ช่วงเวลาที่กำหนดในประวัติศาสตร์ของศิลปะนามธรรม
คำพูดสามารถเป็นเรื่องที่ถกเถียงกันได้มาก เราแค่ต้องการพูดคุยเกี่ยวกับ ประวัติศาสตร์ของศิลปะนามธรรม แต่ประโยคนี้เต็มไปด้วยอันตรายทางแนวคิด (ประวัติศาสตร์ของใคร? ศิลปะคืออะไร? การเป็นนามธรรมหมายความว่าอย่างไร?) เพื่อความชัดเจน บางทีเราควรตั้งชื่อบทความนี้ว่า "ช่วงเวลาที่กำหนดในห่วงโซ่เหตุการณ์ที่ประกอบขึ้นเป็นไทม์ไลน์ที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปของอารยธรรมตะวันตกที่เกี่ยวข้องกับวัตถุและปรากฏการณ์ที่สร้างขึ้นโดยศิลปินที่อธิบายตนเองว่าไม่ตั้งใจให้เป็นตัวแทนของความเป็นจริงทางสายตา" แต่ชื่อเรื่องนั้นไม่ใช่ชื่อที่น่าสนใจนัก (หรืออาจจะใช่?) เพื่อความมีสติ สำหรับบทความนี้เรามาใส่ความหมายไว้ข้างๆ และเริ่มต้นจากจุดเริ่มต้นกันเถอะ.
ประวัติศาสตร์ก่อนยุคของศิลปะนามธรรม
หนึ่งในเครื่องหมายที่เก่าแก่ที่สุดของผู้ที่อาศัยอยู่ในถ้ำในยุคก่อนประวัติศาสตร์คือเส้น, รอยขีดข่วน และรอยมือ การตีความที่ดีที่สุดของเราคือพวกมันมีความหมายเชิงสัญลักษณ์ ดังนั้นมันทำให้พวกมันเป็นตัวอย่างแรกของ ศิลปะนามธรรม หรือไม่? อาจจะใช่ แต่แม้แต่ภาพที่เป็นตัวแทนที่ทิ้งไว้โดยบรรพบุรุษโบราณของเราก็ไม่ใช่ภาพที่เหมือนจริงอย่างแท้จริง สิ่งที่ขาดหายไปในวิเคราะห์ของเราคือความเข้าใจในเจตนาของศิลปินยุคแรก เมื่อเราพูดถึงศิลปะนามธรรม เราหมายถึงศิลปะที่ตั้งใจให้เป็นนามธรรมโดยเฉพาะ เนื่องจากเราไม่สามารถรู้ได้ว่าศิลปินยุคก่อนประวัติศาสตร์ตั้งใจจะสื่อสารอะไรผ่านภาพของพวกเขา เราจึงไม่สามารถตัดสินได้ว่ามันเป็นนามธรรมหรือแม้แต่เป็นศิลปะ มันอาจมีวัตถุประสงค์ที่ใช้ประโยชน์ได้ก็ได้ ดังนั้นเราจะข้ามไปข้างหน้า, ไปยังช่วงเวลาที่มีการบันทึกที่ดีกว่า, เมื่อเจตนาของศิลปินชัดเจนกว่า.
