ช่วงเวลาที่กำหนดในประวัติศาสตร์ของศิลปะนามธรรม

คำพูดอาจเป็นเรื่องที่ถกเถียงกันได้มาก เราเพียงต้องการพูดคุยเกี่ยวกับ ประวัติศาสตร์ของศิลปะนามธรรม แต่ประโยคนั้นเต็มไปด้วยความเสี่ยงทางแนวคิด (ประวัติของใคร? ศิลปะคืออะไร? ความหมายของนามธรรมคืออะไร?) เพื่อความชัดเจน อาจจะต้องตั้งชื่อบทความนี้ว่า “ช่วงเวลาสำคัญในห่วงโซ่ของเหตุการณ์ที่ประกอบขึ้นเป็นเส้นเวลาที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปของอารยธรรมตะวันตกที่เกี่ยวข้องกับวัตถุและปรากฏการณ์ที่สร้างโดยศิลปินที่ระบุว่าตนเองไม่ตั้งใจให้เป็นตัวแทนของความจริงทางสายตา” แต่นั่นไม่ใช่หัวข้อที่น่าคลิก (หรืออาจจะใช่?) เพื่อความสมเหตุสมผล ในบทความนี้เราจะวางเรื่องความหมายของคำไว้ก่อนและเริ่มต้นตั้งแต่ต้น

ประวัติศาสตร์ก่อนยุคของศิลปะนามธรรม

ในบรรดาร่องรอยแรกสุดของมนุษย์ถ้ำในยุคก่อนประวัติศาสตร์คือเส้นขีดข่วนและรอยมือ การตีความที่ดีที่สุดของเราคือสิ่งเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ ดังนั้นสิ่งนี้จะถือเป็นตัวอย่างแรกของ ศิลปะนามธรรม หรือไม่? อาจจะใช่ แต่แม้แต่ภาพที่เป็นตัวแทนที่บรรพบุรุษของเราทิ้งไว้ก็ไม่ได้เหมือนภาพถ่ายจริง สิ่งที่ขาดไปในการวิเคราะห์ของเราคือความเข้าใจในเจตนาของศิลปินยุคแรก เมื่อเราพูดถึงศิลปะนามธรรม เราหมายถึงศิลปะที่ตั้งใจให้เป็นนามธรรมโดยเฉพาะ เนื่องจากเราไม่สามารถรู้ได้ว่าสิ่งที่ศิลปินยุคก่อนประวัติศาสตร์ต้องการสื่อผ่านภาพของพวกเขาคืออะไร เราจึงไม่สามารถตัดสินได้ว่านั่นเป็นนามธรรมหรือแม้แต่เป็นศิลปะหรือไม่ อาจจะมีวัตถุประสงค์ใช้สอยก็ได้ ดังนั้นเราจะข้ามไปข้างหน้า ไปยังช่วงเวลาที่มีการบันทึกข้อมูลชัดเจนกว่า เมื่อเจตนาของศิลปินชัดเจนขึ้น

อ็องรี มาติส - หญิงสาวกับหมวก, 1905, สีน้ำมันบนผ้าใบ, ขนาด 31 3/4 × 23 1/2 นิ้ว, © สืบทอดโดย H. Matisse / สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

ก่อนต้นศตวรรษที่ 19 เป็นเรื่องปลอดภัยที่จะกล่าวว่าส่วนใหญ่ของศิลปินในเวลาส่วนใหญ่ไม่มีโอกาสเลือกสิ่งที่พวกเขาจะสร้าง ศิลปินในยุคก่อนยุคโรแมนติกส่วนใหญ่ต้องพึ่งพาการสนับสนุนจากสถาบันทางศาสนาหรืออำนาจเผด็จการอื่นเพื่อความอยู่รอด ดังนั้นกษัตริย์และบุคคลศักดิ์สิทธิ์จึงเป็นผู้กำหนดหัวข้อของผลงานศิลปะส่วนใหญ่ของศิลปินเหล่านั้น เมื่อระบบการอุปถัมภ์นั้นลดลง รูปแบบการอยู่รอดอื่นๆ ก็เกิดขึ้น ศูนย์แสดงงานศิลปะเกิดขึ้น พ่อค้าศิลปะอิสระเริ่มเป็นตัวแทนผลงานของศิลปิน บุคคลร่ำรวยและสถาบันเอกชนเริ่มสนับสนุนศิลปินและสะสมผลงานของพวกเขา เป็นครั้งแรกที่ศิลปินได้รับโอกาสตอบคำถามด้วยตนเองว่า “ฉันต้องการสร้างอะไร?” และตามมาด้วยคำถามถัดไปที่หลีกเลี่ยงไม่ได้: “ทำไมฉันถึงต้องการสร้างมัน?” คำตอบของคำถามนี้เป็นสาเหตุสำคัญที่นำไปสู่การเกิดขึ้นของศิลปะนามธรรม และอาจเป็นแนวคิดที่ยั่งยืนที่สุดที่เกิดขึ้นจากยุคโรแมนติก ซึ่งถูกแสดงออกโดยนักคิดหลายคนในเวลานั้น และสรุปโดยชาวฝรั่งเศสว่า “L'art pour l'art.” ศิลปะเพื่อศิลปะ หรืออย่างที่นักเขียนเอ็ดการ์ อัลเลน โพ กล่าวไว้ในปี 1850:“…ถ้าเราอนุญาตให้ตัวเองมองเข้าไปในจิตวิญญาณของเรา เราจะค้นพบทันทีว่าใต้แสงอาทิตย์ไม่มีงานใดที่มีเกียรติและสูงส่งกว่านี้อีกแล้ว นั่นคืองานกวีนิพนธ์นี้…ที่เขียนขึ้นเพื่อกวีนิพนธ์โดยเฉพาะ”

อังเดร เดอแร็ง - ใบเรือที่กำลังแห้ง, 1905, สีน้ำมันบนผ้าใบ, ขนาด 82 x 101 ซม., © พิพิธภัณฑ์ปุชกิน, มอสโก

ความประทับใจแรก

เมื่อศิลปินได้รับอิสระจากข้อจำกัดของหัวข้อที่กำหนดไว้ล่วงหน้า พวกเขาก็เริ่มปลดปล่อยตัวเองจากข้อจำกัดอื่นๆ ด้วย ประมาณช่วงปี 1850 ถึง 1870 ขบวนการความงาม (Aesthetic Movement) ได้ให้พลังแก่ศิลปินในการสร้างงานศิลปะเพื่อความงามโดยเฉพาะ แทนที่จะเน้นเรื่องวัฒนธรรม สังคม และการเมือง จากนั้นก็มาถึงกลุ่มอิมเพรสชันนิสต์ ศิลปินที่ตั้งอยู่ในปารีสซึ่งสร้างงานที่เน้นการแสดงคุณสมบัติของแสงอย่างชัดเจน เริ่มต้นการกลั่นกรององค์ประกอบความงามแต่ละส่วนของงานศิลปะ ในทศวรรษ 1880 จอร์จ เซอรัต นักวาดภาพได้พัฒนาเทคนิคการสร้างภาพจากจุดเล็กๆ เทคนิคนี้เรียกว่า พอยน์ทิลลิสม์ (Pointillism) ซึ่งสร้างภาพที่บิดเบี้ยวแต่ยังคงเป็นตัวแทน พอยน์ทิลลิสม์ ช่วยส่งเสริมการเกิดเทคนิคการวาดแปรงและการจัดองค์ประกอบที่ทดลองใหม่ๆ ที่บ่งบอกถึงแนวโน้มสู่ความนามธรรม แนวโน้มนี้ขยายตัวต่อเนื่องในยุคหลังอิมเพรสชันนิสต์เมื่อศิลปินเริ่มทดลองกับสัญลักษณ์และการใช้สี รูปทรง และ เส้น อย่างอิสระ

ทั้งหมดเป็นเรื่องของความรู้สึกส่วนตัว

ในปี 1900 กลุ่มเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ได้ส่งเสริมแนวโน้มสู่ความนามธรรมแท้จริงด้วยการเน้นที่ความรู้สึกส่วนตัว โดยการบิดเบือนภาพอย่างรุนแรง พวกเขาต้องการนำเสนอจุดมองที่ลึกซึ้งและเป็นส่วนตัว แสดงถึงอารมณ์มากกว่าความจริงทางกายภาพ ในช่วงเวลานี้ยังมีการเกิดขึ้นของกลุ่มโฟวิสต์ ศิลปินที่เน้นสีสันสดใสและการทำเครื่องหมายด้วยพู่กันอย่างชัดเจน สำหรับโฟวิสต์ หัวข้อเป็นเรื่องรองจากองค์ประกอบความงามของงาน ในเวลานี้ การเกิดขึ้นของความนามธรรมแท้จริงเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ศิลปินทั่วทุกหนแห่งกำลังทำงานกับการแทนความจริงด้วยสัญลักษณ์ พยายามสื่อสารความคิดและความรู้สึกในรูปแบบที่ไม่เกี่ยวข้องกับหัวข้อ พวกเขากำลังนามธรรมโดยนิยาม แต่ใครคือผู้ที่ประสบความสำเร็จเป็นคนแรกในการสร้างภาพวาดที่เป็นนามธรรมแท้จริง?

ฮันส์ ฮอฟมันน์ - พระจันทร์ขึ้น, 1965, สีน้ำมันบนผ้าใบ, คอลเลกชันส่วนตัว, Art Resource, นิวยอร์ก / ฮอฟมันน์, ฮันส์ (1880-1966) © ARS, นิวยอร์ก

ใครคือผู้สร้างนามธรรมแท้จริงคนแรก?

เกือบทุกนักประวัติศาสตร์เห็นพ้องกันว่าภาพวาดนามธรรมชิ้นแรกคือ Untitled (First Abstract Watercolor) ของวาซิลี คันดินสกี วาดในปี 1910 ประกอบด้วยจุดสีสันสดใส วงกลม เส้นโค้ง และพื้นที่สีที่จัดวางอย่างดูเหมือนไม่เป็นระเบียบ ผลงานนี้ไม่มีการอ้างอิงถึงองค์ประกอบภาพที่มีอยู่ในโลกทางกายภาพอย่างชัดเจน อย่างไรก็ตาม เราอาจจะสมมติเล่นๆ ว่า Untitled (First Abstract Watercolor) ของคันดินสกีไม่ใช่ภาพวาดนามธรรมแท้จริงชิ้นแรก เมื่อปี 1909 ศิลปินแนวหน้าแห่งฝรั่งเศส ฟรานซิส ปิกาเบีย ได้วาดภาพ Caoutchouc ซึ่งเป็นงานต้นแบบคิวบิสต์ที่มีรูปทรงเรขาคณิตที่ไม่สามารถจดจำได้ล้อมรอบด้วยพื้นที่สีที่ดูเหมือนไม่เกี่ยวข้องกัน งานนี้ดูเหมือนไม่ได้แทนความจริงทางสายตาอย่างชัดเจน แต่คำว่า Caoutchouc หมายถึงน้ำยางธรรมชาติ ซึ่งเป็นวัตถุดิบสำหรับทำยางแข็ง เราไม่เคยวิเคราะห์องค์ประกอบภาพของยางดิบ จึงไม่สามารถบอกได้ว่างานนี้เป็นตัวแทนหรือไม่ ใครจะรู้? สิ่งที่เรารู้คือคันดินสกีเป็นนักทฤษฎีศิลปะและนักเขียนศิลปะที่กระตือรือร้น เขาเขียนอย่างกระตือรือร้นเกี่ยวกับความพยายามสร้างงานศิลปะนามธรรมแท้จริงชิ้นแรกของโลก เขาพูดอย่างเปิดเผยถึงเจตนาที่จะเป็นผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรม และความสำเร็จในการบรรลุเป้าหมายนี้ ไม่มีใครปฏิเสธได้ว่าเขาตั้งใจจะเป็นคนแรก แม้จะมีใครบางคนที่มาก่อนเขาโดยบังเอิญ

ฮันส์ ฮอฟมันน์ - Veluti in Speculum, 1962, สีน้ำมันบนผ้าใบ, ขนาด 85 1/4 x 73 1/2 นิ้ว (216.5 x 186.7 ซม.), © 2017 สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

สิ่งที่คันดินสกีทำอย่างแน่นอน

ด้วยการประกาศเจตนาอย่างเปิดเผยที่จะสร้างศิลปะนามธรรมแท้จริง คันดินสกีได้ปลดปล่อยศิลปินจากการพึ่งพาการอ้างอิงถึงโลกที่สังเกตได้ เขาได้แยกศิลปะออกจากตรรกะเดิม เปิดทางให้เกิดการทดลองอย่างลึกซึ้งและรวดเร็ว เขาได้ทำให้คำมั่นสัญญาของยุคโรแมนติกบรรลุผลสมบูรณ์ ดังที่คาสปาร์ เดวิด ฟรีดริช ศิลปินโรแมนติกชาวเยอรมันกล่าวว่า “ความรู้สึกของศิลปินคือกฎของเขา”

วาซิลี คันดินสกี - Composition IV, 1911, สีน้ำมันบนผ้าใบ, ขนาด 250.5 x 159.5 ซม., Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, ดุสเซลดอร์ฟ, เยอรมนี

โลกในยุคสงคราม

ในช่วงหลายทศวรรษถัดมา ศิลปินได้ทดลองอย่างกว้างขวางกับความนามธรรม มีสไตล์ใหม่ๆ เกิดขึ้นมากมาย ได้รับอิทธิพลจากการเรียกร้องเสรีภาพของความนามธรรม และจากความน่าสะพรึงกลัวของสงครามโลกครั้งที่ 1 และการเกิดขึ้นของยุคเครื่องจักร คิวบิสม์มีอิทธิพลต่อศิลปินในการลดภาษาทางสายตาให้เหลือส่วนประกอบพื้นฐานที่สุด ฟิวเจอริสม์แสดงให้เห็นถึงพลังและชีวิตชีวาในเส้น ดาดาอิสม์ ท้าทายความหมายของศิลปะ ยืนยันเสรีภาพของศิลปะและปฏิเสธชนชั้นกลาง ในทศวรรษ 1920 เซอร์เรียลิสม์เปิดใจศิลปินสู่พลังของจิตใต้สำนึก ด้วยการเน้นภาพในฝันและการปฏิเสธตรรกะสำนึก มีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อศิลปินนามธรรมให้ทดลองเทคนิค สื่อ และวิธีการที่อาจเชื่อมโยงพวกเขาโดยตรงกับจิตใต้สำนึก

วาซิลี คันดินสกี - Composition 6, 1913, สีน้ำมันบนผ้าใบ, ขนาด 76 2/5 × 115 7/10 นิ้ว, 194 × 294 ซม., © วาซิลี คันดินสกี / สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก / ADAGP, ปารีส / เอริช เลสซิง / Art Resource, นิวยอร์ก

สร้างสิ่งใหม่!

ในทศวรรษ 1930 ฮันส์ ฮอฟมันน์ ศิลปินชาวเยอรมันที่เกิดในอเมริกา ได้รับเครดิตในการเผยแพร่ปรัชญาหลักของสิ่งที่เรียกว่า โมเดิร์นนิสม์ ซึ่งเป็นการปฏิเสธรูปแบบและวิธีการของอดีต ฮอฟมันน์ซึ่งเป็นศิลปินนามธรรมเอง ได้สนับสนุนให้นักเรียนของเขาจากแคลิฟอร์เนียถึงนิวยอร์กนำวิธีการสร้างภาพใหม่ๆ มาใช้ เพื่อค้นหาวิธีการเผชิญและแสดงความวิตกกังวลและความมหัศจรรย์ของสังคมที่กำลังอุตสาหกรรมอย่างรวดเร็ว ในปี 1934 กวีเอซร่า พาวนด์ ได้สรุปทัศนคติของโมเดิร์นนิสต์ด้วยคำขวัญที่มีชื่อเสียงว่า “สร้างสิ่งใหม่!” พาวนด์เป็นบุคคลที่ถกเถียงกัน ย้ายไปอิตาลีและสนับสนุนผู้นำฟาสซิสต์ในสงครามโลกครั้งที่ 2 อย่างไรก็ตาม การปฏิเสธอดีตอย่างกระตือรือร้นของเขาได้ฝังรากลึกในจิตใจของศิลปินนามธรรม นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงที่ทรงพลังในอนาคตอันใกล้

วาซิลี คันดินสกี - Black Spot I (รายละเอียด), 1912, สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 39.4 × 51.2 นิ้ว (100.0 × 130.0 ซม.), พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, รัสเซีย

ความบริสุทธิ์ใหม่

หลังสงครามโลกสองครั้ง ภาวะเศรษฐกิจตกต่ำทั่วโลก ความอดอยาก ความโหดร้าย และการโจมตีด้วยนิวเคลียร์สองครั้งในเมืองที่มีประชากรหนาแน่น ความวิตกกังวลของมนุษย์ทั่วไปในช่วงกลางทศวรรษ 1940 นั้นไม่อาจประเมินต่ำไปได้ ความวิตกกังวลนี้ทำให้เกิดความสนใจอย่างกว้างขวางในสาขาจิตวิเคราะห์ที่ยังค่อนข้างใหม่ ในบรรดาคนหลายล้านที่หันไปหาจิตวิเคราะห์ในช่วงเวลานี้คือ แจ็คสัน พอลลอค หนึ่งในสมาชิกชั้นนำของกลุ่มศิลปินที่รู้จักกันในชื่อ ศิลปินนามธรรมแสดงอารมณ์ พอลลอคได้รับการแนะนำให้รู้จักกับจิตวิเคราะห์ในขณะเข้ารับการบำบัด มันเปิดใจเขาสู่โลกแห่งความรู้ดั้งเดิมที่ซ่อนอยู่ในจิตใต้สำนึก ศิลปินร่วมสมัยหลายคนกำลังค้นหาวิธีใหม่ในการเชื่อมต่อกับแก่นแท้ที่ซ่อนอยู่ของมนุษยชาติของตน พยายามแสดงอารมณ์ดิบและดั้งเดิมผ่านภาพวาดของพวกเขา พอลลอคค้นหาภาพที่ซ่อนอยู่ หวังว่าเขาจะเชื่อมต่อกับบางสิ่งที่ลึกซึ้งภายในตัวเอง บางสิ่งที่บริสุทธิ์กว่าที่เคยแสดงโดยศิลปะนามธรรม ประมาณปี 1947 พอลลอคได้ริเริ่มเทคนิคหยดสีที่เป็นสัญลักษณ์ของเขา เทคนิคนี้เกี่ยวข้องกับการใช้แรงโน้มถ่วงและแรงเฉื่อยในการทาสีบนพื้นผิว แทนที่จะใช้เครื่องมือสัมผัสโดยตรงกับผ้าใบ ด้วยการยอมรับระดับของความเป็นกายภาพใหม่นี้ และปฏิเสธรูปแบบที่จดจำได้ทั้งหมด พอลลอคได้เข้าสู่ขอบเขตใหม่ของความนามธรรมแท้จริงที่อิงจากเจตนารมณ์ในจิตใต้สำนึก สี การเคลื่อนไหว พลัง และแรง

วาซิลี คันดินสกี - ภาพสีน้ำชิ้นแรกของคันดินสกี, 1910, สีน้ำ หมึกอินเดีย และดินสอบนกระดาษ, ขนาด 19.5 × 25.5 นิ้ว (49.6 × 64.8 ซม.), ปารีส, ศูนย์จอร์จ ปอมปิดู

