ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งเปลี่ยนแปลงวิธีที่เรารับรู้ศิลปะ

“อาจกล่าวได้ว่า ภาพที่เราสามารถมีได้นั้นขึ้นอยู่กับว่าใครเป็นผู้จินตนาการ” - John Hospers จาก บทนำสู่การวิเคราะห์เชิงปรัชญา

เราพึ่งพาผู้มีวิสัยทัศน์เพื่อเปิดประตูที่ซ่อนอยู่ เพื่อให้เราอาจมองเห็นส่วนต่างๆ ของโลกและส่วนต่างๆ ของตัวเราเองที่อาจยังคงซ่อนเร้นอยู่ วิสัยทัศน์คือความเชี่ยวชาญของศิลปินนามธรรม และตลอดกว่า 100 ปีที่ผ่านมา ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง จำนวนมากได้ช่วยขยายมุมมองของมนุษยชาติ ผู้มีวิสัยทัศน์ที่สร้างภาพเหล่านั้นไม่เพียงมอบของขวัญแห่งสิ่งใหม่ๆ ให้เราในฐานะผู้ชมได้มองเห็น แต่ยังมอบวิธีการมองเห็นแบบใหม่โดยสิ้นเชิงให้แก่เรา

ความก้าวหน้าเหล่านี้ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงในประวัติศาสตร์ศิลปะเท่านั้น ควบคู่กับศิลปินในประวัติศาสตร์แต่ละคนที่กล่าวถึงด้านล่าง เราจะพิจารณาผลงานที่มีจำหน่ายผ่าน IdeelArt ซึ่งเข้าถึงคำถามที่เกี่ยวข้องกับเส้น เรขาคณิต วัสดุ หรือสีในแนวทางที่ใกล้เคียงกัน การจับคู่เหล่านี้เป็นคำเชื้อเชิญให้มอง ไม่ใช่การอ้างถึงอิทธิพลโดยตรง ศิลปินแต่ละคนมอบภาษาของตนเองให้กับคำถามร่วมเหล่านี้

ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1910 - 1920

ยอมรับกันตามตรงว่า ผลงานบางชิ้นที่เราเลือกมาในบทความนี้อาจก่อให้เกิดข้อถกเถียง เนื่องจากผู้ชื่นชอบศิลปะนามธรรมแต่ละคนมีรสนิยมแตกต่างกัน แต่คนส่วนใหญ่น่าจะเห็นพ้องกับ ภาพวาดนามธรรม ชิ้นแรกของเราที่เปลี่ยนวิธีการรับรู้ศิลปะของเรา ไม่มีชื่อ (สีน้ำเชิงนามธรรมภาพแรก) ของ Wassily Kandinsky วาดขึ้นในปี 1910 และนักประวัติศาสตร์ศิลป์ถือว่าเป็นภาพวาดนามธรรมล้วนภาพแรก การนำเสนอจุดป้ายสี รอยปาด และเส้นสีสันสดใสอย่างโดดเด่นนี้ละทิ้งการอ้างอิงทางสายตาทั้งหมดถึงความเป็นจริงเชิงวัตถุ ภาพวาดนี้ปลดปล่อยศิลปินจากพันธนาการของเนื้อหา และเชื้อเชิญให้ผู้ชมมีส่วนร่วมกับแนวคิดที่ว่าภาพสามารถเป็นอะไรได้ในรูปแบบใหม่โดยสิ้นเชิง

Wassily Kandinsky - ไม่มีชื่อ (สีน้ำเชิงนามธรรมภาพแรก) - 1910
ศูนย์ Georges Pompidou กรุงปารีส

จะเกิดอะไรขึ้นเมื่อเส้นและสีไม่จำเป็นต้องใช้บรรยายวัตถุอีกต่อไป? ใน The Eye Macha Poynder นำเสนอคำตอบร่วมสมัยผ่านรอยเส้นวน แสงวาบฉับพลันของสีเหลืองและสีชมพู และชั้นสีสีน้ำเงินที่ซ้อนทับกันจนสร้างจังหวะทางสายตาอันไม่หยุดนิ่ง ผลงานของเธอผสานการวาดภาพแบบอัตโนมัติ ลีลาเชิงการแสดง และการเลือกสีตามสัญชาตญาณ เมื่อพิจารณาควบคู่กับสีน้ำของ Kandinsky ภาพวาดนี้ชี้ให้เห็นว่านามธรรมสามารถเปลี่ยนการมองให้กลายเป็นประสบการณ์ที่มีส่วนร่วมได้อย่างไร โดยดวงตาติดตามความสัมพันธ์ต่างๆ แทนที่จะระบุว่าเป็นสิ่งใด

