นามธรรมอยู่ในกายภาพ - จูลส์ โอลิตสกี

เส้นทางอาชีพของศิลปินยูเครน-อเมริกัน Jules Olitski (1922 – 2007) เตือนใจเราว่าศิลปะไม่ใช่กิจกรรมของมนุษย์ที่ตายตัวซึ่งต้องทำเหมือนกันโดยทุกคน เช่น การบินเครื่องบินโดยสาร ศิลปินควรจะมีอิสระเต็มที่ในการสร้างสรรค์สาขานี้ใหม่บ่อยเท่าที่ต้องการ Olitski มีเพียงปัจจัยเดียวที่นำทางเขา คือสัญชาตญาณของตนเอง เขาจะมีภาพในใจ หรือความรู้สึกที่ต้องการจับต้อง หรือความปรากฏทางวัตถุที่ต้องการแสดงออก และจะพยายามทำให้สิ่งนั้นเกิดขึ้น ไม่ว่าแนวคิดของเขาจะสอดคล้องกับกระแสหรือรสนิยมใดหรือไม่ก็ตาม คนส่วนใหญ่เรียกงานของเขาว่าเป็นนามธรรม แต่เขาเองไม่เคยแบ่งแยกเช่นนั้น อาจเป็นเพราะภาพวาดของเขาในแต่ละชิ้นคือเรื่องราวของมันเอง หากใครฝันจะวาดภาพสเปรย์สีลอยอยู่ในอากาศ แล้ววาดภาพที่ทำให้ฝันนั้นเป็นจริง ภาพนั้นก็คือภาพของสเปรย์สีลอยอยู่ในอากาศ จะมีอะไรที่ชัดเจนกว่านี้อีกไหม? เมื่อพูดถึงคำแนะนำสำหรับศิลปินคนอื่น Olitski เคยกล่าวไว้ว่า “อย่าคาดหวังอะไร ทำงานของคุณ และเฉลิมฉลอง!” เขาอาจให้คำแนะนำคล้ายกันกับผู้ชมว่า “อย่าคาดหวังอะไร ดูงานศิลปะ และเฉลิมฉลอง!” อย่างไรก็ตาม การชื่นชมศิลปะเป็นความสุขที่แยกจากการวิจารณ์ศิลปะ นักวิจารณ์ นักประวัติศาสตร์ และพ่อค้าศิลปะต่างก็ประสบปัญหาในการจัดวาง Olitski ในประวัติศาสตร์ศิลปะที่เป็นเส้นตรง อาจเป็นเพราะเขาไม่เคยถามตัวเองว่าเขาอยู่ตรงไหน เขาสลับเปลี่ยนรูปแบบ สื่อ และวิธีการบ่อยครั้งจนไม่เพียงแต่ยากจะจัดประวัติศาสตร์ แต่ยังยากจะทำให้เป็นสินค้าด้วย เพราะนักสะสมหลายคนต้องการพูดถึงศิลปินที่สะสมในแบบที่ง่ายต่อการจดจำ เช่น “นี่คือจิตรกรกริด นี่คือผู้หญิงที่วาดแมงมุม นี่คือผู้ชายที่วาดกล่อง เป็นต้น” แต่กับ Olitski ไม่สามารถทำเช่นนั้นได้ เพราะเขาทำหลายอย่างเกินกว่าจะรู้จักเพียงอย่างเดียว ดังนั้นเราจึงมีทางเลือกเดียวที่ดีที่สุด คือ “อย่าคาดหวังอะไร ดูภาพวาด และเฉลิมฉลอง”

การวาดภาพบนขอบเขต

Olitski เกิดที่เมือง Snovsk ในยูเครนปัจจุบัน เขาย้ายถิ่นฐานไปสหรัฐอเมริกาพร้อมกับแม่ตั้งแต่อายุหนึ่งขวบ หลังจากพ่อของเขาถูกฆ่าตายโดยเจ้าหน้าที่โซเวียตท้องถิ่น ครอบครัวตั้งรกรากที่บรูคลิน นิวยอร์ก และเมื่อถึงวัยมัธยม Olitski แสดงความสามารถด้านศิลปะอย่างโดดเด่น เขาได้รับรางวัลให้ไปศึกษาศิลปะที่แมนฮัตตัน และในที่สุดได้รับทุนการศึกษาเข้าเรียนที่สถาบัน Pratt หลังจากถูกเกณฑ์ไปร่วมสงครามโลกครั้งที่สอง Olitski ใช้สิทธิ์ตามกฎหมาย G.I. Bill เพื่อศึกษาศิลปะต่อที่ปารีส ที่นั่นเขาได้ศึกษาผลงานของศิลปินสมัยใหม่อย่างใกล้ชิด และเผชิญหน้ากับปัญหาภายในตัวเอง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาตระหนักว่าเขาถูกควบคุมโดยการศึกษาของตนเอง การฝึกฝนที่เขาปิดตาขณะวาดภาพเป็นตัวอย่างของความพยายามเอาชนะการควบคุมความคิดของตนเอง ความมุ่งมั่นในเสรีภาพสร้างสรรค์นี้นำทางเขาตลอดชีวิต

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. สีอะคริลิกบนผ้าใบ ขนาด 60 x 84 นิ้ว (152.4 x 213.4 ซม.) Ameringer Yohe Fine Art, นิวยอร์ก © Jules Olitski

