การกลับมาเยี่ยมชมสีสนามและศิลปะออปของศิลปินชาวโปแลนด์ที่มีชื่อเสียง วอยเชียค ฟังกอร์
Wojciech Fangor มีความสามารถในการแสดงออกทั้งความเรียบง่ายและความลึกซึ้งในงานศิลปะของเขา เขาได้รับการฝึกฝนในฐานะศิลปินเรียลลิสต์ในประเทศโปแลนด์บ้านเกิดของเขาในช่วงทศวรรษ 1930 และใช้ปีแรก ๆ ของอาชีพในการพัฒนาเป็นจิตรกรรูปแบบที่มีทักษะ นักออกแบบกราฟิก และสถาปนิก หลังสงครามโลกครั้งที่สอง เช่นเดียวกับเพื่อนร่วมสมัยชาวโปแลนด์หลายคน เขาได้อุทิศความพยายามในการสร้างภาพที่ส่งเสริมสังคมนิยมเรียลลิซึม แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาขยายความสนใจไปไกลกว่าการวาดภาพรูปแบบ และในที่สุดผลงานนามธรรมของเขาได้สร้างชื่อเสียงให้เขาเป็นหนึ่งในศิลปินโปแลนด์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดในศตวรรษที่ 20 การเดินทางสู่ความนามธรรมของเขาเริ่มต้นในช่วงทศวรรษ 1950 เมื่อเขาเริ่มสำรวจวิธีที่การจัดองค์ประกอบที่วาดสามารถส่งผลต่อการรับรู้ที่ผู้ชมมีต่อพื้นที่ทางกายภาพ ผลงานนามธรรมที่เกิดจากการสอบถามนี้คือความสำเร็จที่โดดเด่นที่สุดของเขา หลายชิ้นถูกนำเสนอในนิทรรศการสำคัญที่ MoMA ในปี 1965 The Responsive Eye ซึ่งได้นำเสนอ Op Art สู่จินตนาการของสาธารณชน (Fangor เป็นจิตรกรที่เกิดในโปแลนด์เพียงคนเดียวที่รวมอยู่ในนิทรรศการนั้น) โดยมุ่งเน้นไปที่วงกลม เส้นทแยงมุม และรูปคลื่น งานจิตรกรรมเหล่านี้ดึงดูดสายตาให้รับรู้ถึงการเคลื่อนไหว นิวอันซ์จะปรากฏที่ขอบที่รูปทรงละลาย ความละเอียดอ่อนของความสัมพันธ์ของสีที่จางลงกระตุ้นให้เกิดการพิจารณาเกี่ยวกับความว่างเปล่ารอบตัว ด้วยผลงานเหล่านี้ Fangor ได้เชื่อมโยงการหลอกตาที่ปกติจะเกี่ยวข้องกับ Op Art กับพื้นที่ทางจิตใจที่มีการสะท้อนที่เกี่ยวข้องกับการวาดภาพสีฟิลด์ ผลงานที่ Fangor นำเสนอใน The Responsive Eye จะถูกจัดแสดงอีกครั้งในเร็ว ๆ นี้ เริ่มตั้งแต่วันที่ 19 เมษายน 2018 ในการจัดแสดงครั้งแรกที่ Heather James Fine Art New York Wojciech Fangor: The Early 1960s สัญญาว่าจะทำให้ผู้ชมร่วมสมัยกลับมามีส่วนร่วมกับการสนทนาที่ Fangor เริ่มต้นขึ้นเมื่อมากกว่าครึ่งศตวรรษที่แล้วเกี่ยวกับปริศนานามธรรมของสี รูปทรง และพื้นที่ภาพ.
การจัดเรียงของพื้นที่
ฟังกอร์มาถึงความชื่นชมในนามธรรมผ่านทางที่มีความเป็นจริงมาก เขาได้เรียนรู้จากสถานีรถไฟแห่งหนึ่ง เขามีส่วนร่วมในความร่วมมือกับสถาปนิกคู่หนึ่งเพื่อออกแบบพื้นที่ใต้ดินของระบบรถไฟกลางกรุงวอร์ซอ เป้าหมายของพวกเขาคือการทำให้พื้นที่นั้นมีความเป็นมนุษย์มากขึ้นและไม่รู้สึกอึดอัด ฟังกอร์ได้เสนอแนวคิดในการวางงานโมเสคแบบนามธรรมในผนังหิน โดยใช้โทนสีที่ค่อยๆ เปลี่ยนแปลงไปตามที่ผู้เดินทางเร่งรีบผ่านสถานี การเคลื่อนไหวของผู้คนที่เดินผ่านทำให้ภาพบนผนังมีชีวิตชีวา สร้างประสบการณ์ทางสุนทรียศาสตร์ที่มีพลศาสตร์ซึ่งทำให้ผู้คนรู้สึกเชื่อมโยงกับสภาพแวดล้อมของพวกเขามากขึ้น งานออกแบบสถานีรถไฟใต้ดินของเขาได้สร้างแรงบันดาลใจให้ฟังกอร์คิดใหม่เกี่ยวกับประสบการณ์ที่ผู้ชมมีเมื่อไปที่นิทรรศการศิลปะ แทนที่จะมองว่านิทรรศการเป็นโอกาสให้ผู้คนยืนอยู่นิ่งๆ ต่อหน้าผลงานศิลปะเพียงชิ้นเดียว เขาได้ตั้งคำถามว่าตนจะสามารถกระตุ้นพื้นที่นิทรรศการได้อย่างไรในลักษณะเดียวกับที่เขากระตุ้นสถานีรถไฟใต้ดิน
วอยเชียค ฟังกอร์ - #6, 1963, 61 1/4 x 51 1/4 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © วอยเชียค ฟังกอร์, ขอบคุณ Heather James Fine Art New York
โซลูชันที่เขาคิดค้นขึ้นถูกเปิดเผยในนิทรรศการปี 1958 Spatial Study ซึ่งจัดแสดงที่ “Nowa Kultura” Salon ในวอร์ซอ นิทรรศการนี้ถือเป็นหนึ่งในตัวอย่างแรก ๆ ของการติดตั้งสภาพแวดล้อม เพื่อสร้างงานนี้ ฟังกอร์ได้ร่วมมือกับสแตนิสลาฟ ซาเมชนิก หนึ่งในสถาปนิกจากโครงการรถไฟใต้ดิน พวกเขาได้คิดค้นสถานการณ์ที่ผู้ชมงานศิลปะจะมีอำนาจในการเคลื่อนที่อย่างอิสระผ่านพื้นที่ โดยมีประสบการณ์ด้านความงามไปตามทางเดิน การเคลื่อนไหวของพวกเขาจะมีความสำคัญต่อประสบการณ์ของพวกเขาไม่แพ้งานศิลปะ ฟังกอร์ได้สร้างภาพวาดนามธรรม 20 ชิ้นสำหรับการติดตั้ง เขาแขวนภาพวาด 4 ชิ้นบนผนัง และอีก 16 ชิ้นถูกกระจายอยู่รอบห้องบนขาตั้ง ภาพเหล่านี้เล่นกลออปติกกับกันและกันขึ้นอยู่กับมุมมองของผู้ชม ผู้ชมแต่ละคนที่เข้ามาเลือกเส้นทางของตนเองผ่านการติดตั้ง ขณะที่พวกเขานำทางในพื้นที่ กลออปติกจะพัฒนา ประสบการณ์ของพวกเขาจะเปลี่ยนแปลงไปตามการเคลื่อนไหวของพวกเขา.
