บทความ: ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของปาโบล ปีกัสโซ (และทายาทนามธรรมบางส่วน)
ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของปาโบล ปีกัสโซ (และทายาทนามธรรมบางส่วน)
ไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะวัด ภาพวาด Pablo Picasso ที่ มีชื่อเสียงที่สุด Pablo Picasso (หรือที่รู้จักในชื่อเต็มของเขา Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) ถูกบันทึกใน Guinness Book of World Records ว่าเป็นจิตรกรมืออาชีพที่ผลิตผลงานมากที่สุดในประวัติศาสตร์ เขาสร้างภาพวาดระหว่าง 1,300 ถึง 1,900 ภาพตั้งแต่เริ่มเรียนศิลปะตอนอายุ 7 ขวบจนถึงเสียชีวิตเมื่ออายุ 91 ปี อย่างไรก็ตาม สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดไม่ใช่จำนวนภาพวาดของ Picasso แต่เป็นจำนวนที่ถือว่าเป็นผลงานชิ้นเอก การตระหนักว่าไม่มีรายชื่อภาพวาด Picasso ที่จะไม่มีข้อโต้แย้ง ความพยายามอย่างถ่อมตนของเรารวมผลงานที่มีชื่อเสียงจากแต่ละช่วงเวลาของเขา เพื่อส่องสว่างเส้นทางอาชีพที่น่าประทับใจของเขาในภาพรวม
และเราตัดสินใจเพิ่มความซับซ้อนให้กับงานนี้: Picasso ส่วนใหญ่เป็นจิตรกรเชิงรูปธรรม เขาวาดภาพผู้คน วัว กีตาร์ และสงคราม อย่างไรก็ตาม นวัตกรรมสุดล้ำของเขาได้วางรากฐานโดยตรงสำหรับศิลปะนามธรรมที่ตามมา ในบทความนี้ เราตั้งใจสำรวจสายสัมพันธ์นี้โดยจับคู่ผลงานชิ้นเอกที่โดดเด่นของเขากับ "เสียงสะท้อนร่วมสมัย" ศิลปินนามธรรมจาก IdeelArt ที่ผลงานของพวกเขาสอดคล้องกับจิตวิญญาณ เทคนิค การจัดวาง หรือความรู้สึกทางอารมณ์เฉพาะของต้นฉบับ Picasso แม้ว่าการเชื่อมโยงภาพเหมือนวัยรุ่นปี 1905 กับภาพนามธรรมปี 2026 จะเป็นการตีความมากกว่าการสืบทอดโดยตรง แต่เรามั่นใจว่าการจับคู่นี้เผยบทสนทนาที่น่าหลงใหลระหว่างประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่และอนาคตที่มีชีวิตและลมหายใจ
ยุคสีน้ำเงิน (1901 - 1904)
ยุคนี้ถูกตั้งชื่อตามโทนสีน้ำเงินที่ปรากฏในภาพวาดของ Picasso จำนวนมากในช่วงเวลานั้น Picasso เองให้เหตุผลว่าการเลือกใช้สีน้ำเงินเพียงอย่างเดียวมาจากความเศร้าที่เขารู้สึกหลังจากการเสียชีวิตของเพื่อนเขา Carlos Casagemas ที่ยิงตัวเองที่หัวในร้านกาแฟที่ปารีส หนึ่งในผลงานที่ได้รับความรักมากที่สุดจากช่วงเวลานี้คือ The Old Guitarist (1903) ซึ่งแสดงภาพชายชราผอมแห้งในชุดขาดรุ่งริ่ง ก้มตัวเล่นกีตาร์บนถนนในบาร์เซโลนา
