นอร์แมน ลูอิส เพชรเม็ดงามที่ถูกมองข้ามของนามธรรมเอ็กซ์เพรสชันนิสม์

เมื่อสถาบันศิลปะเพนซิลเวเนียจัดแสดงนิทรรศการ “ขบวนพาเหรด: ศิลปะของ Norman Lewis” ในปี 2015 นิทรรศการนี้เป็นการเปิดเผยสำหรับผู้ชมส่วนใหญ่ หัวข้อของงานแสดงนี้ ศิลปินชาวอเมริกัน Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979) ถือเป็นศิลปินผิวดำเพียงคนเดียวในกลุ่มศิลปินยุคแรกของนามธรรมแสดงอารมณ์ ผลงานของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างสิ้นเชิง แตกต่างจากเพื่อนร่วมยุค โดยเดินตามเส้นทางความงามและปัญญาที่ทำให้ผลงานของเขามีความสดใหม่และชาญฉลาดแม้ในปัจจุบัน อย่างไรก็ตาม ต่างจากแจ็คสัน พอลล็อก, วิลเล็ม เดอ คูนิง, มาร์ก รอธโก และศิลปินคนอื่นๆ ที่เขามักจะแสดงงานด้วยกัน ลูอิสไม่เคยได้รับชื่อเสียงหรือความสำเร็จทางการเงินอย่างมากในช่วงชีวิตของเขา เขาส่วนใหญ่เลี้ยงดูตัวเองและครอบครัวด้วยการเป็นครู หนึ่งในเหตุผลสำคัญที่เขาประสบปัญหาในตลาดศิลปะคือ แม้ว่าสถาบันศิลปะอเมริกันหลังสงครามซึ่งเป็นกลุ่มคนผิวขาวจะยอมรับศิลปะนามธรรม แต่ก็ยังคงมองข้ามผลงานของศิลปินผิวดำ ไม่ว่าจะเป็นนามธรรมหรือไม่ก็ตาม ในขณะเดียวกัน พ่อค้าและนักสะสมศิลปะผิวดำในยุคหลังสงครามส่วนใหญ่ก็ปฏิเสธศิลปะนามธรรมเช่นกัน เพราะเชื่อว่าสิทธิความยุติธรรมทางสังคมจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อศิลปะนั้นแสดงประเด็นความยุติธรรมทางสังคมโดยตรง ความจริงก็คือ เมื่อเขาเริ่มต้นอาชีพในทศวรรษ 1930 ลูอิสเองก็มีความเชื่อเช่นนั้น เขาวาดภาพเหมือนจริงที่แสดงสังคมในฐานะส่วนหนึ่งของโครงการ Works Progress Administration ซึ่งเป็นงานที่เขาได้พบกับพอลล็อก ศิลปินนามธรรมแสดงอารมณ์คนอื่นๆ แต่ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ลูอิสไม่อาจมองข้ามความขัดแย้งของกองทัพอเมริกันที่ต่อสู้กับศัตรูที่มีแนวคิดเหนือกว่าคนผิวขาว ในขณะเดียวกันก็ยังบังคับให้ทหารของตนแยกกันตามเชื้อชาติ หลังสงคราม ลูอิสละทิ้งความเชื่อที่ว่าศิลปะเหมือนจริงจะมีบทบาทสำคัญในการเปลี่ยนแปลงวัฒนธรรม เขากล่าวว่า “ผมเคยวาดภาพคนผิวดำที่ถูกพรากที่ดิน ถูกเลือกปฏิบัติ และผมค่อยๆ ตระหนักว่ามันไม่ได้ทำให้ใครขยับเขยื้อน มันไม่ได้ทำให้สิ่งต่างๆ ดีขึ้น” เขาจึงทุ่มเทตนเองเพื่อการสำรวจตลอดชีวิตในด้านความงามที่เป็นสากลมากขึ้น โดยใช้พลังของสี เส้น เนื้อผิว และรูปทรง เพื่อเชื่อมผู้คนเข้าด้วยกันในพื้นที่ภาพที่ให้ความรู้สึกสงบและเหนือธรรมชาติ

เส้นและพื้นที่ที่มีชีวิตชีวา

หนึ่งในลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์ ภาพวาดนามธรรม ที่ลูอิสพัฒนาคือการใช้เส้น แปรงของเขามีลักษณะบางเบาและมีพลัง แม้จะดูเหมือนบทกวี แต่ก็มีโครงสร้างที่แข็งแรงและหนักแน่น เขาใช้เส้นเหล่านี้ในลักษณะที่เส้นต่างๆ สร้างความสัมพันธ์กัน แสดงถึงการมีอยู่ของรูปทรงแทนที่จะบรรยายวัตถุที่แท้จริงในพื้นที่ ในภาพวาดเช่น “Street Musicians” (1948) กลุ่มเส้นจำนวนมากอยู่ตรงกลางผืนผ้าใบ ล้อมรอบด้วยหมอกสีชมพูอ่อน ภาพนี้เป็นนามธรรมอย่างเต็มที่ แต่เนื่องจากการแบ่งพื้นที่ทำให้ดูเหมือนภาพของสิ่งที่รู้จักได้ รูปแบบเส้นตรงกลางผืนผ้าใบบ่งบอกถึงรูปลักษณ์ของนักดนตรีจริงๆ อาจจะถูกแยกออกเป็นมุมมองและระนาบหลายมิติแบบ คิวบิสม์ แต่ภาพนี้ไม่ใช่ภาพของนักดนตรี นี่เป็นการแสดงออกถึงพลังและอารมณ์ของเสียงดนตรีที่เล่นบนถนน ความตื่นเต้นของโน้ตที่ทะลุผ่านอากาศ และความสนุกสนานของสีสันและเสียงที่เติมเต็มบรรยากาศ

Norman Lewis - Florence, 1947. สีน้ำมันบนเมสโซไนต์ ขนาด 14 x 18 นิ้ว คลังส่วนตัว © ทรัพย์สินของ Norman W. Lewis โดยความอนุเคราะห์จาก Iandor Fine Arts, นิวเจอร์ซีย์

นอกจากการใช้เส้นแล้ว ลูอิสยังพัฒนาวิธีที่โดดเด่นและมีประสิทธิภาพในการมีปฏิสัมพันธ์กับพื้นที่ภาพ ผลงานของเขาไม่ใช่ภาพวาดที่ทาครอบคลุมทุกส่วนของผืนผ้าใบเหมือนภาพของ แจ็คสัน พอลล็อก ที่ทาทุกตารางนิ้วของผืนผ้าใบด้วยรอยแปรงในลักษณะที่ไม่มีส่วนใดของผืนผ้าใบโดดเด่นกว่าส่วนอื่นๆ แต่ลูอิสให้ผู้ชมมีจุดสนใจภายในพื้นที่ภาพ แม้ว่าวัตถุที่เป็นจุดสนใจจะเป็นนามธรรมก็ตาม ในภาพ “Green Mist” (1948) เขาทำได้โดยผสมผสานเทคนิคต่างๆ เพื่อดึงดูดสายตาไปยังจุดกึ่งกลางของผืนผ้าใบ ขอบนอกของผืนผ้าใบถูกทาสีเบลอและเกลี่ยด้วยมือเพื่อสร้างความรู้สึกเหมือนเมฆสีเขียวในบรรยากาศ ขณะที่ตรงกลางภาพ เส้นที่คมชัดและคล้ายลายมือบ่งบอกว่ามีบางสิ่งที่เป็นรูปธรรมอยู่ หรืออาจกำลังพัฒนาอยู่ในความลึกลับของพื้นที่ภาพ

Norman Lewis - Crossing, 1948. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 25 x 54 นิ้ว แกลเลอรีไมเคิล โรเซนเฟลด์ © ทรัพย์สินของ Norman W. Lewis โดยความอนุเคราะห์จาก Iandor Fine Arts, นิวเจอร์ซีย์

กลุ่มสไปรัล

แม้ว่าการตัดสินใจของเขาที่จะสำรวจด้านความงามที่เป็นสากลแทนการแสดงภาพเหมือนจริงของการต่อสู้ของคนผิวดำในอเมริกาจะไม่ช่วยเพิ่มชื่อเสียงของเขาในหมู่พ่อค้าหรือนักสะสม แต่ก็ทำให้ลูอิสได้เข้าร่วมกับศิลปินผิวดำชาวอเมริกันคนอื่นๆ ที่มีความเชื่อในความสำคัญของความสำเร็จทางความงาม เมื่อวันที่ 5 กรกฎาคม 1963 เขาได้รับเชิญไปที่สตูดิโอของโรเมียร์ เบียร์เดน เพื่อเข้าร่วมกับเฮล วูดรัฟฟ์, ชาร์ลส์ อัลสตัน, เจมส์ เยอร์แกนส์, เฟลราธ ไฮนส์, ริชาร์ด เมย์ฮิว และวิลเลียม พริทชาร์ด เพื่อก่อตั้งกลุ่มที่รู้จักกันในชื่อ กลุ่มสไปรัล กลุ่มนี้มุ่งมั่นที่จะส่งเสริมความชำนาญทางความงามและความเป็นสากลทางวัฒนธรรม พวกเขาพบปะกันเป็นประจำเพื่อหารือเกี่ยวกับวิธีที่ภาพเหมือนจริงของความไม่เท่าเทียมทางเชื้อชาติช่วยหรือไม่ช่วยวัฒนธรรมผิวดำ และเพื่อศึกษาว่าความยอดเยี่ยมในด้าน “ปัญหาความงามทั่วไป” อาจช่วยยกระดับสถานะทางวัฒนธรรมและเพิ่มอิทธิพลของศิลปินผิวดำในอเมริกาได้อย่างไร

Norman Lewis - Jazz Band, 1948. แกะสลักบนแผ่นเมสโซไนต์เคลือบสีดำ ขนาด 20 x 23 7/8 นิ้ว คลังส่วนตัว © ทรัพย์สินของ Norman W. Lewis โดยความอนุเคราะห์จาก Iandor Fine Arts, นิวเจอร์ซีย์

ชื่อกลุ่มสไปรัลถูกเสนอโดยเฮล วูดรัฟฟ์ อ้างอิงถึงนักคณิตศาสตร์ชาวกรีก อาร์คิมิดีส ซึ่ง “สกรู” ของเขาหมุนวนขึ้นไปในวงกว้างขึ้นเรื่อยๆ เป็นสัญลักษณ์ของความก้าวหน้า แม้ว่าศิลปินบางคนในกลุ่มสไปรัลจะสร้างงานที่เป็นรูปธรรม แต่การยอมรับอย่างเต็มที่ในศักยภาพของนามธรรมของพวกเขานั้นเป็นสิ่งที่ก้าวล้ำ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับศิลปะผิวดำในอเมริกา มันวางรากฐานสำหรับศิลปินอย่างริชาร์ด ฮันท์ นักปั้นที่มีนิทรรศการเดี่ยวในปี 1971 ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก ซึ่งเป็นนิทรรศการเดี่ยวครั้งที่สามของศิลปินผิวดำในประวัติศาสตร์ของ MoMA และเป็นครั้งแรกของศิลปินนามธรรม นอกจากนี้ยังทำให้เห็นความจริงที่น่าเศร้าว่าในอเมริกาไม่เคยมีโลกศิลปะเพียงโลกเดียว แต่มีหลายโลกศิลปะที่แข่งขันกันเพื่อการยอมรับและอิทธิพลแทนที่จะร่วมมือกันเพื่อเป้าหมายทางวัฒนธรรมร่วมกัน Norman Lewis และสมาชิกคนอื่นๆ ของกลุ่มสไปรัลได้วางรากฐานสำหรับสิ่งที่ดีกว่า: แนวทางศิลปะที่ไม่เพียงแต่เป็นสากล แต่ยังรวมเป็นหนึ่งเดียวกัน

คลิก ที่นี่ เพื่ออ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับศิลปินท่านนี้ที่กลายเป็นเสียงในนามธรรมแสดงอารมณ์

ภาพเด่น: Norman Lewis - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1949. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 20 x 30 นิ้ว คลังส่วนตัว © ทรัพย์สินของ Norman W. Lewis โดยความอนุเคราะห์จาก Iandor Fine Arts, นิวเจอร์ซีย์
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio