ห้าประติมากรรมที่น่าจดจำโดยแอนโธนี คาโร

เมื่อเขาเสียชีวิตในปี 2013, Anthony Caro ถือเป็นประติมากรชาวอังกฤษที่มีอิทธิพลมากที่สุดในรุ่นของเขา อิทธิพลของเขามาจากทั้งผลงานและการสอนของเขา สองวันต่อสัปดาห์ตั้งแต่ปี 1953 ถึง 1981 เขาสอนที่ St Martin's School of Art ในลอนดอน ขณะอยู่ที่นั่น หนึ่งในนวัตกรรมหลักของเขาคือการรวมชั้นเรียนประติมากรรมและการวาดภาพเข้าด้วยกัน เปลี่ยนจุดสนใจของบทเรียนจากการคัดลอกวัตถุไปสู่การ "เข้าใจพวกมัน" มุมมองเดียวกันนี้ยังเป็นตัวกำหนดผลงานของเขาในฐานะศิลปิน ในช่วงแรก เขาคัดลอกประติมากรรมของเขาจากชีวิต เขาปั้นผลงานในช่วงแรกของเขาหรือแกะสลักจากหิน และเขาวางมันไว้บนฐานในแบบดั้งเดิม แต่แล้วในปี 1960 เขาก็เปลี่ยนไปทำประติมากรรมที่ไม่เป็นรูปทรงและนามธรรมจากโลหะ และวางมันไว้บนพื้นโดยตรง แทนที่จะมองว่าผลงานเหล่านี้แยกออกจากสภาพแวดล้อม ผู้ชมรู้สึกเชื่อมโยงกับผลงานและสามารถเดินรอบๆ และเห็นการเปลี่ยนแปลงในลักษณะของมันเมื่อพวกเขาเคลื่อนที่ เป้าหมายของเขาในการเข้าใจและแสดงออกถึงแก่นแท้ที่เป็นนามธรรมของวัตถุของเขายังนำเขาไปสู่ข้อสรุปว่าเขาควรใช้วัตถุและวัสดุที่พบในงานของเขา เขารู้สึกว่าสิ่งเหล่านี้คือสิ่งของในชีวิตประจำวันสมัยใหม่ ความหมายในตัวที่พวกมันมีพูดได้มากมายต่อผู้ชมสมัยใหม่ การพัฒนาของเขาในฐานะศิลปินทำให้ Caro เป็นสะพานที่สมบูรณ์แบบระหว่างศิลปินอย่าง Marcel Duchamp ซึ่งเป็นผู้ที่ประกอบวัตถุที่พร้อมใช้จากชีวิตประจำวันเป็นประติมากรรม และศิลปินร่วมสมัยอย่าง Jessica Stockholder ซึ่งขยายแนวคิดนั้นไปสู่การสร้างประสบการณ์เชิงรับรู้ขนาดใหญ่ที่กำหนดความสัมพันธ์ของมนุษย์กับพื้นที่ใหม่ มรดกที่ Caro ทิ้งไว้เบื้องหลังคือการประดิษฐ์ที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย และนี่คือห้าชิ้นงานที่น่าจดจำที่สุดของเขา:

ผู้หญิงตื่นนอน (1955)

Caro เรียนรู้การปั้นจากธรรมชาติขณะศึกษาอยู่ที่ Royal Academy ในลอนดอน เขาได้รับการสอนให้คัดลอกประติมากรรมของศิลปินกรีก โรมัน และเอทรัสกันโดยตรง หลังจากจบการศึกษา เขาย้ายจากลอนดอนไปยังเฮิร์ตฟอร์ดเชียร์ ซึ่งเขาได้โทรหาฮันรี มัวร์ ศิลปินโมเดิร์นที่ยิ่งใหญ่ ผู้สร้างประติมากรรมชีวภาพ และขอให้เขาเป็นผู้ช่วยในสตูดิโอ มัวร์ปฏิเสธเขา แต่บอกให้เขากลับมาในอีกหกเดือน Caro กลับมาและได้รับงาน แต่ถึงแม้เขาจะเคารพมัวร์ Caro ก็ประสบปัญหากับการฝึกอบรมทางวิชาการและอิทธิพลที่มัวร์มีต่อเขา เมื่อ Caro ได้รับการจัดแสดงเดี่ยวครั้งแรกในปี 1956 อิทธิพลทั้งสองนี้ชัดเจนอย่างเต็มที่ โดยเฉพาะในประติมากรรมที่ได้รับความสนใจมากที่สุดในงาน: "Woman Waking Up" (1955) ท่าทางของผู้หญิงนั้นมีความคล้ายคลึงกับรูปแบบหญิงนอนที่มัวร์ปั้น ขณะที่คุณสมบัติทางกายภาพและอารมณ์ที่ยิ่งใหญ่ของงานนี้กระตุ้นให้เกิดการอ้างอิงทางคลาสสิกมากมาย.

ยี่สิบสี่ชั่วโมง (1960)

แม้ว่าเขาจะมีความต่อสู้ภายในเพื่อค้นหาน้ำเสียงที่เป็นเอกลักษณ์ แต่ประติมากรรมเชิงเปรียบเทียบที่คาโรสร้างขึ้นกลับได้รับการตอบรับที่ดีจากสาธารณชน หนึ่งชิ้นถูกจัดแสดงที่งาน Venice Biennale ปี 1958 และอีกชิ้นได้รับรางวัลประติมากรรมที่งาน Paris Biennale ปี 1959 อย่างไรก็ตาม ความมีชื่อเสียงนี้ยังนำเขาไปสู่การติดต่อกับศิลปินนามธรรมที่มีอิทธิพลจากสหรัฐอเมริกา เช่น เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์, เคนเนธ โนแลนด์, และ โรเบิร์ต มอเธอร์เวลล์ การมีปฏิสัมพันธ์กับพวกเขาช่วยเติมเต็มแรงขับเคลื่อนตามสัญชาตญาณของเขาไปสู่การทำงานเชิงนามธรรม และกระตุ้นให้เขามีความมั่นใจในการเปลี่ยนแปลงสไตล์อย่างมีนัยสำคัญ วิธีการใหม่ของเขาเริ่มปรากฏในปี 1960 ด้วย "Twenty Four Hours" ความสำเร็จของชิ้นงานนี้ทำให้เขาต้องปรับปรุงหลักสูตรการสอนของเขาอย่างรุนแรง ทำให้เขาอยู่ในแนวหน้าของแนวหน้าทางวิชาการของอังกฤษ.