Pablo Picasso - The Old Guitarist, 1903. สถาบันศิลปะชิคาโก. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
ภาพนี้ไม่ใช่แค่ภาพเหมือนของความยากจนเท่านั้น แต่เป็นการไตร่ตรองอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับความปลอบโยนของศิลปะ รูปร่างที่ยาวและท่าทางที่มีมุมของตัวแบบเผยให้เห็นการศึกษาลึกซึ้งของ Picasso ต่อศิลปินชาวสเปน El Greco เชื่อมโยงความทุกข์สมัยใหม่กับประเพณีทางศิลปะ กีตาร์ ซึ่งเป็นองค์ประกอบเดียวในภาพที่เปลี่ยนแปลงเล็กน้อยจากสีน้ำเงินที่ครอบคลุมทั้งหมด เป็นสัญลักษณ์ของศิลปะในฐานะเส้นชีวิต แหล่งความอบอุ่นและการอยู่รอดในโลกที่เย็นชา
Picasso ไม่ใช่ศิลปินนามธรรม แต่ยุคสีน้ำเงินของเขาอาศัยหลักการที่กำหนดนามธรรม: ว่าสีเองคืออารมณ์ เขาใช้สีน้ำเงินเพื่อสร้างบรรยากาศแห่งความเงียบสงบและการไตร่ตรอง
วันนี้ ศิลปินชาวสก็อต Eric Cruikshank นำตรรกะนั้นไปสู่จุดสุดยอด ที่ซึ่ง Picasso ใช้รูปของคนขอทานเพื่อสื่อความเศร้า Cruikshank ถามว่าความรู้สึกนั้นสามารถสื่อผ่านสีเพียงอย่างเดียวได้หรือไม่ โดยใช้กระบวนการลบแปรงของตัวเองอย่างเข้มงวด Cruikshank สร้าง "ม่าน" ของสีบรรยากาศที่เหมือนกับสีน้ำเงินของ Picasso ซึ่งจับความทรงจำที่เลือนลางของความรู้สึกแทนภาพจริงของโลก เขาพิสูจน์ให้เห็นว่าคุณไม่จำเป็นต้องมีกีตาร์เพื่อวาดภาพเพลง
Eric Cruikshank - P076, 2024
ยุคกุหลาบ (สีชมพู) (1904 – 1906)
ในปี 1904, Picasso ตกหลุมรัก Fernande Olivier และเปลี่ยนทิศทางสไตล์ของเขาในสองวิธีที่ลึกซึ้ง ประการแรก ในการเปลี่ยนผ่านจากความเศร้าโศกสู่ความโรแมนติก เขาหยุดวาดภาพด้วยโทนสีน้ำเงินและเปลี่ยนไปใช้เฉดสีชมพู ส้ม และโทนสีดิน ประการที่สอง เขาเปลี่ยนจากการวาดภาพมนุษย์อย่างละเอียดไปสู่การแสดงภาพมนุษย์ในรูปแบบที่มีสไตล์มากขึ้น ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดจากช่วงนี้คือ เด็กชายกับท่อสูบ
Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (เด็กชายกับท่อสูบ), 1905. คอลเลกชันอนุสรณ์ Helen Birch Bartlett. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
หัวข้อคือ "P’tit Louis" เด็กวัยรุ่นเร่ร่อนท้องถิ่นที่มักไปที่สตูดิโอของ Picasso ในมงมาร์ตร์ แม้ว่าภาพวาดจะยังคงมีความรู้สึกเศร้าโศก พวงมาลัยดอกกุหลาบและพื้นหลังดอกไม้บ่งบอกถึงการจากไปจากความสิ้นหวังของยุค Blue Period สายตาของเด็กชายดูแยกตัว อารมณ์เหมือนลึกลับ และท่อที่เขาถือไว้ ซึ่งวางอย่างแปลกในมือ เป็นสัญลักษณ์ของชีวิตโบฮีเมียนและการไตร่ตรอง งานนี้เป็นช่วงเวลาสำคัญที่ Picasso เริ่มให้ความสำคัญกับอารมณ์และความไพเราะมากกว่าความสมจริงอย่างเคร่งครัด สร้างภาพความเปราะบางของวัยรุ่นที่ทั้งไร้กาลเวลาและน่าหวาดหวั่น
