การวาดภาพฟื้นฟูอเมริกาหลังสงคราม - ที่ MoMA
เมื่อข้อจำกัดเกี่ยวกับโควิดในนิวยอร์กเริ่มผ่อนคลาย การจัดแสดงนิทรรศการในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งที่ขยายเวลาจัดแสดงในช่วงปิดเมืองกลับมาเรียกความสนใจอีกครั้ง หนึ่งในนิทรรศการที่ดีที่สุดสำหรับผู้ที่ชื่นชอบศิลปะนามธรรมคือ Degree Zero: Drawing at Midcentury ที่ MoMA ซึ่งเป็นนิทรรศการภาพวาดลายเส้นนามธรรมจำนวน 79 ชิ้นที่สร้างขึ้นระหว่างปี 1950 ถึง 1961 สิ่งที่ทำให้นิทรรศการนี้โดดเด่นคือคำถามสองข้อที่การจัดแสดงตั้งขึ้นเกี่ยวกับธรรมชาติและคุณค่าของการวาดเส้นในฐานะสื่อศิลปะ และเกี่ยวกับอำนาจของสถาบันในการสร้างและสร้างใหม่เรื่องราวทางประวัติศาสตร์ศิลปะอย่างเป็นทางการ ในแง่ของคุณค่าของการวาดเส้นในฐานะสื่อ ความสำคัญมักจะรู้สึกน้อยกว่าสื่อพี่น้องแฝดอย่างภาพวาดและประติมากรรม กระดาษ ปากกา และดินสอมีราคาถูกและหาง่ายเมื่อเทียบกับสีคุณภาพดี ผ้าใบ โลหะ ดินเหนียว หรือหิน ศิลปินเองมักมองว่าการวาดเส้นเป็นการฝึกฝนสำหรับงานอื่น ๆ อย่างน่าแปลกใจ ความคาดหวังต่ำเช่นนี้บางครั้งกลับนำไปสู่งานชิ้นเอกโดยให้ความรู้สึกเสรีภาพแก่การวาดเส้นที่สื่ออื่น ๆ ที่วางแผนและตั้งใจมากกว่าจะต่อต้าน Degree Zero สำรวจปรากฏการณ์นี้ในสองทาง ประการแรก การจัดแสดงเน้นภาพวาดลายเส้นหลายสิบชิ้นที่ชัดเจนว่าเป็นงานสำเร็จรูป ไม่ใช่งานเตรียม เช่น ภาพวาดลายเส้นสีเหลืองที่น่าทึ่งไม่มีชื่อของศิลปินชาวสวิส Sonja Sekula หรือ “Composition with One Flag” ที่สมบูรณ์แบบของศิลปินอิตาเลียน-บราซิล Alfredo Volpi ประการที่สอง รวมถึงงานเตรียมหลายชิ้น โดยเฉพาะภาพวาดลายเส้นของ Ellsworth Kelly “Study for La Combe II” (1950) และ “Study for Window, Museum of Modern Art, Paris” (1949) ซึ่งในหลายแง่มุมดีกว่าผลงานขั้นสุดท้ายที่ตามมา สำหรับสิ่งที่ Degree Zero ทำเพื่อสะท้อนอำนาจของสถาบันอย่าง MoMA ในการเขียนและเขียนประวัติศาสตร์ศิลปะใหม่ นิทรรศการทั้งหมดเป็นความพยายามแก้ไขเรื่องเล่าแคบ ๆ ที่ MoMA มีส่วนสร้างขึ้นในตอนแรกว่า ศิลปะหลังสงครามเป็นเรื่องของชาวอเมริกันผิวขาวเพศชายเป็นหลัก โดยมีนามธรรมแสดงออกเป็นตัวแทน ดึงมาจากคอลเลกชันถาวรของ MoMA ทั้งหมด Degree Zero รวมศิลปินสองเพศจากห้าทวีป แสดงถึงพื้นเพทางเชื้อชาติหลากหลาย และรวมถึงศิลปินที่ไม่มีการฝึกฝน นั่นไม่ได้ลบล้างบาปเก่า แต่ก็แสดงให้เห็นถึงความปรารถนาของ MoMA ในวันนี้ที่จะเริ่มแก้ไขอดีตที่ผิดพลาด
ผู้วาดภาพวาดลายเส้น
สิ่งที่น่าสังเกตที่สุดเกี่ยวกับ Degree Zero อาจเป็นเพียงการที่นิทรรศการนี้มีอยู่จริง ศิลปินวาดเส้นมืออาชีพทุกคนจะบอกคุณว่าทำไมภาพวาดลายเส้นมักมีราคาต่ำกว่าภาพวาดทั้งในตลาดหลักและตลาดรอง เพราะนักสะสมมักไม่มองว่าภาพวาดลายเส้นเป็นสิ่งที่เก็บรักษาได้ หลายคนไม่ลงทุนเวลาเลือกกระดาษคุณภาพ เตรียมพื้นผิว เลือกสื่อคุณภาพ หรือปกป้องงานเมื่อเสร็จสิ้น เมื่อคุณซื้อภาพวาดลายเส้น คุณต้องใช้เงินมากในการใส่กรอบ เลือกกระจกชนิดที่เหมาะสม และแขวนในที่ที่ไม่ถูกทำลายจากสภาพอากาศ แม้จะทำและปกป้องอย่างถูกต้อง ภาพวาดลายเส้นมักเสื่อมสภาพเร็วกว่าภาพวาด นี่คือเหตุผลที่ภาพวาดลายเส้นจำนวนมากในคอลเลกชันพิพิธภัณฑ์มักถูกเก็บไว้ในลิ้นชักแบน ๆ เป็นเวลาหลายสิบปี ถูกละเลยและลืม เมื่อถูกค้นพบใหม่ บางครั้งก็เกินกว่าจะกู้คืนได้
Norman Lewis - The Messenger, 1952 ชาร์โคลและหมึกบนกระดาษ ขนาด 26 x 30 3/8 นิ้ว (66.1 x 77.3 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก มอบโดย Blanchette Hooker Rockefeller © มรดกของ Norman Lewis; ด้วยความอนุเคราะห์จาก Michael Rosenfeld Gallery LLC, นิวยอร์ก, NY
อย่างน่าอัศจรรย์ MoMA ไม่เพียงแต่รวบรวมภาพวาดลายเส้น 79 ชิ้นจากทศวรรษเดียวเท่านั้น แต่ตอนนี้ที่ภาพเหล่านี้มีอายุมากกว่า 60 ปีแล้ว จำนวนมากยังคงอยู่ในสภาพดีเยี่ยม ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมคือ “Untitled (Smoke Drawing)” (1959) โดย Otto Piene ศิลปินสร้างงานนี้โดยแขวนแผ่นกระดาษบนตะแกรงโลหะเหนือเปลวไฟที่กำลังลุกไหม้ ปล่อยให้ควันเผาลวดลายวงกลมบนกระดาษ แผ่นกระดาษที่ไหม้เกรียมนี้ยังคงสมบูรณ์และแสดงออกอย่างลึกซึ้งหลังจาก 62 ปี อีกตัวอย่างที่น่าทึ่งคือ “The Messenger” (1952) ภาพวาดลายเส้นชาร์โคลและหมึกบนกระดาษโดย Norman Lewis งานนี้ยังคงรายละเอียด ความประณีต และความละเอียดอ่อนที่เกือบ 70 ปีหลังจากสร้างเสร็จ ดูเหมือนยังคงสะท้อนหัวใจที่อ่อนโยน รอบคอบ และมีชีวิตชีวาของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่นี้ การเก็บรักษางานเหล่านี้อย่างยอดเยี่ยมทำให้สื่อการวาดเส้นไม่ใช่สิ่งที่ถูกกำหนดให้เสื่อมสลาย แต่เป็นสิ่งที่แสดงออกถึงจิตใจและร่างกายของผู้วาดที่ควรค่าแก่การปกป้องและสะสม
ภาพบรรยากาศการจัดแสดง Degree Zero: Drawing at Midcentury, 1 พฤศจิกายน 2020–6 กุมภาพันธ์ 2021 ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ภาพดิจิทัล © 2020 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ถ่ายภาพโดย Robert Gerhardt
แก้ไขประวัติศาสตร์