สิบเอ็ดปีต่อมาในปี 1921 Piet Mondrian วาด Tableau I อันเป็นผลงานที่มีชื่อเสียงของเขา หลังจากใช้เวลาช่วงหนึ่งทดลองค้นหาเสียงสร้างสรรค์ใหม่ที่กำลังก่อตัวขึ้น Tableau I ได้ทำให้รูปแบบซึ่งต่อมากลายเป็นเอกลักษณ์ของ Mondrian ตกผลึก เส้นสีดำคมชัดและช่องสีที่แบ่งเป็นส่วนๆ เปิดโอกาสให้ผู้ชมได้เห็นเรขาคณิตบริสุทธิ์และความแม่นยำทางคณิตศาสตร์ เส้นสายสะอาดตาและความแม่นยำของผลงานไม่ได้อ้างอิงถึงสิ่งใดนอกจากรูปทรง สี และเส้น ผลงานนี้นำไปสู่รูปแบบศิลปะที่จะมีอิทธิพลต่อจิตรกร ประติมากร สถาปนิก และนักออกแบบหลายรุ่น และยังคงชี้นำผู้มีความคิดสร้างสรรค์ในปัจจุบัน

Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, โคโลญ ประเทศเยอรมนี

เรขาคณิตของ Mondrian ยังชวนให้ตั้งคำถามที่ยังคงเปิดกว้างจนถึงทุกวันนี้ว่า ภาพหนึ่งภาพต้องมีองค์ประกอบน้อยเพียงใดจึงจะเปลี่ยนวิธีที่เรามองเห็นได้ Untitled 1, 2016 ของ Göttin ใช้เส้นทางที่แตกต่างออกไปในพื้นที่ดังกล่าว ช่องสีดำและสีเทาแนวตั้งซึ่งคั่นด้วยเส้นสีขาวสร้างแบบแผนสม่ำเสมอ โดยความเปรียบต่างเลื่อนไหลไปทั่วพื้นผิว แทนที่จะทำซ้ำชุดสีอันเป็นเอกลักษณ์ของ Mondrian Göttin สำรวจสัดส่วน การทำซ้ำ ความสมมาตร และความไม่สมมาตร ความเชื่อมโยงอยู่ที่ประสบการณ์ของผู้ชมต่อความสัมพันธ์ต่างๆ: เส้นไม่ได้เป็นเพียงขอบเขต แต่ยังเป็นสิ่งที่เปลี่ยนแปลงพื้นที่รอบข้าง

ในปี 1925 Joan Miró ทำลายเส้นแบ่งระหว่างศิลปะนามธรรมกับศิลปะเหนือจริงด้วยภาพวาด La mancha roja (จุดสีแดง) Miró ไม่ได้มองว่าตนเองเป็นศิลปินนามธรรม เขากล่าวว่าเขากลับถึงบ้านหลังเล็กของตนด้วยความหิวโหยและเหนื่อยล้า แล้ววาดภาพที่เห็นอยู่ในหัว La mancha roja (จุดสีแดง) ก้าวข้ามเส้นบางๆ ระหว่างการถ่ายทอดรูปร่างแบบมนุษย์ ความคล้ายเสาโทเท็มในความฝัน และนามธรรมบริสุทธิ์ มีบางสิ่งที่ทั้งไร้เดียงสาแบบเด็กและน่าสะพรึงกลัวซ่อนอยู่ภายในภาพ ด้วยผลงานชุดนี้ Miró เปิดประตูอย่างกว้างขวางสู่สัญลักษณ์ที่ซ่อนเร้นในฝันร้ายและความฝันของเรา

Joan Miro - La mancha roja (จุดสีแดง) - 1925
คอลเลกชัน Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
© มูลนิธิ Joan Miro บาร์เซโลนา