เฮนรี มาติส - ผู้หญิงที่สวมหมวก, 1905, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 31 3/4 × 23 1/2 นิ้ว, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก
ก่อนช่วงต้นศตวรรษที่ 19 ต้องบอกว่าศิลปินส่วนใหญ่ในช่วงเวลานั้นไม่มีความหรูหราที่จะตัดสินใจว่าพวกเขาจะสร้างสรรค์อะไร ศิลปินส่วนใหญ่ในยุคก่อนโรแมนติกต้องพึ่งพาการสนับสนุนจากสถาบันทางศาสนาหรืออำนาจเผด็จการอื่น ๆ เพื่อความอยู่รอด ดังนั้นกษัตริย์และบุคคลศักดิ์สิทธิ์จึงเป็นผู้กำหนดเนื้อหาของผลงานของศิลปินเหล่านั้น เมื่อระบบการสนับสนุนนี้ลดลง วิธีการอยู่รอดอื่น ๆ ก็ปรากฏขึ้นสำหรับศิลปิน ระบบแกลเลอรีเริ่มเกิดขึ้น; ตัวแทนศิลปะอิสระเริ่มเป็นตัวแทนผลงานของศิลปิน; บุคคลที่ร่ำรวยและสถาบันเอกชนเริ่มสนับสนุนศิลปินและสะสมผลงานของพวกเขา เป็นครั้งแรกที่ศิลปินได้รับโอกาสในการตอบคำถามด้วยตนเองว่า "ฉันต้องการสร้างสรรค์อะไร?" ทันทีที่คำถามที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ถัดมาเกิดขึ้น: "ทำไมฉันถึงต้องการสร้างมัน?" คำตอบของคำถามนั้นเป็นสาเหตุหลักที่ทำให้ศิลปะนามธรรมเกิดขึ้นในที่สุด และอาจเป็นแนวคิดที่ยั่งยืนที่สุดที่เกิดขึ้นจากยุคโรแมนติก; แนวคิดที่ถูกแสดงออกโดยนักคิดหลายคนในยุคนั้น และสรุปโดยชาวฝรั่งเศสว่า “L'art pour l'art.” ศิลปะเพื่อศิลปะ หรืออย่างที่นักเขียน Edgar Allen Poe กล่าวไว้ในปี 1850:“…หากเราอนุญาตให้ตัวเองมองเข้าไปในจิตวิญญาณของเรา เราจะค้นพบทันทีว่าภายใต้ดวงอาทิตย์นี้ไม่มีผลงานใดที่มีเกียรติมากไปกว่านี้ ไม่มีความสูงส่งมากไปกว่านี้ นอกจากบทกวีนี้…ที่เขียนขึ้นเพียงเพื่อบทกวีเท่านั้น”
อังเดร เดอเรน - ใบเรือที่แห้ง, 1905, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 82 x 101 ซม., © พิพิธภัณฑ์ปุชกิน, มอสโก
ความประทับใจแรก
เมื่อศิลปินได้รับการปลดปล่อยจากข้อจำกัดของเนื้อหาที่กำหนดไว้ล่วงหน้า พวกเขาก็เริ่มปลดปล่อยตัวเองจากข้อจำกัดอื่น ๆ ด้วย ตั้งแต่ประมาณปี 1850 ถึง 1870 ขบวนการอีสเธติก (Aesthetic Movement) ได้มอบอำนาจให้ศิลปินสร้างสรรค์งานศิลปะเพื่อวัตถุประสงค์ทางสุนทรียศาสตร์โดยเฉพาะ แทนที่จะมุ่งเน้นไปที่เนื้อหาที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรม สังคม และการเมือง จากนั้นก็มาถึงกลุ่มอิมเพรสชันนิสต์ (Impressionists) ซึ่งเป็นศิลปินที่ตั้งอยู่ในปารีสที่สร้างสรรค์ผลงานที่มุ่งเน้นไปที่การแสดงคุณสมบัติของแสงอย่างชัดเจน โดยเริ่มการกลั่นกรององค์ประกอบทางสุนทรียศาสตร์ของงานศิลปะแต่ละชิ้น ในปี 1880 จิตรกรจอร์จ เซอรัต (Georges Seurat) ได้พัฒนาวิธีการสร้างภาพจากจุดเล็ก ๆ ทั้งหมด เทคนิคนี้เรียกว่า Pointillism ซึ่งสร้างภาพที่บิดเบี้ยวแต่ยังคงมีลักษณะเป็นตัวแทน Pointillism มีส่วนช่วยในการเพิ่มขึ้นของการใช้แปรงที่ทดลองและเทคนิคการจัดองค์ประกอบที่แนะนำแนวโน้มไปสู่การนามธรรม แนวโน้มนี้ได้รับการขยายออกไปตลอดช่วงหลังอิมเพรสชันนิสต์เมื่อศิลปินเริ่มทดลองกับสัญลักษณ์และการใช้สี รูปทรง และ เส้น อย่างไร้ระเบียบ.
