สัมภาษณ์กับจอห์น มอนทีธ

จอห์น มอนทีธ เกิดในปี 1973 ที่นิวมาร์เก็ต รัฐออนแทรีโอ ประเทศแคนาดา และสำเร็จการศึกษาจากโปรแกรมปริญญาโทสาขาศิลปะที่ Parsons The New School for Design ในปี 2008 เขาได้เดินทางและอาศัยอยู่ทั่วโลกอย่างกว้างขวาง ซึ่งมีอิทธิพลและเปลี่ยนแปลงวิธีการสร้างงานของเขาตลอดหลายปีที่ผ่านมา ผลงานที่ซับซ้อนและมีสีสันของเขาที่ใช้ขี้ผึ้งและสีบนฟิล์มร่างแบบหลายชั้น รวมถึงการจัดชั้นภาพถ่ายอย่างพิถีพิถัน ทำให้เขาเป็นศิลปินนามธรรมที่ได้รับความนิยมและเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง

จอห์น มอนทีธ ได้รับการเป็นตัวแทนในระดับนานาชาติและเป็นจุดสนใจของนิทรรศการเดี่ยวและกลุ่มหลายครั้ง เช่น “At Night All Cats Are Grey” ที่ O’Born Contemporary, โตรอนโต, ON; “Not Yet Titled” ที่ Galerie Wenger, ซูริก, สวิตเซอร์แลนด์; และ “Vector Issue 5” ที่ Schau Fenster, Raum für Kunst, เบอร์ลิน, เยอรมนี ผลงานของเขาเป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันถาวรที่ The New School, แมนฮัตตัน, นิวยอร์ก; BNY Melon, นิวยอร์ก; และ Morris and Associates ในลอนดอน, อังกฤษ IdeelArt มีความยินดีที่ได้สัมภาษณ์ศิลปินเพื่อพูดคุยเกี่ยวกับกระบวนการทำงานและโครงการที่กำลังจะมาถึง

คุณใช้วัสดุและเทคนิคอะไรในกระบวนการทำงานของคุณ? วิธีปฏิบัติของคุณเปลี่ยนแปลงไปอย่างไรบ้างเมื่อเวลาผ่านไป?

ในช่วงแรกของการวาดภาพ ผมใช้สีน้ำมันบนผืนผ้าใบและทำงานในรูปแบบที่เป็นภาพแทน โดยสร้างภาพวาดรูปคนขนาดใหญ่ ตั้งแต่ปี 2005 ผมได้เปลี่ยนแปลงอย่างมากในเรื่องของสื่อและหัวข้อ ผลงานของผมพัฒนาไปตามความคิดของผมเอง ไม่เพียงแต่เกี่ยวกับพื้นที่ในเมืองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสัมพันธ์ส่วนตัวและชั้นความสัมพันธ์หลายชั้น ผมมักจะสนใจในสิ่งที่แสดงออกมาและสิ่งที่ซ่อนอยู่เสมอ

ในปี 2006 ผมเริ่มทำงานกับฟิล์มร่างแบบ โดยใช้คุณสมบัติที่โปร่งแสงของมันในการวางภาพซ้อนกัน ในขณะที่ยังคงทำงานในรูปแบบภาพแทน ผมใช้สีน้ำมันที่เจือจางเพื่อใช้ประโยชน์จากความโปร่งใสของมัน ผมวาดภาพสถาปัตยกรรมและศูนย์กลางเมือง สถานที่ที่ผมเคยไปเยือนซึ่งมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์ รวมถึงซากของอุบัติเหตุรถยนต์เก่าที่ผมเห็นในป่าในเกียวโต ประเทศญี่ปุ่น ซึ่งเกี่ยวข้องกับรถยนต์สองคันที่ตกถนนชันเมื่อประมาณสิบห้าปีที่แล้ว ฉากเหล่านี้แต่ละฉากเคยหรือกำลังเป็นสถานที่ที่เกิดการแตกหัก ในการสร้างภาพวาดจากชุดนี้ ผมจะวาดภาพแต่ละภาพสองครั้งบนฟิล์มร่างแบบสองแผ่นที่แตกต่างกัน จากนั้นวางแผ่นฟิล์มซ้อนกันและเลื่อนตำแหน่งให้ภาพบนแผ่นบนเลื่อนออกจากภาพบนแผ่นล่างเล็กน้อย จากนั้นซ้อนกันเพื่อสร้างภาพเดียว การรวมสอง “ส่วน” นี้เป็นภาพวาดเดียวสร้างงานที่คงอยู่ในโซนลึกลับของการเปลี่ยนแปลง ราวกับเป็นการเคลื่อนไหวที่ถูกจับไว้ในเวลา หลังจากจัดแสดงภาพวาดเหล่านี้พร้อมกับชุดงานที่ใช้ข้อความ ผมก็เริ่มทำงานในแนวทางที่ลดทอนลง โดยใช้แนวทางคอนกรีตในการสร้างภาพวาดและภาพร่าง ซึ่งยังคงอ้างอิงถึงความชั่วคราวในพื้นที่เมือง และการสนทนาเกี่ยวกับความทรงจำ/ประวัติศาสตร์ตามที่นักเขียนอย่าง Andreas Huyssen เสนอไว้