จุดจบของการเริ่มต้น

ผลงานของพอลลอคในหลายแง่มุมได้เติมเต็มคำมั่นสัญญาของความนามธรรม: การปลดปล่อยศิลปินอย่างเต็มที่จากข้อจำกัดของความคาดหวังด้านความงาม อาจจะเป็นเช่นกันที่ความพยายามของเขานำไปสู่จุดสิ้นสุดทางตรรกะของความนามธรรม พอลลอคได้เน้นย้ำความสำคัญของพื้นผิว วัสดุ กระบวนการ และแนวคิดในการมองงานศิลปะไม่ใช่เพียงพื้นผิวสำหรับถ่ายทอดศิลปะ แต่เป็นรูปแบบที่เป็นหนึ่งเดียว แม้จะสะท้อนในความรู้สึกดั้งเดิมในงานของพอลลอค แนวคิดเหล่านี้เป็นส่วนสำคัญของงานของ มินิมัลลิสต์ ซึ่งเข้ามาแทนที่ศิลปินนามธรรมแสดงอารมณ์ในฐานะศิลปินที่มีอิทธิพลมากที่สุดในทศวรรษ 1960 เช่นเดียวกับคันดินสกี สมาชิกชั้นนำของขบวนการมินิมัลลิสต์ โดนัลด์ คลาร์เรนซ์ จัดด์ เป็นนักทฤษฎีศิลปะและนักเขียนที่กระตือรือร้น แม้เขาจะปฏิเสธป้ายชื่อมินิมัลลิสต์ แต่จัดด์ก็เป็นตัวแทนของแนวคิดในการลดภาษาทางสายตาและทำให้แนวคิดของรูปทรงและพื้นที่บริสุทธิ์ แทนที่จะปฏิเสธการอ้างอิงภาพที่จดจำได้และความจริงทางวัตถุ ศิลปินมินิมัลลิสต์อย่างจัดด์, โซล เลวิตต์, Barcio และ แฟรงก์ สเตลลา มุ่งเน้นที่รูปทรง การใช้สีสดใสและบริสุทธิ์ เส้นขอบคมชัด พื้นผิวที่น้อยที่สุด และวัสดุสมัยใหม่ แทนที่จะนามธรรมความจริง ศิลปินมินิมัลลิสต์แสดงรูปทรง สี รูปแบบ และเส้นที่มักพบในศิลปะนามธรรม โดยอาศัยอยู่ในพื้นที่ทางกายภาพในลักษณะที่เป็นตัวแทน

แจ็คสัน พอลลอค - Convergence, 1952, พิพิธภัณฑ์ศิลปะอัลไบรท์-น็อกซ์, บัฟฟาโล, นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา

สิ่งใหม่ที่ใหม่กว่า

ประวัติศาสตร์ของศิลปะนามธรรมคือประวัติศาสตร์ของการแสวงหาเสรีภาพของศิลปิน ซึ่งหมายความว่าวันนี้ศิลปินมีอิสระในการแสดงออกในรูปแบบใดก็ได้ที่พวกเขาเลือก สำรวจวิธีการใดก็ได้ที่ดึงดูดใจพวกเขา ความงดงามของสไตล์เปิดกว้างในปัจจุบันคือศิลปินสามารถใช้สไตล์ สื่อ หรือวิธีการใดก็ได้ที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการแสดงความคิด แม้ว่ามินิมัลลิสม์อาจทำให้ศิลปะนามธรรมถูกลดบทบาทในทศวรรษ 1970 แต่ความนามธรรมก็กลับมาเป็นศูนย์กลางของการปฏิบัติของศิลปินหลายคน ศิลปินนามธรรมร่วมสมัยได้รับประโยชน์จากจิตใจที่เปิดกว้างของผู้มาก่อน ความนามธรรมยังคงเชื่อมโยงเรากับบางสิ่งที่ความจริงทางวัตถุไม่สามารถอธิบายได้ บางสิ่งที่ลึกซึ้งภายในตัวเราที่ขยายเกินกว่าความจริงที่มองเห็น

ภาพเด่น: วาซิลี คันดินสกี - ภาพสีน้ำชิ้นแรกของคันดินสกี, 1910, ภาพถ่ายผ่านวิกิพีเดีย

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น

โดย ฟิลลิป Barcio