ศิลปะของ Richard Pousette-Dart นั้นยอดเยี่ยม

สำหรับศิลปินชาวอเมริกัน ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต (1916 – 1992) วงกลมเป็นสัญลักษณ์ของชีวิตนิรันดร์ เขามองว่ารูปทรงนี้ไม่เพียงแสดงถึงนิรันดร์เท่านั้น แต่ยังสะท้อนความจริงสากลอื่น ๆ เช่น ธรรมชาติทางจิตวิญญาณของมนุษย์ ความคิดที่ว่ามนุษย์ไม่อาจแยกจากธรรมชาติได้ และความเชื่อที่เต็มไปด้วยความหวังว่าพวกเราสามารถก้าวข้ามความเป็นชั่วคราวของการดำรงอยู่ผ่านการแสดงออกทางศิลปะ พูเซตต์-ดาร์ตแสดงความรักต่อวงกลมในหลายรูปแบบตลอดเส้นทางอาชีพของเขา ในฐานะจิตรกรหนุ่มในทศวรรษ 1930 เขาเติมเต็มผลงานที่หยาบกระด้างและมีลักษณะดิบเถื่อนด้วยวงกลมที่ทำหน้าที่เป็นสัญลักษณ์แทนดวงตา ในทศวรรษ 1940 ในฐานะสมาชิกที่อายุน้อยที่สุดของรุ่นแรกของกลุ่มศิลปินนามธรรมแสดงออก เขาใช้วงกลมเป็นสัญลักษณ์นามธรรมที่ปรากฏซ้ำ ๆ: แทนหัวมนุษย์ เมฆเห็ด ดาวเคราะห์ ดวงอาทิตย์ ความหวัง ปัญญา และดอกไม้ เป็นเวลาหลายปี พูเซตต์-ดาร์ตปั้นวงกลมทองเหลืองในขนาดและรูปแบบต่าง ๆ มอบให้เพื่อนและผู้ร่วมงานเป็นสัญลักษณ์ของการเชื่อมโยงทางจิตวิญญาณ จากนั้นในทศวรรษ 1960 การแสดงออกที่สมบูรณ์และเจริญเต็มที่ที่สุดของความรักในวงกลมของเขาก็ปรากฏขึ้น เมื่อพูเซตต์-ดาร์ตใช้เทคนิคจุดสีแบบพอยน์ทิลลิสต์ เติมเต็มผืนผ้าใบของเขาด้วยจุดวงกลมเล็ก ๆ นับพันจุดที่มีสีสัน แตกต่างจากจิตรกรพอยน์ทิลลิสต์ในศตวรรษที่ 19 ที่หวังว่าจุดสีที่อยู่ติดกันจะผสมผสานในสายตาเพื่อช่วยให้ผู้ชมเห็นภาพที่มีชีวิตชีวาและเคลื่อนไหวของฉากที่เป็นรูปธรรม พูเซตต์-ดาร์ตใช้จุดวงกลมเพื่อสร้างผลงานนามธรรมโดยสมบูรณ์ ภาพจุดสีแบบนามธรรมของเขามีจุดมุ่งหมายเพื่อดึงดูดสายตาและจิตใจของผู้ชมเข้าสู่พื้นที่เหนือธรรมชาติ ที่ซึ่งความจริงลึกลับรออยู่ ในการเฉลิมฉลองพลังเหนือธรรมชาติของวงกลมอย่างมุ่งมั่น พูเซตต์-ดาร์ตได้ร่วมทางกับจิตรกรอย่าง ฮิลมา อัฟ คลินท์ และ วาซิลี คันดินสกี: ศิลปินนามธรรมที่มุ่งหวังจะวาดภาพไม่ใช่โลกทางกายภาพและสิ่งที่ตาเห็นได้โดยตรง แต่เป็นสิ่งของจิตวิญญาณที่เข้าถึงได้เฉพาะในจิตใต้สำนึกลึก ๆ เท่านั้น