ในปี 2011 ผมเริ่มชุดงาน (de) Construction/(re) Construction ซึ่งสร้างขึ้นจากการบันทึกภาพถ่ายของพื้นที่ว่างระหว่าง เช่น ประตูและทางเดินของห้างสรรพสินค้า อาคารผู้โดยสารสนามบิน และพื้นที่สาธารณะอื่นๆ ผมสร้างภาพวาดเหล่านี้โดยใช้รูปทรงของแสงและเงาที่ตกกระทบใน “พื้นที่ขยะ” เหล่านี้ ซึ่งเป็นคำที่ Rem Koolhaas ตั้งขึ้นและเขียนถึง นี่คือสถานที่ที่ไม่มีที่ใดเป็นที่ที่เรามักใช้เวลาส่วนใหญ่ในการเดินทางจากจุด A ไปยังจุด B เช่นเดียวกับกลุ่มภาพวาดชุดก่อน ผมใช้กลยุทธ์เดียวกันในการวาดสองชั้นที่เหมือนกัน แต่ครั้งนี้เมื่อวางชั้นภาพซ้อนกัน ผมจะเลื่อนตำแหน่งให้ได้ตามต้องการก่อนจะเสร็จสิ้นภาพวาด โดยดึงและดันองค์ประกอบบางอย่างออกและกลับเข้าไป

ในการทำภาพวาดเหล่านี้ให้เสร็จ ผมติดตั้งภาพบนแผ่นอะคริลิกขาวทึบที่ตัดด้วยมือให้มีขนาดพอดีกับภาพแต่ละภาพ วิธีนี้ทำให้ผมสามารถแขวนผลงานบนผนังเหมือนภาพวาดทั่วไป หรือจะคิดถึงภาพวาดในเชิงประติมากรรมโดยแขวนแต่ละชิ้นบนขาตั้งของมันเอง การติดตั้งงานในลักษณะนี้สร้างความสัมพันธ์ทางกายภาพใหม่ระหว่างผลงาน พร้อมทั้งอ้างอิงสถาปัตยกรรมของหอศิลป์และเปลี่ยนเส้นสายตาแบบ “หนึ่งต่อหนึ่ง” ในการชมงาน จึงเปลี่ยนแปลงประสบการณ์ของผู้ชมต่อภาพวาด ผลงานของผมจึงมีความหมายและความสัมพันธ์ที่แตกต่างกันในลักษณะนี้ ผมสนใจในเรื่องการวางซ้อนเสมอ แต่ผมก็สนใจการใช้วัสดุหนึ่งเพื่ออ้างอิงถึงอีกวัสดุหนึ่ง ในกรณีนี้คือการติดตั้งภาพวาดเป็นประติมากรรม ภาพวาดบางชิ้นอาจดูเหมือนภาพร่าง และภาพถ่ายกับภาพร่างอาจดูเหมือนภาพวาด ทุกขั้นตอนในกระบวนการสร้างสรรค์ของผมแสดงออกอย่างชัดเจนในงานสุดท้าย ร่องรอยเหล่านั้นอ่านออกเสมอ สำหรับผม นั่นคือที่ที่เนื้อหาของงานอยู่ ในเมืองของเรา สถานการณ์นี้เกิดขึ้นเมื่อเราค้นหาหลักฐานและร่องรอยของอดีตที่ซ่อนอยู่ภายใต้ผิวเผินของปัจจุบัน

