ศิลปินในปัจจุบันที่ได้รับแรงบันดาลใจจากสไตล์การวาดภาพสีของรอธโก
ความเงียบนั้นแม่นยำเหลือเกิน
Mark Rothko
ขณะที่เราค้นหาผู้สืบทอดแนวทางการวาดภาพแบบเขตสีอันเป็นเอกลักษณ์ของ Mark Rothko ในปัจจุบัน เราไม่อาจมองหาเพียงผลงานที่มีรูปลักษณ์คล้ายกับของเขาเท่านั้น เราต้องมองหาผลงานที่ตั้งอยู่บนแนวคิดคล้ายคลึงกันด้วย การที่ศิลปินร่วมสมัยผู้ทำงานแบบเขตสีเลียนแบบรูปแบบทางภาพของ Rothko เป็นเรื่องหนึ่ง แต่การที่พวกเขามีเจตนารมณ์เดียวกับ Rothko และสื่อสารเจตนารมณ์นั้นได้อย่างสำเร็จเป็นอีกเรื่องหนึ่ง แล้วเราจะรู้ได้อย่างไรว่าเจตนารมณ์ของ Rothko คืออะไร ง่ายมาก เขาบอกเราไว้แล้ว
ในปี 1971 เมืองฮิวสตัน รัฐเท็กซัส ได้รับผลงานศิลปะอันมีเอกลักษณ์ชิ้นหนึ่ง นั่นคือ Rothko Chapel โครงสร้างสมัยใหม่ทรงแปดเหลี่ยมที่ภายในบรรจุภาพวาดขนาดใหญ่ของ Rothko จำนวน 14 ภาพ บริเวณทางเข้า มีการจัดเตรียมคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์จากหลายศาสนาทั่วโลกไว้ให้ผู้มาเยือน พวกเขาจะหยิบหนังสือเข้าไปในพื้นที่นั้นหรือไม่ก็ได้ Rothko มองว่าอาคารและศิลปะที่อยู่ภายในเป็นผลงานชิ้นเดียวกัน โบสถ์แห่งนี้คือผลงานที่กำหนดความเป็นเขาอย่างชัดเจนที่สุด และทำให้เจตนารมณ์ของ Rothko กระจ่างขึ้นว่า ภาพวาดของเขาไม่ควรถูกมองว่าเป็นจุดจบในตัวเอง แต่ควรถูกมองว่าเป็นสื่อกลางที่ผู้ชมใช้เข้าถึงประสบการณ์อันยิ่งใหญ่กว่าผ่านสี
กล่าวอีกอย่างหนึ่งคือ Rothko ต้องการให้ผู้ชมทำมากกว่าการชื่นชมการจัดวางสี เขาต้องการให้การเผชิญหน้ากับสีเหล่านั้นเปิดพื้นที่สำหรับความรู้สึก การใคร่ครวญ และการตระหนักรู้ที่ลึกซึ้งขึ้นถึงประสบการณ์ภายในของตนเอง ดังที่เขากล่าวไว้ว่า: "หากคุณรู้สึกสะเทือนใจเพียงจากความสัมพันธ์ระหว่างสี คุณก็พลาดประเด็นสำคัญไป"
ศิลปินสิบคนด้านล่างสานต่อเจตนารมณ์นั้น ห้าคนทำงานร่วมกับ IdeelArt และเรารู้จักแนวทางการทำงานของพวกเขาอย่างลึกซึ้งจากสตูดิโอ อีกห้าคนทำงานอยู่นอกกลุ่มศิลปินของเรา ไม่มีใครเลียนแบบ Rothko แต่ละคนใช้สื่อที่แตกต่างกัน และมองว่าสีหรือแสงเป็นทางผ่าน ไม่ใช่จุดหมายปลายทาง
ศิลปิน IdeelArt ห้าคนผู้มีเจตนารมณ์เดียวกับ Rothko
Paul Snell
Paul Snell ศิลปินชาวออสเตรเลียผู้ใช้ชีวิตและทำงานอยู่ที่ลอนเซสตัน รัฐแทสเมเนีย เริ่มต้นด้วยภาพถ่ายสถานที่หรือวัตถุ จากนั้นจึงลบทุกสิ่งที่บ่งบอกถึงสิ่งนั้นออกด้วยระบบดิจิทัล จนเหลือเพียงแถบสี จังหวะ และแสง ผลงานที่เสร็จสมบูรณ์เป็นภาพพิมพ์โครโมเจนิกบนกระดาษเมทัลลิก ติดตั้งบนแผ่นเพอร์สเปกซ์ และเปล่งประกายราวกับพื้นผิวที่ถูกวาดด้วยสี Snell กล่าวถึงเป้าหมายของตนอย่างตรงไปตรงมาว่า ต้องการให้ผู้ชมดื่มด่ำอยู่ในสีสัน จังหวะ และพื้นที่ "สร้างประสบการณ์ทางประสาทสัมผัสของการใคร่ครวญภายในและการก้าวพ้น" ในบรรดาศิลปินทั้งหมดที่เราร่วมงานด้วย ถ้อยคำของเขาใกล้เคียงกับแนวคิดของ Rothko มากที่สุด