รูปทรงของ Miró ล่องลอยอยู่ระหว่างสัญลักษณ์ สิ่งมีชีวิตที่จินตนาการขึ้น และรูปร่างอิสระ ความคลุมเครือในลักษณะเดียวกันขับเคลื่อน Medusae I ของ Daniela Marin ซึ่งรูปทรงลายทาง ลายจุด และแตกแขนงอยู่ร่วมกับโครงสร้างเรขาคณิตแบบเปิดบนพื้นสีขาว ทั้งหมดชวนให้นึกถึงสิ่งมีชีวิต แต่ไม่เผยตัวเป็นฉากใดฉากหนึ่งที่ระบุได้ชัดเจน คลังรูปแบบของ Marin นำรูปทรงอินทรีย์มาสนทนากับเรขาคณิตแบบเมือง โดยอาศัยประสบการณ์และการเดินทางของเธอเอง องค์ประกอบที่สว่างสดใสและแผ่ขยายของเธอแตกต่างจากบรรยากาศชวนไม่สบายใจที่บรรยายไว้ในภาพวาดของ Miró ถึงกระนั้น ทั้งสองผลงานก็เชื้อเชิญให้ผู้ชมเคลื่อนไปมาระหว่างการจดจำกับการสร้างสรรค์: รูปร่างหนึ่งอาจดูมีชีวิตได้โดยไม่กลายเป็นภาพประกอบ

ภาพวาดนามธรรมชื่อดัง: ทศวรรษ 1930 – 1940

ขณะที่โลกตะวันตกก้าวเข้าสู่ภาวะเศรษฐกิจตกต่ำ ความอดอยาก และสงครามเป็นครั้งที่สองในศตวรรษที่ 20 ศิลปะนามธรรมก็ได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงว่าเป็นพลังสำคัญในวงการศิลปะ ศิลปินที่ทำงานในแนวทางนี้ต่างใช้วิธีการอันหลากหลาย โดยแต่ละคนมีส่วนช่วยผลักดันความพยายามที่เพิ่มขึ้นในการเชื่อมโยงกับบางสิ่งที่บริสุทธิ์ บางสิ่งที่เป็นจริง และบางสิ่งที่เป็นอิสระภายในจิตวิญญาณของมนุษย์ ในบริเตนใหญ่ จิตรกร Ben Nicholson ขยายผลงานศิลปะนามธรรมของเขาไปสู่ผลงานชุดหนึ่งที่เขาเรียกว่าภาพเขียนนูนสีขาว ผลงานเหล่านี้รวมถึง White Relief, Quai d’Auteuil (1935) ซึ่งเป็นตัวอย่างของแนวทางที่ทำให้ Nicholson กลายเป็นหนึ่งในเสียงสำคัญที่สุดของศิลปะนามธรรมอังกฤษ Nicholson เป็นเพื่อนและได้รับอิทธิพลจาก Piet Mondrian จิตรกรชาวดัตช์ ผลงานภาพนูนสีขาวต่อยอดการใช้เส้นขอบคมและพื้นที่เรขาคณิตของ Mondrian ด้วยการนำเสนอการซ้อนชั้นแบบมีมิติและโทนสีเดียว ภาพนูนสีขาวชุดแรกของ Nicholson สร้างขึ้นในปี 1933 และภายในปี 1935 เขาก็พัฒนารูปแบบที่ผสานองค์ประกอบของศิลปะนามธรรม ศิลปะคอนสตรัคติวิสม์ ศิลปะคอนกรีต และชวนให้นึกถึงเมล็ดพันธุ์แรกเริ่มของมินิมอลลิสม์และศิลปะนามธรรมหลังจิตรกรรม

Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
พิพิธภัณฑ์ Hepworth Wakefield

ภาพนูนของ Nicholson ทำให้พื้นที่เองกลายเป็นส่วนที่มีบทบาทในศิลปะนามธรรม ผ่านความสัมพันธ์ระหว่างระนาบ ขอบ และความลึก Jeremy Annear จิตรกรชาวอังกฤษนำเสนอการสนทนาที่ชวนติดตามกับแนวคิดดังกล่าวใน Construct (Red Disc and Triangle) รูปทรงสีขาว สีเทา และสีเอิร์ธโทนที่ซ้อนชั้นกันหมุนวนไปตามเส้นโค้ง ขณะที่ดิสก์และสามเหลี่ยมสีแดงช่วยเน้นจังหวะขององค์ประกอบ Annear สร้างสรรค์ภาพเขียนสีน้ำมันผ่านรูปทรงที่ซ้อนชั้นและพื้นผิวที่มีเท็กซ์เจอร์ ในผลงานนี้ การซ้อนทับกันของรูปทรงสื่อถึงพื้นที่ที่ถูกสร้างขึ้นมากกว่าจะเป็นพื้นที่ที่ถูกบรรยาย ต่างจากภาพนูนสีขาวของ Nicholson ผลงานนี้เป็นภาพเขียนสี แต่คำถามร่วมกันคือ คำศัพท์อันจำกัดของรูปทรงจะสร้างสมดุล ความตึงเครียด และความรู้สึกถึงความลึกได้อย่างไร