ผมใช้เวลาสองปีที่ผ่านมาในเบอร์ลิน สร้างภาพร่างที่เติบโตอย่างเป็นธรรมชาติต่างจากการใช้ภาพถ่ายอ้างอิงในอดีต ผมสนใจเป็นพิเศษในเรื่องการฟื้นฟูเมือง ภูมิประเทศ และ “ช่องว่าง” ของเมืองที่ยังคงร่องรอยของอดีต จากการวิจัยนี้ ผมสร้างกลุ่มภาพร่างที่เชื่อมโยงกันซึ่งเสริมความหมายซึ่งกันและกันเมื่อชมพร้อมกัน รวมถึงงานที่พิจารณาการฟื้นฟูสถาปัตยกรรมที่เกิดขึ้นในใจกลางเมือง

งานหนึ่งชิ้นใช้เวลานานเท่าไรโดยทั่วไป?

มันขึ้นอยู่กับหลายปัจจัย เมื่อผมอยู่ที่เบอร์ลิน ผมมักจะอยู่ในสตูดิโอหกวันต่อสัปดาห์ บอกเวลาที่แน่นอนในการทำงานชิ้นหนึ่งได้ยาก เพราะผมมักทำงานหลายชิ้นพร้อมกัน ในกระบวนการของผม ผมเริ่มด้วยสีที่บางมากแล้วค่อยๆ สร้างชั้นสีขึ้น หรือในกรณีของภาพร่าง ผมมักใช้เวลาสองสามสัปดาห์ในการทดสอบก่อนจะตัดสินใจวิธีการทำงานขั้นสุดท้าย โดยพื้นฐานแล้วกระบวนการของผมเป็นงานที่ใช้แรงงานและใช้เวลาช้า

อะไรคือสิ่งสำคัญในงานของคุณ?

วิธีปฏิบัติของผมนำผมไปสู่หลายเมือง ทั้งเพื่ออยู่อาศัยและเพื่อการวิจัย ทุกครั้งที่ผมย้ายที่อยู่ มันมีอิทธิพลและเปลี่ยนแปลงงานของผม สถานที่เหล่านี้เป็นตัวกระตุ้นวิธีคิดเกี่ยวกับการสร้างงานศิลปะและวิธีการดำเนินกระบวนการของผม วิธีคิดและการสร้างสรรค์ใหม่ๆ จะเกิดขึ้นเมื่อพฤติกรรมเดิมถูกทำลายและเปลี่ยนแปลง

คุณรู้ได้อย่างไรว่างานชิ้นหนึ่งเสร็จสมบูรณ์แล้ว?

ผมไม่ได้ทำงานในลักษณะที่คลุมเครือแบบนั้น มันชัดเจนสำหรับผมเสมอ ไม่เคยมีคำถามว่าผมต้องทำอะไรต่อไปเพื่อแก้ไขงาน คำถามที่ใหญ่ที่สุดสำหรับผมคือ ผมจะจัดวางแต่ละชิ้นในบริบทกับชิ้นอื่นในนิทรรศการอย่างไร และงานจะถูกติดตั้งอย่างไร คำถามเหล่านี้เป็นคำถามที่ยากที่สุดเมื่อผมพิจารณาว่างานของผมจะถูกอ่านอย่างไรและพื้นที่จัดแสดงจะมีผลต่อความเข้าใจนี้อย่างไร ในขณะที่ทำงานกับวัสดุที่เลือก การใส่กรอบก็เป็นเรื่องที่ต้องพิจารณา กรอบสามารถทำให้งานของผมดีขึ้นหรือเสียหายได้ ผมชอบทำงานกับช่างทำกรอบที่ผมไว้วางใจและสามารถให้คำแนะนำและไอเดียได้

การมีพื้นที่ทำงานศิลปะมีความหมายอย่างไรต่อกระบวนการของคุณ และคุณทำอย่างไรให้สตูดิโอของคุณเหมาะกับการทำงาน?

