องค์ประกอบของนามธรรม - เอลิซาเบธ กูร์เลย์ ในการสัมภาษณ์

Elizabeth Gourlay มองว่างานของเธอเป็นการทำสมาธิในรูปทรงและสีสัน บางครั้งเปรียบเทียบการทำงานในสตูดิโอของเธอกับกระบวนการในการแต่งเพลง โดยใช้ส่วนผสมของสื่อที่หลากหลายตั้งแต่น้ำมันไปจนถึงกราไฟต์และคอลลาจ Gourlay สร้างสรรค์องค์ประกอบนามธรรมที่อ้างอิงถึงศัพท์ทางสุนทรียศาสตร์ที่มีความสมดุลอย่างล้ำลึกระหว่างธรรมชาติและเรขาคณิต เธอเป็นผู้อยู่อาศัยในเชสเตอร์ รัฐคอนเนตทิคัต และมีผลงานในนิทรรศการกลุ่มสี่งานในเดือนนี้ที่นิวยอร์ก คอนเนตทิคัต และแมสซาชูเซตส์ IdeelArt มีโอกาสได้พูดคุยกับเธอเกี่ยวกับการทำงานของเธอ ปฏิทินนิทรรศการ และผลงานชุดใหม่ของเธอ.

สัมภาษณ์เอลิซาเบธ กูร์เลย์ - นิทรรศการและกิจกรรมล่าสุด

IdeelArt: คุณมีเดือนที่ยุ่งมาก! เดือนนี้คุณมีการแสดงกลุ่มสี่ครั้งในสี่เมืองที่แตกต่างกัน เมื่อคุณอยู่ในช่วงเวลานี้ ซึ่งผู้ชมหลายคนมีโอกาสได้พบกับผลงานของคุณ คุณยังคงหาเวลาเพื่อทำงานในสตูดิโออยู่หรือคุณชอบที่จะอยู่ในแกลเลอรีเพื่อมีปฏิสัมพันธ์กับผู้ชมเหล่านั้นและซึมซับปฏิกิริยาของพวกเขาต่อผลงานของคุณ?

เอลิซาเบธ กูร์เลย์: นี่เป็นครั้งแรกที่ฉันมีความเคลื่อนไหวมากมายในเวลาเดียวกัน มันน่าตื่นเต้น แต่ฉันคุ้นเคยกับการให้ความสนใจอย่างเต็มที่กับการแสดงแต่ละรายการ ตอนนี้ฉันต้องพลาดการเปิดงานหนึ่งเพื่อไปงานอีกงาน แต่เมื่อผลงานศิลปะถูกส่งมอบ เวลาเริ่มเป็นของฉันเอง ขณะที่ฉันตื่นเต้นมากที่จะได้เข้าไปในสตูดิโอ หลังจากช่วงเวลาสั้น ๆ ของกิจกรรมที่ทำให้ฉันห่างหายไป ฉันก็ยังสนุกกับการมีปฏิสัมพันธ์ที่เกิดขึ้นในแกลเลอรี การพูดคุยกับศิลปินและเพื่อน ๆ ในระหว่างการเปิดงานและกิจกรรมอื่น ๆ ในแกลเลอรี ศิลปะนามธรรมเป็นภาษา และการพูดคุยกับผู้ชม โดยเฉพาะศิลปินและเพื่อน ๆ ในระหว่างกิจกรรม ช่วยสร้างความรู้สึกของความยืดหยุ่นในรูปแบบใหม่ที่เรากำลังค้นพบ.

IA: คุณมีการแสดงในเดือนนี้ในสถานที่ที่สวยงามและชนบท เช่น The Tremaine Gallery ใน Lakeville, CT รวมถึงในศูนย์กลางเมืองที่มีประชากรหนาแน่น เช่น 1285 Avenue of the Americas Gallery ใน Midtown Manhattan ผู้ชมในสภาพแวดล้อมที่แตกต่างกันอย่างมากมีปฏิกิริยาต่อผลงานของคุณแตกต่างกันอย่างไร?

เช่น ในทั้งสองกรณี ผู้ชมมีความซับซ้อนทางสายตาและดูเหมือนจะมีส่วนร่วมและมีทัศนคติที่ดี ในเมืองนิวยอร์ก พวกเขาดูเหมือนจะพูดคุยกันมากกว่า ถามคำถามและแสดงความคิดเห็นได้ง่ายขึ้น ฉันคิดว่าผู้ชมในนิวยอร์กมักจะเข้าใกล้ผลงานมากขึ้น!

IA: การสนทนาหรือการมีปฏิสัมพันธ์กับผู้ชมในรูปแบบอื่น ๆ ได้ส่งผลต่อทิศทางของการปฏิบัติของคุณอย่างไร?