ในอีกด้านหนึ่งของขั้วตรงข้ามในช่วงทศวรรษ 1930 และ 1940 คือกลุ่มศิลปินแอ็บสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ หรือที่รู้จักกันในชื่อสำนักนิวยอร์ก พวกเขาปฏิเสธภูมิศาสตร์เชิงเหตุผลและการลดทอนพื้นที่ของศิลปินอย่าง Mondrian และ Nicholson อย่างสิ้นเชิง และพยายามเชื่อมโยงกับอารมณ์ดั้งเดิมในผลงานของตน ไม่มีศิลปินแอ็บสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์คนใดมีอิทธิพลและประสบความสำเร็จในการถ่ายทอดรูปแบบนี้ได้มากเท่า Jackson Pollock

Pollock เป็นผู้ติดสุราอย่างหนักและมีอาการประสาท เขาได้รับแรงบันดาลใจจากจิตวิเคราะห์ให้ดำดิ่งเข้าไปในจิตใต้สำนึกเพื่อค้นหาแรงบันดาลใจ ผลงานของเขาอาศัยความเป็นกายภาพและภาพโทเท็มจากจิตไร้สำนึก เพื่อสร้างภาพถ่ายทอดความวิตกกังวลอันรุนแรงของโลกสมัยใหม่หลังสงคราม หนึ่งในภาพวาดหยดสีชิ้นแรก ๆ ของ Pollock คือ เต็มความลึกห้าฟาทอม ซึ่งวาดขึ้นในปี 1947 และเปลี่ยนแปลงศิลปะนามธรรมไปตลอดกาล ผลงานชิ้นนี้เป็นการผสมผสานระหว่างรูปแบบการใช้พู่กันในยุคแรกของเขากับเทคนิคหยดสีอันเป็นวิสัยทัศน์ ประกอบด้วยเหรียญ ก้นบุหรี่ และเศษสิ่งของสุ่มอื่น ๆ จากสตูดิโอของเขา ทำให้เกิดระดับพื้นผิวและมิติความลึกที่แปลกใหม่โดยสิ้นเชิงสำหรับศิลปะนามธรรม เต็มความลึกห้าฟาทอม นำไปสู่จุดเปลี่ยนในอาชีพของ Pollock และเปลี่ยนแปลงความสัมพันธ์ของเรากับผืนผ้าใบไปตลอดกาล

Jackson Pollock - เต็มความลึกห้าฟาทอม - 1947
 © 2019 มูลนิธิ Pollock-Krasner / สมาคมสิทธิศิลปิน

วัตถุที่ฝังอยู่ใน เต็มความลึกห้าฟาทอม เตือนให้เราระลึกว่าภาพวาดอาจเป็นมากกว่าภาพหนึ่งภาพ นั่นคือการสะสมทางกายภาพของการกระทำและวัสดุ Anthony Frost สำรวจความเป็นไปได้นี้ผ่านกระบวนการตามสัญชาตญาณที่ผสานการวาดภาพและคอลลาจเข้าด้วยกัน ใน แรงกดดันบนพื้นผิว พื้นที่สีน้ำเงินและสีส้มที่มีพื้นผิวหยาบถูกพาดผ่านด้วยแถบสีแดงนูน ทำให้พื้นผิวเองกลายเป็นส่วนหนึ่งของการปะทะ Frost ใช้วัสดุที่พบเจอและการสร้างงานแบบซ้อนชั้น ซึ่งแตกต่างอย่างชัดเจนจากหยดสีพันกันยุ่งเหยิงของ Pollock แต่ผลงานทั้งสองชวนให้เรามองภาพวาดว่าเป็นสิ่งที่สร้างขึ้นผ่านการมีส่วนร่วมทางกายภาพ ไม่ใช่เพียงภาพที่วางแผนไว้ล่วงหน้า

ภาพวาดนามธรรมที่มีชื่อเสียง: ทศวรรษ 1950

ในช่วงทศวรรษ 1950 ศิลปินแอ็บสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ได้ครอบงำจินตนาการของโลกศิลปะอย่างมั่นคง ทุกหนแห่ง ศิลปินต่างพยายามเชื่อมโยงกับตัวตนดั้งเดิม จิตไร้สำนึก และภาพเร้นลับในจิตใต้สำนึก ท่ามกลางความคลั่งไคล้นี้ กระแสที่มุ่งสู่ความสงบได้ถือกำเนิดขึ้น ส่วนหนึ่งเป็นผลจากความสนใจที่เพิ่มขึ้นของศิลปินจำนวนมากต่อปรัชญาตะวันออก เช่น ลัทธิเต๋าและพุทธศาสนานิกายเซน หนึ่งในขบวนการสำคัญที่สุดที่เติบโตขึ้นจากช่วงเวลานี้คือรูปแบบการวาดภาพนามธรรมที่รู้จักกันในชื่อ จิตรกรรมคัลเลอร์ฟีลด์

จุดมุ่งหมายของจิตรกรรมคัลเลอร์ฟีลด์ ตามความเข้าใจโดยทั่วไปที่พัฒนาขึ้นมา คือการสำรวจสีอย่างเป็นอิสระจากเนื้อหา รูปทรง เส้น และข้อจำกัดอื่น ๆ ของการสร้างภาพ จิตรกรต้องการแสวงหาคุณสมบัติแห่งการใคร่ครวญ และหากประสบความสำเร็จ คุณสมบัตินั้นก็จะถ่ายทอดจากผลงานไปสู่ผู้ชม

จิตรกรนามธรรม Helen Frankenthaler เป็นหนึ่งในเสียงสำคัญที่สุดของขบวนการคัลเลอร์ฟีลด์ ด้วยภาพวาด ภูเขาและทะเล, ซึ่งวาดขึ้นในปี 1952 Frankenthaler ได้แนะนำเทคนิคการวาดภาพแบบใหม่ที่เธอคิดค้นขึ้นเองให้โลกได้รู้จัก ซึ่งเรียกว่า “กระบวนการย้อมซึม” ในกระบวนการนี้ Frankenthaler ใช้สนเทอร์พีนไทน์ทำให้สีมีความเหลวลง เธอค่อย ๆ เทสีที่เจือจางแล้วลงบนผ้าใบที่ไม่ได้รองพื้นซึ่งวางอยู่บนพื้น ทำให้สีซึมผ่านผ้าใบไปจนหมด ส่งผลให้ผลงานมีพื้นผิวและรูปลักษณ์ใหม่โดยสิ้นเชิง กระบวนการย้อมซึมก่อให้เกิดผืนสีอันงดงามที่แปรเปลี่ยนเป็นรูปทรงคล้ายอินทรียวัตถุและชวนให้นึกถึงความสงบ ภาพวาด ภูเขาและทะเล ของ Frankenthaler ถือเป็นหนึ่งในความสำเร็จยุคแรกของขบวนการคัลเลอร์ฟีลด์ และยังคงเป็นภาพผลงานที่เป็นที่รักมากที่สุดชิ้นหนึ่งของขบวนการนี้มาจนถึงปัจจุบัน

Helen Frankenthaler - ภูเขาและทะเล - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society

ภาพวาดของ Frankenthaler เปิดพื้นที่ระหว่างภูมิทัศน์ที่จดจำไว้กับผืนสีที่เป็นอิสระ Greet Helsen เข้าถึงพื้นที่นั้นผ่านประสบการณ์ที่เธอมีต่อธรรมชาติ โดยทำงานจากความประทับใจที่เกิดจากแสง รูปทรง และสี มากกว่าการบรรยายอย่างแม่นยำ ใน Dynamisch (Dynamic) สีชมพู สีฟ้า และสีม่วงไลแลกโปร่งแสงเคลื่อนไปทั่วพื้นผิวที่โปร่งเบา โดยมีเส้นสีเข้มบาง ๆ และแอ่งสีที่ลึกกว่าแทรกอยู่ Helsen เจือจางสีอะคริลิกอย่างพิถีพิถัน เพื่อให้ชั้นสีที่ทาทับกันยังคงมองเห็นได้ กระบวนการนี้ไม่เหมือนกับการย้อมซึมของ Frankenthaler แต่การนำผลงานทั้งสองมาเปรียบคู่กันช่วยให้เราเห็นว่า ความโปร่งใสและสีที่ไหลลื่นสามารถสื่อถึงภูมิทัศน์ได้โดยไม่ต้องวาดภาพภูมิทัศน์นั้นโดยตรง

บางทีศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดซึ่งมักถูกเชื่อมโยงกับศิลปินกลุ่ม Color Field ก็คือ Mark Rothko ศิลปินผู้ปฏิเสธป้ายกำกับนั้นและป้ายกำกับอื่นๆ อย่างรุนแรงเช่นกัน Rothko ทำงานกับสีเพียงอย่างเดียว โดยมุ่งเปิดพื้นที่ทางจิตวิญญาณที่เขาและผู้ชมจะสามารถสัมผัสความลึกซึ้งของอารมณ์มนุษย์ได้ แม้จะมุ่งเน้นสีอย่างเต็มที่ Rothko ก็ไม่ยอมให้สีเป็นมากกว่าสื่อกลางที่ทำให้เกิดสายสัมพันธ์ทางจิตวิญญาณนี้ ผลงานยุคแรกชิ้นสำคัญของ Rothko คือ No. 2, Green, Red and Blue ซึ่งวาดขึ้นในปี 1953 ผลงานชิ้นนี้เป็นภาพสะท้อนอันโดดเด่นของผลงานในช่วงต่อมาของ Rothko และสร้างเสียงเฉพาะตัวของเขาในฐานะศิลปินผู้มีเสน่ห์อย่างยิ่ง ซึ่งดำรงอยู่ทั้งในโลกของศิลปะนามธรรมและจิตวิญญาณเหนือสามัญ

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953

สีสามารถถ่ายทอดความรู้สึกโดยไม่ต้องบอกสาเหตุของความรู้สึกนั้นได้หรือไม่ คำถามนี้เชื่อมโยงผลงานของ Rothko เข้ากับ Emotional Color Field 6 ของ Kyong Lee แม้ภาษาภาพของทั้งสองจะยังคงแตกต่างกัน Lee จัดวางแถบแนวนอนที่ไล่จากสีน้ำเงินเข้มและสีม่วง ผ่านสีชมพูและโทนอ่อน ไปสู่สีส้มและสีแดง กระบวนการของเธอใช้พื้นที่สีที่วัดสัดส่วนอย่างพิถีพิถันและการเปลี่ยนผ่านของสีอย่างค่อยเป็นค่อยไป เพื่อสำรวจการเปลี่ยนแปลงของสภาวะทางอารมณ์ ขณะที่รูปทรงขอบฟุ้งของ Rothko ดูราวกับลอยอยู่ แบ่งส่วนของ Lee กลับชัดเจนและเป็นระเบียบ บทสนทนานี้ไม่ได้อยู่ที่ความคล้ายคลึง หากแต่อยู่ที่การที่สีหนึ่งเปลี่ยนประสบการณ์ที่เรามีต่อสีถัดไปอย่างไร และความสัมพันธ์เหล่านั้นสามารถกลายเป็นภาษาทางอารมณ์ได้อย่างไร

ภาพวาดนามธรรมชื่อดัง: ทศวรรษ 1960 – 1970

เมื่อศิลปะนามธรรมก้าวเข้าสู่ทศวรรษ 1960 และ 1970 จิตรกรจำนวนมากได้ปฏิเสธแนวคิดพื้นฐานของศิลปะนามธรรมไปแล้ว หันกลับไปสร้างงานแบบรูปธรรมและสำรวจโลกของศิลปะเชิงแนวคิด ถึงกระนั้น พลังแห่งความชัดเจนและอิสรภาพของศิลปะนามธรรมยังคงเปี่ยมด้วยความเป็นไปได้ ศิลปินเสียงโดดเด่นที่สุดคนหนึ่งในช่วงเวลานี้คือ Agnes Martin จิตรกรศิลปะนามธรรมชาวอเมริกัน Martin เป็นที่รู้จักจากภาพวาดตารางเส้น และยังคงเป็นศิลปินคนสำคัญของศิลปะนามธรรมมาจนถึงปัจจุบัน

