สัมภาษณ์กับจอห์น มอนทีธ
จอห์น มอนทีธเกิดเมื่อปี 1973 ที่นิวมาร์เก็ต รัฐออนแทรีโอ ประเทศแคนาดา และเป็นผู้สำเร็จการศึกษาจากหลักสูตร MFA ของ Parsons The New School for Design ในปี 2008 เขาได้เดินทางและอาศัยอยู่ทั่วโลกอย่างกว้างขวาง ซึ่งมีอิทธิพลและเปลี่ยนแปลงวิธีการผลิตงานของเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ผลงานที่ซับซ้อนและมีสีสันของเขาที่ทำจากขี้ผึ้งและสีบนฟิล์มร่างที่ซ้อนกันหลายชั้น รวมถึงการบันทึกภาพที่ซ้อนกันอย่างพิถีพิถัน ทำให้เขาเป็นศิลปินนามธรรมที่มีชื่อเสียงและเป็นที่ต้องการอย่างมาก
จอห์น มอนติธ ได้รับการนำเสนอในระดับนานาชาติและเป็นจุดสนใจของนิทรรศการเดี่ยวและกลุ่มหลายครั้ง เช่น: “At Night All Cats Are Grey” ที่ O’Born Contemporary, โตรอนโต, ออนแทรีโอ; “Not Yet Titled” ที่ Galerie Wenger, ซูริค, สวิตเซอร์แลนด์; และ “Vector Issue 5” ที่ Schau Fenster, Raum für Kunst, เบอร์ลิน, เยอรมนี. ผลงานของเขาเป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันถาวรที่ The New School, แมนฮัตตัน, นิวยอร์ก; BNY Melon, นิวยอร์ก; และ Morris and Associates ในลอนดอน, อังกฤษ. IdeelArt มีความยินดีที่ได้สัมภาษณ์ศิลปินเพื่อพูดคุยเกี่ยวกับกระบวนการทำงานและโครงการในอนาคตของเขา.
วัสดุและเทคนิคใดบ้างที่คุณใช้ในกระบวนการทำงานของคุณ? วิธีการของคุณเปลี่ยนแปลงไปอย่างไรตามกาลเวลา?
ในช่วงการฝึกฝนการวาดภาพก่อนหน้านี้ของฉัน ฉันใช้สีน้ำมันบนผ้าใบและทำงานในรูปแบบที่เป็นตัวแทน โดยสร้างภาพวาดขนาดใหญ่ที่มีรูปแบบมนุษย์ ตั้งแต่ปี 2005 เป็นต้นมา ฉันได้เปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญในแง่ของสื่อและเนื้อหา แนวทางของงานของฉันพัฒนาไปตามธรรมชาติพร้อมกับความคิดของฉัน ไม่เพียงแต่เกี่ยวกับพื้นที่ในเมือง แต่ยังรวมถึงความสัมพันธ์ส่วนตัวและหลายชั้นของความสัมพันธ์ ฉันมักจะหลงใหลในสิ่งที่ทำให้เห็นและสิ่งที่ซ่อนอยู่.
ในปี 2006 ฉันเริ่มทำงานกับฟิล์มวาดภาพ โดยใช้คุณสมบัติที่โปร่งใสในการซ้อนภาพเข้าด้วยกัน ขณะที่ยังคงทำงานในรูปแบบที่เป็นตัวแทน ฉันจะใช้สีอะคริลิกซึ่งถูกเจือจางเพื่อใช้ประโยชน์จากธรรมชาติที่โปร่งใสของมัน ฉันกำลังวาดสถาปัตยกรรมและศูนย์กลางเมือง สถานที่ที่ฉันเคยไปเยือนซึ่งมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์ และแม้กระทั่งซากของอุบัติเหตุรถยนต์เก่าที่ฉันเห็นในป่าในเกียวโต ประเทศญี่ปุ่น ซึ่งเกี่ยวข้องกับรถยนต์สองคันที่วิ่งออกจากถนนที่ชันเมื่อประมาณสิบห้าปีที่แล้ว สถานที่แต่ละแห่งเหล่านี้เคยเป็นหรือปัจจุบันเป็นสถานที่แห่งการแตกหัก ในการสร้างภาพวาดจากชุดนี้ ฉันจะวาดแต่ละภาพสองครั้งบนแผ่นฟิล์มวาดภาพสองแผ่นที่แตกต่างกัน จากนั้นวางแผ่นฟิล์มซ้อนกันและเลื่อนตำแหน่งให้ภาพด้านบนเล็กน้อยเบี่ยงเบนจากภาพด้านล่าง ซึ่งจะถูกซ้อนกันเพื่อสร้างภาพเดียว การรวม "ส่วน" สองส่วนนี้เข้าด้วยกันในภาพวาดเดียวสร้างงานที่คงอยู่ในโซนที่ลึกลับของการเปลี่ยนแปลง ในแง่หนึ่ง เป็นการเคลื่อนไหวที่ถูกจับอยู่ในเวลา หลังจากแสดงภาพวาดเหล่านี้ควบคู่กับชุดงานที่มีข้อความ ฉันเริ่มทำงานศิลปะในลักษณะที่ลดทอนมากขึ้น โดยใช้แนวทาง Concrete ในการสร้างภาพวาดและการวาดภาพของฉัน ซึ่งยังคงอ้างอิงถึงชั่วขณะในเขตเมือง และการสนทนาเกี่ยวกับความทรงจำ/ประวัติศาสตร์ตามที่นักเขียนเช่น Andreas Huyssen ได้เสนอไว้
ในปี 2011 ฉันเริ่มซีรีส์ (de) Construction/(re) Construction ซึ่งสร้างขึ้นจากการบันทึกภาพของพื้นที่ระหว่าง เช่น ประตูและทางเดิน ของห้างสรรพสินค้า เทอร์มินัลสนามบิน และพื้นที่สาธารณะอื่น ๆ ฉันทำภาพวาดเหล่านี้โดยใช้รูปทรงของแสงที่สะท้อนและเงาที่มีอยู่ใน "พื้นที่ขยะ" ซึ่งเป็นคำที่คิดค้นและเขียนโดย Rem Koolhaas นี่คือ "สถานที่ที่ไม่มีที่" ซึ่งเราส่วนใหญ่ใช้เวลาอยู่ในระหว่างการเดินทางจากจุด A ไปยังจุด B เช่นเดียวกับกลุ่มภาพวาดล่าสุดของฉัน ฉันใช้กลยุทธ์เดียวกันในการวาดสองชั้นที่เหมือนกัน แต่ในครั้งนี้เมื่อฉันวางชั้นเหล่านั้นเข้าด้วยกัน ฉันจะเลื่อนพวกมันไปยังตำแหน่งที่ต้องการก่อนที่จะเสร็จสิ้นภาพวาด โดยดึงออกและดันกลับบางองค์ประกอบ.
ในการทำภาพวาดเหล่านี้ ฉันได้ติดตั้งพวกมันบนอะคริลิกสีขาวทึบที่ตัดด้วยมือให้มีขนาดตามภาพวาดแต่ละชิ้น สิ่งนี้ทำให้ฉันสามารถแขวนชิ้นงานบนผนังได้เหมือนกับภาพวาดแบบดั้งเดิม แต่ในทางกลับกันก็สามารถคิดถึงภาพวาดในเชิงประติมากรรมโดยการแขวนแต่ละชิ้นบนขาตั้งของมัน การติดตั้งงานในลักษณะนี้สร้างความสัมพันธ์ทางกายภาพใหม่ระหว่างงานในขณะที่อ้างอิงถึงสถาปัตยกรรมของแกลเลอรีและเปลี่ยนแปลงเส้นสายตา "หนึ่งต่อหนึ่ง" ของการชม ทำให้เปลี่ยนแปลงธรรมชาติของประสบการณ์ของผู้ชมต่อภาพวาด งานของฉันมีการเชื่อมโยงที่แตกต่างกันในลักษณะนี้ ฉันสนใจในเรื่องของการซ้อนทับเสมอ แต่ฉันก็สนใจในการใช้วัสดุหนึ่งเพื่ออ้างอิงถึงอีกวัสดุหนึ่ง ในกรณีนี้คือภาพวาดของฉันที่ติดตั้งเป็นประติมากรรม ภาพวาดที่แตกต่างกันอาจดูเหมือนการวาดภาพ และภาพถ่ายและการวาดภาพอาจดูเหมือนภาพวาด ทุกขั้นตอนในกระบวนการสร้างสรรค์ของฉันแสดงออกมาในงานสุดท้าย; ร่องรอยเหล่านั้นมักจะอ่านออก สำหรับฉัน นี่คือที่ที่เนื้อหานั้นอยู่ ในเมืองของเรา สถานการณ์นี้เกิดขึ้นเมื่อเรามองหาหลักฐานและร่องรอยของอดีตที่ซ่อนอยู่ภายในผิวเผินของปัจจุบัน.
