ศิลปินนามธรรมชาวแอฟริกันอเมริกันที่มีอิทธิพลมากที่สุดในปัจจุบัน
ศิลปินนามธรรมชาวแอฟริกันอเมริกัน - โดยเฉพาะผู้ที่สืบเชื้อสายมาจากทาส - ต้องเผชิญกับแรงกดดันอย่างต่อเนื่อง ทั้งจากภายในและภายนอก ให้ทำให้อัตลักษณ์ของตนเป็นส่วนสำคัญในผลงาน แรงกดดันนี้มีเหตุผลเมื่อพิจารณาถึงอคติที่เป็นระบบซึ่งศิลปินชาวแอฟริกันอเมริกันต้องเผชิญ แต่ก็หมายความว่าศิลปินนามธรรมผิวดำที่ตั้งใจจะพัฒนาสาขาของตน ไม่เพียงแต่ต้องเผชิญกับคำถามด้านความงาม ปัญญา และประวัติศาสตร์ศิลปะเหมือนศิลปินนามธรรมทุกคนเท่านั้น แต่ยังต้องต่อสู้กับอคติที่แฝงอยู่เกี่ยวกับเนื้อหาอีกด้วย ในปี 2017 หลังจากการเปิดนิทรรศการ Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power ที่ Tate Modern ศิลปินคนหนึ่งซึ่งมีผลงานในนิทรรศการนั้นได้พูดคุยกับผมเป็นการส่วนตัวเกี่ยวกับภาพวาดของ William T. Williams เรื่อง “Trane” (1969) ซึ่งก็อยู่ในงานแสดงนั้นเช่นกัน “ภาพวาดชิ้นนั้น” คนๆ นั้นกล่าว “ไม่มีความเกี่ยวข้องกับการเป็นคนผิวดำเลย” สิทธิพิเศษของผมในฐานะคนผิวขาวทำให้ผมไม่สามารถตัดสินได้ทั้งสองทาง สิ่งที่ผมทำได้คือฟัง และแสดงความจริงของตัวเองว่า “Trane” เป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชีวิตชีวาและน่าตื่นเต้นที่สุดที่ผมเคยเห็น มันสะท้อนความอ่อนไหวที่มีจังหวะหลายชั้นและมีพลังไฟฟ้าเหมือนกับดนตรีของ John Coltrane ซึ่งเป็นที่มาของชื่อภาพ แม้จะไม่เกี่ยวข้องก็ตาม ความเห็นของผมคือไม่ว่าใครก็ตาม การเลือกสร้างงานศิลปะที่ไม่เน้นเรื่องการเมืองโดยเฉพาะก็ถือเป็นการกระทำทางการเมือง ศิลปินชาวแอฟริกันอเมริกันถูกกีดกันไม่ว่าจะสร้างงานแบบใด การเพิ่มความกีดกันให้กับศิลปินนามธรรมผิวดำจึงเหมือนความโหดร้ายซ้ำเติมความโหดร้าย ศิลปินไม่จำเป็นต้องได้รับแรงกดดันเรื่องเนื้อหา แต่ต้องการกำลังใจให้แสดงออกอย่างซื่อสัตย์ ผมเห็นว่าการที่ศิลปินคนใดคนหนึ่งยังคงพยายามต่อไปท่ามกลางคำวิจารณ์ที่ไม่เป็นธรรมเป็นเรื่องกล้าหาญ ด้วยเหตุนี้ แม้จะมีศิลปินอีกมากที่สมควรได้รับความสนใจ นี่คือเก้าศิลปินนามธรรมชาวแอฟริกันอเมริกันที่ยังมีชีวิตอยู่และก้าวหน้าสาขานี้อย่างมั่นใจ ผลงานของพวกเขามีอิทธิพลต่อผม
ชินีค สมิธ
ชินีค สมิธ สร้างงานที่เล่นสนุกแต่ก็น่ากลัว; เป็นรูปธรรมแต่ก็เป็นจิตวิญญาณ; ไร้กาลเวลาแต่ก็ร่วมสมัยอย่างไม่อาจปฏิเสธได้ ทุกองค์ประกอบของเธอ—ไม่ว่าจะเป็นภาพวาด ประติมากรรม หรือการติดตั้ง—รู้สึกซับซ้อนและสมบูรณ์ในตัวเองเหมือนต้นหลิวหรือฝูงผึ้ง งานของเธอชัดเจนว่าขับเคลื่อนด้วย ท่าทาง และ เส้น แต่การเคลื่อนไหวของมันที่เลยออกจากระนาบทำให้งานกลายเป็นการแสดงออกของสิ่งที่มีหลายมิติและเป็นธรรมชาติ สำหรับผม งานนี้สรุปความสัมพันธ์ระหว่างธรรมชาติและเมืองได้อย่างสมบูรณ์แบบ
ชินีค สมิธ - Codex, 2019. © ชินีค สมิธ
แมรี เลิฟเลซ โอนีล
