มาคุยกันเพิ่มเติมเกี่ยวกับศิลปะของแลร์รี พูนส์
หลังจากการแสดงครั้งแรกของเขาในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ที่ Green Gallery ในนิวยอร์ก แลร์รี พูนส์ กลายเป็นที่ชื่นชอบของนักวิจารณ์ทันที การแสดงนั้นมีผลงานภาพจุดที่โด่งดังของเขา—การจัดเรียงจุดอย่างเป็นคณิตศาสตร์บนพื้นหลังสีเดียว ภาพเหล่านี้ขายดีและได้รับความรักจากศิลปินคนอื่น ๆ ความเรียบแบนของภาพยังเข้ากันได้ดีกับตำนานทางประวัติศาสตร์ศิลปะที่นักวิจารณ์ศิลปะ คลีเมนต์ กรีนเบิร์ก กำลังผลักดันในเวลานั้นเกี่ยวกับวิวัฒนาการของภาพนามธรรมสู่พื้นผิวที่แบนราบ แนวโน้มนี้เขาเรียกว่า “นามธรรมหลังยุคจิตรกร” อย่างไรก็ตาม พูนส์ไม่ได้สร้างภาพเหล่านี้เพราะเขาต้องการรวยหรือสร้างประวัติศาสตร์ศิลปะ เขาทำเพราะเขาวาดรูปไม่เก่ง ในช่วงปลายชีวิต พูนส์เล่าถึงความทรมานจากการพยายามวาดรูปทรงบนกระดาษกราฟที่มีเส้นแล้วระบายสีลงไป “ผมไม่พอใจกับมัน” เขาอธิบาย หลังจากเพื่อนบอกให้เขาทำให้ง่ายขึ้น เขาคิดว่า “ถ้าผมทำให้ง่ายขึ้น ผมก็แค่ระบายจุด” ดังนั้นภาพจุดจึงเกิดขึ้น อย่างไรก็ตาม พูนส์ไม่ได้ตื่นเต้นกับจุดเหล่านั้น เมื่อความมั่นใจของเขาเพิ่มขึ้น เขากลับทดลองมากขึ้นและเปลี่ยนแนวทางอย่างรุนแรง การเปลี่ยนสไตล์ของเขาทำให้กรีนเบิร์กไม่พอใจ ทำให้ผู้ซื้อไม่สนใจ และทำให้พ่อค้าศิลปะกลัว ตั้งแต่นั้นมา พูนส์ก็มีทั้งช่วงที่ได้รับความนิยมและไม่เป็นที่นิยมในสาธารณะ แต่เขาไม่เคยหยุดทดลองในฐานะจิตรกร ขณะเดียวกัน นักวิจารณ์หลายคนพยายามคิดทฤษฎีรวมเพื่ออธิบายวิวัฒนาการของเขา อาจเพื่อให้มีเส้นเชื่อมโยงช่วยอธิบายผลงานของเขาสำหรับคนรุ่นหลังหรือสำหรับตลาด ส่วนใหญ่พวกเขามุ่งเน้นที่สี เขียนให้กับ The New York Times โรแบร์ตา สมิธ กล่าวว่า “คุณพูนส์แสดงความชอบอย่างแรงกล้าต่อสนามสีที่สั่นไหวทั่วทั้งภาพ แม้ว่าวิธีการที่เขาใช้จะเปลี่ยนแปลงอย่างมาก” เขียนให้กับ Hyperallergic เจสัน แอนดรูว์ เขียนว่า พูนส์ “เกี่ยวกับสีมาตั้งแต่ภาพจุดที่สร้างประวัติศาสตร์ในยุค 60” อย่างไรก็ตาม นักวิจารณ์เหล่านี้อาจกำลังมองหาความแน่นอนในสิ่งที่ไม่มี สำหรับพูนส์ ไม่มีเส้นเชื่อมโยงใด ๆ ภาพแต่ละภาพเป็นภาพของมันเอง จุดประสงค์คือแค่ดูและจดจำ ตามที่พูนส์กล่าวว่า “ในที่สุด มันก็แค่สีเท่านั้น”
แค่ระบายสี
ภาพจุดที่พูนส์สร้างในช่วงต้นทศวรรษ 1960 อาจเกิดจากความต้องการระบายสีให้ง่ายขึ้น แต่สิ่งที่ทำให้พูนส์ก้าวหน้าขึ้นในฐานะศิลปินคือความกล้าที่จะระบายสีอย่างง่ายดาย เมื่อเขาทิ้งกริดไป เขาค้นพบเทคนิคที่น่าสนใจมากมาย เขาสร้างชุดภาพที่เส้นสีหยดลงบนผืนผ้าใบเพื่อสร้างสนามลายแถบที่ดูเหมือนระบายด้วยพู่กัน เขาสร้างองค์ประกอบที่เน้นการทำเครื่องหมายอย่างชัดเจนเป็นศูนย์กลาง เป็นเวลาหลายปี เขาทดลองติดวัสดุต่าง ๆ บนพื้นผิวภาพ เช่น แผ่นกระดาษและเชือกเล็ก ๆ สร้างงานที่หนา หนัก และมีพื้นผิวที่ยื่นออกมาจากผนัง ผลงานล่าสุดของเขานำการวาดรูปกลับมาเป็นจุดเด่น โดยพูนส์ร่างรูปทรงและแบบในองค์ประกอบล่วงหน้าแล้วระบายสีและประดิษฐ์เพิ่มเติมรอบ ๆ
แลร์รี พูนส์ - ไม่มีชื่อ (จาก Conspiracy: The Artist as Witness), 1971 งานพิมพ์สกรีน ขนาด 19 3/4 × 27 นิ้ว (50.2 × 68.6 ซม.) จำนวน 150 ชุด Alpha 137 Gallery © แลร์รี พูนส์
สิ่งที่น่าทึ่งเป็นพิเศษเกี่ยวกับวิธีการของเขาคือความสนุกที่พูนส์ได้รับจากการแก้ไข เขามักจะระบายสีผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่ไม่ได้ยืดโดยไม่รู้ว่าส่วนใดของผืนผ้าใบจะกลายเป็นภาพที่เสร็จสมบูรณ์ ช่วงหนึ่งเขาทำงานโดยวางผืนผ้าใบขนาดใหญ่บนพื้นแล้วระบายสีอย่างอิสระ เมื่อไม่นานมานี้เขาเริ่มแขวนผืนผ้าใบทรงกลมรอบผนังสตูดิโอและระบายสีทั้งหมดพร้อมกัน ไม่ว่าจะทำงานบนพื้นหรือบนผนัง แนวคิดก็เหมือนกัน—เขาสนุกกับการระบายสีและรอให้ภาพปรากฏขึ้น เมื่อภาพใดภาพหนึ่งโดดเด่นออกมาจากองค์ประกอบใหญ่ พูนส์ก็แค่ตัดมันออก วิธีการทำงานนี้เปิดโอกาสให้เขา หลีกเลี่ยงกับดักของแผน และให้ความสำคัญกับความสนุกและความเป็นอิสระ
แลร์รี พูนส์ - ไม่มีชื่อ, 1975 งานพิมพ์ซิลค์สกรีนสี ขนาด 35 x 25 นิ้ว (88.9 x 63.5 ซม.) จำนวน 100 ชุด Robert Fontaine Gallery © แลร์รี พูนส์
จิตรกรที่ประสบความสำเร็จ