นิทรรศการภาพวาดครั้งแรกของเขาในทศวรรษ 1950 โดดเด่นด้วยนามธรรมที่มีอารมณ์หม่นหมองและการทาสีหนา เช่น “In Memory of Slain Demikovski” (1958) ซึ่งตั้งชื่อตามพ่อของเขา แต่ในปี 1960 Olitski เปลี่ยนแนวทางอย่างสิ้นเชิง โดยใช้สีอะคริลิกชนิดใหม่สร้างสรรค์ภาพที่มีสีสันสดใสและแบนราบ รูปทรงคล้ายสิ่งมีชีวิตเซลล์เดียวที่ดูเหมือนจะเกิดขึ้นในจานเพาะเชื้อภาพวาด ห้าปีต่อมาเขาเปลี่ยนทิศทางอีกครั้ง โดยใช้ปืนพ่นสีอุตสาหกรรมเพื่อบรรลุความฝันในการวาด “สเปรย์สีที่ลอยเหมือนเมฆแต่ไม่เสียรูปทรง” ภาพวาดด้วยปืนพ่นสีของเขามีลักษณะบางอย่างคล้ายเมฆก๊าซในเนบิวล่าที่อยู่ไกลออกไป ซึ่งส่องสว่างด้วยแสงจากดาวระเบิด งานชุดนี้ทำให้ Olitski คิดถึงสิ่งที่เขาเรียกว่า “ขอบ” ของภาพวาด “ภาพวาดเกิดจากภายในสู่ภายนอก” เขากล่าว ขอบนอกของงานตามความเข้าใจของเขาไม่ใช่ขอบของผ้าใบ แต่เป็นขอบของสี Olitski เห็นว่าสีขยายออกไปเกินขอบเขตของสีที่ทา ถูกพาโดยแสงและการรับรู้ทางจิตใจเข้าสู่พื้นที่กึ่งกลางระหว่างผิวภาพวาดกับสายตาของเรา

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (สีส้ม), 1970. ซิลค์สกรีน ขนาด 35 x 26 นิ้ว (งาน); 36 x 27 นิ้ว (ใส่กรอบ) © Jules Olitski

โครงสร้างและการไหล

ประมาณกลางทศวรรษ 1970 Olitski เปลี่ยนวิธีการอีกครั้ง โดยผสมผสานเทคนิคทาสีหนาแบบเก่าของเขากับการใช้ปืนพ่นสี สร้างภาพวาดเช่น “Secret Fire – 2” (1977) ที่แสดงถึงความมีตัวตนทางวัตถุอย่างชัดเจน แม้จะใช้โทนสีที่บางเบา เขายังคงพัฒนาการผสมผสานวิธีการนี้ต่อไป สร้างงานนามธรรมที่กล้าหาญและมีลักษณะเป็นโลหะในทศวรรษ 1980 เช่น “Eternity Domain” (1989) และงานที่ดูดิบเถื่อนในทศวรรษ 1990 เช่น “Upon a Sea” (1996) แม้ว่างานเหล่านี้จะมีลักษณะที่หลากหลาย แต่ทั้งหมดมีหลักการนำทางเดียวกันที่ Olitski สรุปไว้ว่า “ผมคิดว่าภาพวาดมีโครงสร้าง แต่โครงสร้างนั้นเกิดจากการไหลของความรู้สึกสี” ภาพวาดที่เขาสร้างในปีสุดท้ายของชีวิต เช่น “With Love and Disregard: Rapture” (2002) แสดงหลักการนี้อย่างชัดเจน โครงสร้างของความมีตัวตนทางวัตถุแข็งแกร่งเหมือนหิน แต่ความเบาของมันยืนยันถึงสิทธิ์ในการเกิดของสีใน “การไหลของความรู้สึกสี” อย่างไม่ผิดเพี้ยน

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. สีแมกนา บนผ้าใบ ขนาด 88 x 71 1/2 นิ้ว (223.5 x 181.6 ซม.) Yares Art © Jules Olitski

นอกจากการวาดภาพนามธรรมที่ทำมาตลอดชีวิต Olitski ยังวาดภาพเหมือนและภาพทิวทัศน์อย่างต่อเนื่อง และมีอาชีพประติมากรรมที่อุดมสมบูรณ์ เช่นเดียวกับงานวาดภาพของเขา งานประติมากรรมของเขาไม่ถูกจำกัดโดยสิ่งใดนอกจากจินตนาการของตัวเอง ในวัยเด็ก Olitski ได้รับชื่อเล่นว่า เจ้าชาย Patutsky จากพ่อเลี้ยง ชื่อนี้ปรากฏซ้ำในงานของเขา เช่น “Patutsky in Paradise” (1966); “Patutsky Passion” (1963); “Prince Patutsky Command” (1966) ความทุ่มเทในความไร้เดียงสาเหมือนเด็กนี้เป็นสิ่งที่ฉันเห็นแทรกซึมในทุกสิ่งที่ Olitski ทำในฐานะศิลปิน ประวัติศาสตร์ศิลปะมักจะยกย่องศิลปินที่มีความแปลกใหม่ในช่วงต้นอาชีพ ตามด้วย “ความเป็นผู้ใหญ่” และการทำซ้ำ แต่ Olitski ไม่ได้เป็นเช่นนั้น เขาทำงานอย่างเสรีและทดลองอย่างเต็มที่ โดยไม่คาดหวังอะไร และเฉลิมฉลอง นั่นทำให้เขาเป็นตำนานสำหรับฉัน

ภาพเด่น: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. สีแมกนา บนผ้าใบ ขนาด 79 x 109 นิ้ว (200.7 x 276.9 ซม.) Kasmin, นิวยอร์ก © Jules Olitski
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบเท่านั้น
โดย Phillip Barcio