วอยเชียค ฟังกอร์ - ดำและชมพู, 1960, 38 x 31 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © วอยเชียค ฟังกอร์, ขอบคุณ Heather James Fine Art New York
การกำจัดพื้นผิว
ฟังกอร์มีการตระหนักหลายอย่างขณะสร้างงานนามธรรมสำหรับการติดตั้ง Spatial Study การค้นพบที่สำคัญอย่างหนึ่งคือเมื่อเขาสร้างองค์ประกอบที่เป็นนามธรรมทางสายตา เขารู้สึกว่าภาพดูเหมือนจะลอยออกจากพื้นผิวและโปรเจกต์เข้าสู่พื้นที่ เขาเรียกปรากฏการณ์นี้ว่า "พื้นที่ลวงที่เป็นบวก" เขาเริ่มพิจารณากระบวนการสร้างพื้นที่ลวงที่เป็นบวกว่าเป็นการกำจัดพื้นผิวอย่างค่อยเป็นค่อยไป กล่าวอีกนัยหนึ่ง ยิ่งเขาสามารถสร้างพื้นที่ลวงได้มากเท่าไหร่ ผู้ชมก็จะยิ่งรับรู้ได้น้อยลงว่ามีพื้นผิวใด ๆ รองรับภาพนั้น—รูปทรงจะดูเหมือนลอยอยู่ในความว่างระหว่างผ้าใบและดวงตาของผู้ชม แนวคิดนี้เป็นหัวใจสำคัญของภาพส่วนใหญ่ที่ฟังกอร์แสดงใน The Responsive Eye และที่กำลังจัดแสดงที่ Heather James Fine Art New York.
วอยเชียค ฟังกอร์ - หมุนสีชมพูและดำ, 1960, 39 x 29 1/2 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © วอยเชียค ฟังกอร์, ขอบคุณ Heather James Fine Art New York
ภาพลวงตาของพื้นที่ในงานเหล่านี้ได้รับการเสริมสร้างโดยวิธีที่ Fangor ทำให้ขอบของรูปทรงของเขามัวเบลอ สีสเปกตรัมจางหายไปเมื่อรูปทรงดูเหมือนจะแยกออกจากพื้นหลัง วงแหวนที่ซ้อนกันดูเหมือนจะเต้นเป็นจังหวะ คลื่นของสีคลื่นไหวไปทั่วผืนผ้าใบ ดูเหมือนจะเปลี่ยนแปลงก่อนสายตา เสาหลักแนวตั้งของดวงจันทร์เสี้ยวดูเหมือนจะกลิ้งลงมาอย่างช้าๆจากท้องฟ้า งานจิตรกรรมเหล่านี้มีความรู้สึกเชิงพลศาสตร์ที่ละเอียดอ่อน ยิ่งมองไปที่รูปทรงมากเท่าไหร่ และยิ่งจ้องมองนานเท่าไหร่ รูปทรงเหล่านั้นก็ยิ่งดูเหมือนจะลอยอยู่ในอากาศมากขึ้นเท่านั้น เมื่อรูปทรงมีมิติที่มากขึ้น สีสันก็จะยิ่งมีความชั่วคราวมากขึ้น และพื้นผิวก็จะเลื่อนหายไปในระยะไกล เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของผู้บุกเบิก Op Art คนอื่นๆ เช่น Bridgett Riley และ Victor Vasarely จิตรกรรมที่ Fangor สร้างขึ้นนั้นมีความละเอียดอ่อน อย่างไรก็ตาม เมื่อมองไปที่ความกว้างใหญ่ของผลงานที่เหลือของเขา มันชัดเจนว่าผลงานเหล่านี้มีบทบาทสำคัญในพัฒนาการของเขา และในการค้นพบที่รุ่นของเขาทำเกี่ยวกับปริศนาของรูปทรงและพื้นที่ Wojciech Fangor: The Early 1960s กำลังจัดแสดงที่ Heather James Fine Art New York ตั้งแต่วันที่ 19 เมษายนถึง 30 มิถุนายน 2018.
ภาพเด่น: Wojciech Fangor - Square 21, 1962, 35 1/2 x 35 1/2 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © Wojciech Fangor, ขอบคุณ Heather James Fine Art New York
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