เช่น "ฉันพยายามไม่ให้ตัวเองถูกอิทธิพลจากปฏิกิริยาของผู้ชม แต่แน่นอนว่า ถ้าการตอบสนองเป็นบวกต่อทิศทางใหม่ที่ฉันตื่นเต้นในงานนั้น มันก็มีแนวโน้มที่จะมีอิทธิพลให้ฉันดำเนินการสำรวจเส้นทางนั้นต่อไป มันน่าสนใจเสมอที่จะได้สัมผัสกับความแตกต่างของความคิดเห็นและทำไมผู้คนถึงถูกดึงดูดไปยังงานที่แตกต่างกัน."

เอลิซาเบธ กูร์เลย์ - แทนทารา 1, 2013. โมโนไทป์บนกระดาษ. 40.6 x 38.1 ซม.

อดีตและปัจจุบัน

IA: งานที่คุณทำในวันนี้แตกต่างจากงานที่คุณเคยทำในอดีตอย่างไร? 

เช่น งานของฉัน ตั้งแต่ประมาณปี 1994 มักจะเป็นแบบกริดและในรูปแบบสี่เหลี่ยม มันถูกสร้างขึ้นจากชั้นของการล้างสีและเส้นที่วาดขึ้น ประมาณปี 2005 ฉันเริ่มเล่นกับรูปทรงเรขาคณิตที่กล้าหาญและสีที่เข้มข้นมากขึ้น ตั้งแต่นั้นมา ฉันได้กลับไปกลับมาระหว่างรูปทรงและสีที่กล้าหาญและแข็งแกร่ง กับงานที่ละเอียดอ่อนและจางลง บางครั้งก็รวมกันทั้งสองอย่าง ผลงานมักเริ่มต้นในลักษณะคล้ายกัน แต่สามารถจบลงได้แตกต่างกันมากที่สุด การเปลี่ยนแปลงที่ใหญ่ที่สุดคือเสรีภาพที่ฉันอนุญาตให้ตัวเองในกระบวนการสร้างสรรค์.

IA: คุณบางครั้งอ้างถึงการทำสมาธิเมื่อพูดถึงงานของคุณ คุณสามารถอธิบายเพิ่มเติมเกี่ยวกับความหมายของคำนั้นในความสัมพันธ์กับศิลปะของคุณได้ไหม? ตัวอย่างเช่น คุณถือว่ากระบวนการสร้างสรรค์งานเป็นการทำสมาธิหรือไม่? คุณถือว่าสินค้าสำเร็จรูปเป็นสื่อกลางที่อาจทำให้ผู้ชมเกิดการทำสมาธิได้หรือไม่? 

เช่น ฉันถือว่ากระบวนการนี้เป็นการทำสมาธิ ฉันพยายามไม่พกพาความคิดมากเกินไปเข้ามาในสตูดิโอ บางทีอาจจะเป็นแนวคิดเกี่ยวกับสีหรือรูปร่าง เมื่อฉันเริ่มทำงาน ฉันปล่อยให้ตาในใจ จิตใต้สำนึก ตอบสนองต่อผลงานและนำฉันไปจับองค์ประกอบทางจิตที่หลบซ่อนซึ่งอาจจะอยู่ห่างไกลและในขณะเดียวกันก็มีอยู่จริง โดยปกติแล้วผลงานที่ดีที่สุดของฉันเกิดขึ้นเมื่อความคิดของฉันไม่ยุ่งเหยิง เมื่อฉันอยู่ในจังหวะกับผลงาน ไม่ว่าจะเป็นการวาดโดยตรงหรือเมื่อชั้นสีซ้อนกัน ฉันสนุกกับประสบการณ์ในการปล่อยให้ชิ้นงานปรากฏขึ้น ฉันไม่สามารถพูดได้ดีกว่าที่พอล คลี กล่าวไว้ว่า: “มือของฉันเป็นเครื่องมือของสสารที่ห่างไกลมากขึ้น” ฉันไม่ได้ทำงานด้วยเจตนาที่จะสร้างสิ่งใดเพื่อประสบการณ์ของผู้อื่น แต่ฉันเปิดรับปฏิกิริยาและการตีความของพวกเขา ฉันมีคนที่อาศัยอยู่กับผลงานมักจะบอกว่าการมองดูผลงานทำให้พวกเขารู้สึกสงบ มีความสุขที่เงียบสงบ หรือว่าชิ้นงานนั้นทำให้รู้สึกมั่นคง ดังนั้นฉันมั่นใจว่าการพิจารณาชิ้นงานที่เสร็จสมบูรณ์ว่าเป็นสื่อกลางในการทำสมาธิเป็นสิ่งที่ถูกต้องมาก แต่ฉันจะปล่อยให้ผู้ที่อาศัยอยู่กับชิ้นงานและผู้เชี่ยวชาญด้านจิตใจและการทำสมาธิทำการประเมินที่ดีที่สุด หากสัญลักษณ์หรือสื่อกลางในการทำสมาธิคือวัตถุที่ให้ความสุขที่สงบ หรือความสงบที่ทำให้มั่นคง แล้วใช่ ฉันมักจะถูกบอกว่าชิ้นงานของฉันมีผลเช่นนั้น

เอลิซาเบธ กูร์เลย์ - คิธา 4, 2014. โมโนไทป์บนกระดาษ. 38.1 x 40.6 ซม.

เกี่ยวกับกระบวนการ

IA: วาซิลี คันดินสกี้ เขียนเกี่ยวกับดนตรีและความสามารถในการสื่อสารอารมณ์ในระดับนามธรรม คุณยังเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและผลงานของคุณ การเชื่อมโยงหนึ่งที่คุณทำคือ พจนานุกรมภาพของคุณที่ประกอบด้วยเส้นและสีอาจถูกตีความว่าอ้างอิงถึงสเกลดนตรี วิธีอื่น ๆ ที่กระบวนการหรือผลงานศิลปะของคุณมีความคล้ายคลึงกับการประพันธ์ดนตรีคืออะไร?

เช่น: ฉันไม่ได้คิดเกี่ยวกับดนตรีหรือการประพันธ์ดนตรีอย่างมีสติ แต่จำนวนคนที่เชื่อมโยงกับดนตรีนั้นมีมากมาย จึงต้องมีอะไรบางอย่างในอุปมานี้ ฉันฟังดนตรีบ่อยๆ เมื่อทำงาน และฉันเรียนเล่นเปียโนตั้งแต่เด็ก ดังนั้นสิ่งนี้อาจมีอิทธิพลต่อผลงาน ฉันกำลัง “ประพันธ์” ในลักษณะที่อาจดูคล้ายกับการประพันธ์ดนตรี โดยเฉพาะในกระบวนการเล่นกับบาร์ เส้น และบล็อกสี การเลื่อนพวกมันไปรอบๆ พื้นที่ภาพนั้นคล้ายกับการมีโน้ตและคอร์ดในตำแหน่งต่างๆ รอบๆ โน้ตเพลง 

IA: พูดคุยเกี่ยวกับกระบวนการของคุณสักเล็กน้อย โดยเฉพาะความสัมพันธ์ที่คุณมีต่อการทำคอลลาจ ตัวอย่างเช่น วิธีการที่การซ้อนกระดาษในงานของคุณมีผลต่อคุณแตกต่างจากกระบวนการการวาดภาพอย่างไร? 

เช่น: บ่อยครั้ง กระบวนการวาดภาพของฉัน ไม่ว่าจะเป็นบนกระดาษหรือผ้าใบ จะเป็นไปอย่างตรงไปตรงมา โดยทั่วไปแล้ว ฉันเริ่มต้นด้วยการวาดเส้น ตามด้วยการทาสี และตามด้วยการสร้างรูปทรง ฉันพยายามทำให้ตัวเองประหลาดใจด้วยรูปทรงที่แข็งแกร่งและไม่คาดคิด หรือสีที่แตกต่างจากพาเลตปกติของฉัน ฉันเคลื่อนย้ายสิ่งเหล่านี้ไปรอบๆ พยายามหาสมดุลระหว่างสีและรูปทรง ขั้นตอนนี้รู้สึกเหมือนการเต้นรำที่ดำเนินต่อไป ซึ่งรูปแบบจะค่อยๆ แทรกเข้ามาในช่วงหนึ่ง และฉันก็ผลักดันกลับไปต่อต้านมัน การตัดสินใจว่าจะรวมการแทรกที่โดดเด่นที่เกิดขึ้นหรือไม่ เป็นลักษณะของพลศาสตร์ที่สามารถทำให้ฉันมีส่วนร่วมกับชิ้นงานได้นานหลายสัปดาห์ ชิ้นงานคอลลาจเริ่มต้นด้วยการเล่นกับสี การทำให้ขอบมีสีด้วยหมึกและการวาดเส้นลงบนกระดาษญี่ปุ่น จากนั้นจึงตัดเป็นเส้น ฉันนำสิ่งเหล่านี้มาคอลลาจลงบนผืนผ้าใบหรือผ้าใบอย่างระมัดระวัง แต่ไม่มีการจัดองค์ประกอบหรือโครงสร้างที่คิดไว้ล่วงหน้า เมื่อชิ้นงานพัฒนาขึ้น ฉันเริ่มวิเคราะห์เพื่อให้สามารถนำผู้แก้ไขกลับเข้ามาในห้อง ปรับสีหรือรูปทรงจนกว่าชิ้นงานจะรู้สึกถูกต้อง.   

ภาพเด่น: เอลิซาเบธ กูร์เลย์ ในสตูดิโอ