ห้าประติมากรรมที่น่าจดจำโดยแอนโธนี คาโร
เมื่อเขาเสียชีวิตในปี 2013 Anthony Caro ถูกยกย่องให้เป็นประติมากรชาวอังกฤษที่ทรงอิทธิพลที่สุดในยุคของเขา อิทธิพลของเขามาจากทั้งผลงานและการสอนของเขา สองวันต่อสัปดาห์ตั้งแต่ปี 1953 ถึง 1981 เขาสอนที่โรงเรียนศิลปะเซนต์มาร์ตินในลอนดอน ขณะที่อยู่ที่นั่น หนึ่งในนวัตกรรมหลักของเขาคือการรวมชั้นเรียนประติมากรรมและการวาดภาพเข้าด้วยกัน เปลี่ยนจุดเน้นของบทเรียนจากการลอกเลียนแบบวัตถุมาเป็น “การเข้าใจวัตถุนั้น” มุมมองเดียวกันนี้ยังเป็นตัวกำหนดผลงานของเขาในฐานะศิลปิน ในช่วงแรกเขาลอกเลียนแบบประติมากรรมจากชีวิตจริง เขาปั้นผลงานแรกๆ หรือแกะสลักจากหิน และตั้งไว้บนแท่นตามแบบดั้งเดิม แต่ในปี 1960 เขาเปลี่ยนอย่างกะทันหันไปทำประติมากรรมแบบนามธรรมที่ไม่เป็นรูปคนจากโลหะ และวางไว้บนพื้นโดยตรง แทนที่จะมองว่าผลงานเหล่านี้แยกตัวออกจากสภาพแวดล้อม ผู้ชมกลับรู้สึกเชื่อมโยงกับผลงานและสามารถเดินรอบๆ เพื่อชมการเปลี่ยนแปลงของรูปลักษณ์ขณะเคลื่อนที่ได้ เป้าหมายของเขาคือการเข้าใจและแสดงออกถึงแก่นแท้แบบนามธรรมของวัตถุที่เขาสร้างสรรค์ นำเขาไปสู่ข้อสรุปว่าเขาควรใช้วัตถุและวัสดุที่พบเจอในชีวิตประจำวันมาทำงาน เหล่านี้เขารู้สึกว่าเป็นสิ่งของในชีวิตประจำวันสมัยใหม่ ความหมายในตัวของมันสื่อสารอย่างลึกซึ้งกับผู้ชมยุคใหม่ การพัฒนาของเขาในฐานะศิลปินทำให้ Caro เป็นสะพานเชื่อมระหว่างศิลปินอย่าง Marcel Duchamp ที่เริ่มประกอบวัตถุสำเร็จรูปจากชีวิตประจำวันเป็นประติมากรรม กับศิลปินร่วมสมัยอย่าง Jessica Stockholder ที่ขยายแนวคิดนี้ไปสู่การสร้างประสบการณ์รับรู้ขนาดใหญ่ที่นิยามความสัมพันธ์ของมนุษย์กับพื้นที่ใหม่ มรดกที่ Caro ทิ้งไว้คือการประดิษฐ์คิดค้นอย่างไม่หยุดยั้ง และนี่คือห้าชิ้นงานที่โดดเด่นที่สุดของเขา:
หญิงสาวที่ตื่นขึ้น (1955)
Caro เรียนรู้การปั้นประติมากรรมจากธรรมชาติขณะศึกษาที่ราชบัณฑิตยสถานในลอนดอน เขาได้รับการสอนให้ลอกเลียนแบบประติมากรรมของศิลปินกรีก โรมัน และอีทรัสกันโดยตรง หลังจากจบการศึกษา เขาย้ายจากลอนดอนไปยังเฮิร์ตฟอร์ดเชียร์ ซึ่งเขาได้โทรศัพท์ไปหาฮีนรี มัวร์ ศิลปินโมเดิร์นนิสม์ผู้ยิ่งใหญ่และประติมากรที่มีรูปทรงชีวภาพ เพื่อขอตำแหน่งผู้ช่วยในสตูดิโอ มัวร์ปฏิเสธแต่บอกให้กลับมาอีกหกเดือน Caro กลับมาและได้รับงาน แม้จะเคารพมัวร์ แต่ Caro ก็ประสบปัญหากับการฝึกฝนทางวิชาการและอิทธิพลของมัวร์ เมื่อ Caro ได้จัดแสดงนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกในปี 1956 อิทธิพลทั้งสองนี้ปรากฏชัดเจน โดยเฉพาะในประติมากรรมที่ได้รับความสนใจมากที่สุดในงาน “หญิงสาวที่ตื่นขึ้น” (1955) ท่าทางของหญิงสาวนั้นคล้ายกับรูปทรงผู้หญิงนอนเอนที่มัวร์ปั้น ขณะที่คุณสมบัติทางกายภาพและอารมณ์ที่ยิ่งใหญ่ของผลงานก็สะท้อนถึงการอ้างอิงแบบคลาสสิกหลายประการ
ยี่สิบสี่ชั่วโมง (1960)
แม้จะมีความขัดแย้งภายในในการค้นหาสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ ประติมากรรมที่เป็นรูปคนที่ Caro สร้างขึ้นได้รับการตอบรับอย่างดีจากสาธารณชน หนึ่งชิ้นถูกจัดแสดงที่เวนิสเบียนนาเล่ปี 1958 และอีกชิ้นได้รับรางวัลประติมากรรมที่ปารีสเบียนนาเล่ปี 1959 ความโด่งดังนี้ทำให้เขาได้พบกับศิลปินนามธรรมที่มีอิทธิพลจากสหรัฐอเมริกา เช่น Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, และ Robert Motherwell การพบปะกับพวกเขาเสริมแรงขับเคลื่อนตามสัญชาตญาณของเขาไปสู่ความนามธรรม และกระตุ้นให้เขามั่นใจที่จะเปลี่ยนแปลงสไตล์อย่างรุนแรง แนวทางใหม่ของเขาปรากฏชัดครั้งแรกในปี 1960 กับผลงาน “ยี่สิบสี่ชั่วโมง” ความสำเร็จของชิ้นนี้ทำให้เขาปรับหลักสูตรการสอนอย่างลึกซึ้ง นำเขาไปสู่แนวหน้าของวงการวิชาการแนวหน้าในอังกฤษ
เช้าตรู่วันหนึ่ง (1962)
ในปี 1963 หอศิลป์ไวท์ชาเปลในลอนดอนจัดนิทรรศการเดี่ยวของประติมากรรมนามธรรมสิบห้าชิ้นโดย Caro นิทรรศการนี้ทำให้เขาโด่งดังไปทั่วโลก สำหรับผู้ชมหลายคน พื้นที่ภายในหอศิลป์ดูเหมือนกำลังอยู่ระหว่างการก่อสร้าง—รูปทรงโลหะกระจัดกระจายรอการประกอบเป็นเปลือกนอก ในบรรดารูปทรงเหล่านั้น มีชิ้นงานขนาดใหญ่ สว่างไสว สีแดง ประกอบด้วยเหล็กและอลูมิเนียมชื่อ “เช้าตรู่วันหนึ่ง” (1962) รูปทรง เส้นสาย และมุมต่างๆ มาบรรจบกันสร้างรูปแบบที่นิยามไม่ได้ ชัดเจนว่าเป็นผลจากการตัดสินใจทางปัญญา เป็นทางเลือก ไม่ใช่อุบัติเหตุ ทุกมุมมองที่ชมชิ้นงานนี้เปิดโอกาสใหม่ๆ ไม่ใช่แค่ฐานรองรับโครงสร้างอื่น แต่เป็นฐานรองรับการเดินทางลึกลับ จุดประสงค์เพียงเพื่อมองและฝัน
ชิงช้าสีเหลือง (1965)
เมื่อ Caro เดินทางไปอเมริกาเป็นครั้งแรกในปี 1959 หนึ่งในความสัมพันธ์ที่ทรงอิทธิพลที่สุดคือกับประติมากร David Smith ศิลปินนามธรรมที่ทำงานกับโลหะเชื่อมในเวลานั้น Smith และ Caro กลายเป็นทั้งเพื่อนและคู่แข่ง Caro สร้างประติมากรรม “ชิงช้าสีเหลือง” (1965) ในปีที่ Smith เสียชีวิตจากอุบัติเหตุทางรถยนต์ คุณสมบัติหลายมิติของชิ้นงานนี้เปิดโอกาสให้ตีความทางสายตาได้ไม่รู้จบเมื่อผู้ชมเคลื่อนที่ไปรอบๆ พื้นที่ว่างถูกรวมเข้าในองค์ประกอบ และบางครั้งก็มีอำนาจเหนือการรับรู้มากกว่าวัสดุที่เป็นของแข็ง การใช้สีสันสดใสแสดงถึงความปรารถนาที่ Caro เคยพูดถึงว่าเขาและศิลปินร่วมสมัยของเขาอาจถูกมองว่าเป็นผู้สืบทอดจิตวิญญาณของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์—ผู้รักษาทัศนคติการทดลองที่ปฏิวัติวงการ
เอ็มม่า ดิปเปอร์ (1977)
ในปี 1977 Caro พบกับความลำบากเมื่อเขาตระหนักว่าในสตูดิโอที่ห่างไกลในซัสแคตเชวัน ประเทศแคนาดา ที่เขามาทำงานชั่วคราว เขาไม่สามารถเข้าถึงวัสดุที่ใช้ประจำได้ ดังนั้นเขาจึงปรับวิธีการทำงานโดยใช้โลหะบางชนิดที่ใช้ในงานเกษตรกรรมในท้องถิ่น “เอ็มม่า ดิปเปอร์” (1977) ที่แสดงด้านบน เป็นประติมากรรมชิ้นแรกที่เขาทำจากวัสดุนี้ ชื่อนี้มาจากทะเลสาบ Emma ซึ่งเป็นที่ตั้งของสตูดิโอ ชิ้นงานนี้ถูกบรรยายว่าเรียบง่าย เพราะลดความสำคัญของตัวประติมากรรมเอง เส้นโลหะบางๆ กลับเป็นรองให้กับรูปทรงที่เกิดจากพื้นที่ว่างภายในและรอบๆ ผลงาน ประติมากรรมนี้เหมือนเป็นตัวแทนของปริศนาตามแนวทางเต๋าที่ว่า ภาชนะเป็นเพียงรูปทรงว่างเปล่า แต่ความว่างเปล่าภายในนั้นคือสิ่งที่เราพบว่ามีประโยชน์
ภาพประกอบ: Sir Anthony Caro - Emma Dipper, 1977. ขนาด 2130 x 1700 x 3200 มม. เหล็กทาสี คอลเลกชัน โดยความอนุเคราะห์จาก Barford Sculptures Ltd
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