Anne Katrine Senstad
ศิลปินชาวนอร์เวย์ Anne Katrine Senstad ซึ่งทำงานสลับไปมาระหว่างนิวยอร์กและออสโล สร้างสรรค์ผลงานทั้งภาพถ่าย วิดีโอ นีออน และงานจัดวางแบบดื่มด่ำ ซีรีส์ Color Kinesthesia ของเธอ ซึ่งจัดแสดงที่ Freight + Volume ในนิวยอร์กเมื่อปี 2020 เกิดขึ้นจากการสนทนากับภาพวาดสนามสีของรอทโก ชื่อนี้หมายถึงการตอบสนองของร่างกายต่อการเปลี่ยนผ่านของสี ซึ่งเธอบันทึกไว้ด้วยการถ่ายภาพฟิล์มเนกาทีฟสี Senstad อธิบายผลงานของเธอว่าเป็นการตอบสนองต่อแสง เสียง และสีทั้งในเชิงการรับรู้และการคิด มากกว่าจะเป็นเรื่องจิตวิญญาณ ความแตกต่างนี้ทำให้เธอเป็นทายาททางศิลปะที่น่าหลงใหล: เธอเข้าถึงพื้นที่ภายในอันเปิดกว้างของรอทโกผ่านการรับรู้ ไม่ใช่ผ่านความเชื่อ เธอยังเคยจัดแสดงร่วมกับ James Turrell ในนิทรรศการศิลปะแสง Through The Spectrum ที่ Athr Gallery ในเจดดาห์ด้วย
Senstad ยังได้รับการนำเสนอในซีรีส์โทรทัศน์ Immersive World ในตอนที่สำรวจประติมากรรมแสงและนำเสนอแนวทางการทำงานของเธอร่วมกับผลงานของ Anthony McCall และ Dan Flavin บริบทนี้ช่วยขยายแนวคิดสำคัญของบทความ: สีไม่จำเป็นต้องอยู่บนพื้นผิวที่วาดเพื่อกลายเป็นประสบการณ์อันดื่มด่ำ
ค้นพบผลงานของ Anne Katrine Senstad
Yari Ostovany
จิตรกรชาวอเมริกันเชื้อสายอิหร่าน Yari Ostovany ซึ่งอาศัยและทำงานอยู่ในซานฟรานซิสโก สร้างพื้นที่สีที่ซ้อนทับอย่างเข้มข้นผ่านกระบวนการอันยาวนานของการเติมสี ล้างสีออก ขูดสีออก และทำให้เม็ดสีละลาย ภาพวาดแต่ละชิ้นเริ่มต้นจากสิ่งที่เขาเรียกว่าการปะทุของร่องรอย: รอยพู่กันคล้ายอักษรวิจิตรที่เขาค่อยๆ ถูและทำให้เจือจางจนกลมกลืนเข้ากับชั้นสีด้านล่าง แนวทางการทำงานของเขาหยั่งรากอยู่ในศิลปะสำแดงพลังนามธรรมและจิตรกรรมสนามสี รวมถึงขนบลี้ลับหลายสายจากตะวันออกและตะวันตก ชื่อผลงานอย่าง Numinous, Missa in Angustiis (มิสซาสำหรับยุคสมัยอันทุกข์ยาก) หรือ Conference of the Birds ทำให้เจตนานั้นชัดเจน ภาพวาดเหล่านี้มีไว้ให้เราเข้าไปสัมผัส ไม่ใช่เพียงมองดู
Arvid Boecker
จิตรกรชาวเยอรมัน Arvid Boecker ทำงานอยู่ในไฮเดลแบร์ก เขาเริ่มต้นภาพวาดแต่ละชิ้นด้วยการร่างองค์ประกอบด้วยดินสอ จากนั้นค่อยๆ สร้างพื้นผิวด้วยชั้นสีที่ทาทับอย่างช้าๆ แล้วขูดออกบางส่วนด้วยยางปาดสำหรับงานสกรีน ทิ้งร่องรอยการกัดกร่อนนั้นไว้ให้มองเห็น เขาเรียกผลลัพธ์นี้ว่า “โบราณคดีของสี” เช่นเดียวกับสี่เหลี่ยมที่ถูกบดบังของรอทโก ชั้นสีของ Boecker ให้รางวัลแก่การมองอย่างช้าๆ ยิ่งเราอยู่กับพื้นผิวนานเท่าไร ดวงตาก็ยิ่งเดินทางลึกเข้าไปข้างใน ผ่านสีและแสง ไปสู่การตระหนักรู้อย่างเงียบงันถึงเวลาที่กำลังผ่านไป อ่านบทสนทนาของเรากับเขาได้ใน จริงจังและไม่จริงจัง: Arvid Boecker ใน 14 คำถาม
Kim Uchiyama
