เฮนรี มาติสส์ และคุณสมบัติหลักของศิลปะนามธรรม

“The Snail” (1953) ถูกสร้างเสร็จในปีที่ก่อนที่ Matisse จะเสียชีวิต มันถูกพิจารณาว่าเป็น “cut-out” ที่สำคัญสุดท้ายของเขา และยังเป็นผลงานชิ้นเอก สำหรับ Matisse แล้ว ซึ่งทำงานอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย มันอาจจะเป็นเพียงผลงานอีกชิ้นหนึ่งที่เขาลืมไปทันทีที่เขาทำเสร็จ เพื่อที่จะไปยังชิ้นถัดไป อย่างไรก็ตาม สำหรับผู้ที่ได้เห็น “The Snail” ด้วยตาตนเอง มันเป็นภาพที่หลอนใจ แม้กระทั่งไม่อาจลืมเลือน ซึ่งแสดงถึงจุดสูงสุดของนามธรรมสมัยใหม่ ผลงานนี้มีขนาดประมาณสามเมตรสี่เหลี่ยม สูงเป็นสองเท่าของผู้ชมส่วนใหญ่ ประกอบด้วยรูปทรงสีสันที่ติดอยู่บนพื้นหลังสีขาว รูปทรงแต่ละชิ้นถูกตัดจากกระดาษสีแบบ gouache รูปทรงถูกจัดเรียงในรูปแบบเกลียวหลวม ๆ — เป็นการแสดงออกถึงเปลือกของหอยทาก Matisse ยังตั้งชื่อผลงานนี้อีกชื่อหนึ่งว่า: “La Composition Chromatique” หรือ “The Chromatic Composition” ชื่อที่สองนี้มีความลึกลับ นักเขียนส่วนใหญ่เชื่อว่า Matisse ตั้งใจให้มันเป็นการอ้างอิงถึงสี เขาได้เลือกเฉดสีที่เข้ากันได้อย่างลงตัวสำหรับผลงานนี้ สร้างองค์ประกอบภาพที่มีชีวิตชีวาและมีความสุข อย่างไรก็ตาม แม้ว่าคำว่า chromatic จะถูกใช้บ่อยเพื่อหมายถึงสิ่งที่เกี่ยวข้องกับสี มันยังมีความหมายทางดนตรีด้วย — เช่นเดียวกับคำว่า composition ในดนตรี สเกล chromatic จะรวมถึงโน้ตทั้งหมด 12 โน้ตที่สามารถเล่นได้บนเปียโนมาตรฐาน มันเป็นสเกลที่สมบูรณ์และครอบคลุม เมื่อมองไปที่ “The Snail” ผู้ชมหลายคนรับรู้ว่า มีเฉดสี 12 สีที่ปรากฏอยู่ Matisse อาจจะอ้างอิงถึงดนตรีเช่นเดียวกับสีด้วยชื่อรองนี้หรือไม่? สิ่งหนึ่งที่แน่นอนคือ โดยการตั้งชื่อทั้งสองชื่อให้กับผลงานชิ้นนี้ Matisse ได้มอบคุณสมบัติทั้งเชิงอุปมาและนามธรรมให้กับมัน เพิ่มชั้นที่มีความหมายอันลึกซึ้งที่พร้อมสำหรับการตีความ และทำให้ “The Snail” เป็นผลงานที่เหมาะสมในการใช้ศึกษาในคุณสมบัติหลักของศิลปะนามธรรม.

การคลี่คลาย

“หอยทาก” ถูกซื้อโดย Tate ในลอนดอนในปี 1962 สี่ปีต่อมา พิพิธภัณฑ์ได้รับจดหมายจาก Mme Lydia Delectorskaya ชาวรัสเซียผู้ลี้ภัยซึ่งเป็นนางแบบ ผู้ช่วยในสตูดิโอ และผู้จัดการอาชีพของ Matisse ในช่วงปีสุดท้ายของเขา จดหมายดังกล่าวบรรยายถึงการสร้างสรรค์ “หอยทาก” โดยอ้างคำพูดของ Matisse: “ฉันเริ่มต้นด้วยการวาดหอยทากจากธรรมชาติ โดยถือมันไว้ ฉันตระหนักถึงการคลี่คลาย ฉันพบภาพในใจที่บริสุทธิ์จากเปลือก จากนั้นฉันก็หยิบกรรไกรขึ้นมา” ภายในประโยคง่ายๆ นี้มีการสรุปเชิงกวีของอาชีพทั้งหมดของ Matisse เขาเริ่มต้นจากธรรมชาติ วาดภาพที่เป็นรูปธรรม การเลียนแบบธรรมชาติของเขาค่อยๆ คลี่คลายเมื่อเขาสำรวจคุณสมบัติที่เป็นนามธรรมที่มีพลศาสตร์ของสี เขาได้ทำให้มันเรียบง่าย โดยลดงานของเขาลงเหลือภาพที่บริสุทธิ์ เช่น “การเต้นรำ II” (1932) ซึ่งเป็นภาพจิตรกรรมฝาผนังใน Barnes Foundation ในเพนซิลเวเนีย หรือ “นางแบบนอน” (1935) ซึ่ง Mme Delectorskaya เป็นนางแบบ สุดท้าย เขา “หยิบกรรไกรขึ้นมา” เปลี่ยนแปลงวิธีการทำงานของเขาหลังจากพบว่าเขาไม่สามารถวาดภาพได้อีกต่อไปหลังจากมีภาวะแทรกซ้อนจากการผ่าตัดมะเร็งดูโอดีนัล.