เมื่อสารคดี The Price of Everything (กำกับโดย Nathaniel Kahn) เปิดตัวในปี 2018 ที่เทศกาลภาพยนตร์ซันแดนซ์ มันได้นำแลร์รี พูนส์กลับเข้าสู่สายตาสาธารณชนอีกครั้ง ภาพยนตร์เรื่องนี้สำรวจตลาดศิลปะร่วมสมัยจากมุมมองของบ้านประมูลและความพยายามไม่หยุดยั้งในการผลักดันราคาสูงขึ้น จุดประสงค์ชัดเจนที่ผู้ประมูลในภาพยนตร์กล่าวคือคุณภาพของงานศิลปะเชื่อมโยงโดยตรงกับมูลค่าตลาด “งานศิลปะที่ดีต้องมีราคาสูงมาก” ไซมอน เดอ เพอรี ผู้ประมูลและนักสะสมศิลปะชาวสวิสกล่าว ในภาพยนตร์ พูนส์ปรากฏตัวเป็นตัวต้าน—ศิลปินผู้มีประสบการณ์ในวงการที่เลิกสนใจว่างานของเขาจะขายได้หรือไม่ สัมภาษณ์โดย กาเบรียลลา แองเจเลติ ที่ The Art Newspaper หลังจากภาพยนตร์ออกฉาย พูนส์กล่าวว่า “ถ้าคุณนิยามความสำเร็จว่าเป็นการขายอะไรบางอย่างเพื่อจ่ายค่าเช่า นั่นหมายความว่าคุณประสบความสำเร็จในการจ่ายค่าเช่า แต่มันไม่ได้หมายความว่างานศิลปะของคุณดีหรือไม่ดี”
แลร์รี พูนส์ - Robert Kinder Spiele, 1975 อะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 254 x 191.8 ซม. (100 x 75.5 นิ้ว) Knoedler Contemporary Art, นิวยอร์ก ได้รับจากเจ้าของปัจจุบันในปี 1975 © แลร์รี พูนส์
แทนที่จะเป็นเช่นนั้น พูนส์อธิบายความสำเร็จของจิตรกรในแง่ง่าย ๆ เช่น “ลุกจากเตียงตอนเช้าแล้วรู้สึกอยากระบายสีและไประบายสี” อย่างไรก็ตาม ความย้อนแย้งไม่ได้หลุดรอดสายตาเขาว่าภาพพูนส์ที่ตลาดศิลปะให้คุณค่ามากที่สุดคือภาพที่วาดโดยพูนส์ในเวอร์ชันที่มีความสามารถน้อยที่สุดสำหรับศิลปิน สำหรับเขา ภาพจุดที่รักเหล่านั้นเป็นเพียงทางออกง่าย ๆ สำหรับวิกฤตความมั่นใจ พวกมันเป็นภาพที่สวยงาม แต่ถ้าพูนส์ได้รับอะไรบางอย่างทั้งส่วนตัวหรือทางปัญญาจากการสร้างภาพเหล่านั้น เขาคงทำต่อไป เขารู้สึกเบื่อจึงก้าวไปข้างหน้า ตลาดไม่รู้สึกเบื่อจึงยึดติดไว้ พูนส์เป็นหลักฐานว่าศิลปินไม่จำเป็นต้องรู้สึกผูกพันกับสิ่งที่เขาไม่ชอบทำเพียงเพราะคนชอบและยินดีจ่ายเงินให้ เขาแสดงให้เราเห็นว่าจิตรกรที่ประสบความสำเร็จคือจิตรกรที่หาสาเหตุส่วนตัวในการระบายสีต่อไปได้ไม่ว่าใครจะจ่ายเงินให้หรือไม่ก็ตาม
ภาพเด่น: แลร์รี พูนส์ - Tristan da Cunga, 1964 สีน้ำมัน Liquitex บนผืนผ้าใบ ขนาด 183.1 x 366.2 ซม. (72 1/16 x 144 3/16 นิ้ว) ของขวัญจากคุณและคุณนายเบอร์ตัน เทรมเมน คอลเลกชันพิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติ © แลร์รี พูนส์
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