ฉันใช้เวลาสองปีที่ผ่านมาในเบอร์ลิน สร้างภาพวาดที่เติบโตขึ้นอย่างเป็นธรรมชาติ แทนที่จะใช้การอ้างอิงจากภาพถ่ายเหมือนในอดีต ฉันมองไปที่การฟื้นฟูเมือง รูปแบบภูมิประเทศ และ "ช่องว่าง" ของเมืองที่ยังคงมีร่องรอยของอดีต จากการวิจัยนี้ ฉันได้สร้างกลุ่มภาพวาดที่เชื่อมโยงกันซึ่งให้ข้อมูลแก่กันเมื่อมองในภาพรวม รวมถึงงานที่พิจารณาการฟื้นฟูสถาปัตยกรรมที่เกิดขึ้นในใจกลางเมืองด้วย
งานหนึ่งมักใช้เวลานานแค่ไหน?
มันขึ้นอยู่กับสถานการณ์จริง ๆ เมื่อฉันอยู่ในเบอร์ลิน ฉันมักจะอยู่ในสตูดิโอหกวันต่อสัปดาห์ มันยากที่จะบอกว่างานจะใช้เวลานานแค่ไหน เพราะฉันมักจะทำงานหลายชิ้นพร้อมกัน ในกระบวนการของฉัน ฉันเริ่มต้นด้วยสีที่บางมากและค่อย ๆ สร้างมันขึ้นมา หรือในกรณีของการวาดภาพ ฉันมักจะใช้เวลาสองสามสัปดาห์ในการทำการทดสอบก่อนที่จะตัดสินใจวิธีการทำงาน โดยพื้นฐานแล้วกระบวนการของฉันเป็นกระบวนการที่ใช้แรงงานอย่างช้า ๆ
สิ่งใดที่เป็นส่วนสำคัญต่อการทำงานของคุณ?
"การฝึกฝนของฉันพาฉันไปยังหลายเมือง ทั้งเพื่ออยู่อาศัยและเพื่อการวิจัย ทุกครั้งที่ฉันย้ายที่อยู่ มันมีอิทธิพลและเปลี่ยนแปลงงานของฉัน สถานที่เหล่านี้เป็นตัวเร่งปฏิกิริยาต่อวิธีที่ฉันคิดเกี่ยวกับการสร้างสรรค์ศิลปะและวิธีที่ฉันดำเนินกระบวนการของฉัน วิธีการใหม่ในการคิดและสร้างสรรค์เกิดขึ้นเมื่อพฤติกรรมเก่า ๆ ถูกทำลายและสั่นคลอน."
คุณจะรู้ได้อย่างไรว่างานเสร็จสมบูรณ์แล้ว?
"ฉันไม่ได้ทำงานในลักษณะที่คลุมเครือขนาดนั้น; มันชัดเจนสำหรับฉันเสมอ ไม่มีคำถามเกี่ยวกับสิ่งที่ฉันต้องทำถัดไปเพื่อแก้ไขงาน สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับฉันคือฉันจะวางแต่ละชิ้นในบริบทที่สัมพันธ์กับชิ้นอื่นในนิทรรศการได้อย่างไร และงานจะถูกติดตั้งอย่างไร? นี่คือคำถามที่ยากที่สุดเสมอเมื่อฉันพิจารณาว่างานของฉันจะถูกอ่านอย่างไรและพื้นที่จัดแสดงจะมีอิทธิพลต่อความสามารถในการอ่านนี้อย่างไร ในขณะที่ทำงานกับวัสดุที่ฉันเลือก การจัดกรอบก็เป็นสิ่งที่ต้องพิจารณา การจัดกรอบสามารถทำให้งานของฉันดีขึ้นหรือแย่ลงได้ ฉันชอบทำงานกับผู้จัดกรอบที่ฉันไว้วางใจซึ่งสามารถเสนอความคิดเห็นและแนวคิดของพวกเขาได้."
การมีพื้นที่ทางกายภาพในการสร้างสรรค์งานศิลปะหมายถึงอะไรสำหรับกระบวนการของคุณ และคุณทำให้พื้นที่สตูดิโอของคุณทำงานเพื่อคุณได้อย่างไร?
สตูดิโอของฉันต้องเป็นพื้นที่ที่เงียบสงบและโดดเดี่ยว ฉันยืดหยุ่นกับสถานที่ แต่พื้นที่สตูดิโอก็มีข้อกำหนดบางอย่าง โดยเฉพาะในแง่ของขนาดและความใหญ่ที่สามารถทำงานได้ หากคุณมีพื้นที่เล็ก งานจะดูใหญ่กว่ามากในสตูดิโอของคุณเมื่อเทียบกับเมื่อมันแขวนอยู่บนผนังของแกลเลอรีขนาดใหญ่.
คุณกำลังทำงานอะไรอยู่หรือเปล่า หรือมีอะไรที่คุณตื่นเต้นที่จะเริ่มทำที่คุณสามารถบอกฉันได้ไหม?
ขณะนี้ฉันอยู่ที่ฮาลิแฟกซ์ ประเทศแคนาดา กำลังทำการวิจัยเกี่ยวกับการสร้างสรรค์ศิลปะที่ใช้เส้นใยสำหรับผลงานใหม่ที่ทอด้วยกี่ ในระหว่างที่อยู่ที่เบอร์ลิน ฉันเริ่มสนใจในการเสริมสร้างการปฏิบัติแบบดั้งเดิมของฉันและรวมสื่อใหม่เข้ามา—ฉันยังคงจะวาดภาพ แต่จะทำในวิธีที่แตกต่างออกไป.
คุณจะนำทางในโลกศิลปะได้อย่างไร?
ฉันคิดว่าวิธีที่ดีที่สุดในการจัดการกับแรงกดดันคือการใช้เวลาในสตูดิโอให้มากที่สุดเท่าที่จะทำได้และทำงานต่อไป มีความสงบในกระบวนการก้าวไปข้างหน้าในวิธีที่ท้าทายสำหรับคุณ ฉันอ่านข้อความและสิ่งพิมพ์ศิลปะต่างๆ ที่มุ่งเน้นไปที่ทฤษฎีวัฒนธรรมและการสำรวจมากกว่าการรีวิวการแสดงหรือบทความที่มุ่งเน้นไปที่ตลาดศิลปะ นอกจากนี้ยังช่วยให้มีชุมชนรอบตัวฉัน—ฉันมีกลุ่มในเบอร์ลิน นิวยอร์ก และโตรอนโต—ที่ประกอบด้วยศิลปิน ผู้ดูแล นักเขียน นักออกแบบ นักดนตรี และดีเจที่สนับสนุนงานของฉันในขณะที่ฉันสนับสนุนงานของพวกเขา การมีส่วนร่วมในการสนทนาและแค่การอยู่ร่วมกับพวกเขาช่วยฉันได้มากในการรับมือกับแรงกดดันในการเป็นศิลปิน.
คำแนะนำที่ดีที่สุดที่คุณได้รับเมื่อคุณเริ่มเข้าสู่วงการศิลปะคืออะไร? คุณมีคำแนะนำอะไรสำหรับศิลปินรุ่นใหม่ที่กำลังเติบโต?
คำแนะนำที่ดีที่สุดที่ฉันได้รับคือจากมาร์ธา รอสเลอร์ที่กล่าวว่า "อย่าไว้วางใจใครก็ตามในอาชีพของคุณ คุณต้องคอยจับตาดูว่าคุณถูกนำเสนออย่างไร และคนที่นำเสนอคุณกำลังจัดกรอบการสนทนาเกี่ยวกับงานของคุณอย่างไร"
คุณมีส่วนร่วมในงานแสดงหรือกิจกรรมที่จะเกิดขึ้นไหม? ที่ไหนและเมื่อไหร่?
ฉันจะเป็นส่วนหนึ่งของการแสดงกลุ่มที่ Gallery Wenger ในซูริค ประเทศสวิตเซอร์แลนด์ ซึ่งจะเปิดในวันที่ 24 ตุลาคม 2015 ถึง 9 มกราคม ฉันมีโปรเจกต์อื่น ๆ อีกไม่กี่โปรเจกต์ที่อยู่ในระยะเริ่มต้นของการพัฒนา.
ภาพเด่น: การติดตั้งวันทหารผ่านศึก O’Born Contemporary, Toronto 2012 - ขอบคุณศิลปิน
