ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งเปลี่ยนแปลงวิธีที่เรารับรู้ศิลปะ

“ภาพที่เราสามารถมีได้ อาจกล่าวได้ ขึ้นอยู่กับว่าใครเป็นผู้จินตนาการ” - จอห์น ฮอสเปอร์ส จาก An Introduction to Philosophical Analysis

เราขึ้นอยู่กับผู้มีวิสัยทัศน์ในการเปิดประตูที่ซ่อนอยู่ เพื่อที่เราจะได้เห็นส่วนต่าง ๆ ของโลก และส่วนต่าง ๆ ของตัวเรา ที่อาจจะยังคงซ่อนเร้นอยู่ วิสัยทัศน์เป็นความเชี่ยวชาญของศิลปินนามธรรม และตลอดระยะเวลา 100 ปีที่ผ่านมา ผลงาน ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง หลายชิ้นได้ประสบความสำเร็จในการขยายมุมมองของมนุษยชาติ ผู้มีวิสัยทัศน์ที่สร้างสรรค์ภาพเหล่านั้นไม่เพียงแต่มอบของขวัญแห่งสิ่งใหม่ ๆ ให้กับเรา ผู้ชม แต่พวกเขายังเสนอวิธีการมองใหม่ ๆ ที่แตกต่างออกไปอีกด้วย.

ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1910 – 1920

ต้องยอมรับว่าบางส่วนของการเลือกในบทความนี้อาจจะเป็นที่ถกเถียง เนื่องจากผู้รักศิลปะนามธรรมแต่ละคนมีรสนิยมที่แตกต่างกัน แต่ส่วนใหญ่คงจะเห็นด้วยกับการเลือกครั้งแรกของเราเกี่ยวกับ ภาพวาดนามธรรม ที่เปลี่ยนแปลงวิธีที่เรารับรู้ศิลปะ Untitled (First Abstract Watercolor) ของวาสซิลี คันดินสกี ถูกวาดขึ้นในปี 1910 และถือโดยนักประวัติศาสตร์ศิลปะว่าเป็นภาพวาดนามธรรมที่บริสุทธิ์ที่สุดเป็นครั้งแรก การแสดงออกอย่างกล้าหาญของจุด สีสดใส รอยเปื้อน และเส้นต่างๆ ได้ละทิ้งการอ้างอิงทางสายตาทั้งหมดต่อความเป็นจริงเชิงวัตถุ ภาพวาดนี้ปลดปล่อยศิลปินจากการผูกพันกับเนื้อหาและเชิญชวนผู้ชมให้มีส่วนร่วมในวิธีใหม่ทั้งหมดกับแนวคิดเกี่ยวกับสิ่งที่ภาพสามารถเป็นได้.

วาซิลี คันดินสกี - ไม่มีชื่อ (สีน้ำแบบนามธรรมชิ้นแรก), 1910. สีน้ำและหมึกอินเดียและดินสอบนกระดาษ. 19.5 × 25.5. ศูนย์จอร์จ ปอมปิดู, ปารีส

สิบเอ็ดปีต่อมาในปี 1921 ปีเอต มอนเดรียน ได้วาดภาพ Tableau I ที่มีชื่อเสียง หลังจากช่วงเวลาที่ทดลองกับเสียงใหม่ที่เกิดขึ้น Tableau I ได้ทำให้เห็นถึงสไตล์ที่กลายเป็นเอกลักษณ์ของมอนเดรียน เส้นดำที่แข็งและพื้นที่สีที่แบ่งแยกให้ผู้ชมได้เห็นถึงเรขาคณิตที่บริสุทธิ์และความแม่นยำทางคณิตศาสตร์ เส้นที่สะอาดและความแม่นยำของงานนี้ไม่ได้อ้างอิงถึงสิ่งใดนอกจากรูปทรง สี และเส้น งานนี้ได้เปิดตัวสไตล์ที่มีอิทธิพลต่อศิลปิน นักปั้น สถาปนิก และนักออกแบบรุ่นต่อๆ มา และยังคงเป็นแนวทางให้กับนักคิดสร้างสรรค์ในปัจจุบัน.