สตูดิโอของผมต้องเป็นพื้นที่ที่เงียบสงบและโดดเดี่ยว ผมยืดหยุ่นกับสถานที่ตั้ง แต่พื้นที่สตูดิโอกำหนดขอบเขตบางอย่าง โดยเฉพาะเรื่องขนาดและความใหญ่ของงานที่สามารถทำได้ ถ้าคุณมีพื้นที่เล็ก งานจะดูใหญ่กว่ามากในสตูดิโอของคุณเมื่อเทียบกับตอนที่แขวนในหอศิลป์ขนาดใหญ่

ตอนนี้คุณกำลังทำงานอะไรอยู่ หรือมีอะไรที่ตื่นเต้นที่จะเริ่มทำบ้างไหมที่คุณอยากเล่าให้ฟัง?

ตอนนี้ผมอยู่ที่ฮาลิแฟกซ์ ประเทศแคนาดา กำลังทำการวิจัยเกี่ยวกับงานศิลปะที่ใช้เส้นใยสำหรับชุดงานทอผ้าใหม่ ขณะที่อยู่ที่เบอร์ลิน ผมเริ่มสนใจที่จะเสริมวิธีปฏิบัติแบบดั้งเดิมของผมด้วยการผสมผสานสื่อใหม่ๆ — ผมยังคงวาดภาพอยู่ แต่ในวิธีที่แตกต่างออกไป

คุณจัดการกับโลกศิลปะอย่างไร?

ผมคิดว่าวิธีที่ดีที่สุดในการรับมือกับแรงกดดันคือการใช้เวลามากที่สุดในสตูดิโอและทำงานต่อไป มีความสงบใจบางอย่างในกระบวนการก้าวไปข้างหน้าในทางที่ท้าทายตัวเอง ผมอ่านบทความและสิ่งพิมพ์ศิลปะที่เน้นทฤษฎีวัฒนธรรมและการสืบสวน มากกว่าการรีวิวนิทรรศการหรือบทความเกี่ยวกับตลาดศิลปะ นอกจากนี้ยังช่วยได้มากที่มีชุมชนรอบตัวผม — ผมมีกลุ่มในเบอร์ลิน นิวยอร์ก และโตรอนโต ประกอบด้วยศิลปิน ภัณฑารักษ์ นักเขียน นักออกแบบ นักดนตรี และดีเจ ที่สนับสนุนงานของผมเหมือนที่ผมสนับสนุนงานของพวกเขา การสนทนาและการอยู่ร่วมกับพวกเขาช่วยผมอย่างมากในการรับมือกับแรงกดดันของการเป็นศิลปิน

คำแนะนำที่ดีที่สุดที่คุณได้รับเมื่อเริ่มเข้าสู่วงการศิลปะคืออะไร? และคุณมีคำแนะนำอะไรสำหรับศิลปินรุ่นใหม่ที่กำลังเริ่มต้น?

คำแนะนำที่ดีที่สุดที่ผมได้รับมาจากมาร์ธา รอสเลอร์ ที่บอกว่า “อย่าไว้ใจใครกับอาชีพของคุณ คุณต้องคอยดูว่าคุณถูกนำเสนออย่างไร และคนที่เป็นตัวแทนของคุณกำลังวางกรอบการสนทนาเกี่ยวกับงานของคุณอย่างไร”

คุณมีส่วนร่วมในนิทรรศการหรือกิจกรรมใดที่กำลังจะมาถึงบ้างไหม? ที่ไหนและเมื่อไร?

ผมจะเข้าร่วมนิทรรศการกลุ่มที่ Gallery Wenger ในซูริก ประเทศสวิตเซอร์แลนด์ ซึ่งจะเปิดในวันที่ 24 ตุลาคม 2015 ถึง 9 มกราคม ผมยังมีโครงการอื่นๆ อีกหลายโครงการที่อยู่ในขั้นตอนเริ่มต้นของการพัฒนา

ภาพเด่น: การติดตั้ง Memorial Day ที่ O’Born Contemporary, โตรอนโต 2012 - ด้วยความอนุเคราะห์จากศิลปิน