ในยุค Rose Period ของเขา Picasso ก้าวข้ามการแทนภาพอย่างง่ายเพื่อจับอารมณ์—ความรู้สึกเปราะบางและกวีนิพนธ์ที่มีอยู่ ระหว่าง หัวข้อและผู้ชม
วันนี้ ศิลปินที่อาศัยอยู่ในปารีส Macha Poynder ติดตามความทะเยอทะยานในเชิงกวีนิพนธ์ที่คล้ายกันผ่านนามธรรม ได้รับอิทธิพลจากปรัชญาที่ว่า "สีคือเสียง" เธอสร้างองค์ประกอบที่ทำงานเหมือนคอร์ดภาพ เช่นเดียวกับที่ Picasso ใช้สีชมพูเพื่อเปลี่ยนกุญแจอารมณ์ของงานจากความสิ้นหวังเป็นความอบอุ่นที่เปราะบาง Poynder ใช้การซ้อนทับของสีและเส้นสายลายมือที่ไพเราะและคล้ายลายมือเพื่อสร้าง "หน้าต่างที่มองเห็นและมองไม่เห็นสัมผัสกัน" งานของเธอพิสูจน์ว่า "กวีนิพนธ์" ในศิลปะไม่ใช่เรื่องของเนื้อหา แต่เป็นเรื่องของการสั่นสะเทือนของพื้นผิวเอง
Macha Poynder - เราทุกคนคือฟีนิกซ์ แม้ว่าเราจะไม่รู้ตัว - 2020
ยุคแอฟริกัน (1907 – 1909)
ได้รับอิทธิพลจากประติมากรรมไอบีเรียและหน้ากากแอฟริกัน Picasso ปลดปล่อยตัวเองจากมุมมองแบบดั้งเดิมอย่างสิ้นเชิง ในเวลาเดียวกัน เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความแบนราบของผลงานในช่วงหลังของ Paul Cézanne ซึ่งเสียชีวิตในปี 1906 ในช่วงเวลาของการทดลองอย่างรวดเร็วนี้ Picasso ลดภาษาภาพของภาพวาดของเขาอย่างมาก โดยเอนเอียงไปทาง นามธรรม มากขึ้น ภาพวาดที่สำคัญที่สุดจากช่วงนี้คือ Les Demoiselles d'Avignon ซึ่งถือเป็นต้นแบบของ Cubist เพราะมีองค์ประกอบสำคัญทั้งหมดที่จะกลายเป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์นั้นในที่สุด
ภาพวาดแสดงหญิงเปลือยห้าคนในซ่อง โครงร่างของพวกเธอแตกเป็นระนาบคมชัดและขรุขระที่ดูเหมือนจะเฉือนผ่านพื้นที่ที่พวกเธออาศัยอยู่
Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก. © 2019 มรดกของ Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก
นี่ไม่ใช่แค่สไตล์ใหม่เท่านั้น แต่มันคือการกระทำที่ก้าวร้าวต่อศิลปะ "สุภาพ" ในอดีต ตัวละครสองตัวทางขวาสวมหน้ากากที่ดูน่ากลัวและแปลกประหลาดต่อค่านิยมความงามแบบตะวันตก ด้วยการผสมผสานตัวละครกับพื้นหลังและแสดงมุมมองหลายมุมพร้อมกัน Picasso ไม่ได้แค่ระบายฉากหนึ่ง แต่เขาได้รื้อถอนวิธีที่เรามองเห็นความจริง การรื้อถอนอย่างรุนแรงนี้วางรากฐานโดยตรงสำหรับ Cubism
จิตรกรชาวอเมริกัน Susan Cantrick เป็นทายาทร่วมสมัยของสายปัญญานี้ งานของเธอใช้สิ่งที่นักวิจารณ์เรียกว่า "วิธีของคิวบิสต์ที่แยกและสร้างสรรค์พื้นที่ใหม่" เช่นเดียวกับ Picasso เธอผสมผสานโครงสร้างสถาปัตยกรรมที่มีขอบคมเข้ากับลายเส้นที่ไหลลื่นและแสดงออก สร้างภาษาภาพ "ไฮบริด" แต่ในขณะที่ Picasso แตกแยกร่างกายมนุษย์ Cantrick แตกแยกการรับรู้เอง โดยแยกผืนผ้าใบออกเป็นชั้น "ดิจิทัลและอะนาล็อก" เพื่อเผยให้เห็นวิธีที่ซับซ้อนและแตกกระจายที่เราประมวลผลข้อมูลในโลกสมัยใหม่
Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©the artist
Cubism & Collage (1908 – 1912)
นอกจากการประดิษฐ์ Cubism ซึ่งทำลายประเพณีเรอเนสซองซ์ของมุมมองจุดเดียว Picasso และศิลปินร่วมสมัยของเขา Georges Braque เริ่มทดลองเพิ่มเศษซาก "โลกจริง" ลงในผืนผ้าใบของพวกเขาพร้อมกัน การเคลื่อนไหวนี้ท้าทายคำจำกัดความของสิ่งที่ภาพวาดสามารถเป็นได้ หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดจากยุคนี้คือ Still Life with Chair Caning (1912)
Pablo Picasso - ภาพนิ่งกับเก้าอี้หวาย, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
งานชิ้นเล็กทรงรีนี้ถือกันอย่างกว้างขวางว่าเป็นคอลลาจศิลปะชั้นสูงชิ้นแรก Picasso ได้นำผ้าปูโต๊ะที่พิมพ์ลายเก้าอี้หวายมาติดลงบนผืนผ้าใบโดยตรงและล้อมกรอบด้วยเชือก ด้วยการผสมผสานวัสดุอุตสาหกรรมที่ผลิตจำนวนมากเข้ากับองค์ประกอบ "ศิลปะชั้นสูง" Picasso ได้ทำให้เส้นแบ่งระหว่างศิลปะกับวัตถุ ความจริงกับภาพลวงตาเลือนลางลง นี่คือก้าวกระโดดทางแนวคิดที่เปิดประตูสู่ทุกสิ่งตั้งแต่ Dadaism ถึง Pop Art พิสูจน์ว่าวัสดุจากถนนควรอยู่ในพิพิธภัณฑ์
การนำเชือกและผ้ากันน้ำมันมาใช้ของ Picasso พิสูจน์ให้เห็นว่าภาพวาดไม่จำเป็นต้องแบนราบ มันสามารถเป็นโครงสร้างทางกายภาพที่สร้างขึ้นจากโลกจริงได้
ศิลปินชาวอังกฤษ Anthony Frost สืบทอดมรดกนี้ด้วยพลังงานที่เข้มข้น แทนที่จะวาดภาพลวงตาของพื้นผิว เขาสร้างพื้นผิวของเขาด้วยวัสดุดิบจากสภาพแวดล้อมชายฝั่งของเขา—ผ้าผืนเรือ ตาข่ายผลไม้ ผ้ากระสอบ และหินภูเขาไฟ เช่นเดียวกับที่ Picasso ใช้เชือกในการจัดกรอบองค์ประกอบของเขา Frost ใช้ตาข่ายอุตสาหกรรมและยางเพื่อสร้างชั้นที่ยื่นออกมาจากผืนผ้าใบ งานของเขาเป็นลูกหลานโดยตรงของการปฏิวัติคอลลาจ: เป็นการเตือนใจว่า ศิลปะไม่ใช่แค่ภาพที่ดูได้ แต่เป็นวัตถุทางกายภาพที่ต้องสัมผัสประสบการณ์
Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©ศิลปิน