ภาพวาด Night Sea ของ Agnes Martin ซึ่งสร้างสรรค์ขึ้นในปี 1963 เป็นหนึ่งในตัวอย่างยุคแรกของสิ่งที่จะกลายมาเป็นรูปแบบอันเป็นเอกลักษณ์ของเธอ ผลงานนี้มีพื้นหลังสีน้ำเงินเกือบสีเดียว ซึ่งถูกตัดผ่านด้วยลวดลายตารางอันประณีตที่วาดด้วยทองคำเปลว ผลงานนี้เปิดรับพลังของสี ขณะเดียวกันก็ให้ความสำคัญกับเส้นอย่างเท่าเทียมกัน อีกทั้งโอบรับความเรียบง่ายพร้อมสื่อสารความกว้างใหญ่ ความซับซ้อน และความรู้สึกถึงการพึ่งพาอาศัยกันที่ถักทอเป็นผืนเดียวกัน Martin กล่าวถึงเส้นว่า สำหรับเธอแล้ว เส้นเป็นตัวแทนของความไร้เดียงสา เธอหวังว่าความรู้สึกไร้เดียงสานี้จะถ่ายทอดไปยังผู้ชมผ่านผลงานของเธอ ความเรียบง่ายของภาพและความตรงไปตรงมาของอารมณ์ที่เธอหวังจะสื่อสาร มีบทบาทสำคัญในการเชื่อมช่องว่างระหว่างลัทธิสำแดงพลังอารมณ์แบบนามธรรมกับมินิมอลลิสม์

Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society

ภาษาทัศนศิลป์อันสำรวมของ Martin แสดงให้เห็นว่าเส้นสามารถดึงความสนใจของเราไว้ได้โดยไม่ต้องพรรณนาสิ่งใด ไร้ชื่อ, 2014 (Id.383) ของ Richard Caldicott นำเสนอการเผชิญหน้ากับเส้นและพื้นที่ในรูปแบบที่แตกต่างและเรียบง่าย บนพื้นสีอ่อน เส้นสีเข้มทั้งบางและหนาสร้างโครงสร้างเชิงมุมแบบเปิดระหว่างบริเวณสีแดงและสีเหลือง แทนที่จะทำซ้ำตารางแบบ Martin, Caldicott ลดองค์ประกอบลงเหลือเพียงความสัมพันธ์ไม่กี่ประการ ซึ่งความสมดุลจะยิ่งปรากฏชัดขึ้นเมื่อเรามอง ผลงานชุดบนกระดาษของเขาสำรวจภาษาที่เรียบง่ายและมีลักษณะทางสถาปัตยกรรม การจับคู่นี้ชวนให้เกิดการมองอย่างเชื่องช้าลง ไม่ใช่การค้นหาวัตถุหรือเรื่องราว แต่เป็นการตระหนักถึงวิธีที่ช่วงว่าง ขอบ และพื้นที่ว่างกำหนดประสบการณ์ของเรา

ในทศวรรษ 1970 Robert Motherwell สั่นสะเทือนวงการศิลปะนามธรรมอีกครั้ง ด้วยน้ำเสียงที่ดูราวกับเป็นขั้วตรงข้ามกับเสน่ห์ดึงดูดของมินิมอลลิสม์ ท่าทางดิบหยาบและเปี่ยมพลังของเขาถ่ายทอดทั้งพลัง ความแข็งแกร่ง และความวิตกกังวลออกมาในคราวเดียวกัน ท่าทางเหล่านั้นมีความแข็งแกร่งแบบอดทนอดกลั้น ทว่ากลับเผยอารมณ์อันลึกซึ้งที่สะท้อนพลังและเสรีภาพของศิลปะนามธรรมบริสุทธิ์

ผลงานชิ้นสำคัญที่กำหนดแนวทางของ Motherwell เกิดขึ้นในปี 1971 และมีชื่อว่า Elegy to the Spanish Republic No. 110 พลังอันเดือดดาลของภาพวาดนี้โอบล้อมผู้ชมและดูเหมือนจะปะทุออกจากผืนผ้าใบ ภายในภาพมีพลังชีวิตอันน่าตกตะลึง พร้อมความก้าวร้าวที่ถ่ายทอดอารมณ์และความเดือดดาลไปสู่พื้นที่ ในช่วงเวลาที่จิตรกรจำนวนมากมองว่าศิลปะนามธรรมได้เดินทางมาถึงจุดอิ่มตัวแล้ว Motherwell ได้เติมพลังชีวิตใหม่อันทรงพลังให้แก่แนวทางนี้ วิสัยทัศน์อันสดใหม่และน้ำเสียงอันมั่นใจของเขาช่วยให้ศิลปะนามธรรมดำรงอยู่ต่อไป และยังคงสร้างแรงบันดาลใจและเสริมพลังให้ศิลปินนามธรรมมาจนถึงทุกวันนี้