มันเป็นเรื่องส่วนตัว
ในช่วงปี 1900s, กลุ่ม Expressionists ได้มีส่วนร่วมในแนวโน้มสู่การเป็นนามธรรมบริสุทธิ์ด้วยการมุ่งเน้นที่ความเป็นส่วนตัว โดยการบิดเบือนภาพของพวกเขาอย่างรุนแรง พวกเขาพยายามนำเสนอจุดมุมมองที่เป็นส่วนตัวอย่างลึกซึ้ง ซึ่งเป็นตัวแทนของอารมณ์มากกว่าความเป็นจริงทางกายภาพ ในช่วงเวลานี้ยังมีการเกิดขึ้นของกลุ่ม Fauvists ซึ่งเป็นจิตรกรที่มุ่งเน้นไปที่สีสันสดใสและการสร้างสรรค์ด้วยการวาดภาพเป็นหลัก สำหรับ Fauvists แล้ว เนื้อหาของงานมีความสำคัญรองลงมาจากส่วนประกอบทางสุนทรียศาสตร์ของงาน จนถึงเวลานี้ การเกิดขึ้นของนามธรรมบริสุทธิ์เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ศิลปินทุกแห่งกำลังทำงานกับการแทนความหมายเชิงสัญลักษณ์ของความเป็นจริง พยายามสื่อสารความคิดและความรู้สึกในวิธีที่ไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อหา โดยพวกเขาโดยนิยามแล้วกำลังทำการนามธรรม แต่ใครคือคนแรกที่ประสบความสำเร็จในการสร้างภาพวาดที่เป็นนามธรรมอย่างแท้จริง?
ฮันส์ ฮอฟมันน์ - พระจันทร์ขึ้น, 1965, สีน้ำมันบนผ้าใบ, คอลเลกชันส่วนตัว, อาร์ตรีซอร์ส, นิวยอร์ก / ฮอฟมันน์, ฮันส์ (1880-1966) © ARS, นิวยอร์ก
ผู้ที่เป็น Abstractor แท้จริง กรุณายืนขึ้นด้วยครับ/ค่ะ?
นักประวัติศาสตร์เกือบทั้งหมดเห็นพ้องกันว่าภาพวาดนามธรรมชิ้นแรกคือ Untitled (First Abstract Watercolor) ของวาซิลี คันดินสกี้ ซึ่งวาดในปี 1910 ประกอบด้วยจุดสีสดใส วงกลม เส้น ขด และพื้นที่สีที่จัดเรียงในลักษณะที่ดูเหมือนจะสุ่มสี่สุ่มห้า ผลงานนี้ไม่มีการอ้างอิงถึงองค์ประกอบภาพที่มีอยู่ในโลกทางกายภาพเลย หากเราจะพูดแบบลับๆ เพื่อความสนุกสนาน เราอาจตั้งสมมติฐานว่า Untitled (First Abstract Watercolor) ของคันดินสกี้ไม่ใช่ภาพวาดนามธรรมที่บริสุทธิ์ชิ้นแรก ในปี 1909 ศิลปินแนวหน้าแห่งฝรั่งเศส ฟรานซิส พิคาเบีย ได้วาด Caoutchouc ซึ่งเป็นผลงานโปรโตคิวบิสต์ที่มีรูปทรงเรขาคณิตที่ไม่สามารถจดจำได้ห่อหุ้มด้วยพื้นที่สีที่ดูเหมือนไม่เกี่ยวข้องกัน ผลงานนี้ดูเหมือนจะไม่แสดงถึงความเป็นจริงทางภาพวัตถุเลย อย่างไรก็ตาม คำว่า Caoutchouc หมายถึงน้ำยางธรรมชาติ ซึ่งเป็นการอ้างอิงถึงวัตถุดิบในการทำยางที่ผ่านการทำให้แข็งตัว เราไม่สามารถบอกได้ว่าเราได้วิเคราะห์องค์ประกอบภาพของยางที่ยังไม่ผ่านการทำให้แข็งตัวหรือไม่ แต่บางทีภาพวาดนี้อาจมีความหมายเชิงแทน ใครจะรู้? สิ่งที่เรารู้คือ คันดินสกี้เป็นนักทฤษฎีศิลปะที่กระตือรือร้นและเป็นนักเขียนศิลปะที่มีผลงานมากมาย เขาเขียนด้วยความกระตือรือร้นเกี่ยวกับการแสวงหาที่จะสร้างสรรค์งานศิลปะนามธรรมที่บริสุทธิ์ชิ้นแรกของโลก เขาพูดอย่างเปิดเผยเกี่ยวกับความตั้งใจของเขาที่จะเป็นผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรม และความสำเร็จในการบรรลุเป้าหมายนี้ ไม่มีใครสามารถปฏิเสธได้ว่ามันเป็นความตั้งใจของเขาที่จะเป็นคนแรก ไม่ว่าจะมีใครที่เกิดก่อนเขาโดยบังเอิญทำได้ก่อนหรือไม่ก็ตาม.
ฮันส์ ฮอฟมันน์ - เวลูติ อิน สเปกูลัม, 1962, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 85 1/4 x 73 1/2 นิ้ว (216.5 x 186.7 ซม.), © 2017 สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก
สิ่งที่คานดินสกี้ทำอย่างแน่นอน
การประกาศเจตนาของเขาในการสร้างงานศิลปะนามธรรมที่บริสุทธิ์อย่างเปิดเผย ทำให้คานดินสกี้ปลดปล่อยศิลปินจากการพึ่งพาการอ้างอิงถึงโลกที่สังเกตได้ เขาได้แยกศิลปะออกจากตรรกะเดิมของมัน เขาได้เปิดพื้นที่ให้กับการทดลองที่ลึกซึ้งและรวดเร็ว เขาได้นำความหวังของโรแมนติกมาสู่วัยที่เจริญเติบโต ซึ่งตามที่คาสปาร์ ดาวิด ฟรีดริช ศิลปินโรแมนติกชาวเยอรมันกล่าวว่า “ความรู้สึกของศิลปินคือกฎหมายของเขา”.
วาซิลลี่ คันดินสกี้ - คอมโพสิตชัน IV, 1911, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 250.5 x 159.5 ซม., คลังศิลปะนอร์ดไรน์-เวสต์ฟาเลน, ดุสเซลดอร์ฟ, เยอรมนี
โลกในภาวะสงคราม
ในช่วงหลายทศวรรษถัดมา ศิลปินได้ทดลองอย่างหลากหลายกับนามธรรม สไตล์ใหม่ๆ หลายแบบเกิดขึ้น โดยได้รับอิทธิพลจากการเรียกร้องเสรีภาพของนามธรรม และจากความน่าสยดสยองของสงครามโลกครั้งที่ 1 และการเกิดขึ้นของยุคเครื่องจักร คิวบิสม์ได้ส่งผลกระทบต่อศิลปินให้ลดภาษาทัศนศิลป์ของพวกเขาลงสู่บล็อกพื้นฐานที่สุด ฟิวเจอริสม์ได้แสดงให้เห็นถึงพลังและชีวิตชีวาในเส้น ดาดาอิซึม ได้ท้าทายความหมายของศิลปะ โดยยืนยันเสรีภาพของศิลปะจากและการปฏิเสธชนชั้นกลาง ในทศวรรษที่ 1920 เซอร์เรียลลิสม์ได้เปิดโลกทัศน์ของศิลปินให้เห็นถึงพลังของจิตใต้สำนึก ด้วยการมุ่งเน้นไปที่ภาพลักษณ์ที่เหมือนความฝันและการปฏิเสธตรรกะที่มีสติ มันได้ส่งผลกระทบอย่างลึกซึ้งต่อศิลปินนามธรรมให้ทดลองมากขึ้นกับเทคนิค สื่อ และวิธีการที่อาจเชื่อมโยงพวกเขาโดยตรงกับตัวตนที่ไม่รู้สึกตัวของพวกเขา.
วาซิลี คันดินสกี - คอมโพสิชัน 6, 1913, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 76 2/5 × 115 7/10 นิ้ว, 194 × 294 ซม., © วาซิลี คันดินสกี / สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก / ADAGP, ปารีส / เอริช เลสซิง / อาร์ตรีซอร์ส, นิวยอร์ก
ทำให้มันใหม่!
