ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งเปลี่ยนแปลงวิธีที่เรารับรู้ศิลปะ
“ภาพที่เราสามารถจินตนาการได้ อาจกล่าวได้ว่า ขึ้นอยู่กับว่าใครเป็นผู้จินตนาการ” - John Hospers, จาก บทนำสู่การวิเคราะห์ทางปรัชญา
เราพึ่งพาผู้มีวิสัยทัศน์ในการเปิดประตูที่ซ่อนเร้น เพื่อให้เราได้เห็นบางส่วนของโลก และบางส่วนของตัวเราเอง ที่อาจจะยังคงซ่อนอยู่ วิสัยทัศน์เป็นความเชี่ยวชาญของศิลปินนามธรรม และในช่วงกว่า 100 ปีที่ผ่านมา ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียงหลายชิ้นได้ประสบความสำเร็จในการขยายมุมมองของมนุษยชาติ ผู้มีวิสัยทัศน์ที่สร้างภาพเหล่านั้นไม่ได้เพียงแต่ให้ของขวัญแก่เราในฐานะผู้ชมด้วยสิ่งใหม่ ๆ ที่จะได้เห็นเท่านั้น แต่ยังมอบวิธีการมองเห็นใหม่ทั้งหมดให้กับเราอีกด้วย
ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1910 – 1920
ต้องยอมรับว่า บางส่วนของการคัดเลือกในบทความนี้อาจก่อให้เกิดความขัดแย้ง เนื่องจากผู้ที่ชื่นชอบศิลปะนามธรรมแต่ละคนมีรสนิยมที่แตกต่างกัน แต่ส่วนใหญ่คงเห็นด้วยกับการเลือกภาพวาดนามธรรมชิ้นแรกของเรา ที่เปลี่ยนแปลงวิธีที่เรามองศิลปะ Wassily Kandinsky กับ Untitled (First Abstract Watercolor) วาดในปี 1910 ถือเป็นภาพวาดนามธรรมแท้ชิ้นแรกตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะเห็น การแสดงออกอย่างกล้าหาญของจุดสีสันสดใส รอยเปื้อน และเส้นสาย ละทิ้งการอ้างอิงภาพที่เป็นจริงทั้งหมด ภาพนี้ปลดปล่อยศิลปินจากพันธนาการของเนื้อหา และเชิญชวนผู้ชมให้มีส่วนร่วมในวิธีใหม่ทั้งหมดกับแนวคิดของสิ่งที่ภาพสามารถเป็นได้
Wassily Kandinsky - Untitled (First Abstract Watercolor), 1910. สีน้ำและหมึกอินเดียกับดินสอบนกระดาษ ขนาด 19.5 × 25.5 ซม. ศูนย์ Georges Pompidou, ปารีส
สิบเอ็ดปีต่อมาในปี 1921 Piet Mondrian วาดภาพที่เป็นสัญลักษณ์ของเขา Tableau I หลังจากช่วงเวลาทดลองกับเสียงใหม่ที่กำลังเกิดขึ้น Tableau I ได้กำหนดสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของ Mondrian เส้นสีดำเข้มและพื้นที่สีที่แบ่งเป็นช่อง ๆ ให้ผู้ชมได้เห็นเรขาคณิตบริสุทธิ์และความแม่นยำทางคณิตศาสตร์ เส้นที่สะอาดและความแม่นยำของงานไม่อ้างอิงถึงสิ่งใดนอกจากรูปทรง สี และเส้น งานนี้นำพาสไตล์ที่มีอิทธิพลต่อศิลปินจิตรกร ประติมากร สถาปนิก และนักออกแบบหลายรุ่น และยังคงชี้นำความคิดสร้างสรรค์ในปัจจุบัน
Piet Mondrian - Tableau I, 1921. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 96.5 ซม. x 60.5 ซม. พิพิธภัณฑ์ Ludwig, โคโลญ, เยอรมนี
ในปี 1925 Joan Miró ได้ทำลายกำแพงระหว่างนามธรรมและเหนือจริงด้วยภาพวาด La mancha roja (จุดแดง) Miró ไม่ได้ถือว่าตัวเองเป็นศิลปินนามธรรม เขากล่าวว่าเขากลับบ้านไปยังบ้านเล็ก ๆ ของเขา หิวและเหน็ดเหนื่อย และวาดภาพที่เขาเห็นในหัว La mancha roja (จุดแดง) อยู่บนเส้นบาง ๆ ระหว่างรูปทรงมนุษย์ในลักษณะเหมือนสัญลักษณ์ ความฝัน และนามธรรมแท้ ๆ ภาพนี้มีความรู้สึกเหมือนเด็กแต่ก็แฝงความน่ากลัวบางอย่างอยู่ ด้วยผลงานชุดนี้ Miró ได้เปิดประตูสู่สัญลักษณ์ที่ซ่อนเร้นของฝันร้ายและความฝันของเรา
Joan Miro - La mancha roja (จุดแดง), 1925. สีน้ำมันและสีพาสเทลบนผ้าใบ ขนาด 146 x 114 ซม. คอลเลกชัน Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía © มูลนิธิ Joan Miro, บาร์เซโลนา
ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1930 – 1940
เมื่อโลกตะวันตกตกเข้าสู่ภาวะซึมเศร้า ความอดอยาก และสงครามเป็นครั้งที่สองในศตวรรษที่ 20 นามธรรมได้กลายเป็นพลังสำคัญในโลกศิลปะ ศิลปินที่ทำงานในสไตล์นี้ใช้วิธีการที่หลากหลายอย่างน่าทึ่ง แต่ละคนมีส่วนร่วมในการพยายามเชื่อมต่อกับสิ่งที่บริสุทธิ์ จริงแท้ และเสรีภาพภายในจิตวิญญาณมนุษย์ ในสหราชอาณาจักร จิตรกร Ben Nicholson ขยายงานนามธรรมของเขาไปสู่ชุดภาพวาดที่เขาเรียกว่า ภาพนูนขาว หนึ่งในผลงานสำคัญในช่วงแรกของเขา 1935 (white relief) ได้เปิดทางสายตาใหม่ ทำให้ Nicholson เป็นหนึ่งในเสียงสำคัญของนามธรรมอังกฤษ Nicholson เป็นเพื่อนและได้รับอิทธิพลจากจิตรกร Piet Mondrian งานนูนขาวขยายการใช้เส้นขอบแข็งและพื้นที่เรขาคณิตของ Mondrian โดยเพิ่มชั้นมิติและโทนสีโมโนโครม ภาพนูนขาวชุดแรกของ Nicholson สร้างขึ้นในปี 1933 และเมื่อ 1935 (white relief) ถูกสร้างขึ้น เขาได้กำหนดสไตล์ที่ผสมผสานองค์ประกอบของนามธรรม คอนสตรัคติวิสม์ ศิลปะคอนกรีต และบ่งบอกถึงเมล็ดพันธุ์แรกของ มินิมัลลิสม์ และ โพสต์เพนเทอร์ลี่ นามธรรม
ในอีกด้านหนึ่งของสเปกตรัมในช่วงทศวรรษ 1930 และ 1940 คือกลุ่มนามธรรมแสดงออก หรือที่รู้จักกันในชื่อ โรงเรียนแห่งนิวยอร์ก พวกเขาปฏิเสธอย่างสิ้นเชิงต่อภูมิศาสตร์เชิงเหตุผลและการลดทอนพื้นที่ของศิลปินอย่าง Mondrian และ Nicholson กลุ่มนี้พยายามเชื่อมต่อกับอารมณ์ดิบในงานของพวกเขา ไม่มีศิลปินนามธรรมแสดงออกคนใดที่มีอิทธิพลและประสบความสำเร็จเท่ากับ Jackson Pollock
Pollock เป็นคนติดสุราและมีอาการประสาท เขาได้รับแรงบันดาลใจจากจิตวิเคราะห์เพื่อค้นหาความลึกในจิตใต้สำนึกของเขา งานของเขาใช้ร่างกายและภาพสัญลักษณ์ในจิตใต้สำนึกเพื่อสร้างภาพที่แสดงความวิตกกังวลในยุคหลังสงคราม หนึ่งในภาพหยดสีแรกของ Pollock คือ Full Fathom Five วาดในปี 1947 ซึ่งเปลี่ยนแปลงศิลปะนามธรรมตลอดไป งานนี้เป็นการผสมผสานระหว่างสไตล์แปรงก่อนหน้าและเทคนิคหยดสีที่มีวิสัยทัศน์ รวมถึงเหรียญ ก้นบุหรี่ และเศษวัสดุอื่น ๆ จากสตูดิโอของเขา สร้างพื้นผิวและความลึกที่ไม่เคยมีมาก่อนในนามธรรม Full Fathom Five เป็นจุดเปลี่ยนในอาชีพของ Pollock และเปลี่ยนความสัมพันธ์ของเรากับผืนผ้าใบตลอดไป
Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. สีน้ำมันบนผ้าใบพร้อมตะปู หมุด กระดุม กุญแจ เหรียญ บุหรี่ ไม้ขีดไฟ ฯลฯ ขนาด 50 7/8 x 30 1/8 นิ้ว © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก
ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1950
ในทศวรรษ 1950 กลุ่มนามธรรมแสดงออกได้ครอบงำจินตนาการของโลกศิลปะอย่างแน่นแฟ้น ศิลปินทุกแห่งพยายามเชื่อมต่อกับตัวตนดั้งเดิม จิตใต้สำนึก และภาพที่ซ่อนเร้นในจิตใต้สำนึก ท่ามกลางความกระตือรือร้นนี้เกิดแนวโน้มสู่ความสงบ ซึ่งเกิดจากความสนใจในปรัชญาตะวันออก เช่น เต๋าและพุทธเซน หนึ่งในขบวนการที่ลึกซึ้งที่สุดที่เกิดขึ้นในช่วงนี้คือสไตล์ภาพวาดนามธรรมที่เรียกว่า ภาพวาดสีพื้น
วัตถุประสงค์ของภาพวาดสีพื้น ตามที่เข้าใจกันโดยทั่วไป คือการสำรวจสีโดยแยกออกจากเนื้อหา รูปทรง เส้น และข้อจำกัดอื่น ๆ ของการสร้างภาพ ศิลปินพยายามสร้างคุณสมบัติที่ทำให้เกิดสมาธิ และหากประสบความสำเร็จ คุณสมบัตินั้นจะถูกถ่ายทอดจากงานไปยังผู้ชม
ศิลปินนามธรรม Helen Frankenthaler เป็นหนึ่งในเสียงที่ลึกซึ้งที่สุดของขบวนการภาพวาดสีพื้น ด้วยภาพวาด Mountains and Sea วาดในปี 1952 Frankenthaler ได้นำเสนอเทคนิคใหม่ที่เธอคิดค้นขึ้นเรียกว่า “กระบวนการซึมเปื้อน” ในกระบวนการนี้ Frankenthaler ใช้เทอร์พีนทีนเจือจางสีของเธอ เธอเทสีเจือจางลงบนผ้าใบที่ไม่ได้เตรียมไว้บนพื้นอย่างระมัดระวัง ให้สีซึมผ่านผ้าใบอย่างสมบูรณ์ สร้างพื้นผิวและรูปลักษณ์ใหม่ทั้งหมด กระบวนการซึมเปื้อนสร้างทุ่งสีที่งดงามซึ่งมีรูปร่างเหมือนสิ่งมีชีวิตที่เปลี่ยนแปลงไป สัมผัสถึงความสงบ Mountains and Sea ของ Frankenthaler ถือเป็นหนึ่งในความสำเร็จแรกของขบวนการภาพวาดสีพื้น และยังคงเป็นภาพที่น่ารักที่สุดภาพหนึ่งในปัจจุบัน
Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. สีน้ำมันและถ่านบนผ้าใบ ขนาด 86 5/8 x 117 ¼ นิ้ว © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก
ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดที่เกี่ยวข้องกับศิลปินภาพวาดสีพื้นคือ Mark Rothko ศิลปินที่ปฏิเสธฉลากนี้และฉลากอื่น ๆ อย่างรุนแรง Rothko ทำงานกับสีอย่างเต็มที่ พยายามเปิดมิติทางจิตวิญญาณที่เขาและผู้ชมสามารถสัมผัสถึงความลึกของอารมณ์มนุษย์ แม้จะมุ่งเน้นที่สีอย่างเต็มที่ Rothko ก็ปฏิเสธว่าสีเป็นเพียงสื่อกลางที่ทำให้เกิดการเชื่อมต่อทางจิตวิญญาณนี้ หนึ่งในผลงานสำคัญในช่วงแรกของ Rothko คือ No. 2, Green, Red and Blue วาดในปี 1953 ชิ้นนี้เป็นสัญลักษณ์ของผลงานในอนาคตของ Rothko กำหนดเสียงของเขาในฐานะผู้ที่มีเอกลักษณ์และน่ารักในโลกของศิลปะนามธรรมและจิตวิญญาณที่สูงส่ง
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue, 1953. คอลเลกชันส่วนตัว
ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1960 – 1970
เมื่อศิลปะนามธรรมเข้าสู่ทศวรรษ 1960 และ 1970 ศิลปินหลายคนเริ่มปฏิเสธแนวคิดพื้นฐานของมัน กลับไปสู่การวาดภาพรูปทรง และสำรวจขอบเขตของ ศิลปะแนวคิด อย่างไรก็ตาม พลังของความชัดเจนและเสรีภาพของนามธรรมยังคงมีความหวังอย่างมาก หนึ่งในเสียงที่งดงามที่สุดของช่วงนี้คือ Agnes Martin ศิลปินนามธรรมชาวอเมริกันที่รู้จักกันดีในภาพวาดกริดเส้นของเธอ Martin ยังคงเป็นเสียงที่เป็นสัญลักษณ์ของศิลปะนามธรรม
ภาพวาด Night Sea ของ Agnes Martin ที่สร้างในปี 1963 เป็นตัวอย่างแรก ๆ ของสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเธอ ในงานนี้ พื้นหลังสีน้ำเงินเกือบโมโนโครมถูกตัดทอนด้วยลวดลายกริดที่วาดด้วยแผ่นทอง งานนี้ยอมรับสีในขณะที่ให้ความสำคัญเท่าเทียมกับเส้น มันเรียบง่ายแต่สื่อถึงความกว้างใหญ่ ซับซ้อน และความสัมพันธ์ที่สอดประสานกัน Martin กล่าวถึงเส้นว่าเป็นตัวแทนของความบริสุทธิ์ใจ เธอหวังว่าความรู้สึกบริสุทธิ์ใจนี้จะถูกถ่ายทอดไปยังผู้ชมผ่านงานของเธอ ความเรียบง่ายของภาพและความตรงไปตรงมาของอารมณ์ที่เธอต้องการสื่อสารมีบทบาทสำคัญในการเชื่อมช่องว่างระหว่างนามธรรมแสดงออกและมินิมัลลิสม์
Agnes Martin - Night Sea, 1963. สีน้ำมันและแผ่นทองบนผ้าใบ ขนาด 72 x 72 นิ้ว © มรดกของ Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก
ในทศวรรษ 1970 Robert Motherwell ได้เขย่าความโลกของนามธรรมอีกครั้งด้วยเสียงที่ดูเหมือนตรงข้ามกับเสน่ห์ของมินิมัลลิสม์ ท่าทางดิบ ๆ ของเขาสื่อถึงพลัง ความแข็งแกร่ง และความวิตกกังวลในเวลาเดียวกัน มีความแข็งแกร่งอย่างอดทนและอารมณ์ลึกซึ้งที่แสดงถึงพลังและเสรีภาพของนามธรรมแท้
ผลงานที่เป็นเอกลักษณ์ของ Motherwell คือ Elegy to the Spanish Republic No. 110 สร้างในปี 1971 พลังที่ดุเดือดของภาพนี้โอบล้อมผู้ชมและดูเหมือนจะระเบิดออกจากผืนผ้าใบ มีชีวิตชีวาที่น่าตกใจ ความก้าวร้าวที่ถ่ายทอดอารมณ์และความโกรธไปยังพื้นที่ ในช่วงเวลาที่ศิลปินหลายคนคิดว่านามธรรมได้หมดบทบาทแล้ว Motherwell ได้เติมพลังชีวิตใหม่ให้กับสไตล์นี้ วิสัยทัศน์ใหม่และเสียงมั่นใจของเขาช่วยให้นามธรรมยังคงอยู่ และยังคงเป็นแรงบันดาลใจและเสริมพลังให้ศิลปินนามธรรมจนถึงทุกวันนี้
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. อะคริลิกกับกราไฟต์และถ่านบนผ้าใบ ขนาด 82 x 114 นิ้ว พิพิธภัณฑ์ Solomon R. Guggenheim Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./ได้รับอนุญาตโดย VAGA ที่ Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก
การเปลี่ยนแปลงมุมมองของเราเกี่ยวกับอนาคต
ศิลปินนามธรรมร่วมสมัยในวันนี้เป็นหนี้บุญคุณศิลปินเหล่านี้ ทั้งในแง่ของวิธีที่พวกเขาแสวงหาเสรีภาพในการแสดงออก และในแง่ของวิธีที่พวกเขาช่วยให้ผู้ชมเปิดใจสู่วิธีการมองเห็นใหม่ ๆ นามธรรมยังคงเปิดประตูใหม่ให้เราในขณะที่เราพยายามเข้าใจความซับซ้อนที่ไม่มีที่สิ้นสุดที่สังคมที่พัฒนาเปลี่ยนแปลงนำเสนอ ด้วยการอ้างอิงตัวอย่างของศิลปินนามธรรมที่ยิ่งใหญ่ในอดีต ศิลปินนามธรรมในวันนี้และวันข้างหน้าหวังว่าจะช่วยเราแปลความวิตกกังวลและความกลัวร่วมสมัย และช่วยให้เราเห็นเกินขีดจำกัดของสายตาของเราเอง
ภาพเด่น: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก / ADAGP, ปารีส / Erich Lessing / Art Resource, นิวยอร์ก
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