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society

Elegy ของ Motherwell แสดงให้เห็นว่ารูปทรงที่ซ้ำกันอย่างหนักแน่นสามารถมอบน้ำหนักทางอารมณ์ให้ภาพวาดนามธรรมได้อย่างไร Punk ของ Tommaso Fattovich เข้าถึงน้ำหนักดังกล่าวผ่านภาษาที่แตกกระจายและมีหลายสีมากกว่า ช่วงสีดำ ชมพู เขียวอ่อน และส้มในแนวตั้งพาดผ่านพื้นผิวหยาบสีน้ำตาลอมเทา โดยขอบของแต่ละช่วงเก็บร่องรอยของการลงฝีแปรงต่อเนื่องเอาไว้ Fattovich พัฒนาองค์ประกอบของตนอย่างเป็นไปตามสัญชาตญาณ ตอบสนองต่อสี ชั้นสี เส้น และรูปทรง จนกระทั่งภาพรู้สึกสมบูรณ์ การเปรียบเทียบนี้กล่าวถึงการปรากฏตัวทางกายภาพของร่องรอยฝีแปรง ไม่ใช่ความเท่าเทียมกันของเนื้อหา: ศิลปะนามธรรมที่ได้รับแรงบันดาลใจจากเมืองของ Fattovich ไม่ได้มีความหมายทางประวัติศาสตร์เฉพาะเจาะจงร่วมกับ Elegy ของ Motherwell แต่เสนออีกวิธีหนึ่งในการสัมผัสท่าทางการลงฝีแปรงในฐานะพาหะของความเข้มข้น

การเปลี่ยนแปลงมุมมองของเราต่ออนาคต

ศิลปินศิลปะนามธรรมร่วมสมัยในปัจจุบันต่างเป็นหนี้บุญคุณต่อศิลปินเหล่านี้ทุกคน ทั้งจากวิธีที่พวกเขาแสวงหาอิสรภาพในการแสดงออก และจากวิธีที่พวกเขาช่วยเปิดใจผู้ชมให้มองเห็นสิ่งต่างๆ ในรูปแบบใหม่ ศิลปะนามธรรมยังคงเปิดประตูบานใหม่ให้เรา ขณะที่เราพยายามทำความเข้าใจกับความซับซ้อนอันไร้ขอบเขตที่สังคมซึ่งกำลังเปลี่ยนแปลงของเรานำเสนอ ด้วยการอาศัยตัวอย่างของศิลปินศิลปะนามธรรมผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต ศิลปินศิลปะนามธรรมในปัจจุบันและอนาคตหวังว่าจะช่วยเราแปลความวิตกกังวลและความหวาดกลัวร่วมสมัยของเรา และช่วยให้เรามองพ้นข้อจำกัดของสายตาของเราเอง

ผลงานที่นำมาสนทนาร่วมกับภาพวาดประวัติศาสตร์เหล่านี้แสดงให้เห็นว่าความเป็นไปได้เหล่านั้นยังคงเปิดกว้าง เส้นอันไม่หยุดนิ่งของ Poynder และรูปทรงอินทรีย์ที่จินตนาการขึ้นของ Marin ไปจนถึงพื้นที่ที่สร้างขึ้นของ Göttin และ Annear ศิลปะนามธรรมมอบหลากหลายวิธีในการดึงดูดสายตา พื้นผิวเชิงวัสดุของ Frost สีโปร่งแสงของ Helsen ลำดับอารมณ์ของ Lee โครงสร้างอันเรียบง่ายของ Caldicott และร่องรอยฝีแปรงอันทรงพลังของ Fattovich ขยายบทสนทนาไปในทิศทางที่แตกต่างกัน ผลงานเหล่านี้ไม่ได้มาแทนที่ผลงานประวัติศาสตร์หรือทำซ้ำความสำเร็จของผลงานเหล่านั้น แต่เชื้อเชิญให้เรานำสิ่งที่ได้เรียนรู้ไปสู่การพบปะครั้งใหม่ และค้นพบว่าศิลปะนามธรรมยังคงเปลี่ยนแปลงวิธีที่เรามองสิ่งต่างๆ อย่างไร

ภาพเด่น: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913 © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
รูปภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น

โดย Phillip Barcio (2016) เรียบเรียงโดย Francis Berthomier (2026)