มรดกของผู้บุกเบิกศิลปะนามธรรม, จิลเลียน ไอเรส
จิลเลียน ไอเรส จิตรกรนามธรรมและนักพิมพ์ชาวอังกฤษได้เสียชีวิตในวัย 88 ปี การจากไปของเธอทิ้งช่องว่างในโลกศิลปะ และยังรวมถึงในโลกของการศึกษาและการเป็นแบบอย่าง ไอเรสเป็นหนึ่งในครูศิลปะที่มีเสน่ห์และมั่นใจมากที่สุดในอังกฤษ โดยส่วนใหญ่เป็นผลมาจากการยอมรับในความไม่เป็นไปตามมาตรฐาน เธอสอนที่วิทยาลัยศิลปะบาธตั้งแต่ปี 1959 ถึง 1965 บรรยายที่โรงเรียนศิลปะเซนต์มาร์ตินส์ในลอนดอนตั้งแต่ปี 1966 ถึง 1978 และในปี 1978 เธอกลายเป็นหัวหน้าภาควิชาจิตรกรรมที่โรงเรียนศิลปะวินเชสเตอร์ งานสุดท้ายของเธอนั้นเป็นตำแหน่งการจัดการมากกว่าการสอน เธอลาออกหลังจากที่ต้องต่อสู้กับผู้บริหารโรงเรียนอย่างต่อเนื่องเกี่ยวกับวิธีการ และในความเป็นจริงว่าจะจัดการภาควิชาอย่างไรหรือไม่ก็ตาม ไอเรสเชื่อว่าการศึกษาศิลปะจะได้รับการบริการที่ดีกว่าโดยไม่มีสำนักงานใด ๆ ควบคุมมัน แม้ว่านี่จะเป็นตำแหน่งทางวิชาการอย่างเป็นทางการสุดท้ายของเธอ แต่ไอเรสยังคงสอนด้วยตัวอย่างของเธอ เธอเป็นแบบอย่างสำหรับความสำคัญของการมีหลักการและยืนหยัดอย่างเข้มแข็งต่อพวกเขา หลักการของเธอรวมถึงความเอื้อเฟื้อเผื่อแผ่ต่อ นักเรียนและเพื่อน ๆ ของเธอ (ซึ่งเธอมักจะให้ที่พักในบ้านของเธอ) ความรักในแชมเปญและบุหรี่ (ซึ่งเธอเสพติดจนถึงวาระสุดท้าย) และความเกลียดชังอย่างสุดขีดต่อสมาชิกของกลุ่มที่เรียกว่าโรงเรียนยูสตันโรด ซึ่งเป็นกลุ่มศิลปินเรียลลิสต์แบบดั้งเดิมที่ต่อต้านศิลปะอวองการ์ดและนามธรรม ความมุ่งมั่นของเธอต่อนามธรรมช่วยสร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปินนามธรรมชาวอังกฤษอีกมากมาย และช่วยกลับคืนความลำเอียงทางสถาบันต่อการนามธรรมในโรงเรียน แกลเลอรี และพิพิธภัณฑ์ มรดกที่เธอหวังจะทิ้งไว้สามารถสรุปได้ในคำกล่าวที่เธอพูดในสัมภาษณ์กับ Financial Times ในปี 2015 เธอกล่าวว่า "ผู้คนชอบที่จะเข้าใจ และฉันหวังว่าพวกเขาจะไม่ทำเช่นนั้น ฉันหวังว่าพวกเขาจะมองเพียงอย่างเดียว"
รูปทรงและพื้นที่
Ayres สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะในปี 1950 และได้งานเป็นผู้ช่วยในแกลเลอรี เธอทำงานในตำแหน่งนี้เป็นเวลาหกปีแบบพาร์ทไทม์ในขณะที่ยังคงวาดภาพอยู่ เธอเคยกล่าวว่าในช่วงต้นของอาชีพของเธอนั้น เธอได้รับอิทธิพลจาก Jackson Pollock และ Abstract Expressionists อย่างมาก อย่างไรก็ตาม สิ่งที่สร้างแรงบันดาลใจให้เธอมากที่สุดเกี่ยวกับพวกเขาคือวิธีการทำงานของพวกเขา ซึ่งดูเหมือนจะเป็นอิสระและทดลอง เธอจึงนำเทคนิคการทำงานบนพื้นและการใช้การเคลื่อนไหวที่หลวมและมีลีลาขณะวาดภาพมาใช้ ผลงานหลายชิ้นของเธอในช่วงเวลานี้สามารถอธิบายได้ว่าเป็นการวาดภาพเชิงปฏิบัติ (action paintings) ซึ่งมักจะมีสีที่กระเซ็นและหยดลงมา รอยแปรงที่มีการเคลื่อนไหว และพื้นที่สีที่ถูกทาอย่างมีพลังขนาดใหญ่.