เช้าวันหนึ่ง (1962)

ในปี 1963 แกลเลอรีไวท์แชปเปลในลอนดอนจัดนิทรรศการเดี่ยวของประติมากรรมเชิงนามธรรมจำนวนสิบห้าชิ้นโดยคาโร ซึ่งเป็นนิทรรศการที่ทำให้เขาได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติ สำหรับผู้ชมหลายคน พื้นที่ภายในของแกลเลอรีดูเหมือนว่ากำลังอยู่ในระหว่างการก่อสร้าง—รูปทรงโลหะที่ดูเหมือนจะถูกทิ้งกระจัดกระจายรอการหุ้มภายนอก อยู่ท่ามกลางรูปทรงอื่นๆ มีการจัดวางชิ้นงานขนาดใหญ่ที่ส่องสว่างสีแดงซึ่งประกอบด้วยเหล็กและอะลูมิเนียมชื่อว่า “Early One Morning” (1962) รูปร่าง เส้น และมุมมาบรรจบกันเพื่อสร้างรูปทรงที่ไม่สามารถกำหนดได้: ชัดเจนว่าเป็นผลมาจากการตัดสินใจทางปัญญา; การเลือก ไม่ใช่อุบัติเหตุ มุมมองทุกมุมที่มองชิ้นงานนี้จะเสนอความเป็นไปได้ใหม่ๆ นี่ไม่ใช่การสนับสนุนสำหรับโครงสร้างอื่น แต่เป็นการสนับสนุนสำหรับการเดินทางที่ลึกลับ จุดประสงค์ของมันคือเพียงแค่การมองและฝัน.

เยลโลว์สวิง (1965)

เมื่อคาโรเดินทางไปอเมริกาเป็นครั้งแรกในปี 1959 หนึ่งในความสัมพันธ์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดที่เขาสร้างขึ้นคือกับประติมากรเดวิด สมิธ ซึ่งเป็นศิลปินแนวอับสแตรก เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ที่กำลังทำงานกับโลหะเชื่อมในขณะนั้น สมิธและคาโรกลายเป็นทั้งเพื่อนและคู่แข่ง คาโรสร้างประติมากรรม "Yellow Swing" (1965) ในปีที่สมิธเสียชีวิตจากอุบัติเหตุทางรถยนต์ คุณสมบัติที่หลากหลายของชิ้นงานนี้ทำให้เกิดการตีความทางสายตาที่ดูเหมือนจะไม่มีที่สิ้นสุดเมื่อผู้ชมเคลื่อนที่รอบๆ มัน พื้นที่ว่างถูกนำมารวมอยู่ในองค์ประกอบ และบางครั้งก็มีอำนาจในการรับรู้เหนือวัสดุที่เป็นของแข็ง การใช้สีที่สดใสแสดงออกถึงความปรารถนาที่คาโรเคยพูดถึงว่าเขาและเพื่อนร่วมสมัยของเขาสามารถถูกมองว่าเป็นผู้สืบทอดจิตวิญญาณของอิมเพรสชันนิสม์—ผู้รักษาทัศนคติการทดลองที่ปฏิวัติ.

เอ็มม่า ดิปเปอร์ (1977)

ในปี 1977 คารอพบว่าตนเองอยู่ในสถานการณ์ที่ลำบากเมื่อเขาตระหนักว่าจากสตูดิโอที่ห่างไกลในซัสแคตเชวัน แคนาดา ซึ่งเขาได้มาทำงานชั่วคราว เขาไม่สามารถเข้าถึงวัสดุที่เขาใช้เป็นประจำได้ ดังนั้นเขาจึงปรับเปลี่ยนการปฏิบัติของเขาเพื่อรวมประเภทของโลหะบางที่ใช้ในท้องถิ่นสำหรับการเกษตร "Emma Dipper" (1977) เป็นประติมากรรมชิ้นแรกที่เขาทำจากวัสดุนี้ มันตั้งชื่อตามทะเลสาบเอ็มม่า ซึ่งเป็นที่ตั้งของสตูดิโอของเขา ชิ้นงานนี้ถูกอธิบายว่าเรียบง่าย เนื่องจากมันลดความสำคัญของประติมากรรมเอง เส้นโลหะบางๆ จะอยู่เบื้องหลังรูปทรงที่พวกมันสร้างขึ้นจากพื้นที่ว่างภายในและรอบๆ งาน ประติมากรรมนี้เหมือนกับการสะท้อนถึงปริศนาเต๋าที่ว่าภาชนะเป็นเพียงรูปแบบที่ว่างเปล่า แต่ความว่างเปล่าภายในคือสิ่งที่เราพบว่ามีประโยชน์.

ภาพเด่น: เซอร์แอนโธนี คาโร - เอ็มมา ดิปเปอร์, 1977. 2130 x 1700 x 3200 มม. เหล็กทาสี คอลเลกชัน. ขอบคุณ Barford Sculptures Ltd

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น

โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