นีโอคลาสสิก (1918 - 1928)
ในปี 1918 ก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่งจะสิ้นสุดไม่นาน Picasso แต่งงานกับภรรยาคนแรกของเขา Olga Khokhlova นักบัลเลต์จาก Ballets Russes ยุคหลังสงครามนำมาซึ่ง "การกลับสู่ระเบียบ" ในศิลปะทั่วยุโรป และ Picasso ก็เดินตามแนวทางนี้ โดยหันเหจากการแตกแยกของคิวบิสม์ไปสู่สไตล์ที่ยิ่งใหญ่และมีลักษณะเหมือนประติมากรรมที่ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินชาวฝรั่งเศส Ingres
ตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบคือ Portrait of Olga in an Armchair (1918)
Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (ภาพเหมือน Olga ในเก้าอี้นวม), 1918. Musée Picasso Paris, ปารีส, ฝรั่งเศส. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
ภาพวาดนี้เป็นบทเรียนชั้นยอดในเรื่องความตึงเครียด Picasso วาดใบหน้าของ Olga ด้วยความแม่นยำเหมือนถ่ายภาพและเหมือนเครื่องลายคราม โดยยึดตามกฎคลาสสิกอย่างเคร่งครัด อย่างไรก็ตาม เขาทิ้งส่วนที่เหลือของผืนผ้าใบในสภาพ "non-finito" (ไม่เสร็จสมบูรณ์) อย่างจงใจ เก้าอี้นวมเป็นลวดลายกราฟิกแบนราบ และชุดสลายกลายเป็นภาพร่างเส้นเปลือยเปล่าบนพื้นหลังว่างเปล่า ด้วยการวางความสมจริงสุดขั้วไว้เคียงข้างผืนผ้าใบเปล่า Picasso ยืนยันว่าภาพวาดไม่ใช่หน้าต่างสู่ความเป็นจริง แต่เป็นพื้นผิวที่สร้างขึ้นซึ่งส่วนที่เสร็จสมบูรณ์และไม่เสร็จสามารถอยู่ร่วมกันได้
ในภาพเหมือนนี้ Picasso แสดงให้เห็นว่าพื้นที่ว่างไม่ใช่ "ความว่างเปล่า": มันเป็นองค์ประกอบการออกแบบที่มีชีวิต เขาใช้เส้นดิบเพื่อกำหนดปริมาตรของชุดโดยไม่ต้องเติมเต็มมันลงไป
ศิลปินชาวฝรั่งเศส Marie de Lignerolles สร้างงานของเธอโดยยึดหลักการนี้เป็นหลัก ผลงานของเธอสำรวจแนวคิดของ "รูปแบบตรงข้าม" และ "ความว่างเปล่า" โดยถือว่าพื้นที่ว่างเป็น "การมีอยู่ในความไม่มี" เช่นเดียวกับการจัดการชุดของ Olga โดย Picasso, de Lignerolles ใช้เส้นเป็นเครื่องมือโครงสร้างหลัก โดยให้สีขาวของกระดาษมีน้ำหนักเท่ากับสี เธอพิสูจน์ว่าในศิลปะ สิ่งที่คุณละเว้นมักจะสำคัญเท่ากับสิ่งที่คุณใส่เข้าไป
Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©ศิลปิน
เหนือจริง (1928 - 1948)
ในช่วงปลายทศวรรษ 1920 และต้นทศวรรษ 30 ได้รับอิทธิพลจากขบวนการเหนือจริงและความสัมพันธ์ที่ร้อนแรงกับ Marie-Thérèse Walter, Picasso เริ่มบิดเบือนรูปร่างมนุษย์ในรูปแบบใหม่ที่รุนแรง ยุคนี้ผลิตผลงานที่มีความรู้สึกทางเพศและจิตวิทยาที่เข้มข้นที่สุดของเขา