Gillian Ayres - Achiote, 2015, การพิมพ์ไม้บนกระดาษญี่ปุ่น Unryu-shi 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 นิ้ว, 85.4 × 163.5 ซม., ภาพถ่ายโดยความอนุเคราะห์จาก Alan Cristea Gallery, ลอนดอน
พร้อมกันกับการสำรวจการวาดภาพสไตล์ "all-over" ของเธอ Ayres ยังแสดงความสนใจในการสำรวจรูปร่างและพื้นที่อย่างตรงไปตรงมา งานจิตรกรรมหลายชิ้นของเธอในช่วงปี 1950 และ 60 มีการจัดองค์ประกอบที่หลวมของวงกลม สี่เหลี่ยม และรูปร่างเรขาคณิตหรือเกือบเรขาคณิต รูปร่างเหล่านี้มักดูเหมือนลอยอยู่รอบ ๆ กันในความว่างเปล่า งานจิตรกรรมเหล่านี้เป็นนามธรรมอย่างแท้จริง แต่ไม่ในความหมายที่ Ayres "ทำให้เป็นนามธรรม" จากโลกธรรมชาติ แทนที่เธอเพียงแค่พยายามสร้างองค์ประกอบที่ไม่มีเนื้อเรื่องหรือเนื้อหาที่เป็นรูปธรรมเลย เพราะเธอเชื่อในศักยภาพของภาพนามธรรมที่มีรูปร่างโต้ตอบในพื้นที่ที่จะ "ทำให้มึนเมา" กล่าวอีกนัยหนึ่ง เธอรู้สึกว่าภาพเหล่านี้สามารถทำให้รู้สึกมึนเมาได้ เธอเชื่อว่าคุณภาพนี้มีความสำคัญเพื่อให้ผู้คนสามารถเพลิดเพลินกับการมองดูงานศิลปะของเธอโดยไม่รู้สึกกดดันให้คิดอย่างมีเหตุผลเกี่ยวกับมัน หรือแม้แต่ต้องใช้สติปัญญาเลย
Gillian Ayres - Illyria, 2017, แกะสลักไม้บนกระดาษญี่ปุ่น Unryushi 75gsm, ขนาด 36 1/5 × 40 9/10 นิ้ว, 92 × 104 ซม., ภาพถ่ายโดยความอนุเคราะห์จาก Alan Cristea Gallery, ลอนดอน
สีสันอันแสนรื่นรมย์
นอกจากความรักในรูปทรงและพื้นที่แล้ว Ayres ยังเป็นคนที่หลงใหลในสีสันอย่างมาก เธอเคยกล่าวว่า "สำหรับฉัน สีในศิลปะนั้นช่างน่าหลงใหลอย่างยิ่ง" เธอต้องการให้ผู้คนดื่มด่ำกับภาพวาดของเธอ เธอถือว่าภาพวาดของเธอเป็นงานเลี้ยงสำหรับดวงตา เธอกล่าวว่า "ฉันไม่เห็นว่าทำไมคุณถึงไม่ควรเติมเต็มตัวเอง ทำให้ตัวเองมีความสุข—สนุกสนานกับตัวเอง และดื่มด่ำกับความงาม" แม้ว่าสิ่งนี้จะฟังดูเหมือนมุมมองที่ไม่เป็นอันตรายในวันนี้ แต่มีช่วงเวลาหนึ่งที่ทำให้ Ayres ถูกไม่ไว้วางใจอย่างลึกซึ้งจากผู้ชมชาวอังกฤษ ความไม่ไว้วางใจนั้น culminated ในปี 1957 เมื่อหลังจากที่เธอได้รับการรวมอยู่ในนิทรรศการ Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today Ayres ได้รับสัญญาให้วาดภาพจิตรกรรมฝาผนังในห้องอาหารของโรงเรียนในลอนดอน แทบจะทันทีที่เธอเสร็จสิ้นภาพจิตรกรรมฝาผนัง ผู้บริหารโรงเรียนสั่งให้มันถูกปิดด้วยวอลล์เปเปอร์ เท่านั้นหลังจากหลายทศวรรษที่ Ayres มีชื่อเสียง ภาพจิตรกรรมฝาผนังจึงถูกค้นพบอีกครั้งในสภาพเกือบสมบูรณ์ใต้วอลล์เปเปอร์.
