องค์ประกอบของนามธรรม - เอลิซาเบธ กูร์เลย์ ในการสัมภาษณ์

Elizabeth Gourlay มองผลงานของเธอว่าเป็นการใคร่ครวญถึงรูปทรงและสีสัน โดยบางครั้งเปรียบเทียบการทำงานในสตูดิโอของเธอกับกระบวนการประพันธ์ดนตรี ด้วยการใช้สื่อผสมตั้งแต่สีน้ำมันไปจนถึงกราไฟต์และคอลลาจ Gourlay สร้างสรรค์องค์ประกอบนามธรรมที่อ้างอิงคลังคำศัพท์ทางสุนทรียศาสตร์ซึ่งถ่วงดุลอย่างงดงามระหว่างธรรมชาติและเรขาคณิต Gourlay อาศัยอยู่ที่เมืองเชสเตอร์ รัฐคอนเนตทิคัต และมีผลงานจัดแสดงในนิทรรศการกลุ่มสี่งานในเดือนนี้ที่นิวยอร์ก คอนเนตทิคัต และแมสซาชูเซตส์ IdeelArt มีโอกาสพูดคุยกับเธอเกี่ยวกับแนวทางการทำงาน ปฏิทินนิทรรศการ และผลงานชุดใหม่ของเธอ

บทสัมภาษณ์ Elizabeth Gourlay - นิทรรศการและกิจกรรมล่าสุด

IdeelArt: เดือนนี้คุณงานยุ่งมาก! คุณมีผลงานอยู่ในนิทรรศการกลุ่มสี่งานในสี่เมืองที่แตกต่างกัน เมื่อพบว่าตัวเองอยู่ในช่วงเวลาเช่นนี้ ซึ่งผู้ชมจำนวนมากมีโอกาสได้พบเห็นผลงานของคุณ คุณยังหาเวลาทำงานในสตูดิโออย่างต่อเนื่องหรือชอบอยู่ตามแกลเลอรีเพื่อพูดคุยกับผู้ชมเหล่านั้นและซึมซับปฏิกิริยาที่มีต่อผลงานของคุณมากกว่า?

Elizabeth Gourlay: นี่เป็นครั้งแรกที่ฉันมีกิจกรรมมากมายเกิดขึ้นพร้อมกันขนาดนี้ มันน่าตื่นเต้น แต่ฉันคุ้นเคยกับการทุ่มเทความสนใจทั้งหมดให้กับนิทรรศการเดี่ยวแต่ละงานมาก จนตอนนี้ต้องพลาดงานเปิดตัวงานหนึ่งเพื่อไปร่วมอีกงานหนึ่ง แต่เมื่อส่งมอบผลงานแล้ว เวลาก็กลับมาเป็นของฉันเอง แม้ฉันจะกระตือรือร้นอย่างมากที่จะเข้าไปในสตูดิโอหลังจากห่างออกมาแม้เพียงช่วงสั้นๆ แต่ฉันก็ชอบปฏิสัมพันธ์ที่เกิดขึ้นในแกลเลอรีเช่นกัน การได้พูดคุยกับศิลปินและเพื่อนๆ ระหว่างงานเปิดตัวและกิจกรรมอื่นๆ ของแกลเลอรี ศิลปะนามธรรมคือภาษา และการพูดคุยกับผู้ชม โดยเฉพาะศิลปินและเพื่อนๆ ในงานต่างๆ ช่วยสร้างความรู้สึกแข็งแกร่งมั่นคงให้กับการแสดงออกใหม่ๆ ที่เรากำลังค้นพบ

IA: เดือนนี้คุณมีนิทรรศการในสถานที่ชนบทอันงดงาม เช่น The Tremaine Gallery ในเลกวิลล์ รัฐคอนเนตทิคัต รวมถึงในศูนย์กลางเมืองที่มีประชากรหนาแน่น เช่น 1285 Avenue of the Americas Gallery ในมิดทาวน์แมนฮัตตัน ผู้ชมในสภาพแวดล้อมที่แตกต่างกันอย่างมากมีปฏิกิริยาต่อผลงานของคุณแตกต่างกันอย่างไรบ้าง?

