การกลับมาเยี่ยมชมสีสนามและศิลปะออปของศิลปินชาวโปแลนด์ที่มีชื่อเสียง วอยเชียค ฟังกอร์

Wojciech Fangor มีความสามารถพิเศษในการแสดงออกถึงความเรียบง่ายและความลึกซึ้งในงานศิลปะของเขา เดิมทีเขาได้รับการฝึกฝนเป็นศิลปินแนวสมจริงในประเทศโปแลนด์บ้านเกิดของเขาในทศวรรษ 1930 เขาใช้เวลาช่วงต้นของอาชีพพัฒนาตนเองจนกลายเป็นจิตรกรภาพเหมือนที่มีฝีมือ นักออกแบบกราฟิก และสถาปนิก หลังสงครามโลกครั้งที่สอง เช่นเดียวกับศิลปินโปแลนด์ร่วมสมัยหลายคน เขาทุ่มเทความพยายามในการสร้างภาพที่ส่งเสริมลัทธิสมจริงสังคมนิยม แต่เมื่อเวลาผ่านไปเขาได้ขยายความสนใจออกไปนอกเหนือจากการวาดภาพเหมือน และในที่สุดงานนามธรรมของเขาก็เป็นสิ่งที่ทำให้เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะหนึ่งในศิลปินโปแลนด์ที่ทรงอิทธิพลที่สุดในศตวรรษที่ 20 การเดินทางสู่ความนามธรรมของเขาเริ่มขึ้นในทศวรรษ 1950 เมื่อเขาเริ่มสำรวจวิธีที่องค์ประกอบภาพวาดสามารถส่งผลต่อการรับรู้ของผู้ชมต่อพื้นที่ทางกายภาพ งานนามธรรมที่เกิดขึ้นจากการค้นคว้านี้คือผลงานที่โดดเด่นที่สุดของเขา หลายชิ้นถูกนำเสนอในนิทรรศการสำคัญของ MoMA ปี 1965 ชื่อ The Responsive Eye ซึ่งเป็นการแนะนำศิลปะออปติคสู่สาธารณชน (Fangor เป็นจิตรกรชาวโปแลนด์เพียงคนเดียวที่ได้รับคัดเลือกในนิทรรศการนั้น) โดยเน้นที่วงกลม เส้นทแยงมุม และรูปคลื่น ภาพวาดเหล่านี้ล่อลวงสายตาให้รับรู้ถึงการเคลื่อนไหว รายละเอียดเล็กน้อยปรากฏที่ขอบซึ่งรูปทรงค่อย ๆ ละลาย ความสัมพันธ์ของสีที่นุ่มนวลกระตุ้นให้เกิดการพินิจพิเคราะห์ถึงช่องว่างโดยรอบ ด้วยผลงานเหล่านี้ Fangor ได้เชื่อมโยงกลอุบายสายตาที่มักเกี่ยวข้องกับศิลปะออปติกกับพื้นที่ทางจิตใจที่ลึกซึ้งซึ่งเกี่ยวข้องกับการวาดภาพสีแบบฟิลด์ งานบางส่วนที่ Fangor นำเสนอใน The Responsive Eye จะถูกนำกลับมาแสดงอีกครั้งในเร็ว ๆ นี้ เริ่มตั้งแต่วันที่ 19 เมษายน 2018 ในนิทรรศการเปิดตัวที่ Heather James Fine Art New York Wojciech Fangor: The Early 1960s สัญญาว่าจะเชื่อมโยงผู้ชมยุคปัจจุบันกับบทสนทนาที่ Fangor เริ่มต้นมากว่าครึ่งศตวรรษก่อนเกี่ยวกับความลึกลับนามธรรมของสี รูปทรง และพื้นที่ภาพ

การจัดวางพื้นที่

Fangor มาถึงความชื่นชมในความนามธรรมผ่านทางที่เป็นรูปธรรมมาก สถานีรถไฟเป็นจุดเริ่มต้น เขามีส่วนร่วมในความร่วมมือกับสถาปนิกสองคนเพื่อออกแบบพื้นที่ใต้ดินของระบบรถไฟกลางกรุงวอร์ซอใหม่ เป้าหมายของพวกเขาคือทำให้พื้นที่นั้นมีความเป็นมนุษย์มากขึ้นและไม่อึดอัด Fangor มีไอเดียที่จะติดตั้งงานโมเสกนามธรรมบนผนังหินโดยใช้โทนสีที่ค่อย ๆ เปลี่ยนแปลงไปตามการเคลื่อนที่ของผู้เดินทางผ่านสถานี การเคลื่อนไหวของผู้คนกระตุ้นภาพบนผนังให้เกิดประสบการณ์ทางสุนทรียะที่มีชีวิตชีวา ทำให้ผู้คนรู้สึกเชื่อมโยงกับสิ่งแวดล้อมรอบตัว งานออกแบบสถานีรถไฟใต้ดินนี้เป็นแรงบันดาลใจให้ Fangor นึกภาพประสบการณ์ที่ผู้ชมได้รับเมื่อไปเยี่ยมชมนิทรรศการศิลปะ แทนที่จะมองว่านิทรรศการเป็นโอกาสให้ผู้คนยืนนิ่งอยู่หน้าผลงานศิลปะชิ้นเดียว เขาคิดว่าจะทำอย่างไรให้พื้นที่นิทรรศการมีชีวิตชีวาเช่นเดียวกับที่เขาทำกับสถานีรถไฟใต้ดิน

Wojciech Fangor - #6, 1963, ขนาด 61 1/4 x 51 1/4 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © Wojciech Fangor, โดยความอนุเคราะห์จาก Heather James Fine Art New York

แนวทางที่เขาคิดค้นขึ้นถูกเปิดเผยในนิทรรศการปี 1958 ชื่อ Spatial Study ซึ่งจัดแสดงครั้งแรกที่ “Nowa Kultura” Salon ในกรุงวอร์ซอ นิทรรศการนี้ถือเป็นตัวอย่างแรก ๆ ของการติดตั้งสภาพแวดล้อมเพื่อศิลปะ ในการสร้างงานนี้ Fangor ร่วมมือกับ Stanisław Zamecznik หนึ่งในสถาปนิกจากโครงการรถไฟใต้ดิน ทั้งสองร่วมกันวางแนวคิดที่ผู้ชมศิลปะจะได้รับอิสระในการเคลื่อนที่ผ่านพื้นที่นั้น ๆ เพื่อสัมผัสกับองค์ประกอบทางสุนทรียะตลอดเส้นทาง การเคลื่อนไหวของพวกเขามีความสำคัญเท่ากับงานศิลปะ Fangor สร้างภาพวาดนามธรรม 20 ชิ้นสำหรับการติดตั้งนี้ เขาแขวนภาพวาดสี่ชิ้นบนผนัง และอีก 16 ชิ้นวางกระจายอยู่ในห้องบนขาตั้ง ภาพเหล่านี้เล่นกลอุบายทางสายตากันและกันขึ้นอยู่กับมุมมองของผู้ชม ผู้ชมแต่ละคนที่เข้ามาจะเลือกเส้นทางของตนเองผ่านการติดตั้งนี้ ขณะที่พวกเขาเคลื่อนที่ผ่านพื้นที่ กลอุบายทางสายตาก็เปลี่ยนแปลงไป ประสบการณ์ของพวกเขาจึงเปลี่ยนแปลงตามการเคลื่อนไหว

Wojciech Fangor - Black and Pink, 1960, ขนาด 38 x 31 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © Wojciech Fangor, โดยความอนุเคราะห์จาก Heather James Fine Art New York

การกำจัดพื้นผิว

Fangor มีการค้นพบหลายประการขณะสร้างงานนามธรรมสำหรับการติดตั้ง Spatial Study การค้นพบสำคัญอย่างหนึ่งคือเมื่อเขาสร้างองค์ประกอบนามธรรมที่เล่นกลอุบายทางสายตา เขารับรู้ว่าภาพดูเหมือนลอยออกมาจากพื้นผิวและฉายออกไปในพื้นที่ เขาเรียกปรากฏการณ์นี้ว่า “พื้นที่ลวงตาเชิงบวก” เขาเริ่มพิจารณากระบวนการสร้างพื้นที่ลวงตาเชิงบวกนี้ว่าเป็นการกำจัดพื้นผิวอย่างค่อยเป็นค่อยไป กล่าวคือ ยิ่งเขาสร้างพื้นที่ลวงตาได้มากเท่าใด ผู้ชมก็จะรับรู้ว่างานศิลปะนั้นไม่มีพื้นผิวรองรับเลย รูปทรงจะดูเหมือนลอยอยู่ในช่องว่างระหว่างผ้าใบกับสายตาของผู้ชม แนวคิดนี้เป็นหัวใจหลักของภาพส่วนใหญ่ที่ Fangor นำเสนอใน The Responsive Eye และภาพที่จะจัดแสดงที่ Heather James Fine Art New York

Wojciech Fangor - Pink and Black Spindle, 1960, ขนาด 39 x 29 1/2 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © Wojciech Fangor, โดยความอนุเคราะห์จาก Heather James Fine Art New York

ภาพลวงตาของพื้นที่ในงานเหล่านี้ได้รับการเสริมด้วยวิธีที่ Fangor เบลอขอบของรูปทรง สีที่เป็นเงาเลือนหายไปเมื่อรูปทรงดูเหมือนแยกออกจากพื้นหลัง วงแหวนวงกลมดูเหมือนจะสั่นไหว คลื่นสีซัดผ่านผ้าใบ ดูเหมือนจะเปลี่ยนแปลงต่อหน้าต่อตา เสาคอลัมน์แนวตั้งของพระจันทร์เสี้ยวดูเหมือนจะค่อย ๆ พลิกตัวลงมาช้า ๆ ภาพวาดเหล่านี้มีความรู้สึกเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อน ยิ่งมองใกล้รูปทรงและจ้องนานเท่าใด รูปทรงก็ยิ่งดูเหมือนลอยอยู่ในอากาศมากขึ้นเท่านั้น เมื่อรูปทรงมีมิติยิ่งขึ้น สีสันก็ยิ่งดูบางเบา และพื้นผิวก็เลือนหายไปในระยะไกล เมื่อเทียบกับงานของผู้บุกเบิกศิลปะออปติกคนอื่น ๆ เช่น Bridgett Riley และ Victor Vasarely ภาพวาดของ Fangor มีความละเอียดอ่อนกว่า แต่เมื่อพิจารณาผลงานทั้งหมดของเขาอย่างกว้างขวาง จะเห็นได้ชัดว่าภาพเหล่านี้มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาและการค้นพบที่รุ่นของเขาทำเกี่ยวกับความลึกลับของรูปทรงและพื้นที่ Wojciech Fangor: The Early 1960s จัดแสดงที่ Heather James Fine Art New York ตั้งแต่วันที่ 19 เมษายน ถึง 30 มิถุนายน 2018

ภาพเด่น: Wojciech Fangor - Square 21, 1962, ขนาด 35 1/2 x 35 1/2 นิ้ว, สีน้ำมันบนผ้าใบ, © Wojciech Fangor, โดยความอนุเคราะห์จาก Heather James Fine Art New York

โดย Phillip Barcio