ปีเอต มอนเดรียน - ตารางที่ I, 1921. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 96.5 ซม. x 60.5 ซม. พิพิธภัณฑ์ลุดวิก, โคโลญ, เยอรมนี

ในปี 1925 โจน มิโร ได้ทำลายอุปสรรคระหว่างนามธรรมและเซอร์เรียลลิซึมด้วยภาพวาด La mancha roja (จุดแดง) มิโรไม่ถือว่าตนเองเป็นนักนามธรรม เขากล่าวว่าเขากลับบ้านไปยังบ้านเล็กๆ ของเขา หิวโหยและเหนื่อยล้า และวาดภาพที่เขาเห็นในหัว La mancha roja (จุดแดง) ยืนอยู่บนเส้นบางๆ ระหว่างการแสดงออกที่มีลักษณะคล้ายมนุษย์ โทเท็มที่เหมือนความฝัน และนามธรรมบริสุทธิ์ มีบางสิ่งที่เหมือนเด็ก แต่กลับน่าสยดสยองซ่อนอยู่ในภาพนี้ ด้วยผลงานชุดนี้ มิโรได้เปิดประตูสู่สัญลักษณ์ที่ซ่อนอยู่ของฝันร้ายและความฝันของเรา.

โจอัน มิโร - จุดแดง (La mancha roja), 1925. สีน้ำมันและชอล์กบนผ้าใบ. 146 x 114 ซม. คอลเลกชันพิพิธภัณฑ์แห่งชาติศูนย์ศิลปะเรย์นาโซเฟีย. © มูลนิธิโจอัน มิโร, บาร์เซโลนา

ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ปี 1930 – 1940

ในขณะที่โลกตะวันตกตกอยู่ในภาวะซึมเศร้า อดอยาก และสงครามเป็นครั้งที่สองในศตวรรษที่ 20 นามธรรมได้ถูกกำหนดให้เป็นพลังสำคัญในโลกศิลปะอย่างมั่นคง ศิลปินที่ทำงานในสไตล์นี้ได้ใช้วิธีการที่หลากหลายอย่างน่าทึ่ง โดยแต่ละคนมีส่วนร่วมในการพยายามเชื่อมต่อกับสิ่งที่บริสุทธิ์ สิ่งที่แท้จริง และสิ่งที่เป็นอิสระภายในจิตวิญญาณของมนุษย์ ในสหราชอาณาจักร จิตรกร เบน นิโคลสัน ได้ขยายงานนามธรรมของเขาไปสู่ผลงานที่เขาเรียกว่า "ภาพวาดแบบขาว" หนึ่งในผลงานที่สำคัญในช่วงต้นของเขา 1935 (white relief) ได้สร้างพื้นฐานทางสายตาใหม่ ทำให้เขาเป็นหนึ่งในเสียงที่สำคัญที่สุดของนามธรรมอังกฤษ นิโคลสันเป็นเพื่อนของและได้รับอิทธิพลจากจิตรกร ปีต มอนเดรียน ผลงานแบบขาวได้ขยายการใช้เส้นขอบที่คมชัดและพื้นที่เรขาคณิตของมอนเดรียน โดยแนะนำการจัดชั้นมิติและพาเลตสีโมโนโครม ภาพวาดแบบขาวของนิโคลสันถูกสร้างขึ้นในปี 1933 และเมื่อ 1935 (white relief) ถูกสร้างขึ้น เขาได้ทำให้สไตล์ที่รวมองค์ประกอบของนามธรรม คอนสตรัคติวิสต์ ศิลปะคอนกรีต และซึ่งแนะนำเมล็ดพันธุ์แรกของ มินิมัลลิสม์ และ นามธรรมหลังการวาดภาพ.

ในอีกด้านหนึ่งของสเปกตรัมในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 คือกลุ่ม Abstract Expressionists หรือที่รู้จักกันในชื่อ New York School โดยปฏิเสธภูมิศาสตร์ที่มีเหตุผลและการลดพื้นที่ของศิลปินอย่าง Mondrian และ Nicholson อย่างสิ้นเชิง กลุ่ม Ab Ex-ers มุ่งหวังที่จะเชื่อมต่อกับอารมณ์ดิบในงานของพวกเขา ไม่มี Abstract Expressionist คนไหนที่มีอิทธิพลและประสบความสำเร็จในการแสดงออกถึงสไตล์นี้มากกว่า Jackson Pollock.

นักดื่มที่มีชื่อเสียงและมีอาการประสาทหลอน โพลล็อกได้รับแรงบันดาลใจจากจิตวิเคราะห์ให้เข้าถึงจิตใต้สำนึกของเขาเพื่อค้นหาแรงบันดาลใจ ผลงานของเขาอิงจากร่างกายและภาพสัญลักษณ์ที่ไม่รู้ตัวเพื่อสร้างภาพที่รุนแรงของความวิตกกังวลในยุคสมัยใหม่หลังสงคราม หนึ่งในภาพวาดแบบหยดแรกของโพลล็อก Full Fathom Five ที่วาดในปี 1947 เปลี่ยนแปลงศิลปะนามธรรมไปตลอดกาล ผลงานนี้เป็นการรวมกันของสไตล์การใช้แปรงในอดีตของเขาและเทคนิคการหยดที่มีวิสัยทัศน์ของเขา มันรวมถึงเหรียญ ก้นบุหรี่ และชิ้นส่วนสุ่มอื่น ๆ จากสตูดิโอของเขา สร้างระดับพื้นผิวและความลึกที่ใหม่ต่อการนามธรรม Full Fathom Five นำมาซึ่งจุดเปลี่ยนในอาชีพของโพลล็อก และเปลี่ยนแปลงความสัมพันธ์ของเรากับผืนผ้าใบไปตลอดกาล.

แจ็คสัน พอลล็อก - ฟูลแฟธอมไฟฟ์, 1947. สีน้ำมันบนผ้าใบพร้อมตะปู, หมุด, กระดุม, กุญแจ, เหรียญ, บุหรี่, ไฟแช็ก, ฯลฯ ขนาด 50 7/8 x 30 1/8 นิ้ว © 2019 มูลนิธิพอลล็อก-คราสเนอร์ / สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1950

ในทศวรรษ 1950, กลุ่มศิลปิน Abstract Expressionists ได้เข้ามาครอบงำจินตนาการของโลกศิลปะอย่างมั่นคง ทุกที่, ศิลปินต่างพยายามที่จะเชื่อมต่อกับตัวตนดั้งเดิม, จิตไร้สำนึก, และภาพลักษณ์ที่ซ่อนอยู่ของจิตใต้สำนึก ในท่ามกลางความร้อนแรงนี้ เกิดแนวโน้มไปสู่ความสงบ ซึ่งเกิดขึ้นบางส่วนจากความสนใจที่เพิ่มขึ้นในหมู่ศิลปินหลายคนในปรัชญาตะวันออก เช่น เต๋าและเซนพุทธศาสนา หนึ่งในขบวนการที่ลึกซึ้งที่สุดที่เกิดขึ้นจากช่วงเวลานี้คือสไตล์การวาดภาพ Abstract ที่รู้จักกันในชื่อ Color Field Painting.

วัตถุประสงค์ของการวาดภาพสีฟิลด์ ซึ่งเป็นที่เข้าใจกันโดยทั่วไป คือการสำรวจสีอย่างอิสระจากเนื้อหา รูปแบบ เส้น และข้อจำกัดอื่น ๆ ของการสร้างภาพ คุณภาพที่ทำให้เกิดสมาธิถูกค้นหาโดยจิตรกร และหากประสบความสำเร็จจะถูกถ่ายทอดจากงานไปยังผู้ชมต่อไป.

จิตรกรนามธรรม เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ เป็นหนึ่งในเสียงที่ลึกซึ้งที่สุดของขบวนการ Color Field ด้วยผลงานจิตรกรรม Mountains and Sea ที่วาดในปี 1952 แฟรงเคนธาเลอร์ได้นำเสนอเทคนิคการวาดภาพใหม่ที่เธอประดิษฐ์ขึ้นซึ่งเรียกว่า “กระบวนการซึม-เปื้อน” ในกระบวนการนี้ แฟรงเคนธาเลอร์ใช้เทอร์ปีนเพื่อทำให้ความหนืดของสีของเธอลดลง เธอได้เทสีที่ทำให้บางลงอย่างระมัดระวังลงบนผ้าใบที่ยังไม่ได้เคลือบซึ่งวางอยู่บนพื้น โดยให้สีซึมผ่านผ้าใบอย่างเต็มที่ ทำให้ผลงานมีเนื้อสัมผัสและลักษณะที่ใหม่โดยสิ้นเชิง กระบวนการซึม-เปื้อนสร้างพื้นที่สีที่งดงามซึ่งมีรูปทรงที่เป็นออร์แกนิกและเปลี่ยนแปลงได้ซึ่งสัมผัสกับความสงบ Mountains and Sea ของแฟรงเคนธาเลอร์ถือเป็นหนึ่งในความสำเร็จแรกๆ ของขบวนการ Color Field และยังคงเป็นหนึ่งในภาพที่น่ารักที่สุดในปัจจุบัน.

เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ - ภูเขาและทะเล, 1952. น้ำมันและถ่านบนผ้าใบ. 86 5/8 x 117 ¼ นิ้ว. © 2019 มูลนิธิเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์, Inc./สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดที่เกี่ยวข้องกับศิลปิน Color Field อาจจะเป็น Mark Rothko ซึ่งเป็นศิลปินที่ปฏิเสธอย่างรุนแรงต่อป้ายกำกับนั้นและป้ายกำกับอื่น ๆ ส่วนใหญ่ โรธโกทำงานทั้งหมดด้วยสี โดยมุ่งหวังที่จะเปิดพื้นที่ทางจิตวิญญาณที่เขาและผู้ชมสามารถสัมผัสถึงความลึกซึ้งของอารมณ์มนุษย์ แม้ว่าเขาจะมุ่งเน้นไปที่สีอย่างเต็มที่ โรธโกกลับมองว่ามันเป็นเพียงยานพาหนะที่สามารถสร้างการเชื่อมต่อทางจิตวิญญาณนี้ได้ หนึ่งในผลงานที่กำหนดตัวตนของโรธโกในช่วงต้นคือ No. 2, Green, Red and Blue ซึ่งวาดในปี 1953 ผลงานชิ้นนี้เป็นสัญลักษณ์ของผลงานในอนาคตของโรธโก โดยกำหนดเสียงของเขาในฐานะผู้ที่มีเสน่ห์เฉพาะตัวในโลกของศิลปะนามธรรมและจิตวิญญาณที่สูงส่ง.

มาร์ค รอธโก - หมายเลข 2, เขียว, แดง และน้ำเงิน, 1953. คอลเลกชันส่วนตัว

ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1960 – 1970

เมื่อการนามธรรมเข้าสู่ทศวรรษ 1960 และ 1970 จิตรกรหลายคนเริ่มปฏิเสธแนวคิดพื้นฐานของมัน กลับไปสู่การวาดภาพที่มีรูปทรงและสำรวจอาณาจักรของ ศิลปะเชิงแนวคิด อย่างไรก็ตาม พลังของความชัดเจนและเสรีภาพของการนามธรรมยังคงมีความหวังอย่างยิ่ง หนึ่งในเสียงที่งดงามที่สุดในช่วงเวลานี้คือจิตรกรนามธรรมชาวอเมริกัน อักเนส มาร์ติน ซึ่งเป็นที่รู้จักจากภาพวาดตารางเส้น มาร์ตินยังคงเป็นเสียงที่เป็นสัญลักษณ์ของศิลปะนามธรรม.

ภาพวาด Night Sea ของ Agnes Martin ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1963 เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรก ๆ ของสิ่งที่จะกลายเป็นสไตล์ที่ชัดเจนของเธอ ในงานนี้ พื้นหลังสีน้ำเงินเกือบจะโมโนโครมถูกตัดขวางด้วยลวดลายกริดที่ละเอียดซึ่งทาสีด้วยทองคำ งานนี้ยอมรับสี ในขณะที่ให้ความสำคัญกับเส้นอย่างเท่าเทียมกัน มันยอมรับความเรียบง่ายในขณะที่สื่อสารถึงความกว้างใหญ่ ความซับซ้อน และความรู้สึกของการพึ่งพาอาศัยกันอย่างซับซ้อน มาร์ตินพูดถึงว่าเส้นสำหรับเธอเป็นตัวแทนของความบริสุทธิ์ เธอหวังว่าความรู้สึกของความบริสุทธิ์จะถูกถ่ายทอดไปยังผู้ชมผ่านผลงานของเธอ ความเรียบง่ายของภาพของเธอ และความตรงไปตรงมาของอารมณ์ที่เธอหวังจะสื่อสารนั้นมีบทบาทสำคัญในการเชื่อมช่องว่างระหว่าง Abstract Expressionism และ Minimalism.

อักเนส มาร์ติน - คืนทะเล, 1963. สีน้ำมันและแผ่นทองคำบนผ้าใบ. 72 x 72 นิ้ว. © มรดกของอักเนส มาร์ติน / สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

ในทศวรรษ 1970 โรเบิร์ต มัทเธอร์เวลล์ ได้เขย่าวงการนามธรรมอีกครั้งด้วยเสียงที่ดูเหมือนจะเป็นอันตรงข้ามกับเสน่ห์ของมินิมัลลิซึม การเคลื่อนไหวที่ดิบและแข็งแกร่งของเขาสื่อถึงพลังงาน ความแข็งแกร่ง และความวิตกกังวลในเวลาเดียวกัน มีความแข็งแกร่งที่เงียบขรึมในนั้น แต่กลับมีอารมณ์ลึกซึ้งที่แสดงออกมา ซึ่งเป็นตัวแทนของพลังและเสรีภาพของนามธรรมบริสุทธิ์.

ผลงานที่สำคัญที่สุดของ Motherwell เกิดขึ้นในปี 1971 และมีชื่อว่า Elegy to the Spanish Republic No. 110. พลังงานที่รุนแรงของภาพวาดนี้ห่อหุ้มผู้ชมและดูเหมือนจะระเบิดออกจากผืนผ้าใบ มีความมีชีวิตชีวาที่น่าตกใจอยู่ในนั้น ความก้าวร้าวที่ถ่ายทอดอารมณ์และความโกรธเข้าสู่พื้นที่ ในช่วงเวลาที่จิตรกรหลายคนคิดว่าการ Abstraction ได้เล่นบทบาทของมันจนหมดแล้ว Motherwell ได้ฉีดพลังชีวิตใหม่ที่ทรงพลังเข้าสู่สไตล์นี้ วิสัยทัศน์ที่สดใหม่และเสียงที่มั่นใจของเขาช่วยให้ Abstraction ยังคงอยู่และยังคงสร้างแรงบันดาลใจและเสริมพลังให้กับศิลปิน Abstract จนถึงทุกวันนี้.

โรเบิร์ต มอเธอร์เวลล์ - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. อะคริลิกผสมกราไฟต์และถ่านบนผ้าใบ ขนาด 82 x 114 นิ้ว. พิพิธภัณฑ์โซโลมอน อาร์. กุกเกนไฮม์. โรเบิร์ต มอเธอร์เวลล์ © มูลนิธิเดดาลุส, Inc./ได้รับอนุญาตโดย VAGA ที่สมาคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

การเปลี่ยนแปลงการรับรู้เกี่ยวกับอนาคต

ศิลปินนามธรรมร่วมสมัยในวันนี้มีหนี้สินต่อศิลปินแต่ละคนเหล่านี้ ทั้งในแง่ที่พวกเขามองหาความเป็นอิสระในรูปแบบการแสดงออกของพวกเขา และในแง่ที่พวกเขาช่วยให้ผู้ชมเปิดใจรับมุมมองใหม่ ๆ การนามธรรมยังคงเปิดประตูใหม่ ๆ ให้กับเราในขณะที่เราพยายามทำความเข้าใจความซับซ้อนที่ไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งสังคมที่พัฒนาอย่างต่อเนื่องนำเสนอให้เรา โดยการอิงจากตัวอย่างของศิลปินนามธรรมที่ยิ่งใหญ่ในอดีต ศิลปินนามธรรมในวันนี้และวันพรุ่งนี้หวังว่าจะช่วยให้เราถ่ายทอดความวิตกกังวลและความกลัวในยุคปัจจุบันของเรา และช่วยให้เราเห็นเกินขีดจำกัดของตาของเราเอง.

ภาพเด่น: วาซิลี่ คันดินสกี้ - คอมโพสิตชัน VII, 1913. © วาซิลี่ คันดินสกี้ / สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก / ADAGP, ปารีส / เอริช เลสซิง / อาร์ตรีซอร์ส, นิวยอร์ก
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