นามธรรมอยู่ในกายภาพ - จูลส์ โอลิตสกี

อาชีพของศิลปินยูเครน-อเมริกัน Jules Olitski (1922 – 2007) เตือนเราว่าศิลปะไม่ใช่ความพยายามของมนุษย์ที่ตายตัว ซึ่งต้องทำในลักษณะเดียวกันโดยผู้ปฏิบัติงานทุกคน เช่น การบินเครื่องบินพาณิชย์ ศิลปินควรจะมีอิสระในการสร้างสรรค์สาขานี้ใหม่ได้บ่อยเท่าที่ต้องการ โอลิตสกีได้รับการชี้นำโดยปัจจัยหนึ่งเท่านั้น: สัญชาตญาณของเขา เขาจะมีวิสัยทัศน์เกี่ยวกับภาพ หรือความรู้สึกที่เขาต้องการจะจับ หรือการมีอยู่ของวัสดุที่เขาต้องการจะสร้างขึ้น และจะเริ่มพยายามทำให้มันเกิดขึ้น ไม่ว่าความคิดของเขาจะเข้ากับแนวโน้มหรือรสนิยมก็ตาม ผู้คนส่วนใหญ่เรียกงานของเขาว่าเป็นนามธรรม แต่เขาเองไม่ได้ทำการแยกแยะนั้น อาจเป็นเพราะวิสัยทัศน์เฉพาะของเขาสำหรับการวาดภาพนั้น สำหรับเขาแล้ว เป็นเนื้อหาประเภทหนึ่ง หากใครฝันถึงการวาดสเปรย์ของสีที่แขวนอยู่ในอากาศ แล้ววาดภาพที่ทำให้ความฝันนั้นเป็นจริง ภาพนั้นก็คือสิ่งที่มันบรรยาย: ภาพของสเปรย์สีที่แขวนอยู่ในอากาศ คุณจะทำให้มันเป็นรูปธรรมได้มากกว่านี้อีกไหม? ในหัวข้อของคำแนะนำให้กับศิลปินคนอื่น โอลิตสกีเคยกล่าวว่า "อย่าคาดหวังอะไร ทำงานของคุณ เฉลิมฉลอง!" เขาอาจให้คำแนะนำที่คล้ายกันกับผู้ชมของเขา: "อย่าคาดหวังอะไร ดูงานศิลปะ เฉลิมฉลอง!" อย่างไรก็ตาม การชื่นชมศิลปะเป็นความสุขที่แยกต่างหากจากการวิจารณ์ศิลปะ นักวิจารณ์ นักประวัติศาสตร์ และพ่อค้าศิลปะมีความยากลำบากในการรู้ว่าควรวางโอลิตสกีไว้ที่ไหนในเทพนิยายเชิงเส้นที่เรียกว่าประวัติศาสตร์ศิลปะ อาจเป็นเพราะโอลิตสกีไม่เคยสนใจที่จะถามตัวเองว่าเขาอยู่ที่ไหน เขาเปลี่ยนสไตล์ สื่อ และวิธีการบ่อยครั้งจนทำให้เขาไม่เพียงแต่ยากที่จะทำให้เป็นประวัติศาสตร์ แต่ยังยากที่จะทำให้เป็นสินค้า เนื่องจากนักสะสมจำนวนมากต้องการพูดคุยเกี่ยวกับศิลปินที่พวกเขาสะสมในแง่ของการย่อที่สะดวก: "นี่คือจิตรกรกริด นี่คือผู้หญิงที่ทำแมงมุม นี่คือผู้ชายที่ทำกล่อง เป็นต้น" คุณไม่สามารถทำเช่นนั้นกับโอลิตสกีได้ เขาทำหลายสิ่งหลายอย่างเกินกว่าจะเป็นที่รู้จักเพียงอย่างเดียว ดังนั้นเราจึงติดอยู่กับตัวเลือกเพียงหนึ่งเดียว-ตัวเลือกที่ดีที่สุด: "อย่าคาดหวังอะไร ดูภาพวาด เฉลิมฉลอง."

การวาดภาพบนขอบ

เกิดในสโนฟสก์ ปัจจุบันคือยูเครน โอลิตสกี้อพยพไปยังสหรัฐอเมริกากับแม่เมื่ออายุหนึ่งปี หลังจากที่พ่อของเขาถูกฆาตกรรมโดยคอมมิสมาร์ทท้องถิ่น พวกเขาได้ตั้งถิ่นฐานในบรู๊คลิน นิวยอร์ก และเมื่อถึงมัธยมปลาย โอลิตสกี้แสดงให้เห็นถึงความสามารถด้านศิลปะที่ก้าวหน้า เขาได้รับรางวัลเพื่อศึกษาศิลปะในแมนฮัตตัน และในที่สุดได้รับทุนการศึกษาเพื่อเข้าเรียนที่สถาบันแพรต หลังจากถูกเกณฑ์ทหารเข้าร่วมสงครามโลกครั้งที่สอง โอลิตสกี้ใช้สิทธิ์ G.I. Bill ของเขาเพื่อศึกษาศิลปะต่อในปารีส ที่นั่นเขาได้ศึกษาศิลปินโมเดิร์นใกล้ชิดและเผชิญหน้ากับปีศาจภายในของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เขาตระหนักว่าเขาถูกควบคุมโดยการศึกษาของตัวเอง การฝึกฝนที่เขาผูกตาตัวเองขณะวาดภาพแสดงให้เห็นถึงความปรารถนาของเขาที่จะเอาชนะการควบคุมความคิดของตัวเอง ความมุ่งมั่นในเสรีภาพทางความคิดนี้ได้ชี้นำเขาตลอดชีวิตที่เหลือของเขา.

จูลส์ โอลิตสกี - ด้วยความรักและการไม่ใส่ใจ: การอวยพรแห่งความปีติ, 2002. อะคริลิคบนผ้าใบ. 60 x 84 นิ้ว. (152.4 x 213.4 ซม.). อเมอริงเกอร์ โยเฮ ฟายน์ อาร์ต, นิวยอร์ก. © จูลส์ โอลิตสกี

การจัดแสดงภาพวาดครั้งแรกของเขาในทศวรรษ 1950 ถูกครอบงำด้วยนามธรรมที่มืดมนและมีเนื้อสัมผัสหนา เช่น "เพื่อรำลึกถึงเดมิโคฟสกี้ที่ถูกฆ่า" (1958) ซึ่งเป็นผลงานที่ตั้งชื่อตามบิดาของเขา อย่างไรก็ตามในปี 1960 โอลิตสกี้ได้ปรับเปลี่ยนแนวทางอย่างสิ้นเชิง โดยใช้สีอะคริลิกชนิดใหม่เพื่อสร้างองค์ประกอบที่แบนราบและมีสีสันสดใส ซึ่งมีรูปทรงที่มีชีวิตชีวาและคล้ายอะมีบา ดูเหมือนจะเกิดขึ้นในจานเพาะเลี้ยงภาพ ในอีกห้าปีต่อมา เขาได้เปลี่ยนทิศทางอีกครั้ง โดยใช้ปืนพ่นสีอุตสาหกรรมในความพยายามที่จะบรรลุความฝันในการวาด "การพ่นสีที่แขวนอยู่เหมือนเมฆ แต่ไม่สูญเสียรูปทรง" ผลงานที่ใช้ปืนพ่นสีของเขาจริงๆ มีคุณสมบัติที่ไม่ต่างจากเมฆก๊าซในเนบิวลาที่ห่างไกล ซึ่งมีแสงสว่างจากการระเบิดของดาวที่ระเบิดออกมา ผลงานชุดนี้ทำให้โอลิตสกี้เริ่มคิดเกี่ยวกับสิ่งที่เขาเรียกว่า "ขอบ" ของภาพ "ภาพวาดถูกสร้างขึ้นจากภายในสู่ภายนอก" เขากล่าว ขอบด้านนอกของงาน ตามความเข้าใจของเขา ไม่ใช่ขอบของผ้าใบ แต่เป็นขอบของสี โอลิตสกี้มองเห็นว่าสีขยายออกไปเกินขอบเขตของสีที่ใช้ โดยถูกพาไปด้วยแสงและการรับรู้ทางจิตสำนึกเข้าสู่พื้นที่ขอบเขตระหว่างพื้นผิวของภาพวาดและดวงตาของเรา.

จูลส์ โอลิตสกี - กราฟิกชุดที่ 2 (สีส้ม), 1970. ซิลค์สกรีน. 35 x 26 นิ้ว (งาน); 36 x 27 นิ้ว (กรอบ). © จูลส์ โอลิตสกี

โครงสร้างและการไหล

ในช่วงกลางทศวรรษ 1970 โอลิตสกี้ได้เปลี่ยนวิธีการอีกครั้ง โดยผสมผสานเทคนิคการปาดสีแบบเงียบ ๆ และหนาแน่นในแบบฉบับก่อนหน้านี้เข้ากับการใช้ปืนพ่นสี สร้างสรรค์ผลงานเช่น "Secret Fire – 2" (1977) ซึ่งมีการแสดงออกถึงการมีอยู่ของวัสดุอย่างชัดเจน แม้ว่าจะมีพาเลตสีที่เบาบาง เขายังคงพัฒนาการผสมผสานนี้ต่อไป สร้างผลงานนามธรรมที่กล้าหาญและเป็นโลหะในทศวรรษ 1980 เช่น "Eternity Domain" (1989) และผลงานที่มีลักษณะดิบเถื่อนในทศวรรษ 1990 เช่น "Upon a Sea" (1996) แม้ว่าผลงานเหล่านี้จะมีความหลากหลายทางสายตา แต่ทั้งหมดมีหลักการที่คล้ายกันซึ่งโอลิตสกี้สรุปไว้ว่า "ฉันคิดว่าการวาดภาพนั้นมีโครงสร้าง แต่เป็นโครงสร้างที่เกิดจากการไหลของความรู้สึกสี" ผลงานที่โอลิตสกี้สร้างขึ้นในปีสุดท้ายของชีวิตเขา เช่น "With Love and Disregard: Rapture" (2002) แสดงออกถึงหลักการนี้ในรูปแบบที่ดราม่า โครงสร้างของการมีอยู่ของวัสดุของพวกเขานั้นแข็งแกร่งเหมือนหิน แต่ความเบาของการมีอยู่ของพวกเขาก็ยืนยันสิทธิในสีของมันอย่างไม่อาจปฏิเสธได้ใน "การไหลของความรู้สึกสี".

จูลส์ โอลิตสกี - แพทุสกี แพสชั่น, 1963. แมกนาบนผ้าใบ. 88 x 71 1/2 นิ้ว (223.5 x 181.6 ซม). ยาเรส อาร์ต. © จูลส์ โอลิตสกี

นอกเหนือจากการฝึกฝนการ วาดภาพนามธรรม ตลอดชีวิตของเขา โอลิตสกี้ยังวาดภาพเหมือนและทิวทัศน์อย่างต่อเนื่อง เขายังมีอาชีพด้านประติมากรรมที่อุดมสมบูรณ์ ซึ่งเหมือนกับอาชีพการวาดภาพของเขา ไม่ถูกจำกัดโดยสิ่งใดนอกจากจินตนาการของเขาเอง ในฐานะเด็ก โอลิตสกี้ได้รับฉายาว่า เจ้าชายปาตุสกี จากพ่อเลี้ยงของเขา ชื่อนี้ปรากฏขึ้นซ้ำแล้วซ้ำเล่าในผลงานของเขา: “ปาตุสกีในสวรรค์” (1966); “ความหลงใหลของปาตุสกี” (1963); “คำสั่งของเจ้าชายปาตุสกี” (1966) มันคือความมุ่งมั่นนี้ต่อความบริสุทธิ์ของเด็กที่ฉันเห็นแทรกซึมทุกสิ่งที่โอลิตสกี้ทำได้ในฐานะศิลปิน ประวัติศาสตร์ศิลปะมักจะมอบสถานะตำนานให้กับศิลปินที่มีความคิดก้าวร้าวในช่วงต้นอาชีพของพวกเขา ตามด้วย "ความเป็นผู้ใหญ่" และจากนั้นก็การทำซ้ำ โอลิตสกี้ไม่เข้ากับภาพลักษณ์นั้น ในแบบที่ทดลองและอิสระที่สุดที่เขาทำได้ เขาก็แค่ทำงานของเขา โดยไม่มีความคาดหวัง และเฉลิมฉลอง นั่นทำให้เขาเป็นตำนานสำหรับฉัน.

ภาพเด่น: จูลส์ โอลิตสกี - บาซิอัม บลัช, 1960. แมกนาบนผ้าใบ. 79 x 109 นิ้ว (200.7 x 276.9 ซม). คาสมิน, นิวยอร์ก. © จูลส์ โอลิตสกี
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