วลีนี้ "ตัดด้วยกรรไกร" หมายถึงเทคนิคการทำโคลาจแบบตัดออกที่มาติสพัฒนาขึ้นในขณะที่เขาไม่สบาย โดยต้องนั่งรถเข็น เขาได้กำหนดสีที่ต้องการใช้ให้กับผู้ช่วย ซึ่งจากนั้นได้ทำการทาสีบนกระดาษในสีเหล่านั้นด้วย กัวช มาติสได้ตัดกระดาษด้วยกรรไกร โดยปรับรูปทรงกระดาษให้เหมาะกับจินตนาการของเขา เขาได้กำกับผู้ช่วยในการสร้างองค์ประกอบที่แม่นยำบนแผ่นไม้ที่แขวนอยู่บนผนัง การพัฒนานี้จากการวาดภาพไปสู่การตัดออกเกิดจากความจำเป็น แต่ก็ยังเป็นท่าทางที่สมบูรณ์แบบของโมเดิร์นลิสม์ เพราะมันได้ลบล้างความเท็จของการวาดรูปร่างแล้วจึงทาสีลงไป ทำให้เกิดกระบวนการที่ซื่อสัตย์มากขึ้นซึ่งวิธีการ สื่อ และวัสดุได้กลายเป็นหนึ่งเดียวกัน "หอยทาก" ยังถือเป็นคำแถลงที่ลึกซึ้งเป็นพิเศษในโมเดิร์นลิสม์ เพราะลวดลายเกลียวบนเปลือกหอยทาก ซึ่งมาติสเรียกว่า "การคลี่ออก" อ้างอิงถึงอัตราส่วนทองคำ ซึ่งเป็นกลยุทธ์การจัดองค์ประกอบที่ใช้บ่อยในศิลปะนามธรรมยุคแรกที่ถือเป็นการแสดงออกถึงความกลมกลืนสากลในธรรมชาติ.

สีสันและดนตรี

การที่มาติสส์มอบชื่อเสริม "La Composition Chromatique" ให้กับ "The Snail" ทำให้ชิ้นงานนี้ถูกพิจารณาไม่เพียงแต่ในแง่ของคุณภาพการแสดงออกทางเรื่องราว แต่ยังในแง่ของความงามเชิงรูปแบบที่บริสุทธิ์ด้วย การเลือกนี้เป็นการยอมรับของศิลปินว่าเขายอมรับวิธีที่งานของเขาสามารถถูกตีความได้ทั้งสองทางโดยผู้ชม มันถูกมองในทั้งสองทางโดยเขา และเขาชัดเจนว่าต้องการให้เราเปิดใจรับทั้งสองมุมมองเช่นกัน เมื่อมองว่าเป็นเพียงการรวมกันของสีและรูปทรงที่เป็นรูปธรรมและเชิงรูปแบบ งานนี้ประกาศถึงคุณภาพทางอารมณ์และทางกายภาพที่หลากหลาย เช่น ความปีติ ความมีชีวิตชีวา และการเคลื่อนไหว ความแบนราบของภาพแข่งขันในวิธีที่ละเอียดอ่อนกับมิติของกระดาษที่ซ้อนกัน สีเข้มและสีอ่อนสร้างภาพลวงตาของความลึก.

สำหรับผู้ที่ต้องการพิจารณาคุณภาพทางดนตรีของ “La Composition Chromatique” เป็นความสุขที่จะได้มองลึกลงไปในเฉดสีต่างๆ ที่มีอยู่ในงานนี้ มีเฉดสีส้มกี่เฉด? มีเฉดสีเขียวกี่เฉด? มีรูปทรง 11 รูปในกลางภาพ บวกกับพื้นหลังสีขาวและกรอบสีส้ม ซึ่งตัวกรอบเองประกอบด้วยชิ้นส่วนอย่างน้อยเจ็ดชิ้น ขึ้นอยู่กับว่าจิตใจของคุณรับรู้สีอย่างไร อาจมีเฉดสีที่แตกต่างกันถึง 19 เฉด แต่คนส่วนใหญ่เห็นเฉดสีที่แตกต่างกัน 9 เฉดในกลางภาพ บวกกับสีขาว บวกกับเฉดสีส้มเพิ่มเติมอีก 2 เฉดในกรอบ เฉดสีทั้ง 12 นี้ไหลเวียนอย่างมีลีลารอบๆ คอมโพสิตชันนี้ ให้เกียรติแนวคิดที่ยิ่งใหญ่อีกอย่างหนึ่งของโมเดิร์นลิสต์: ว่าองค์ประกอบภาพนามธรรมคล้ายกับดนตรี ทั้งหมดนี้ วิธีการต่างๆ ในการสัมพันธ์กับผลงานชิ้นเอกนี้รวมกันเป็นชั้นเรียนที่ยอดเยี่ยมในการโต้ตอบกับศิลปะนามธรรม ชิ้นงานนี้เป็นส่วนหนึ่งของภาพวาด ส่วนหนึ่งของประติมากรรมแบบยกสูง ส่วนหนึ่งของคอนกรีต ส่วนหนึ่งของลีลา ส่วนหนึ่งของเรขาคณิต ส่วนหนึ่งของภาพเหมือน และส่วนหนึ่งของนามธรรม มันเป็นทั้งหมดนี้ และไม่มีสิ่งเหล่านี้ ในความหลากหลายของมัน มันแสดงถึงความลึกลับของความเชื่อที่มัติสส์เคยแสดงออกว่า “ความแม่นยำไม่ใช่ความจริง.”

ภาพเด่น: เฮนรี มาติสส์ - หอยทาก, 1953. กัวช์บนกระดาษ, ตัดและติดบนกระดาษที่ติดบนผ้าใบ. 287 ซม × 288 ซม (112 ³⁄₄ นิ้ว × 108 นิ้ว). โมเดิร์น, ลอนดอน. © Succession Henri Matisse/DACS 2018
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