรียกว่า "บทกวีสร้างสรรค์": ผืนผ้าใบแต่ละผืนถูกสร้างขึ้นผ่านการวางชั้นของรูปทรงเรขาคณิตอย่างเป็นระบบซึ่งในบางวิธีข้ามพ้นต้นกำเนิดทางคณิตศาสตร์เพื่อบรรลุสิ่งที่ลึกซึ้งทางอารมณ์ ความสว่างที่เธอบรรลุผ่านการจัดสีอย่างพิถีพิถันทำให้เกิดการเปรียบเทียบกับศิลปิน kinetic ชาวเวเนซุเอลาที่ยิ่งใหญ่ แต่ผลงานของเธอยังคงมีความร่วมสมัยอย่างชัดเจนในความเข้มงวดทางแนวคิด

ปัจจุบันได้รับการเป็นตัวแทนโดย IdeelArt ผลงานของ Marin สะท้อนบทสนทนาข้ามวัฒนธรรมระหว่างมรดกเวเนซุเอลาของเธอและบ้านที่เธอรับมาในเปรู สร้างนามธรรมที่สื่อถึงประสบการณ์การอพยพและการสังเคราะห์วัฒนธรรมในลาตินอเมริกาที่กว้างขึ้น

Francisca Aninat (ชิลี)

ศิลปินชิลี Francisca Aninat ได้พัฒนาวิธีการที่โดดเด่นที่สุดวิธีหนึ่งในการวาดภาพนามธรรมในศิลปะอเมริกาใต้ร่วมสมัย กระบวนการของเธอที่ฉีกผืนผ้าใบที่วาดภาพออกและประกอบใหม่ผ่านการเย็บ สร้างผลงานที่ทำหน้าที่ทั้งเป็นภาพวาดและวัตถุสิ่งทอ ท้าทายขอบเขตดั้งเดิมระหว่างสื่อ

นิทรรศการเดี่ยวล่าสุดของเธอ "Hills in the Distance" ที่ Bendana-Pinel ในปารีส (จนถึงกรกฎาคม 2024) แสดงให้เห็นว่าผืนผ้าใบที่ถูกฉีกและเย็บของเธอสร้างสิ่งที่เธอเรียกว่า "นามธรรมสัมผัส" ผลงานแต่ละชิ้นกลายเป็นการทำสมาธิเกี่ยวกับความทรงจำ บาดแผล และการเยียวยา โดยการซ่อมแซมทางกายภาพกลายเป็นหัวใจสำคัญของความหมายของผลงาน

กระบวนการของ Aninat ดึงดูดความสนใจไปที่วัสดุพื้นฐานของการวาดภาพในขณะที่สร้างผลงานที่สื่อถึงธีมกว้าง ๆ ของการแตกสลายและการสร้างใหม่—ธีมที่สะท้อนอย่างทรงพลังในบริบทของประวัติศาสตร์การเมืองที่ซับซ้อนของชิลี ผลงานของเธอถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันต่าง ๆ รวมถึงคอลเลกชันศิลปะผู้หญิงของมหาวิทยาลัยเคมบริดจ์ และเธอยังคงพัฒนาวิธีการเฉพาะตัวของเธอในการแสดงนามธรรมทั้งในแง่ของประสบการณ์ทางสายตาและทางกายภาพ

Jaime Gili (เวเนซุเอลา/สหราชอาณาจักร)

ศิลปินเวเนซุเอลาที่อาศัยอยู่ในลอนดอน Jaime Gili ใช้เวลาหลายทศวรรษในการพัฒนาวิธีการนามธรรมเรขาคณิตที่โดดเด่นซึ่งเฉลิมฉลอง "พลังเคลื่อนไหวและความมองโลกในแง่ดีของศิลปะ สถาปัตยกรรม และการออกแบบโมเดิร์นนิสม์กลางศตวรรษ" ในขณะที่ยังคงร่วมสมัยอย่างเต็มที่ในประเด็นที่สนใจ ภาพวาดขอบแข็งที่มีสีสันสดใสของเขาสร้างสิ่งที่นักวิจารณ์คนหนึ่งอธิบายว่าเป็น "เรขาคณิตไฟฟ้าที่เคลื่อนไหว"