ในทศวรรษ 1930 จิตรกรชาวเยอรมันที่เกิดในอเมริกา ฮันส์ ฮอฟมันน์ ได้รับเครดิตในการเผยแพร่ปรัชญาที่สำคัญไปยังอเมริกา ซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ โมเดิร์นนิสม์ ซึ่งเป็นการปฏิเสธรูปแบบและวิธีการในอดีต ฮอฟมันน์ซึ่งเป็นจิตรกรนามธรรม ได้กระตุ้นให้นักเรียนของเขาจากแคลิฟอร์เนียไปยังนิวยอร์ก นำวิธีการใหม่ในการสร้างภาพ เพื่อค้นหาวิธีการเผชิญหน้าและแสดงออกถึงความวิตกกังวลและความมหัศจรรย์ของสังคมที่กำลังอุตสาหกรรมอย่างรวดเร็ว ในปี 1934 กวี เอซรา พาวด์ ได้สรุปทัศนคติของโมเดิร์นนิสต์ ด้วยการเรียกร้องที่มีชื่อเสียงของเขาต่อนักศิลปะว่า "ทำให้มันใหม่!" พาวด์เป็นบุคคลที่มีความขัดแย้ง ในที่สุดเขาย้ายไปอิตาลี ซึ่งเขาสนับสนุนบุคคลที่เป็นฟาสซิสต์ชั้นนำในสงครามโลกครั้งที่ 2 อย่างไรก็ตาม การปฏิเสธอย่างกระตือรือร้นของเขาต่อสิ่งเก่าได้ฝังรากลึกในจิตใจของศิลปินนามธรรม นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงที่ทรงพลังในอนาคตอันใกล้.
วาซิลลี่ คันดินสกี้ - จุดดำ I (รายละเอียด), 1912, สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 39.4 × 51.2 นิ้ว (100.0 × 130.0 ซม.), พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, รัสเซีย
ความบริสุทธิ์ใหม่
หลังจากสงครามโลกครั้งที่สอง วิกฤตเศรษฐกิจโลก ความอดอยาก อาชญากรรมสงคราม และการโจมตีด้วยอาวุธนิวเคลียร์ต่อเมืองที่มีประชากรหนาแน่น สถานการณ์ที่มนุษย์ทั่วไปต้องเผชิญกับความวิตกกังวลในช่วงกลางทศวรรษ 1940 นั้นไม่สามารถพูดเกินจริงได้ ความวิตกกังวลนี้ทำให้เกิดความสนใจใหม่และแพร่หลายต่อสาขาจิตวิเคราะห์ที่ยังค่อนข้างใหม่ ในหมู่ผู้คนหลายล้านคนที่หันมาใช้จิตวิเคราะห์ในช่วงเวลานี้คือ แจ็คสัน พอลล็อค หนึ่งในสมาชิกชั้นนำของกลุ่มศิลปินที่รู้จักกันในชื่อ Abstract Expressionists พอลล็อคได้สัมผัสกับจิตวิเคราะห์ขณะอยู่ในสถานบำบัด ซึ่งเปิดโลกทัศน์ของเขาให้กับความรู้ดั้งเดิมที่ถูกล็อคอยู่ในจิตใต้สำนึกของเขา เพื่อนร่วมสมัยหลายคนของเขากำลังมองหาวิธีใหม่ในการเชื่อมต่อกับแก่นแท้ที่ซ่อนอยู่ของมนุษยชาติ ทำงานเพื่อแสดงอารมณ์ดิบและดั้งเดิมผ่านผลงานของพวกเขา พอลล็อคมองหาภาพลักษณ์ที่ซ่อนอยู่ หวังว่าเขาจะสามารถเชื่อมต่อกับบางสิ่งที่ลึกลงไปในตัวเขาเอง บางสิ่งที่บริสุทธิ์กว่าที่เคยถูกแสดงออกโดยศิลปะนามธรรม ประมาณปี 1947 พอลล็อคได้พัฒนาเทคนิคการหยดสีที่เป็นเอกลักษณ์ของเขา เทคนิคนี้เกี่ยวข้องกับการทาสีลงบนพื้นผิวโดยใช้แรงต่างๆ เช่น แรงโน้มถ่วงและโมเมนตัม แทนที่จะใช้การสัมผัสโดยตรงกับเครื่องมือบนผ้าใบ การยอมรับระดับทางกายภาพใหม่นี้ และปฏิเสธรูปแบบที่สามารถจดจำได้ทั้งหมด พอลล็อคได้เข้าสู่ขอบเขตใหม่ของนามธรรมบริสุทธิ์ที่อิงจากเจตนาจิตใต้สำนึก สี การเคลื่อนไหว พลัง และแรง.