ตัวอย่างสำคัญสองชิ้นจากช่วงเวลานี้คือ Figures at the Seaside (1931) และ The Dream (1932) (ดูภาพหัวเรื่อง)
Pablo Picasso - Figures at the Seaside, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
ใน Figures at the Seaside รูปสองรูปที่จูบกันถูกลดทอนให้เป็นรูปร่างชีวโมฟิกที่เรียบเนียนซึ่งดูเหมือนหินหรือกระดูกที่ถูกกัดกร่อนมากกว่ากายวิภาคของมนุษย์ มันเป็นภาพที่น่ากลัวแต่เปี่ยมด้วยความอ่อนโยนของความปรารถนา โดยการลบล้างความหมายตามตัวอักษรเพื่อเผยความจริงทางจิตวิทยา ในทำนองเดียวกัน The Dream แสดงให้เห็น Marie-Thérèse ในสภาวะของความฝันทางอารมณ์ ใบหน้าของเธอถูกแบ่งโดยโครงร่างที่เหมือนอวัยวะเพศชาย ร่างกายของเธอถูกวาดด้วยเส้นโค้งนุ่มนวลที่สะท้อนความลื่นไหลของจิตใต้สำนึก ผลงานเหล่านี้แสดงให้เห็นความชำนาญของ Picasso ในการใช้ชีวโมฟิซึม เปลี่ยนร่างกายให้กลายเป็นภูมิทัศน์ของรูปร่างแปลกตาและนุ่มนวลเพื่อแสดงโลกที่ซ่อนอยู่ของความฝันและความปรารถนา
ปิกัสโซ่ใช้รูปร่างออร์แกนิกและเซอร์เรียลเหล่านี้เพื่อแสดงให้เห็นว่าจิตใต้สำนึกบิดเบือนความจริงอย่างไร โดยเปลี่ยนรูปทรงมนุษย์ให้กลายเป็นสิ่งที่ไหลลื่นและเป็นเซลล์
ศิลปินร่วมสมัย Daniela Marin สำรวจ "ภูมิทัศน์ภายใน" เดียวกันนี้ ผลงานของเธอเต็มไปด้วย "รูปร่างโปรโตซัวที่มีชีวิตชีวา" และรูปแบบวนซ้ำที่สะท้อนเส้นโค้งทางชีวภาพและออร์แกนิกของตัวละครเซอร์เรียลิสม์ของปิกัสโซ่ ด้วยการสร้างสมดุลระหว่างความตึงเครียดและความกลมกลืนตามธรรมชาติ Marin เสนอโลกที่ชีวิตจุลินทรีย์และอารมณ์มนุษย์สอดประสานกัน นำพาประเพณีเซอร์เรียลิสม์ในการมองเข้าไปข้างในเพื่อค้นหารูปร่างของธรรมชาติ
Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©ศิลปิน
Guernica (1937)
ตั้งแต่ปี 1936 ถึง 1939 สเปนอยู่ในภาวะสงครามกลางเมืองระหว่างกองกำลังชาตินิยมและสาธารณรัฐ กองกำลังชาตินิยมมีพันธมิตรกับอำนาจฟาสซิสต์ในเยอรมนีและอิตาลี ในฤดูใบไม้ผลิปี 1937 เครื่องบินเยอรมันและอิตาเลียนได้ทิ้งระเบิดหมู่บ้าน Basque Guernica ตามคำร้องขอของชาตินิยมสเปน นี่เป็นครั้งแรกที่กองทัพอากาศสมัยใหม่โจมตีประชากรพลเรือนไม่มีอาวุธ ก่อนหน้านั้นในปีเดียวกัน สาธารณรัฐสเปนได้ว่าจ้างปิกัสโซ่วาดภาพจิตรกรรมฝาผนังสำหรับงาน World’s Fair 1937 ที่ปารีส ผลงานที่ปิกัสโซ่สร้างขึ้นสำหรับงานแสดงนี้ตอบสนองต่อการทิ้งระเบิด: นั่นคือ Guernica.
Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Guernica ซึ่งได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของปิกัสโซ่ แสดงภาพฝันร้ายของร่างกายที่บิดเบี้ยวและสัตว์ที่กรีดร้องท่ามกลางซากปรักหักพังในเมือง ในแง่ความงาม มันผสมผสานการแตกสลายของคิวบิสม์กับตรรกะฝันร้ายของเซอร์เรียลิสม์ ด้วยการจำกัดพาเลตต์สีให้เป็นสีดำ ขาว และเทา ปิกัสโซ่ได้สร้างความรู้สึกเร่งด่วนเหมือนภาพถ่ายหนังสือพิมพ์ ทำให้เส้นแบ่งระหว่างศิลปะชั้นสูงกับวารสารศาสตร์เบลอไป มันยังคงเป็นคำประกาศต่อต้านสงครามที่ยิ่งใหญ่ที่สุด พิสูจน์ว่าศิลปะสามารถเป็นอาวุธต่อความโหดร้ายได้
ปิกัสโซ่วาดภาพ Guernica เพื่อให้โลกไม่สามารถละสายตาจากการสังหารหมู่ได้ เขาพิสูจน์ว่า ศิลปินมีหน้าที่ทางศีลธรรมในการเป็นพยานต่อความหายนะ
ศิลปินชาวเยอรมัน Reiner Heidorn รับหน้าที่ "พยานทางสายตา" นี้เข้าสู่ศตวรรษที่ 21 แต่โฟกัสของเขาเปลี่ยนจากการทำลายล้างของสงครามไปสู่การทำลายล้างของโลก โดยใช้เทคนิค "Dissolutio" อันเป็นเอกลักษณ์ Heidorn สร้างภาพวาดน้ำมันขนาดใหญ่ที่ดื่มด่ำซึ่งพูดถึงการเปลี่ยนแปลงสภาพภูมิอากาศและความสัมพันธ์ที่ละลายระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ เช่นเดียวกับที่ Picasso ใช้รูปแบบจิตรกรรมฝาผนังเพื่อต่อสู้กับความรุนแรงในยุคของเขา Heidorn ใช้ขนาดและพื้นผิวที่ละลายอย่างเข้มข้นเพื่อต่อสู้กับ "ความรุนแรงทางนิเวศวิทยา" ของเรา เรียกร้องให้เราไม่ละสายตาจากการหายไปของโลกธรรมชาติ
Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©ศิลปิน
หลังสงครามโลกครั้งที่สอง
จนกระทั่งเขาเสียชีวิตในปี 1973 Picasso ยังคงสร้างงานศิลปะ โดยมักกลับไปใช้วิธีและสไตล์ที่เขาได้สำรวจในช่วงชีวิตก่อนหน้า หลังสงครามโลกครั้งที่สอง Picasso ย้ายไปทางใต้ของฝรั่งเศสและเข้าสู่ช่วงสุดท้ายที่มีผลงานมากมาย เขากลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกและได้รับมอบหมายให้สร้างงานทุกอย่างตั้งแต่งานสาธารณะขนาดใหญ่จนถึงของใช้ในบ้านทั่วไป ในปี 1953 เขาได้พบกับผู้หญิงที่จะกลายเป็นภรรยาคนที่สองของเขา Jacqueline Roque Picasso อายุ 72 ปีในขณะนั้น; Jacqueline อายุ 27 ปี เขาวาดภาพเธอมากกว่าผู้หญิงคนอื่นในชีวิตของเขา: มากกว่า 400 ครั้งในเวลาเพียง 20 ปี ตัวอย่างที่โดดเด่นของความหลงใหลนี้คือ Jacqueline กับดอกไม้ (1954)
Pablo Picasso - Jacqueline กับดอกไม้, 1954. Musée Picasso, ปารีส, ฝรั่งเศส. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
ในภาพเหมือนนี้ Picasso ละทิ้งเส้นโค้งนุ่มนวลของหญิงสาวในอดีตเพื่อสไตล์ที่แข็งและเคร่งขรึม Jacqueline ถูกวาดด้วยคอยาวและดวงตากว้างจ้องมอง (ลักษณะเด่นของเธอ) คล้ายกับสฟิงซ์สมัยใหม่ สีถูกทาอย่างเร่งด่วนและรวดเร็ว ซึ่งเป็นสัญญาณของสไตล์ดิบ "ไม่พัฒนา" ในช่วงปีสุดท้ายของเขา ในเวลานั้น นักวิจารณ์มองผลงานเหล่านี้ว่าเป็นลายมือของชายชราที่สมองเสื่อม; แต่วันนี้พวกเขาถูกยอมรับว่าเป็นบรรพบุรุษของนีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ ที่ได้รับการชื่นชมในความดุเดือดและเสรีภาพ
ในภาพเหมือนของ Jacqueline, Picasso หยุดพยายามที่จะเป็น "สมบูรณ์แบบ" เขาวาดด้วยความเร็วที่ดิบและกราฟิก โดยให้ความสำคัญกับผลกระทบทันทีของภาพมากกว่าทักษะที่ละเอียดอ่อน
ศิลปินร่วมสมัย Tommaso Fattovich ถ่ายทอดพลังงานที่คลั่งไคล้เช่นเดียวกันนี้ แม้จะเป็นนามธรรมล้วนๆ แต่ผลงาน "Abstract Punk" ของเขาแบ่งปันความหนาแน่นของโครงสร้างและพลังกราฟิกของภาพเหมือนช่วงปลายของ Picasso Fattovich สร้างภาพของเขาอย่างรวดเร็ว ชั้นต่อชั้น สร้าง "การปรากฏตัว" กลางผืนผ้าใบที่รู้สึกเกือบจะเป็นรูปธรรมในน้ำหนัก เช่นเดียวกับการทำซ้ำใบหน้าของ Jacqueline อย่างหมกมุ่นของ Picasso งานของ Fattovich ขับเคลื่อนด้วยความต้องการอย่างแรงกล้าที่จะทำเครื่องหมายบนผืนผ้าใบ ส่งผลให้งานศิลปะรู้สึกเหมือนเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นอย่างฉับพลันและปฏิเสธไม่ได้มากกว่าภาพวาดทั่วไป
Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - ©ศิลปิน
มรดกที่ไม่มีวันสิ้นสุด
Picasso เคยกล่าวไว้ว่า "ศิลปะไม่ใช่การประยุกต์ใช้กฎเกณฑ์แห่งความงาม แต่คือสิ่งที่สัญชาตญาณและสมองสามารถจินตนาการได้เกินกว่ากฎเกณฑ์ใดๆ" ความมุ่งมั่นไม่หยุดยั้งที่จะก้าว ไปไกลกว่า เพื่อทำลายรูปทรง เพื่อรื้อถอนมุมมอง เพื่อวาดภาพจิตใต้สำนึก คือมรดกแท้จริงของเขา มันไม่ได้จบลงเมื่อเขาเสียชีวิตในปี 1973 แต่มันกระจายตัวและพัฒนาเป็นรูปแบบและคำถามใหม่ๆ
ศิลปินร่วมสมัยที่ปรากฏเคียงข้างผลงานชิ้นเอกเหล่านี้ ตั้งแต่โทนสีโมโนโครมที่มีบรรยากาศของ Eric Cruikshank’s ไปจนถึงพลังพังค์ของ Tommaso Fattovich’s เป็นหลักฐานของสายเลือดที่ยังมีชีวิตอยู่เหล่านี้ พวกเขาเตือนเราว่าประวัติศาสตร์ศิลปะไม่ใช่บทที่ปิดตาย แต่เป็นบทสนทนาที่ต่อเนื่องและเปิดกว้าง ไม่ว่าจะผ่านความเงียบสงบของสีเดียวหรือความวุ่นวายของพื้นผิวที่ถูกทำลาย จิตวิญญาณแห่งการประดิษฐ์ที่นิยามศตวรรษของ Picasso ยังคงมีชีวิตและแข็งแรงในยุคของเรา
โดย Phillip Barcio (2016) แก้ไขโดย Francis Berthomier (2026)
ภาพเด่น: Pablo Picasso - Le Rêve (ความฝัน), 1932. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 130 ซม. × 97 ซม. คอลเลกชันส่วนตัว © 2019 มรดกของ Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการประกอบเท่านั้น
งานศิลปะที่เกี่ยวข้อง