ผู้ลี้ภัยจากโรงเรียนแห่งนิวยอร์ก

แม้ว่าเขาจะไม่ตรงกับพวกเขาในหลายแง่มุม แต่เหตุการณ์ประวัติศาสตร์หลายอย่างทำให้พูเซตต์-ดาร์ตอยู่ในกลุ่มศิลปินอเมริกันที่ทรงอิทธิพลที่สุดในศตวรรษที่ 20: โรงเรียนแห่งนิวยอร์ก กลุ่มศิลปินที่รวมตัวกันอย่างหลวม ๆ นี้โดดเด่นขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่สอง ประกอบด้วย ศิลปินนามธรรมแสดงออก รวมถึงศิลปินอื่น ๆ อีกมากมายที่มีวิธีการหรือความชื่นชมในความสำคัญของศิลปะนามธรรมในลักษณะเดียวกัน ช่วงเวลาทางวัฒนธรรมที่โดดเด่นช่วยกำหนดว่าใครเป็นส่วนหนึ่งของโรงเรียนแห่งนิวยอร์ก หนึ่งในนั้นคือการประชุมที่เรียกว่า Artists Sessions ที่ Studio 35 ซึ่งศิลปินที่เข้าร่วมได้พูดคุยเกี่ยวกับแนวคิด วิธีการ และปรัชญาที่นำทางงานของพวกเขา อีกหนึ่งคือจดหมายประท้วงที่ส่งไปยังพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน ปฏิเสธการจัดแสดง American Painting Today – 1950 และภาพถ่าย “Irascibles” ที่ตีพิมพ์ในนิตยสาร Life หลังจากนั้นไม่นาน อีกหนึ่งคือการจัดแสดงศิลปะถนนที่ 9 ในปี 1951 ซึ่งมีผลงานของศิลปิน 64 คน และถือเป็นการยืนยันการมีอยู่ของกลุ่มอาวองต์การ์ดอเมริกันหลังสงครามที่มีความสำคัญในระดับโลก อาวองต์การ์ด

ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต - ทะเลทราย, 1940. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 43" x 6' (109 x 182.8 ซม.) คอลเลกชัน MoMA. © 2019 ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต.

พูเซตต์-ดาร์ตมีส่วนร่วมในทั้งสามเหตุการณ์นั้น แต่ในเวลาเดียวกันเขาก็เป็นคนนอก แม้กระทั่งในกลุ่มคนนอกเหล่านี้ ต่างจากเพื่อนร่วมรุ่นส่วนใหญ่ เขาเป็นมังสวิรัติและหลีกเลี่ยงการดื่มสุรา เขาไม่ค่อยไปนั่งเล่นที่บาร์ และไม่แสดงออกถึงความวิตกกังวลหรือซึมเศร้าอย่างเปิดเผย ตรงกันข้าม พูเซตต์-ดาร์ตมองโลกในแง่ดีว่าอย่างไรเสียความกลัวและความวิตกกังวลของรุ่นเขาสามารถถูกแทนที่ด้วยความหวังและการก้าวข้าม และศิลปะสามารถมีบทบาทสำคัญในการเปลี่ยนแปลงนั้น อาจเป็นเพราะเขาไม่เข้ากับสังคม หรืออาจเพียงเพราะเขาต้องการสภาพแวดล้อมที่เงียบสงบและมีความคิดลึกซึ้งมากขึ้นสำหรับการทำงาน เขาจึงออกจากนครนิวยอร์กในปี 1951 ขณะที่โรงเรียนแห่งนิวยอร์กกำลังโด่งดัง พร้อมกับภรรยาและลูก ๆ เขาย้ายไปทางเหนือและตั้งหลักปักฐานในสตูดิโอที่ขับเคลื่อนด้วยปรัชญา ซึ่งช่วยให้เขาพัฒนาสไตล์ส่วนตัวที่โดดเด่นโดยอิงจากสีสัน ความกลมกลืน และความเรียบง่าย ซึ่งแตกต่างจากเพื่อนร่วมสมัยในเมืองอย่างมาก

ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต - ไม่มีชื่อ, 1944. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ ขนาด 39 × 52 นิ้ว (99.1 × 132.1 ซม.) แกลเลอรีไมเคิล โรเซนเฟลด์. © 2019 ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต.

ยุคฟื้นฟูศิลปะแบบจุด

ในช่วงชีวิตของเขา พูเซตต์-ดาร์ตได้รับคำชมมากมาย รวมถึงการจัดแสดงผลงานย้อนหลังที่พิพิธภัณฑ์วิทย์นีย์และพิพิธภัณฑ์ศิลปะอินเดียนาโพลิส และตั้งแต่เขาเสียชีวิตในปี 1992 ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงย้อนหลังที่วิทย์นีย์ พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์กและเวนิส) และฟิลลิปส์ คอลเลกชันในวอชิงตัน ดี.ซี. เป็นต้น แม้จะได้รับความสนใจเช่นนี้ ผลงานของเขายังคงได้รับการชื่นชมไม่มากนัก โดยเฉพาะในกลุ่มผู้ชมต่างประเทศ หนึ่งในคำอธิบายที่มักถูกยกขึ้นสำหรับการถูกมองข้ามนี้คือทฤษฎีที่ว่าผู้คนไม่สนใจศิลปินนามธรรมแสดงออกที่มองโลกในแง่ดี พวกเขาชอบศิลปินที่มีอารมณ์ซึมเศร้าและติดสุรามากกว่า อีกทฤษฎีหนึ่งเสนอว่าสไตล์เฉพาะตัวที่เขาพัฒนาหลังจากออกจากนิวยอร์กทำให้งานของเขายากต่อการจัดประเภท และจึงยากสำหรับพ่อค้าศิลปะที่จะขาย

ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต - ไม่มีชื่อ, 1977. ดินสอกราไฟต์บนกระดาษ ขนาด 22 3/4 × 30 นิ้ว (57.8 × 76.2 ซม.) แกลเลอรีไมเคิล โรเซนเฟลด์. © 2019 ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต.

อย่างไรก็ตาม มีมุมมองทางเลือกอย่างน้อยหนึ่งข้อที่ควรพิจารณา: ว่าพูเซตต์-ดาร์ตไม่ได้ถูกละเลย เขาอาจจะล้ำหน้ากว่ากาลเวลาของเขาเล็กน้อย ลองพิจารณา ฮิลมา อัฟ คลินท์ ศิลปินนามธรรมทางจิตวิญญาณผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคสมัยใหม่ ที่เพิ่งได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางเมื่อการจัดแสดงผลงานย้อนหลังของเธอจัดขึ้นที่กุกเกนไฮม์ในนิวยอร์ก เธอล้ำหน้ากว่ากาลเวลาของเธอมากกว่าศตวรรษ พูเซตต์-ดาร์ตอยู่ในสายเลือดของเธอ – ศิลปินผู้สอนตนเองที่เชื่อในพลังลึกลับและศักยภาพสากลของศิลปะนามธรรม ด้วยนิทรรศการสองงานที่เพิ่งจัดขึ้นเพื่อแนะนำผลงานของเขาแก่ผู้ชมชาวอังกฤษ – หนึ่งงานเพิ่งสิ้นสุดที่เคมบริดจ์ และอีกงานหนึ่งจัดแสดงถึงวันที่ 20 กุมภาพันธ์ 2019 ที่เพซ ลอนดอน – ดูเหมือนว่าเวลาจะเหมาะสมสำหรับเราที่จะพิจารณาพูเซตต์-ดาร์ตใหม่ในบริบทของแนวโน้มร่วมสมัย อาจเป็นไปได้ว่างานของเขาไม่เข้ากับความเย็นชาของรุ่นเขา แต่ในยุคของเรา เมื่อเราต้องเผชิญกับปัญหาและความกลัวของเราเอง ภาพของเขาเกี่ยวกับโลกที่มีความหวังและเป็นหนึ่งเดียวกัน (แม้จะมองไม่เห็น) คือสิ่งที่เราต้องการ

ภาพเด่น: ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต - ภายในห้อง, 1942. สีน้ำมันบนผืนผ้าใบและไม้ ขนาด 36 × 60 นิ้ว (91.4 × 152.4 ซม.) พิพิธภัณฑ์วิทย์นีย์แห่งศิลปะอเมริกัน นิวยอร์ก; ของขวัญครบรอบ 50 ปีจากศิลปิน 2014.99. © 2019 ริชาร์ด พูเซตต์-ดาร์ต.
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio