การวาดภาพฟื้นฟูอเมริกาหลังสงคราม - ที่ MoMA

ด้วยการยกเลิกข้อจำกัดเกี่ยวกับ COVID ในเมืองนิวยอร์ก การแสดงพิพิธภัณฑ์หลายรายการที่มีการขยายระยะเวลาระหว่างการปิดตัวของโรคระบาดกำลังเรียกร้องความสนใจ สำหรับแฟน ๆ ของนามธรรม หนึ่งในนิทรรศการที่ดีที่สุดคือ Degree Zero: Drawing at Midcentury ที่ MoMA ซึ่งเป็นนิทรรศการของภาพวาดนามธรรมส่วนใหญ่จำนวน 79 ชิ้นที่สร้างขึ้นระหว่างปี 1950 ถึง 1961 สิ่งที่ทำให้นิทรรศการนี้โดดเด่นคือคำถามสองข้อที่การจัดแสดงตั้งขึ้น เกี่ยวกับธรรมชาติและคุณค่าของการวาดภาพในฐานะสื่อศิลปะ และเกี่ยวกับอำนาจของสถาบันในการสร้างและสร้างใหม่เวอร์ชันทางการของประวัติศาสตร์ศิลปะ ในแง่ของคุณค่าของการวาดภาพในฐานะสื่อ โดยทั่วไปแล้วความเสี่ยงจะรู้สึกต่ำกว่ากับฝาแฝดที่มีลักษณะคล้ายกันคือภาพวาดและประติมากรรม กระดาษ ปากกา และดินสอมีราคาไม่แพงและหาง่ายเมื่อเปรียบเทียบกับสีที่ดี ผ้าใบ โลหะ ดิน หรือหิน ศิลปินเองมักจะพิจารณาว่าการวาดภาพเป็นการฝึกฝนสำหรับงานอื่น ๆ อย่างมีเสน่ห์ ความคาดหวังที่ต่ำเช่นนี้บางครั้งส่งผลให้เกิดผลงานชิ้นเอกโดยการมอบความรู้สึกอิสระให้กับการวาดภาพซึ่งสื่อที่มีการวางแผนและตั้งใจมากกว่าต้านทาน Degree Zero ตรวจสอบปรากฏการณ์นี้ในสองวิธี ประการแรก การจัดแสดงมุ่งเน้นไปที่ภาพวาดหลายสิบชิ้นที่ชัดเจนว่ามีเจตนาเป็นผลงานที่เสร็จสมบูรณ์—ไม่ใช่ผลงานเตรียมการ—เช่นภาพวาดที่น่าทึ่ง ไม่มีชื่อ สีเหลือง โดยศิลปินชาวสวิส Sonja Sekula หรือ "Composition with One Flag" ที่สมบูรณ์แบบโดยศิลปินอิตาลี-บราซิล Alfredo Volpi ประการที่สอง มันรวมถึงผลงานที่ถูกกล่าวว่าเป็นผลงานเตรียมการหลายชิ้น—โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาดของ Ellsworth Kelly "Study for La Combe II" (1950) และ "Study for Window, Museum of Modern Art, Paris" (1949)—ซึ่งในหลาย ๆ ด้านเหนือกว่ารุ่นสุดท้ายที่พวกเขาเป็นผู้นำหน้า สำหรับสิ่งที่ Degree Zero ทำเพื่อตอบสนองต่ออำนาจของสถาบันเช่น MoMA ในการเขียนและเขียนประวัติศาสตร์ศิลปะใหม่ นิทรรศการทั้งหมดเป็นการพยายามแก้ไขเรื่องราวที่แคบที่ MoMA มีส่วนร่วมในตอนแรก ว่าศิลปะหลังสงครามส่วนใหญ่เป็นเรื่องของชาวอเมริกัน ชายผิวขาว ที่ถูกครอบงำโดย Abstract Expressionism โดยดึงมาจากคอลเลกชันถาวรของ MoMA ทั้งหมด Degree Zero รวมถึงศิลปินสองเพศจากห้าทวีป แสดงถึงหลายเชื้อชาติ และรวมถึงศิลปินที่ไม่ได้รับการฝึกอบรมบางคน นั่นไม่ได้ทำให้บาปเก่าหายไป แต่ก็อย่างน้อยก็เป็นพยานถึงความปรารถนาที่ MoMA มีในวันนี้ในการเริ่มแก้ไขอดีตที่แตกสลาย.

ลิ้นชักภาพวาด

สิ่งที่น่าจดจำที่สุดเกี่ยวกับ Degree Zero อาจเป็นความจริงที่ว่าการจัดแสดงนี้มีอยู่จริง นักวาดมืออาชีพจะบอกคุณว่าทำไมภาพวาดจึงมักมีราคาต่ำกว่าภาพเขียนทั้งในตลาดหลักและตลาดรอง เพราะนักสะสมมักไม่เห็นภาพวาดว่าเป็นเอกสารที่เก็บรักษาได้ นักวาดหลายคนจริง ๆ แล้วไม่ได้ลงทุนเวลาในการเลือกกระดาษคุณภาพ เตรียมพื้นผิว เลือกสื่อคุณภาพ หรือปกป้องงานเมื่อเสร็จสิ้น เมื่อคุณซื้อภาพวาด คุณจะต้องใช้เงินจำนวนมากในการทำกรอบงาน โดยระมัดระวังในการเลือกประเภทกระจกที่ถูกต้อง และแขวนในที่ที่ไม่ถูกทำลายจากสภาพอากาศ แม้จะทำและปกป้องอย่างถูกต้องแล้ว ภาพวาดมักเสื่อมสภาพเร็วกว่าภาพเขียน นี่คือเหตุผลที่ภาพวาดจำนวนมากในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์มักจะถูกเก็บไว้ในลิ้นชักแบนเป็นเวลาหลายทศวรรษ โดยถูกมองข้ามและในที่สุดก็ถูกลืม เมื่อพวกเขาถูกค้นพบอีกครั้ง บางครั้งก็เกินกว่าจะช่วยได้.

นอร์แมน ลูอิส - เดอะ เมสเซนเจอร์, 1952. ชาร์โคลและหมึกบนกระดาษ. 26 x 30 3/8′′ (66.1 x 77.3 ซม.). พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, นิวยอร์ก. ของขวัญจากแบลนเชตต์ ฮูเกอร์ ร็อคกี้เฟลเลอร์ © มรดกของนอร์แมน ลูอิส; ขอบคุณ Michael Rosenfeld Gallery LLC, นิวยอร์ก, NY

อย่างไรก็ตาม MoMA ไม่เพียงแต่สามารถรวบรวมภาพวาด 79 ภาพจากทศวรรษเดียว แต่ตอนนี้ที่พวกมันมีอายุมากกว่า 60 ปี จำนวนมากของภาพวาดเหล่านี้ยังคงอยู่ในสภาพดีอย่างน่าอัศจรรย์ ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมคือ "Untiled (Smoke Drawing)" (1959) โดย Otto Piene ศิลปินสร้างงานนี้โดยการแขวนแผ่นกระดาษบนตะแกรงโลหะเหนือเปลวไฟที่กำลังลุกไหม้ ทำให้ควันไหม้เป็นลวดลายวงกลมบนกระดาษ อย่างไรก็ตาม แผ่นกระดาษที่ไหม้นี้ยังคงสมบูรณ์แบบและแสดงออกได้อย่างลึกซึ้ง แม้จะผ่านไป 62 ปี อีกตัวอย่างที่น่าทึ่งคือ "The Messenger" (1952) ซึ่งเป็นภาพวาดด้วยถ่านและหมึกบนกระดาษโดย Norman Lewis งานนี้ยังคงมีรายละเอียด ความละเอียดอ่อน และนวลที่ทำให้เกือบ 70 ปีหลังจากการสร้างสรรค์ดูเหมือนจะยังคงมีเสียงสะท้อนของหัวใจที่มีชีวิตชีวาและมีความคิดที่สุภาพของศิลปินที่ยอดเยี่ยมนี้ การอนุรักษ์ที่ยอดเยี่ยมของงานเหล่านี้ทำให้สื่อไม่ถูกมองว่าเป็นสิ่งที่ถูกกำหนดให้เสื่อมสภาพ แต่เป็นสิ่งที่แสดงออกได้อย่างเป็นเอกลักษณ์ของจิตใจและร่างกายของผู้วาดที่สร้างมันขึ้นมา ซึ่งมีค่าต่อการปกป้องและสะสม.

การติดตั้งนิทรรศการ Degree Zero: Drawing at Midcentury, 1 พฤศจิกายน 2020–6 กุมภาพันธ์ 2021 ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ภาพดิจิทัล © 2020 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ถ่ายโดย โรเบิร์ต เกอร์ฮาร์ด

การแก้ไขประวัติศาสตร์

Samantha Friedman, ผู้ช่วยภัณฑารักษ์ของ MoMA ด้านการวาดภาพและการพิมพ์ สมควรได้รับเครดิตเพิ่มเติมสำหรับการเลือกผลงานที่สื่อถึงมุมมองระดับโลกที่หลากหลายทางเพศ เชื้อชาติ และการสอน อย่างไรก็ตาม ฉันก็รู้สึกประทับใจไม่แพ้กันกับผลกระทบที่ Degree Zero มีต่อความเข้าใจของฉันเกี่ยวกับผลงานของศิลปินบางคนในนิทรรศการนี้ งานวาดภาพของ Louise Bourgeois สองชิ้นทำให้ฉันหลงใหลอย่างแท้จริง ย้ำเตือนถึงเด็กที่อาศัยอยู่ในผู้ใหญ่ และเสนอภาพที่น่ารื่นรมย์ของจิตวิญญาณเยาว์วัยของศิลปินคนนี้ซึ่งฉันพบว่า รูปปั้นของเธอน่ากลัวและลึกซึ้งอย่างผู้ใหญ่ “Untitled (Florence)” (1952) โดย Jay DeFeo เป็นผลงานขนาดเล็กเพียงชิ้นเดียวที่ฉันเคยเห็นจากศิลปินคนนี้ ความชัดเจนและความหลงใหลที่น่าตกใจได้ประทับภาพนี้ไว้ในใจของฉัน อาจจะตลอดไป งานวาดภาพขาวดำที่ไม่มีชื่อโดย Georges Mathieu จากปี 1958 ได้ตั้งมาตรฐานสำหรับความเคารพต่อจิตรกรคนนี้ให้สูงขึ้นไปอีก ฉันเคยเป็นแฟนของการนามธรรมที่มีเอกลักษณ์ของเขา แต่การได้เห็นสิ่งที่เขาทำที่นี่โดยไม่มีสีและพื้นผิวได้พิสูจน์ให้ฉันเห็นถึงความชำนาญของเขา.

โจน มิทเชล - ไม่มีชื่อ, 1957. สีน้ำมันบนกระดาษ. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49.5 x 44.5 ซม.). พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, นิวยอร์ก. คณะกรรมการกองทุนภาพวาด © มรดกของโจน มิทเชล

วิธีสุดท้ายที่ฉันรู้สึกว่า Degree Zero “ทำให้ประวัติศาสตร์ถูกต้อง” คือความเต็มใจที่จะเข้าถึงสิ่งที่ปกติจะถือว่าเป็นการวาดภาพ นครใหม่ (1953) ซึ่งเป็นสีน้ำและหมึกบนกระดาษโดย Dorothy Dehner มักจะถือว่าเป็นเพียงภาพวาดสีน้ำ แต่ลักษณะเชิงเส้นของมันแน่นอนว่าแสดงให้เห็นว่ามันควรอยู่ในนิทรรศการนี้ ในทำนองเดียวกัน งานที่ไม่มีชื่อซึ่งมีสีสันในเทคนิคพาสเทลโดย Beauford Delaney มักจะแสดงเป็นภาพวาด หรือเพียงแค่ผลงานบนกระดาษ สิ่งเดียวกันนี้สามารถพูดได้สำหรับภาพน้ำมันที่น่าทึ่งซึ่งไม่มีชื่อบนกระดาษโดย Joan Mitchel จากปี 1957; งานอะคริลิกบนกระดาษที่โยนบอลโดย Saburo Murakami; และการขัดหมึกโดย Sari Dienes; และคอลลาจ “2Letters Ms” (1961) โดย Vera Molnar การจัดประเภทผลงานเหล่านี้ว่าเป็นการวาดภาพทำให้การนิยามเบลอในลักษณะที่ละเอียดอ่อนและซับซ้อน และเพิ่มผลกระทบโดยรวมที่นิทรรศการนี้บรรลุในการขยายประสบการณ์ของการวาดภาพและประวัติศาสตร์ศิลปะให้เปิดกว้างมากกว่าที่เคยเป็นมาในอดีต.

ภาพเด่น: ออตโต้ ปีเน - ไม่มีชื่อ (การวาดด้วยควัน), 1959. เขม่า บนกระดาษ. 20 x 29 นิ้ว (51 x 73 ซม.). พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, นิวยอร์ก. ซื้อด้วยเงินทุนที่จัดหาโดย เชลดอน เอช. โซโลว์ © 2019 ออตโต้ ปีเน / สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก / VG. Bild-Kunst, เยอรมนี
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