ศิลปะนามธรรมในฐานะสไตล์ที่เลือก

“อดีตไม่เคยตาย มันไม่แม้แต่จะเป็นอดีต”
-วิลเลียม ฟอล์กเนอร์, Requiem for a Nun

คำว่า ร่วมสมัย หมายถึงปัจจุบัน แต่เราสามารถมีความร่วมสมัยได้หลายรูปแบบหรือไม่? ด้วยมรดกทางความคิดของศิลปินอย่างโจเซฟ บอยส์ ผู้ให้คุณค่ากับแนวคิดหลักของงานศิลปะเหนือการแสดงออกทางรูปแบบ ปัจจุบันศิลปินจึงมีอิสระในการทำงานแบบสหวิทยาการและข้ามช่วงประวัติศาสตร์ พวกเขาอาจวาดภาพด้วยสไตล์ศิลปะนามธรรม ขณะเดียวกันก็สร้างประติมากรรมมินิมอลลิสต์ ถ่ายวิดีโอไฮเปอร์เรียลลิสต์ และทำงานภาพถ่ายแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์บนโซเชียลมีเดีย ศิลปินร่วมสมัยไม่ได้มองประวัติศาสตร์เป็นสายพานลำเลียงที่กระแสต่าง ๆ ผ่านไปแล้วไม่หวนกลับมาให้เห็นอีก พวกเขามองประวัติศาสตร์เป็นฐานข้อมูลที่สามารถเข้าถึงสิ่งใดก็ตามซึ่งเคยใช้ได้ผลได้ทุกเมื่อ และนำกลับมาใช้ใหม่ได้

สไตล์ศิลปะนามธรรม

เมื่อศิลปินเลือกทำงานในรูปแบบของศิลปะนามธรรม โดยทั่วไปมีสองแนวทางที่ศิลปินอาจใช้ในกระบวนการนี้ แนวทางแรกคือเริ่มต้นจากสิ่งที่เป็นรูปธรรม แล้วจึงทำให้กลายเป็นนามธรรม ตัวอย่างเช่น ศิลปินอาจเริ่มจากภาพที่สื่อถึงสิ่งซึ่งมีอยู่ในโลกจริง เช่น ใบหน้ามนุษย์ จากนั้นศิลปินบิดเบือนหรือบดบังใบหน้านั้นจนถึงระดับที่ภาพกลายเป็นนามธรรม ตัวอย่างของแนวทางนี้คือผลงานThe Weeping Woman ของปิกัสโซ

แนวทางที่สองในการสร้างภาพวาดนามธรรมคือการทำงานด้วยนามธรรมบริสุทธิ์ ในแนวทางนี้ ศิลปินพยายามสร้างภาพที่ไม่อ้างอิงโลกทัศน์ที่มองเห็นได้จริงในรูปแบบใด ๆ กล่าวอีกอย่างคือ ศิลปินพยายามถ่ายทอดแนวคิดออกมาเป็นภาพโดยไม่ใช้ภาษาภาพที่มีอยู่เดิม การเปรียบเทียบที่ช่วยให้เข้าใจได้คือการจินตนาการถึงนักประพันธ์เพลงที่พยายามสื่อแนวคิดเรื่องความไร้เดียงสาผ่านบทเพลงที่ไร้ถ้อยคำ ตัวอย่างของศิลปะนามธรรมประเภทนี้คือผลงานPerfect Happiness ของแอกเนส มาร์ติน ศิลปินภาพวาดนามธรรมผู้มักพยายามสื่อแนวคิดเรื่องความไร้เดียงสาผ่านผลงานของเธอ

แอกเนส มาร์ติน - Perfect Happiness (จากชุด Innocent Love), 1999, © Lannan Foundation

ข้อควรระวัง: แนวคิดที่กำลังเล่นอยู่

เมื่อเราพิจารณาภาพวาดนามธรรมอย่างเต็มที่ เราจะพบแนวคิดหลายประการที่ทำงานอยู่พร้อมกัน เราพบแนวคิดเรื่องการวาดภาพ ซึ่งหมายถึงการทาสีหรือสื่อวัสดุลงบนพื้นผิวเพื่อจุดประสงค์ด้านสุนทรียภาพ เราพบแนวคิดของศิลปินสำหรับภาพวาดชิ้นนี้ ซึ่งเป็นแนวคิดทางสุนทรียะที่ศิลปินสร้างขึ้นสำหรับภาพดังกล่าว เราพบแนวคิดที่ศิลปินมีมาตั้งแต่แรก ซึ่งนำไปสู่การค้นหาสุนทรียภาพทางภาพที่สามารถสื่อสารได้ ท้ายที่สุด เรายังพบแนวคิดเบื้องหลังสไตล์ที่ศิลปินเลือกใช้ในการทำงาน หากวางแนวคิดอื่น ๆ เหล่านั้นไว้ก่อน คำถามของเราคือ เหตุใดศิลปินจึงเลือกทำงานในรูปแบบศิลปะนามธรรม? เหตุผลส่วนตัวที่เป็นไปได้อาจมีไม่สิ้นสุด บางทีศิลปินอาจรู้สึกว่าตนต้องสื่อสารบางสิ่งที่อยู่นอกเหนือภาษาภาพแบบเดิม บางทีศิลปินอาจมองว่าภาพที่มีอยู่เดิมเป็นข้อจำกัด บางทีศิลปินอาจไม่แน่ใจว่าควรกล่าวสิ่งใด และหวังว่าจะเข้าถึงแนวคิดนั้นในระดับจิตใต้สำนึกผ่านกระบวนการสร้างสรรค์ผลงาน หรืออาจมีแนวคิดเชิงโครงสร้างหรือแนวคิดที่ยึดวัสดุเป็นพื้นฐานกำลังทำงานอยู่ ซึ่งอาจสับสนหรือเปลี่ยนแปลงไปเมื่อมีรูปทรงที่จดจำได้เข้ามา

ปาโบล ปิกัสโซ - The Weeping Woman, 1937, © Tate Modern

แนวคิดยิ่งใหญ่ของศิลปะนามธรรม

ไม่ว่าเหตุผลส่วนตัวของศิลปินในการทำงานด้วยสไตล์ศิลปะนามธรรมจะเป็นอย่างไร ตัวศิลปะนามธรรมเองก็มีแนวคิดยิ่งใหญ่เป็นของตนเอง เมื่อวาซิลี คันดินสกีวาดผลงานนามธรรมบริสุทธิ์ชุดแรก ๆ เขาทำเช่นนั้นโดยมีเป้าหมายเพื่อปลดปล่อยตนเองจากความคาดหวังทางสุนทรียภาพ ศิลปะนามธรรมเปิดโอกาสให้ศิลปินไม่ต้องยึดติดกับสิ่งที่สามารถสื่อสารได้ผ่านภาพแบบดั้งเดิม ศิลปะนามธรรมเชื้อเชิญให้ศิลปินสำรวจสิ่งที่สามารถสื่อสารได้ผ่านการทำงานกับองค์ประกอบพื้นฐานของภาพ ได้แก่ พลังและศักยภาพของสี เส้น รูปทรง พื้นที่ แสง เทคนิค และสภาวะทางวัตถุ ศิลปะนามธรรมท้าทายให้ศิลปินสำรวจส่วนลึกของจิตไร้สำนึกและสื่อสารคำถามที่ค้นพบจากที่นั่น ศิลปะนามธรรมปกป้องความเป็นปัจเจกด้วยการมอบอิสระอย่างสมบูรณ์ให้ศิลปินสร้างสรรค์สิ่งที่มีเอกลักษณ์ สิ่งใหม่ สิ่งที่ถูกหล่อหลอมโดยสรีระทางกายภาพ วิสัยทัศน์ภายใน และส่วนลึกที่ยังไม่ถูกสำรวจของความเป็นมนุษย์ดั้งเดิม นั่นคือเหตุผลที่ศิลปินเลือกทำงานในรูปแบบนามธรรม ศิลปะนามธรรมเปิดโอกาสให้ศิลปินเป็นตัวของตัวเองและเป็นอิสระ

วาซิลี คันดินสกี - สีน้ำแบบนามธรรมชิ้นแรก, 1910, Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, ปารีส ประเทศฝรั่งเศส

ภาพประกอบ: ไซ ทอมบลี - รายละเอียดของผลงานศิลปะ

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบาย

โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