E.G. ในทั้งสองกรณี ผู้ชมมีความเข้าใจด้านทัศนศิลป์เป็นอย่างดี และดูมีส่วนร่วมกับผลงานในทางบวก ในนครนิวยอร์ก โดยทั่วไปพวกเขาดูจะพูดแสดงความคิดเห็นมากกว่า ทั้งถามคำถามและแสดงความเห็นได้อย่างเปิดเผยกว่า ฉันคิดว่าผู้ชมในนิวยอร์กมักจะเข้าไปดูผลงานใกล้ๆ มากกว่า!

IA: การสนทนาหรือปฏิสัมพันธ์รูปแบบอื่นๆ กับผู้ชมส่งผลต่อทิศทางการทำงานของคุณอย่างไรบ้าง?

E.G. ฉันพยายามไม่ให้ปฏิกิริยาของผู้ชมมีอิทธิพลต่อฉัน แม้หลีกเลี่ยงไม่ได้ว่า หากการตอบรับต่อทิศทางใหม่ที่ฉันกำลังตื่นเต้นกับผลงานเป็นไปในทางบวก ก็มีแนวโน้มที่จะทำให้ฉันสำรวจเส้นทางนั้นต่อไป การได้สัมผัสความเห็นที่แตกต่างกัน รวมถึงการได้เห็นว่าผู้คนถูกดึงดูดไปยังผลงานต่างๆ ด้วยเหตุใด เป็นเรื่องน่าสนใจเสมอ

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. ภาพพิมพ์โมโนไทป์บนกระดาษ ขนาด 40.6 x 38.1 ซม.

อดีตและปัจจุบัน

IA: ผลงานที่คุณกำลังสร้างในวันนี้แตกต่างจากผลงานที่คุณเคยสร้างในอดีตอย่างไร? 

E.G. ผลงานของฉันตั้งแต่ราวปี 1994 มักอาศัยโครงตารางและอยู่ในรูปแบบสี่เหลี่ยมจัตุรัส โดยสร้างขึ้นจากชั้นของสีโปร่งบางและเส้นที่วาดขึ้น ราวปี 2005 ฉันเริ่มทดลองกับรูปทรงเรขาคณิตที่โดดเด่นยิ่งขึ้นและสีที่อิ่มตัวมากขึ้น ตั้งแต่นั้นมา ฉันก็สลับไปมาระหว่างรูปทรงและสีที่จัดจ้านหนักแน่น กับผลงานที่ละเอียดอ่อนและหม่นนุ่มกว่า โดยบางครั้งผสมผสานทั้งสองแบบเข้าด้วยกัน ผลงานมักเริ่มต้นในลักษณะคล้ายกัน แต่จบลงอย่างแตกต่างกันได้มาก การเปลี่ยนแปลงที่ใหญ่ที่สุดน่าจะเป็นอิสระที่ฉันอนุญาตให้ตัวเองมีในกระบวนการสร้างสรรค์

IA: บางครั้งคุณกล่าวถึงการทำสมาธิเมื่อพูดถึงผลงานของคุณ คุณช่วยขยายความได้ไหมว่าคำนี้มีความหมายอย่างไรเมื่อสัมพันธ์กับศิลปะของคุณ ตัวอย่างเช่น คุณมองว่ากระบวนการสร้างผลงานเป็นการทำสมาธิหรือไม่? คุณมองว่าผลงานที่เสร็จแล้วอาจเป็นสื่อกลางเชิงสมาธิสำหรับผู้ชมหรือไม่? 

E.G. ฉันมองว่ากระบวนการนี้เป็นการทำสมาธิ ฉันพยายามไม่นำความคิดมากมายเข้ามาในสตูดิโอ อาจเป็นเพียงแนวคิดเรื่องสีหรือรูปทรง เมื่อเริ่มทำงาน ฉันปล่อยให้ดวงตาภายในและจิตไร้สำนึกตอบสนองต่อผลงาน และนำทางฉันไปสู่การจับองค์ประกอบทางจิตใจอันลึกลับ ซึ่งอาจอยู่ห่างไกลแต่กลับปรากฏอยู่อย่างชัดเจน โดยปกติ ผลงานที่ดีที่สุดของฉันเกิดขึ้นเมื่อความคิดไม่ถูกรบกวน เมื่อฉันสอดคล้องเป็นหนึ่งเดียวกับผลงาน ไม่ว่าจะวาดโดยตรงหรือสร้างชั้นของสีโปร่งบาง ฉันเพลิดเพลินกับประสบการณ์การปล่อยให้ผลงานค่อยๆ ปรากฏขึ้น ฉันคงอธิบายได้ไม่ดีไปกว่า Paul Klee ผู้กล่าวว่า: “มือของฉันเป็นเครื่องมือของห้วงทรงกลมอันห่างไกลโดยสิ้นเชิง” ฉันไม่ได้ทำงานโดยตั้งใจจะสร้างบางสิ่งเพื่อประสบการณ์ของผู้อื่น แต่ฉันเปิดรับปฏิกิริยาและการตีความของพวกเขา ฉันเคยได้ยินผู้คนที่ใช้ชีวิตอยู่กับผลงานพูดบ่อยๆ ว่าการมองผลงานทำให้พวกเขารู้สึกสงบ มีความสุขอย่างผ่อนคลาย หรือทำให้รู้สึกมั่นคง ดังนั้นฉันจึงมั่นใจว่าการมองผลงานที่เสร็จแล้วเป็นสื่อกลางเชิงสมาธินั้นมีเหตุผลอย่างยิ่ง แต่ฉันจะปล่อยให้ผู้ที่อยู่ร่วมกับผลงานเหล่านั้นและผู้เชี่ยวชาญด้านจิตใจและการทำสมาธิเป็นผู้ประเมินได้ดีที่สุด หากไอคอนหรือสื่อกลางเชิงสมาธิคือวัตถุที่มอบความสุขสงบ หรือความสงบที่ทำให้รู้สึกมั่นคง เช่นนั้นก็ใช่ ฉันมักได้รับคำบอกเล่าว่าผลงานของฉันส่งผลเช่นนั้น

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. ภาพพิมพ์โมโนไทป์บนกระดาษ ขนาด 38.1 x 40.6 ซม.

เกี่ยวกับกระบวนการ

IA: Wassily Kandinsky เขียนถึงดนตรีและความสามารถในการสื่อสารอารมณ์ในระดับนามธรรม คุณเองก็เชื่อมโยงดนตรีเข้ากับผลงานของคุณ หนึ่งในความเชื่อมโยงที่คุณพูดถึงคือ คำศัพท์ทางทัศนศิลป์ของคุณที่ประกอบด้วยเส้นและสีอาจตีความได้ว่าอ้างอิงถึงบันไดเสียงดนตรี ยังมีวิธีอื่นใดอีกบ้างที่กระบวนการหรือผลงานศิลปะของคุณมีลักษณะร่วมกับการประพันธ์ดนตรี?      

EG: ฉันไม่ได้คิดถึงดนตรีหรือการประพันธ์ดนตรีอย่างมีสติ แต่จำนวนคนที่เชื่อมโยงผลงานของฉันเข้ากับดนตรีมีมากเสียจนต้องมีบางอย่างอยู่ในอุปมานี้ ฉันฟังดนตรีบ่อยๆ ขณะทำงาน และตอนเด็กฉันเคยเรียนเปียโน ดังนั้นสิ่งเหล่านี้อาจมีอิทธิพลต่อผลงาน ฉันกำลัง “ประพันธ์” ในลักษณะที่อาจดูคล้ายกับการประพันธ์ดนตรี โดยเฉพาะในกระบวนการเล่นกับแถบ เส้น และบล็อกสี การเลื่อนสิ่งเหล่านี้ไปมาบนระนาบภาพมีความคล้ายคลึงอย่างมากกับการวางโน้ตและคอร์ดไว้ในตำแหน่งต่างๆ บนโน้ตเพลง 

IA: เล่าเกี่ยวกับกระบวนการทำงานของคุณสักเล็กน้อย โดยเฉพาะความสัมพันธ์ที่คุณมีกับคอลลาจ ตัวอย่างเช่น กระบวนการซ้อนชั้นกระดาษในผลงานส่งผลต่อคุณแตกต่างจากกระบวนการวาดภาพอย่างไร? 