Gillian Ayres - Thuban, 2017, แกะสลักไม้บนกระดาษ Unryushi 75gsm, ขนาด 18 4/5 × 22 4/5 นิ้ว, 47.8 × 57.9 ซม., ภาพจากความอนุเคราะห์ของ Alan Cristea Gallery, ลอนดอน
ความรักที่ Ayres มีต่อสีในฐานะที่เป็นเนื้อหานั้นชัดเจนตลอดอาชีพของเธอ เมื่อการจัดองค์ประกอบของเธอมีความน้อยลงในด้านความไพเราะ น้อยลงในด้านการเคลื่อนไหว และมีความเป็นระเบียบและสถาปัตยกรรมมากขึ้นตามเวลา ความรักของเธอต่อสีกลับยิ่งเข้มข้นขึ้น ในช่วงปี 1980 เธอได้พัฒนาวิธีมองที่มีความขี้เล่นและเฉลิมฉลองซึ่งอิงจากสีสันสดใสและรูปทรงชีวภาพ ผลงานเหล่านี้ดูเหมือนจะได้รับแรงบันดาลใจจากธรรมชาติ บางคนสงสัยว่าสาเหตุเป็นเพราะในช่วงเวลานี้ในชีวิต Ayres ได้ย้ายไปอยู่กับครอบครัวในชุมชนชนบทชายฝั่งในเวลส์ เธอได้กล่าวว่าภาวะที่นั่น โดยเฉพาะภูมิทัศน์ มีอิทธิพลอย่างมากต่อเธอ อย่างไรก็ตาม เธอยืนยันเสมอว่างานของเธอไม่ได้ถูกทำให้เป็นนามธรรมจากธรรมชาติ หรือถูกลดทอนจากภาพของชนบท ในบางแง่ ภาพวาดล่าสุดที่ Ayres สร้างขึ้นมีความคล้ายคลึงกับการตัดกระดาษของ Matisse ทั้งสองศิลปินใช้พาเลตสีที่คล้ายกันในช่วงปลายอาชีพของพวกเขา และทั้งคู่พัฒนาความรู้สึกที่คล้ายกันเกี่ยวกับความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ ยกเว้นว่าในขณะที่ Matisse หวังอย่างภาคภูมิใจที่จะกระตุ้นรูปร่างและรูปแบบของโลกธรรมชาติในงานชิ้นสุดท้ายของเขา Ayres ยังคงมุ่งมั่นจนถึงที่สุดว่างานของเธอไม่ได้อิงจากสิ่งใด พวกมันเป็นเพียงภาพของสีและรูปทรงในพื้นที่โดยไม่มีความหมายเกินกว่าตัวมันเอง มอบความสุขบริสุทธิ์ให้กับผู้ชมที่กล้าหาญพอที่จะหลงใหลในความงามของพวกมัน.
ภาพเด่น: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, แกะสลักไม้บนกระดาษญี่ปุ่น Unryu-shi, ขนาด 30 7/10 × 45 7/10 นิ้ว, 78 × 116 ซม., จำนวน 18 ชิ้น, ภาพถ่ายโดยความอนุเคราะห์จาก Alan Cristea Gallery, ลอนดอน
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