พูดง่ายๆ ทุกภาพวาดของแมรี เลิฟเลซ โอนีลที่ผมเห็นทำให้ผมประหลาดใจ โอนีลท้าทายอย่างต่อเนื่องว่าการจัดองค์ประกอบในภาพวาดจะเป็นอย่างไร คำที่ผมนึกถึงเมื่อดูภาพของเธอคือ “น้ำหนัก”: น้ำหนักที่เธอให้กับแสง หรือ น้ำหนักที่เธอเป่าลมหายใจเข้าไปในพื้นที่ว่างที่ดูเหมือนไม่มีอะไร ตั้งแต่งานเส้นน้อยนิดไปจนถึงการระเบิดของสีที่แสดงออกอย่างอิสระ โอนีลแสดงให้เห็นซ้ำแล้วซ้ำเล่าว่าพร้อมที่จะทดสอบขอบเขตของความสมดุลและความกลมกลืน
แมรี เลิฟเลซ โอนีล - Beware of Chief Stewards Bearing Gifts of Fruit and Showers, 1982. สื่อผสมบนผืนผ้าใบ ขนาด 81 x 138 นิ้ว © แมรี เลิฟเลซ โอนีล ภาพถ่ายโดย Kija Lucas โดยความอนุเคราะห์ของศิลปิน
โอดิลี โดนัลด์ โอดิตา
เมื่อใดก็ตามที่ผมเห็นภาพวาดของโอดิลี โดนัลด์ โอดิตา ผมจะนึกถึงพื้นที่ที่แตกสลาย ศิลปินนามธรรมชาวไนจีเรียคนนี้ ซึ่งย้ายมาอยู่ที่โคลัมบัส รัฐโอไฮโอ ตั้งแต่เด็ก มีความสามารถยอดเยี่ยมในการจัดวางสีและรูปทรงให้ขัดแย้งกันบนระนาบแบน ความสัมพันธ์ที่เกิดขึ้นเปิดโลกทัศน์ที่น่ากังวลของการสั่นสะเทือนและการเคลื่อนไหว ภาพวาดของเขาสั่นไหวระหว่างความวุ่นวายและความงดงามสูงส่ง ขยายมรดกแห่งพลังที่ศิลปินนามธรรมแสวงหามานานตั้งแต่ยุคพอยน์ติลลิสม์
โอดิลี โดนัลด์ โอดิตา - Phantom’s Shadow, 2018. สีอะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 50 x 50 1/5 นิ้ว (127 x 127.5 ซม.) Stevenson. © โอดิลี โดนัลด์ โอดิตา
แซม กิลเลียม
แซม กิลเลียม เป็นบุคคลสำคัญในวงการศิลปะนามธรรมของวอชิงตัน ดี.ซี. ตั้งแต่ทศวรรษ 1960 เมื่อเขาพัฒนาวิธีการเฉพาะตัวในการเทสีลงบนผืนผ้าใบที่ไม่ตึงกรอบ จากนั้นจับจีบและแขวนบนผนังหรือเพดาน ภาพวาดของเขาแสดงถึงสีและรูปทรง และแสดงความร่วมมืออันไร้กาลเวลาระหว่างการเลือกและโอกาส มีลักษณะเหมือนฟากฟ้าและจังหวะที่เหนือธรรมชาติ ซึ่งผูกพันกับวัตถุนิยมบนโลกและจิตวิญญาณที่เปราะบางในเวลาเดียวกัน
แซม กิลเลียม - 10/27/69, 1969. สีอะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาดงานติดตั้งเปลี่ยนแปลงได้ ขนาดโดยประมาณ: 140 x 185 x 16 นิ้ว (355.6 x 469.9 x 40.6 ซม.) คอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก, NY โดยความอนุเคราะห์ของ David Kordansky Gallery, ลอสแอนเจลิส, ภาพถ่ายโดย Fredrik Nilsen Studio
เจนนี ซี. โจนส์
ผมเคยได้ยินว่าเจนนี ซี. โจนส์ถูกเรียกว่าศิลปินมินิมัลลิสต์ อาจเป็นเพราะภาษาทางสายตาของเธอใช้รูปทรงเรขาคณิตและพื้นที่สีทึบมากมาย อย่างไรก็ตาม ผมไม่เห็นว่างานของเธอเป็นมินิมัลลิสต์ ตรงกันข้าม ผมเห็นว่ามันมีชั้นและหลายมิติ ยิ่งผมดูภาพวาดของเธอนานเท่าไร ก็ยิ่งเผยให้เห็นมากขึ้น ปรากฏการณ์นี้ส่วนหนึ่งเป็นเพราะโจนส์ไม่ปล่อยให้ส่วนใดของวัตถุในงานของเธอสูญเปล่า—ตั้งแต่ขอบที่ตัดเฉียงหรือทาสี ไปจนถึงการพิจารณาอย่างรอบคอบว่าร่มเงาตกกระทบอย่างไร เธอเป็นผู้สร้างวัตถุโบราณที่งดงามซึ่งเปิดโลกทัศน์แห่งการรับรู้ที่ละเอียดลึกซึ้ง
เจนนี ซี. โจนส์ - Constant Structure ที่ The Arts Club of Chicago, 19 มีนาคม - สิงหาคม 2020 ภาพโดย Pierre Le Hors © เจนนี ซี. โจนส์
แมคอาเธอร์ บินิออน
ครั้งแรกที่ผมเห็นภาพวาดของแมคอาเธอร์ บินิออน ผมคิดว่ากำลังดูตารางสมัยใหม่ที่เรียบง่าย แต่ผมกลับรู้สึกหลงใหลและลึกซึ้ง เมื่อเข้าไปใกล้ขึ้น ผมพบว่าในตารางนั้นฝังชิ้นส่วนของหน้ากระดาษที่ดูเหมือนมาจากสมุดบันทึก ภาพวาดตารางอีกชิ้นที่อยู่ใกล้กัน เมื่อดูอย่างละเอียดประกอบด้วยสำเนารูปใบหน้าจำนวนมาก ใบหน้านั้นเป็นของศิลปินเอง และหน้ากระดาษมาจากสมุดที่อยู่ของเขา ในวิธีที่บริสุทธิ์และเป็นส่วนตัวที่สุด บินิออนสอดแทรกตัวเองเข้าไปในประวัติศาสตร์ศิลปะนามธรรม และด้วยการทำเช่นนั้นขยายมรดกนี้ไปสู่พื้นที่ใหม่ที่สดชื่นและจริงใจ
แมคอาเธอร์ บินิออน - Hand:Work, 2018. แท่งน้ำมันและกระดาษบนแผ่นไม้ ขนาด 72 x 48 x 2 นิ้ว © แมคอาเธอร์ บินิออน
สแตนลีย์ วิทนีย์
สแตนลีย์ วิทนีย์ ทำให้ผมนึกถึงความสำคัญของความเป็นมนุษย์ในศิลปะนามธรรม สิ่งที่ลัทธิทันสมัยทำลายความเป็นมนุษย์ออกจากนามธรรมเพื่อความใหม่และ/หรือความสมบูรณ์แบบ วิทนีย์เติมกลับเข้าไปในนั้น ตารางที่ไม่สมบูรณ์แบบและมีลักษณะเป็นภาพวาดของเขาโอบรับความคุ้นเคยที่ไหลซึมของสี และความงดงามอันเย้ายวนของสีเอง
สแตนลีย์ วิทนีย์ - Untitled, 2013. © สแตนลีย์ วิทนีย์ โดยความอนุเคราะห์ของ Lisson Gallery
แฟรงก์ โบว์ลิง
แฟรงก์ โบว์ลิง สร้างภาพวาดที่บ่งบอกถึงโลกแห่งความหมายที่ซ่อนอยู่ระหว่างสีและพื้นผิว ภายในองค์ประกอบของเขามีการอ้างอิงถึงแผนที่ โดยมักเน้นที่ทวีปแอฟริกา อย่างไรก็ตาม องค์ประกอบนามธรรมที่เป็นทางการยังคงแสดงตัวเองอย่างชัดเจนในแนวหน้า—เป็นการแสดงออกอย่างละเอียดอ่อนและการปฏิเสธความขัดแย้งที่สำคัญซึ่งศิลปินนามธรรมชาวแอฟริกันอเมริกันทุกคนต้องเผชิญ
แฟรงก์ โบว์ลิง - Elder Sun Benjamin, 2018. สีอะคริลิกและสื่อผสมบนผืนผ้าใบ ขนาด 119 5/16 x 203 9/16 นิ้ว (303.1 x 517 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ซานฟรานซิสโก (SFMOMA) © Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก / DACS, ลอนดอน
เจมส์ ลิตเติล
เจมส์ ลิตเติล ชำนาญในการสร้างภาพวาดที่บังคับให้สายตาไม่สามารถมองเห็นทั้งหมดในคราวเดียว เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญในการเอาชนะความอยากของเราที่จะทำให้ง่าย ในงานของเขา ความประทับใจของสีเพิ่มพูนขึ้นจนเราต้องยอมรับในที่สุดว่าความสุขง่ายๆ ของการยอมรับความรู้สึกนั้นสำคัญและเติมเต็มมากกว่าที่เรามักจะเชื่อ
เจมส์ ลิตเติล - Exculpatory Evidence, 2019. สีน้ำมันบนผ้าลินิน ขนาด 40 x 51 นิ้ว (101.6 x 129.5 ซม.) Louis Stern Fine Arts © เจมส์ ลิตเติล
ภาพเด่น: โอดิลี โดนัลด์ โอดิตา - Heat Wave, 2018. สีอะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 80 3/10 x 103 9/10 นิ้ว (204 x 264 ซม.) Stevenson © โอดิลี โดนัลด์ โอดิตา
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป Barcio