EG: โดยส่วนใหญ่ กระบวนการวาดภาพของฉัน ไม่ว่าจะบนกระดาษหรือผ้าลินิน เป็นไปโดยตรงมาก โดยทั่วไป ฉันเริ่มจากการวาดเส้น ตามด้วยการลงสีโปร่งบาง แล้วจึงเพิ่มองค์ประกอบของรูปทรง ฉันพยายามทำให้ตัวเองประหลาดใจด้วยรูปทรงที่หนักแน่นและคาดไม่ถึง หรือสีที่อยู่นอกจานสีซึ่งฉันใช้เป็นประจำ ฉันขยับสิ่งเหล่านี้ไปมาเพื่อพยายามหาสมดุลระหว่างสีและรูปทรง ขั้นตอนนี้ให้ความรู้สึกเหมือนการเต้นรำที่ดำเนินต่อเนื่อง โดยมีความเป็นแบบแผนแทรกเข้ามาชั่วขณะ และฉันก็ผลักต้านมันกลับไป การตัดสินใจว่าจะใส่หรือไม่ใส่สิ่งแทรกแซงอันโดดเด่นที่เกิดขึ้น กลายเป็นพลวัตชนิดหนึ่งที่ทำให้ฉันมีส่วนร่วมกับผลงานชิ้นหนึ่งได้นานหลายสัปดาห์ งานคอลลาจเริ่มต้นจากการเล่นกับสี ย้อมขอบกระดาษด้วยหมึก และวาดเส้นลงบนกระดาษญี่ปุ่น จากนั้นตัดกระดาษเหล่านี้เป็นแถบ ฉันนำแถบไปทำคอลลาจบนผ้าใบหรือผ้าลินินอย่างระมัดระวัง แต่ไม่ได้มีองค์ประกอบหรือโครงสร้างที่กำหนดไว้ล่วงหน้า เมื่อผลงานพัฒนาไป ฉันจึงเริ่มวิเคราะห์ เพื่อเปิดทางให้บรรณาธิการกลับเข้ามาในห้องอีกครั้ง และปรับสีหรือรูปทรงจนกว่าผลงานจะให้ความรู้สึกลงตัว   

ภาพประกอบ: Elizabeth Gourlay ในสตูดิโอ 

โดยกองบรรณาธิการ IdeelArt

แหล่งข้อมูล

• Elizabeth Gourlay: ศิลปินสีแห่งคอนเนตทิคัต, Two Coats of Paint: โปรไฟล์อิสระที่สนับสนุนข้อมูลเกี่ยวกับฐานการทำงานในคอนเนตทิคัต แนวทางที่ขับเคลื่อนด้วยสี และการใช้คอลลาจ สีฝุ่น และภาพพิมพ์โมโนไทป์
• จิตรกรผู้มีดนตรีในหัวใจ: Paul Klee, The Sublime Blog: ข้อมูลเบื้องหลังการเติบโตมากับดนตรีของ Klee และประโยคที่เขากล่าวถึงมือของตนว่าเป็นเครื่องมือของห้วงทรงกลมอันห่างไกล
• Kandinsky, ว่าด้วยจิตวิญญาณในศิลปะ (ข้อความจาก Wabash College): ข้อความหนังสือของ Kandinsky ซึ่งเปรียบเทียบสีกับคีย์บอร์ด และเปรียบเทียบจิตวิญญาณกับเครื่องดนตรีที่ศิลปินบรรเลง