จิตรกรชาวนิวยอร์ก Kim Uchiyama ใช้สีสร้างแสงและรูปทรง รวมทั้งเปิดศักยภาพเชิงอภิปรัชญาของพื้นที่ในภาพ เธอศึกษากับจิตรกร Nicolas Carone ซึ่งเป็นศิษย์ของ Hans Hofmann และแบ่งปันแนวคิดเรื่องสีในฐานะสถาปัตยกรรมของภาพวาดกับศิลปินทั้งสอง ก่อนเริ่มงาน เธอจะรอเพื่อ "มองเห็น" สีแรกบนพื้นผิวว่างเปล่า จากนั้นจึงสร้างตารางรูปทรงสี บางส่วนทึบแสงและบางส่วนโปร่งแสง เธอมักได้รับแรงบันดาลใจจากแสงของสถานที่เฉพาะแห่ง และใช้สีถ่ายทอดแก่นอารมณ์ของสถานที่นั้นแทนที่จะถ่ายทอดรูปลักษณ์ การถ่ายโอนจากสิ่งที่มองเห็นไปสู่สิ่งที่รู้สึกนี้เอง คือสิ่งที่ Rothko แสวงหา
ศิลปินห้าคนนอกบัญชีศิลปินของเรา
Sean Scully
Sean Scully เกิดที่ดับลินในปี 1945 เป็นหนึ่งในจิตรกรนามธรรมที่ทรงอิทธิพลที่สุดซึ่งยังทำงานอยู่ในปัจจุบัน และเป็นศิลปินที่มักถูกนำไปเปรียบเทียบกับ Rothko มากที่สุด การเปรียบเทียบนี้มีเหตุผลรองรับ: ในปี 1999 หนึ่งปีหลังจากเริ่มต้นชุด Wall of Light เขาเขียนเรียงความชื่อ Rothko: Bodies of Light Scully อธิบายภารกิจของตนว่าเป็นการเชื่อมโยงศิลปะนามธรรมกลับเข้ากับโลกจริง เพื่อให้ผู้คนสัมผัสความรู้สึกโดยตรงเมื่ออยู่ต่อหน้าภาพวาดนามธรรม เขายังเน้นย้ำถึงความแตกต่างของตนเองด้วยว่า ต่างจาก Rothko เขาไม่ใช่ศิลปินที่วางเฉย อิฐสีที่เรียงซ้อนกันของเขาถูกสร้างขึ้น ถ่วงน้ำหนัก และมีลักษณะเป็นวัตถุจริง ในปี 2026 นิทรรศการ To Feel ของเขาเปิดแสดงที่ Thaddaeus Ropac ในซาลซ์บูร์ก และผลงานชุด Stack ทั้งชุดจัดแสดงที่ Château La Coste ในโพรวองซ์
Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - คอลเลกชันถาวรของพิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งนอร์ทแคโรไลนา
James Turrell
James Turrell ซึ่งเกิดที่ลอสแอนเจลิสในปี 1943 ทำงานกับแสงโดยตรงมาเป็นเวลาหกทศวรรษ Skyspace ของเขา ซึ่งเป็นห้องที่เปิดสู่ท้องฟ้าผ่านช่องเปิดบนเพดาน รวมถึงห้องแสงแบบดื่มด่ำของเขา เปลี่ยนสีให้กลายเป็นบางสิ่งที่คุณสามารถเข้าไปยืนอยู่ภายในได้ คำกล่าวสำคัญของเขาอ่านได้ราวกับคำอธิบายเสริมของ Rothko: "ผลงานของผมเกี่ยวกับการมองเห็นของคุณ" เขาเติบโตมาในครอบครัวเควกเกอร์ และเข้าร่วมพิธีภาวนาเงียบที่ผู้ศรัทธานั่งอยู่ร่วมกันเพื่อรอคอยแสงจากภายใน ในเดือนมิถุนายน 2026 Skyspace ที่ใหญ่ที่สุดของเขาในพิพิธภัณฑ์ As Seen Below เปิดให้เข้าชมที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะ ARoS Aarhus ในเดนมาร์ก นี่คือ Skyspace แห่งที่ 100 ของเขา
James Turell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain
Mary Corse
Mary Corse เกิดที่เบิร์กลีย์ในปี 1945 และเป็นหนึ่งในผู้หญิงไม่กี่คนที่มีบทบาทสำคัญต่อขบวนการ Light and Space แห่งแคลิฟอร์เนีย ในปี 1968 เธอค้นพบไมโครสเฟียร์แก้ว ซึ่งเป็นเม็ดแก้วที่ใช้ในเครื่องหมายจราจร และเริ่มผสมเม็ดแก้วเหล่านี้ลงในสีของเธอ ภาพวาดชุด White Light ของเธอเปลี่ยนแปลงไปตามการเคลื่อนไหวของผู้ชม เพราะแสงอยู่ในภาพวาด ไม่ได้ถูกวาดแทนลงบนภาพนั้น เธอเคยกล่าวว่า "ศิลปะไม่ได้อยู่บนผนัง แต่อยู่ในการรับรู้ของผู้ชม" เช่นเดียวกับ Rothko เธอวางผลงานไว้ในประสบการณ์การพบปะ ผลสำรวจผลงานของเธอในพิพิธภัณฑ์ครั้งแรกเปิดที่ Whitney Museum of American Art ในปี 2018 และเดินทางต่อไปยัง LACMA ในปี 2019
Mary Corse ที่ Pace Gallery - 2025
Olafur Eliasson
Olafur Eliasson เกิดที่โคเปนเฮเกนในปี 1967 และเติบโตระหว่างเดนมาร์กกับไอซ์แลนด์ เขาทำงานจากสตูดิโอขนาดใหญ่ในเบอร์ลิน ห้องที่เต็มไปด้วยแสงสี หมอก และเงาสะท้อนของเขาสร้างขึ้นบนแนวคิดที่เขาเรียกว่า "การมองเห็นตัวเองขณะกำลังรับรู้": การมีประสบการณ์พร้อมตระหนักว่าตนกำลังมีประสบการณ์นั้น Eliasson ยอมรับว่าวลีนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Robert Irwin ศิลปินแนว Light and Space ผู้กล่าวถึงการรับรู้ตัวเองขณะกำลังรับรู้ Rothko ขอให้ผู้ชมตระหนักรู้ถึงประสบการณ์ภายในของตนเองมากขึ้น ส่วน Eliasson ทำให้การตระหนักรู้นั้นเป็นหัวข้อหลักของเขา เขามักใส่คำว่า "your" ไว้ในชื่อผลงาน เพื่อแสดงถึงความไว้วางใจที่มีต่อผู้ชม
Olafur Eliasson - จากนิทรรศการ Reality Machines ที่ Tanya Bonakdar Gallery - 2016
Rachel Garrard
ศิลปินชาวอังกฤษ Rachel Garrard เกิดที่เดวอนในปี 1984 และใช้ชีวิตทำงานระหว่างนิวยอร์กกับเม็กซิโก เธอบดเม็ดสีของตนเองจากหินและแร่ที่เก็บรวบรวมระหว่างการเดินทาง รวมถึงผลึกควอตซ์และเถ้า เธออธิบายแนวทางการทำงานของตนว่าเป็นการเดินทางระหว่างการวิจัยทางวิทยาศาสตร์กับการปฏิบัติเชิงเร้นลับ และองค์ประกอบของเธอได้รับอิทธิพลจากการทำสมาธิ ภาพวาดของเธอไม่มีภาพแทนและไม่มีความหมายตายตัว แต่มีเป้าหมายเพื่อมุ่งสู่ประสบการณ์ที่อยู่เหนือภาษา เป็นสายเชื่อมโยงระหว่างโลกภายนอกกับโลกภายใน ในหมู่ศิลปินรุ่นเดียวกัน เธอเป็นหนึ่งในศิลปินที่ใกล้เคียงกับความเชื่อของ Rothko มากที่สุดว่าภาพวาดคือธรณีประตู ไม่ใช่วัตถุ
Rachel Garrard - Inflect, 2015
เหนือพ้นพื้นผิว
ภาพวาดช่วงปลายของ Rothko ต้องการเวลาและความเงียบสงบ เช่นเดียวกับผลงานทั้งสิบชุดนี้ ไม่ว่าจะสร้างสรรค์ด้วยสีน้ำมัน สีน้ำ เม็ดสีจากหิน ฟิล์มเนกาทีฟ ลูกปัดแก้ว หรือแม้แต่ท้องฟ้า สิ่งที่เชื่อมโยงผลงานเหล่านี้ไม่ใช่รูปสี่เหลี่ยมหรือจานสี แต่คือความเชื่อร่วมกันที่ว่า สีสันเมื่อได้รับการพินิจอย่างเพียงพอ สามารถพาเรากลับคืนสู่ตัวเราเองได้
สำรวจงานศิลปะแนวนามธรรมเชิงใคร่ครวญเพิ่มเติมในผลงานศิลปะแนวมินิมอลของเรา หรืออ่านคู่มือฉบับสมบูรณ์เกี่ยวกับ Mark Rothkoของเรา
Francis Berthomier
ภาพเด่น: Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (รายละเอียด) รูปภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