Samantha Friedman ผู้ช่วยภัณฑารักษ์ฝ่ายภาพวาดลายเส้นและภาพพิมพ์ของ MoMA สมควรได้รับเครดิตเพิ่มเติมสำหรับการคัดเลือกงานที่สะท้อนมุมมองระดับโลก หลายเพศ หลายเชื้อชาติ และหลายแนวทางการสอนอย่างดีเยี่ยม อย่างไรก็ตาม ฉันก็ประทับใจไม่แพ้กันกับผลกระทบที่ Degree Zero มีต่อความเข้าใจของฉันเกี่ยวกับผลงานของศิลปินบางคนในนิทรรศการ ภาพวาดลายเส้นคู่หนึ่งของ Louise Bourgeois ดึงดูดใจฉันอย่างมาก ย้ำเตือนถึงเด็กที่ยังคงอยู่ในผู้ใหญ่ และมอบภาพที่น่ารักของจิตวิญญาณเยาว์วัยของศิลปินผู้ซึ่งประติมากรรมของเธอฉันรู้สึกว่ากลัวและลึกซึ้งอย่างผู้ใหญ่ “Untitled (Florence)” (1952) โดย Jay DeFeo เป็นงานขนาดเล็กชิ้นเดียวของศิลปินนี้ที่ฉันเคยเห็น ความชัดเจนและความหลงใหลที่น่าตกใจทำให้ภาพนี้ตราตรึงในใจฉันอย่างถาวร ภาพวาดลายเส้นขาวดำไม่มีชื่อของ Georges Mathieu จากปี 1958 ยกระดับความเคารพต่อจิตรกรคนนี้ให้สูงขึ้นอีกเสมอ ฉันเคยชื่นชอบนามธรรมจักรวาลของเขา แต่การเห็นสิ่งที่เขาทำที่นี่โดยไม่มีสีและพื้นผิวช่วยพิสูจน์ความชำนาญของเขา
Joan Mitchell - Untitled, 1957 สีน้ำมันบนกระดาษ ขนาด 19 1/2 x 17 1/2 นิ้ว (49.5 x 44.5 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก กองทุนคณะกรรมการภาพวาดลายเส้น © มรดกของ Joan Mitchell
วิธีสุดท้ายที่ฉันรู้สึกว่า Degree Zero “แก้ไข” ประวัติศาสตร์คือความเต็มใจที่จะขยายขอบเขตออกไปนอกเหนือจากสิ่งที่ปกติจะถือว่าเป็นภาพวาดลายเส้น New City (1953) สีน้ำและหมึกบนกระดาษโดย Dorothy Dehner ปกติจะถือเป็นภาพวาดสีน้ำธรรมดา แต่เส้นสายที่ชัดเจนของงานนี้ชี้ชัดว่าควรอยู่ในนิทรรศการนี้ เช่นเดียวกับงานสีสันสดใสไม่มีชื่อในพาสเทลของ Beauford Delaney ที่ปกติจะแสดงเป็นภาพวาดหรืองานบนกระดาษเท่านั้น เช่นเดียวกับภาพวาดสีน้ำมันไม่มีชื่อที่งดงามบนกระดาษโดย Joan Mitchell จากปี 1957 งานอะคริลิกโยนลูกบอลบนกระดาษโดย Saburo Murakami การถูหมึกโดย Sari Dienes และงานปะติด “2Letters Ms” (1961) โดย Vera Molnar การจัดหมวดหมู่งานเหล่านี้เป็นภาพวาดลายเส้นทำให้ความหมายของคำนี้เบลออย่างละเอียดอ่อนและแฝงเร้น และเพิ่มผลกระทบโดยรวมที่นิทรรศการนี้บรรลุ คือการขยายประสบการณ์ของการวาดเส้นและประวัติศาสตร์ศิลปะให้เปิดกว้างมากขึ้นกว่าที่เคยเป็นมา
ภาพเด่น: Otto Piene - Untitled (Smoke Drawing), 1959 เขม่าบนกระดาษ ขนาด 20 x 29 นิ้ว (51 x 73 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ซื้อด้วยเงินทุนจาก Sheldon H. Solow © 2019 Otto Piene / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก / VG. Bild-Kunst, เยอรมนี
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