งานของ Gili ดึงเอาประเพณีอันมั่งคั่งของศิลปะเคลื่อนไหวและเรขาคณิตของเวเนซุเอลาอย่างชัดเจน แต่เติมพลังให้กับการอ้างอิงทางประวัติศาสตร์เหล่านี้สำหรับผู้ชมร่วมสมัย ภาพวาด งานพิมพ์ และงานศิลปะสาธารณะของเขาแสดงให้เห็นว่าประเพณีโมเดิร์นนิสม์ละตินอเมริกาสามารถฟื้นฟูได้โดยไม่กลายเป็นแค่ความคิดถึง งานล่าสุดมีส่วนร่วมกับสถานการณ์ทางการเมืองในบ้านเกิดของเขามากขึ้น โดยใช้วิธีนามธรรมเพื่อพูดถึงความเป็นจริงทางสังคมที่จับต้องได้

หลังจากอาศัยและทำงานในสหราชอาณาจักรตั้งแต่ปี 1996 Gili แสดงถึงการเข้าถึงระดับโลกของศิลปะนามธรรมอเมริกาใต้ งานของเขาปรากฏในคอลเลกชันสำคัญและยังคงมีอิทธิพลต่อศิลปินรุ่นใหม่ที่สำรวจจุดตัดระหว่างนามธรรมเรขาคณิตและการมีส่วนร่วมทางการเมือง

Johanna Unzueta (ชิลี)

Johanna Unzueta (เกิด 1974, ซานติอาโก) สร้างสิ่งที่อาจเรียกว่า "มินิมัลลิสต์อบอุ่น" — นามธรรมเรขาคณิตที่ใช้วัสดุธรรมชาติและกระบวนการทำด้วยมือเพื่อสร้างงานที่รู้สึกทั้งเป็นระบบและลึกซึ้งในความเป็นมนุษย์ ทำงานระหว่างนิวยอร์กและเบอร์ลิน Unzueta ได้พัฒนาการปฏิบัติที่โดดเด่นซึ่งผสมผสานผ้าสักหลาด ไม้ และการวาดภาพเข้าด้วยกันเป็นระบบเดียว

นิทรรศการล่าสุดของเธอ "Naturalist" ที่ Casey Kaplan (2024) แสดงให้เห็นวิธีการที่เป็นผู้ใหญ่ของเธอในการทำนามธรรมในฐานะวิธีการสำรวจความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งแวดล้อมธรรมชาติและสิ่งแวดล้อมที่สร้างขึ้น งานผ้าสักหลาดของเธอโดยเฉพาะ แสดงให้เห็นว่าเทคนิคงานฝีมือแบบดั้งเดิมสามารถนำมาใช้สร้างองค์ประกอบนามธรรมที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงทั้งประเพณีผ้าทอพื้นเมืองและศิลปะน้อยที่สุดร่วมสมัย

ผลงานของ Unzueta กล่าวถึง "แนวคิดเกี่ยวกับแรงงาน ผลผลิต และความก้าวหน้า" ผ่านกระบวนการทำด้วยมือที่ตั้งใจชะลอการผลิตงานศิลปะ ผลงานเรขาคณิตของเธอซึ่งสร้างขึ้นผ่านการแสดงออกอย่างสัญชาตญาณแทนระบบคณิตศาสตร์ ส่งผลให้งานที่รู้สึกทั้งร่วมสมัยและไร้กาลเวลา เธอยังมีบทบาทในงานออกแบบบรรณาธิการและสิ่งพิมพ์ศิลปิน สะท้อนถึงการมีส่วนร่วมอย่างกว้างขวางกับวัฒนธรรมภาพ

Marina Perez Simão (บราซิล)

Marina Perez Simão (เกิด 1980, วิตอเรีย) เป็นหนึ่งในจิตรกรนามธรรมร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดของบราซิล โดยปี 2025 เป็นปีสำคัญสำหรับการยอมรับในระดับนานาชาติของเธอ นิทรรศการสถาบันหลักของเธอ "Tuning Fork" ที่ Instituto Tomie Ohtake (สิงหาคม-ตุลาคม 2025) เป็นนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ใหญ่ครั้งแรกของเธอในบราซิล ขณะที่การเข้าร่วมใน "Horizontes - Peintures brésiliennes" ที่ Fondation Cartier ใน ปารีส (เมษายน-ตุลาคม 2023), ได้แนะนำงานของเธอให้กับผู้ชมในยุโรป

ได้รับการเป็นตัวแทนโดยทั้ง Pace Gallery และ Mendes Wood DM, Simão สร้างจิตรกรรมที่ลอยอยู่ที่ขอบของภูมิทัศน์โดยไม่เคยกลายเป็นภาพแทนอย่างแท้จริง โซนสีที่เข้มข้นของเธอดูเหมือนจะละลายกลายเป็นบรรยากาศบริสุทธิ์ สร้างงานที่ทำหน้าที่ทั้งในฐานะประสบการณ์ทางอารมณ์และทางสายตา กระบวนการของเธอซึ่งอิงจากการสะสมและการวางเคียงของความทรงจำและภาพ ส่งผลให้งานจิตรกรรมที่รู้สึกทั้งส่วนตัวลึกซึ้งและมีความหมายสากล

นิทรรศการล่าสุดรวมถึง "Diffusion" ที่ Mendes Wood DM Paris (2024) และ "ZWIELICHT" ที่ G2 Kunsthalle ในไลพ์ซิก แสดงให้เห็นถึงการเติบโตของเธอในระดับนานาชาติ งานของเธอแสดงถึงแนวทางนามธรรมที่โดดเด่นของบราซิล ซึ่งยอมรับทั้งมรดกโมเดิร์นนิสม์ที่มั่งคั่งของประเทศและตำแหน่งระดับโลกในปัจจุบัน

Marina Weffort (Brazil)

Marina Weffort (เกิด 1980, เซาเปาโล) เป็นตัวแทนของความล้ำสมัยของนามธรรมผ้าทอบราซิล สร้างงานที่อยู่ตรงจุดตัดระหว่างจิตรกรรม ประติมากรรม และงานฝีมือ โดยได้รับการเป็นตัวแทนจาก Galeria Luisa Strina หนึ่งในแกลเลอรีศิลปะร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดของบราซิล Weffort ทำงานกับจิตรกรรม การวาดภาพ วัตถุ และการติดตั้งเพื่อสืบสวนความสัมพันธ์ระหว่างวัสดุ กระบวนการ และความหมาย

งานนามธรรมผ้าทอแบบมินิมอลของเธอใช้ผ้าตัดและผ้าทอเพื่อสร้างโครงสร้างแบบตะแกรงที่ดูเหมือนจะหายใจด้วยแสง งานเหล่านี้ท้าทายลำดับชั้นแบบดั้งเดิมระหว่างศิลปะชั้นสูงและงานฝีมือ แสดงให้เห็นว่าเทคนิคผ้าทอสามารถนำมาใช้สร้างองค์ประกอบนามธรรมที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงทั้งประเพณีวัฒนธรรมบราซิลและวาทกรรมศิลปะร่วมสมัยระดับนานาชาติ

การปฏิบัติงานของ Weffort สะท้อนแนวโน้มที่กว้างขึ้นในศิลปะร่วมสมัยของบราซิลที่มุ่งเน้นการทดลองวัสดุและงานที่เน้นกระบวนการ การสืบสวนความสัมพันธ์ระหว่างสื่อที่แตกต่างกันของเธอส่งผลให้งานที่รู้สึกทั้งเข้มงวดในเชิงแนวคิดและดึงดูดใจอย่างมีสัมผัส แสดงถึงศิลปินบราซิลรุ่นใหม่ที่ขยายความเป็นไปได้ของศิลปะนามธรรม

Martin Reyna (Argentina)

Martin Reyna ได้กลายเป็นปรมาจารย์ของสิ่งที่อาจเรียกว่า "เรขาคณิตของเหลว" โดยทำงานส่วนใหญ่ในสีน้ำ ซึ่งเป็นสื่อที่มักถูกมองข้ามในวงการนามธรรมอย่างจริงจัง Reyna สร้างผลงานขนาดใหญ่ที่แรงโน้มถ่วงกลายเป็นเครื่องมือหลักในการจัดองค์ประกอบ การล้างสีแนวตั้งของเขาไหลลงบนกระดาษด้วยความสุ่มที่ควบคุมได้ สร้างเอฟเฟกต์บรรยากาศที่บ่งบอกถึงทั้งปรากฏการณ์ธรรมชาติและประสบการณ์สีบริสุทธิ์

ตั้งอยู่ระหว่างบัวโนสไอเรสและปารีส ผลงานของ Reyna เชื่อมช่องว่างระหว่างเสรีภาพในการแสดงออกแบบนามธรรมและการสำรวจสีของศิลปินอย่าง Helen Frankenthaler แต่มีความรู้สึกแบบอเมริกาใต้ที่ชัดเจน ภาพวาดของเขามักจะสื่อถึงภูมิทัศน์กว้างใหญ่ของทุ่งหญ้าอาร์เจนตินา แต่ยังคงไม่เป็นตัวแทนอย่างเด็ดขาด

ผลงานล่าสุดของศิลปินได้รับความสนใจในความเข้าใจที่ซับซ้อนเกี่ยวกับวิธีการใช้ความไม่แน่นอนโดยธรรมชาติของสีน้ำเพื่อสร้างผลงานที่มีความมั่นคงทางโครงสร้างอย่างน่าประหลาดใจ แต่ละชิ้นอ่านเหมือนโน้ตภาพที่มีความสัมพันธ์ของสีที่ดูเหมือนจะสร้างดนตรีภายในของตัวเอง

ผลงานของเขาเพิ่งเป็นหัวข้อของนิทรรศการในพิพิธภัณฑ์ "The Sound of Color" ที่ MACA-Zulia ในเวเนซุเอลา ยืนยันตำแหน่งของเขาในบริบทกว้างของนามธรรมละตินอเมริกา

ปัจจุบันได้รับการเป็นตัวแทนโดย IdeelArt, Reyna ยังคงพัฒนาวิธีการนามธรรมที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาผ่านสื่อของเหลว 

+   +   +

ศิลปินสิบคนนี้เป็นตัวแทนของความหลากหลายและความมีชีวิตชีวาของศิลปะนามธรรมร่วมสมัยในอเมริกาใต้ แต่ละคนมีมุมมองที่เป็นเอกลักษณ์ต่อบทสนทนาที่ดำเนินอยู่ระหว่างนามธรรมและอัตลักษณ์ ประเพณีและนวัตกรรม

สิ่งที่รวมพวกเขาไว้ด้วยกันไม่ใช่สไตล์หรือแนวทางที่เหมือนกัน แต่เป็นความมุ่งมั่นที่จะผลักดันศิลปะนามธรรมเข้าสู่ดินแดนใหม่ๆ ในขณะที่ยังคงเชื่อมโยงกับประเพณีวัฒนธรรมอันมั่งคั่งของภูมิภาคของพวกเขา ในขณะที่ศิลปะอเมริกาใต้ยังคงได้รับการยอมรับในระดับสากล ศิลปินเหล่านี้จึงมีบทบาทสำคัญในการกำหนดความหมายของนามธรรมในศตวรรษที่ 21

ผลงานของพวกเขาแสดงให้เห็นว่าศิลปะนามธรรมชาวอเมริกาใต้ไม่ได้เพียงแค่ตามเทรนด์สากลเท่านั้น แต่ยังมีบทบาทในการกำหนดเทรนด์เหล่านั้น สร้างความเป็นไปได้ใหม่ๆ ว่าศิลปะนามธรรมสามารถมีส่วนร่วมกับความเป็นจริงทางสังคม การเมือง และวัฒนธรรมร่วมสมัยได้อย่างไร ในขณะที่ยังคงรักษาความมุ่งมั่นพื้นฐานต่อการสร้างสรรค์รูปแบบและประสบการณ์ด้านความงาม

โดย Francis Berthomier

ภาพเด่น: Double Wave  โดย Cristina Ghetti (2017, รายละเอียด) ภาพทั้งหมดได้รับความอนุเคราะห์จากศิลปิน

ซื้อผลงานศิลปะจากศิลปินชาวอเมริกาใต้บน IdeelArt