วาซิลี คันดินสกี - สีน้ำที่เป็นนามธรรมชิ้นแรกของคันดินสกี, 1910, สีน้ำและหมึกอินเดียและดินสอบนกระดาษ, 19.5 × 25.5 นิ้ว, (49.6 × 64.8 ซม.), ปารีส, เซ็นเตอร์ จอร์จ ปอมปิดู
จุดจบของการเริ่มต้น
งานของ Pollock ในหลาย ๆ ด้านได้เติมเต็มสัญญาของนามธรรม: การปลดปล่อยศิลปินจากข้อจำกัดของความคาดหวังด้านความงามอย่างเต็มที่ อาจจะด้วยเหตุนี้ ความพยายามของเขานำไปสู่จุดสิ้นสุดที่มีเหตุผลของนามธรรม Pollock ได้เน้นย้ำความสำคัญของพื้นผิว วัสดุ กระบวนการ และแนวคิดในการมองงานศิลปะไม่ใช่เป็นพื้นผิวที่ใช้ในการถ่ายทอดศิลปะ แต่เป็นรูปแบบที่เป็นเอกภาพเอง แม้ว่าจะสะท้อนในความรู้สึกดิบในงานของ Pollock แต่แนวคิดเหล่านี้เป็นส่วนสำคัญของงานของ Minimalists ซึ่งจะเข้ามาแทนที่ผู้แสดงออกนามธรรมในฐานะศิลปินที่มีอิทธิพลมากที่สุดในทศวรรษ 1960 เช่นเดียวกับ Kandinsky สมาชิกชั้นนำของขบวนการ Minimalist Donald Clarence Judd เป็นนักทฤษฎีศิลปะและนักเขียนที่กระตือรือร้น แม้ว่าเขาจะปฏิเสธป้ายชื่อ Minimalist แต่ Judd กลายเป็นตัวแทนของแนวคิดในการลดทอนภาษาทัศนศิลป์ และการทำให้แนวคิดของรูปแบบและพื้นที่บริสุทธิ์ขึ้น แทนที่จะปฏิเสธการอ้างอิงทางทัศนวิสัยที่สามารถจดจำได้และความเป็นจริงที่เป็นวัตถุ ศิลปิน Minimalist เช่น Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt และ Frank Stella มุ่งเน้นไปที่รูปแบบ การใช้สีที่สดใสและบริสุทธิ์ เส้นที่คมชัด พื้นผิวที่น้อยนิด และความเป็นสมัยใหม่ของวัสดุ แทนที่จะทำให้ความเป็นจริงเป็นนามธรรม Minimalists ได้แสดงรูปร่าง สี รูปแบบ และเส้นที่มักจะสำรวจในศิลปะนามธรรม โดยอาศัยอยู่ในพื้นที่ทางกายภาพในลักษณะเชิงแทนที่.
Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA
ใหม่ ใหม่
ประวัติศาสตร์ของศิลปะนามธรรมคือประวัติศาสตร์ของการแสวงหาความเป็นอิสระของศิลปิน สิ่งที่หมายถึงในวันนี้คือศิลปินมีอิสระในการแสดงออกในรูปแบบใดก็ได้ที่พวกเขาเลือก สำรวจวิธีการใดก็ตามที่ดึงดูดพวกเขา ความงามของสไตล์ที่เปิดกว้างในปัจจุบันคือศิลปินสามารถใช้สไตล์ สื่อ หรือวิธีการใดก็ได้ที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการสร้างสรรค์แนวคิด แม้ว่ามินิมัลลิซึมอาจทำให้ศิลปะนามธรรมถูกมองข้ามในทศวรรษ 1970 แต่การนามธรรมได้กลับมาอยู่ในแนวหน้าของการปฏิบัติของศิลปินหลายคน จิตรกรนามธรรมร่วมสมัยได้รับประโยชน์จากจิตวิญญาณที่เปิดกว้างของบรรพบุรุษของพวกเขา การนามธรรมยังคงเชื่อมโยงเราเข้ากับสิ่งที่ความเป็นจริงเชิงวัตถุไม่สามารถอธิบายได้; สิ่งที่ลึกลงไปในตัวเราที่ขยายออกไปเกินกว่าความเป็นจริงที่มองเห็นได้.
ภาพเด่น: วาซิลี่ คันดินสกี้ - สีน้ำเชิงนามธรรมชิ้นแรกของคันดินสกี้, 1910, รูปถ่ายจากวิกิพีเดีย
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
