สี, สมาธิ และพื้นที่ในภาพวาดของเคนเนธ โนแลนด์
ผู้ที่สังเกตการณ์อย่างผิวเผินอาจเข้าใจผิดคิดว่า Kenneth Noland เป็นจิตรกรที่วาดลวดลาย อย่างไรก็ตาม ภาพวาดที่น่าจดจำที่สุดของ Kenneth Noland แสดงออกถึงรูปทรงและลวดลายที่จำกัด เช่น วงกลม รูปสัญลักษณ์ชวรอน รูปสี่เหลี่ยมข้าวหลามตัด ลายทาง และลายสก็อต แต่ตรงกันข้ามกับมุมมองนั้น Noland ไม่ได้สนใจในเรื่องรูปทรงหรือลวดลายเลย เหตุผลที่เขากลับมาใช้ภาพซ้ำ ๆ เพราะเขาเชื่อว่าการทำซ้ำจะชักชวนให้ผู้ชมละเลยรูปทรงและลวดลาย และหันมาให้ความสนใจกับสิ่งที่เขาสนใจจริง ๆ คือ ศักยภาพไม่มีที่สิ้นสุดของสีและพื้นที่
การเดินทางสู่สไตล์
นอกจากจะเป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมแล้ว Kenneth Noland ยังเป็นตัวอย่างที่ดีของคุณค่าของโครงการ G.I. Bill ซึ่งเป็นโครงการของรัฐบาลสหรัฐที่อนุญาตให้ทหารที่ปลดประจำการได้เข้าเรียนมหาวิทยาลัยโดยไม่เสียค่าเล่าเรียน ในปี 1942 Noland เข้าร่วมกองทัพอากาศสหรัฐในวัย 18 ปี หลังจากกลับบ้านที่นอร์ทแคโรไลนาเมื่อสงครามโลกครั้งที่สองสิ้นสุดลง เขาใช้สิทธิ์จาก G.I. Bill ลงทะเบียนเรียนที่โรงเรียนศิลปะท้องถิ่น โรงเรียนนั้นคือ Black Mountain College ที่มีชื่อเสียง ซึ่งครูผู้ทรงอิทธิพลหลายคนจากบาวเฮาส์ได้ย้ายมาที่นี่หลังจากสถาบันของพวกเขาปิดตัวลงเนื่องจากการแทรกแซงของนาซี
ในช่วงที่เรียนที่ Black Mountain College Noland ได้ศึกษาภายใต้การดูแลของ Ilya Bolotowsky ซึ่งเคยเป็นศิษย์ของ Piet Mondrian ผู้ก่อตั้งนีโอ-พลาสติกิสม์ ตามประเพณีของนีโอ-พลาสติกิสม์ Bolotowsky สนับสนุนลวดลายเรขาคณิตที่เรียบง่ายและสีบริสุทธิ์ Noland ยังได้ศึกษาภายใต้ Josef Albers นักทฤษฎีและจิตรกรโมเดิร์นนิสม์ชั้นนำ และเป็นนักศึกษาที่หลงใหลในความสัมพันธ์ของสี Noland ได้รับคำแนะนำจากครูของเขาและต่อยอดแนวคิดเหล่านั้น พัฒนาความสนใจตลอดชีวิตในความสามารถในการแสดงออกขององค์ประกอบเรียบง่ายที่ประกอบด้วยสีสดใส
Kenneth Noland - Globe, 1956. อะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 60 x 60 นิ้ว คอลเลกชันของ Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland
นามธรรมหลังยุคจิตรกร
ร่วมกับ Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko และ Jules Olitski, Kenneth Noland ได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการสีพื้นที่ (Color Field) ซึ่งเป็นแนวโน้มทางศิลปะที่เกี่ยวข้องกับสิ่งที่เรียกว่า นามธรรมหลังยุคจิตรกร คำนี้ถูกตั้งขึ้นในปี 1964 โดย Clement Greenberg สำหรับนิทรรศการที่เขาจัดที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะลอสแอนเจลิส (Los Angeles County Museum of Art) หมายถึงแนวโน้มในการวาดภาพที่หันเหจากงานที่มีลักษณะเป็นชั้นหนาและมีร่องรอยแปรงชัดเจน ไปสู่พื้นผิวเรียบและไม่มีร่องรอยแปรงที่มองเห็นได้
แม้ว่าคำว่าสีพื้นที่จะมีความหมายที่ไม่ชัดเจนมากนัก แต่ Kenneth Noland คือผู้แทนที่สมบูรณ์แบบของนามธรรมหลังยุคจิตรกร ภาพวาดของเขาปฏิเสธความดราม่าส่วนตัวของนามธรรมแสดงออก (Abstract Expressionism) เขาทำให้งานวาดภาพเรียบง่ายขึ้น โดยปฏิเสธการใช้ภาพตัดปะ การประกอบวัตถุ วัตถุที่พบเจอ และความซับซ้อนอื่น ๆ โดยใช้ส่วนผสมที่ง่ายที่สุดคือ สีและผืนผ้าใบ สีของเขาสดใสและบริสุทธิ์ องค์ประกอบของเขาตรงไปตรงมาและเรียบง่าย และภาพของเขากลายเป็นหนึ่งเดียวกับพื้นผิวรองรับ
Kenneth Noland - Lapse, 1976. อะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 75 x 141 นิ้ว © Kenneth Noland
การผสานสีเข้ากับพื้นที่
Noland สร้างภาพวาดที่เรียกว่าสีพื้นที่ครั้งแรกประมาณปี 1956 ซึ่งประกอบด้วยวงกลมสีที่ซ้อนกันเป็นวงแหวนหลายชั้น มีความน่าสนใจที่จะคาดเดาว่าภาพเหล่านี้เกี่ยวข้องกับประสบการณ์ในสงครามของเขาหรือไม่ เพราะมันคล้ายเป้าหมาย แต่ในหลายการสัมภาษณ์ Noland กล่าวว่าเขาเลือกใช้รูปวงกลมเพราะเป็นรูปแบบที่ไม่มีภาพชัดเจน ซึ่งช่วยให้สายตาดึงดูดเข้าสู่ประสบการณ์ของสี แต่สีไม่ใช่สิ่งเดียวที่ภาพของเขาต้องการสื่อ พวกมันยังเกี่ยวกับการเผชิญหน้ากับความแยกจากกันระหว่างภาพวาดกับพื้นผิวของมัน
ตลอดประวัติศาสตร์ศิลปะ ภาพวาดมักถูกมองว่าเป็นภาพที่วาดบนพื้นผิวที่เตรียมไว้ พื้นที่ที่ภาพวาดอยู่ เช่น ผืนผ้าใบ ถูกเตรียมขึงและทารองพื้นไว้ล่วงหน้า รอรับภาพวาด สนับสนุนภาพ และแยกจากภาพ ในความคิดของจิตรกรอย่าง Noland ความแยกนี้เป็นอุปสรรค แทนที่จะได้แสดงออกอย่างอิสระ ศิลปินกลับถูกจำกัดหรือถูกชี้นำโดยพื้นผิวที่กำหนดไว้ล่วงหน้า แม้ว่าภาพที่เกิดขึ้นอาจยังไม่ถูกจินตนาการ Noland ต้องการผสานภาพเข้ากับพื้นผิว รวมสีเข้ากับพื้นที่ในแง่สุนทรียะที่เป็นหนึ่งเดียว
Kenneth Noland - Morning Span, 1963. อะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 103.7 x 142.5 นิ้ว © Kenneth Noland
วัตถุแสดงออกที่เป็นหนึ่งเดียว
Noland ได้รับการเปิดเผยในปี 1953 จากการเยี่ยมชมสตูดิโอของจิตรกร Helen Frankenthaler ในสตูดิโอของเธอที่นิวยอร์ก Frankenthaler ได้ริเริ่มเทคนิคที่เธอเรียกว่า soak-stain แทนที่จะทารองพื้นผืนผ้าใบที่เตรียมไว้ล่วงหน้าเพื่อเตรียมสำหรับภาพวาด เธอจะปูผืนผ้าใบดิบบนพื้นแล้วเทสีลงบนพื้นผิวที่ไม่ได้ทารองพื้นโดยตรง สีจะผสมผสานกับพื้นผิว กระจายออกไปอย่างเป็นธรรมชาติบนผืนผ้าใบ สีและพื้นผิวกลายเป็นหนึ่งเดียวกัน
Kenneth Noland - Mach II, 1964. เรซินอะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 98 x 208 นิ้ว © Kenneth Noland
Noland ได้นำเทคนิค soak-stain ของ Frankenthaler มาใช้ทันที เทคนิคนี้เปิดโอกาสให้เขาสร้างวัตถุที่เป็นหนึ่งเดียว ซึ่งสีฝังตัวอยู่ในพื้นผิว นอกจากนี้ยังช่วยให้เขากำจัดร่องรอยแปรงที่มักถูกมองว่าเป็นลายเซ็นของบุคลิกศิลปิน ความก้าวหน้าทั้งสองนี้ช่วยให้เขาเริ่มสร้างภาพวาดที่ไม่เน้นการแสดงภาพสิ่งใดสิ่งหนึ่งโดยเฉพาะ แต่เน้นที่องค์ประกอบสำคัญที่เขาสนใจ เช่น สี พื้นผิว ลักษณะผิว ความสมมาตร และขนาด
Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. อะคริลิกบนผืนผ้าใบ © Kenneth Noland
การตัดภาพ
มีการบันทึกไว้อย่างดีว่า Noland รวมถึง Morris Louis เพื่อนร่วมยุค ได้นำเทคนิค soak-stain มาจาก Helen Frankenthaler แต่ยังมีเทคนิคอีกอย่างที่ Kenneth Noland นำมาใช้ในช่วงหลังของอาชีพ ซึ่งอาจได้รับแรงบันดาลใจจาก Frankenthaler เช่นกัน นั่นคือการตัดภาพ ในการถ่ายภาพ การตัดภาพหมายถึงการเลือกเฉพาะส่วนของภาพที่ต้องการพิมพ์ เผยให้เห็นเฉพาะสิ่งที่ชอบ หลายภาพของ Frankenthaler ในสตูดิโอแสดงให้เห็นว่าเธอทำงานบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่ไม่ได้ขึง เธอตัดและจัดกรอบผืนผ้าใบหลังจากวาดภาพเสร็จ ซึ่งช่วยให้เธอพัฒนาภาพโดยมีข้อจำกัดน้อยที่สุด จากนั้นเลือกพื้นที่ที่เธอรู้สึกว่าสร้างวัตถุที่แสดงออกได้ดีที่สุด นี่เป็นวิธีปฏิบัติที่ Kenneth Noland ใช้อย่างกว้างขวาง โดยเฉพาะเมื่อเขาเริ่มทำผืนผ้าใบรูปทรงต่าง ๆ เขาจะทำงานบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่บนพื้นและสร้างองค์ประกอบสีโดยไม่มีข้อจำกัดด้านพื้นที่ ซึ่งช่วยให้เขาสำรวจความสัมพันธ์ของสีได้อย่างอิสระโดยไม่ต้องกังวลเกี่ยวกับผลลัพธ์สุดท้าย เมื่อกระบวนการสร้างสรรค์และค้นพบเสร็จสิ้น เขาสามารถ “ตัด” ภาพสุดท้าย เลือกพื้นที่ที่ต้องการจัดกรอบจากตัวเลือกที่ไม่มีที่สิ้นสุดในกระบวนการแก้ไข Noland กล่าวถึงความงดงามของกระบวนการนี้ใน การสัมภาษณ์ปี 1977 กับ Diane Waldman สำหรับ Art in America ว่า “สีอาจอยู่ที่ขอบของภาพหรือภายในพื้นที่ของภาพ: คำถามเรื่องบน ล่าง ซ้าย ขวา กลายเป็นเรื่องยืดหยุ่นอย่างสมบูรณ์ เช่นเดียวกับคำถามเรื่องขนาน แนวตั้ง หรือแนวนอน”
Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. อะคริลิกบนผืนผ้าใบ © Kenneth Noland
ความลึกของความเรียบง่าย
Kenneth Noland บางครั้งได้มองไปยังช่างปั้นเพื่อสำรวจธรรมชาติของสีในเชิงนามธรรม ช่างปั้น David Smith เป็นแรงบันดาลใจให้เขาโดยเฉพาะ และ Noland ยังเคยร่วมงานกับช่างปั้น Tony Caro โดยเขาวาดภาพบนประติมากรรมของ Caro หลังจากที่สร้างเสร็จแล้ว เขาทำเช่นนี้ด้วยความอยากรู้อยากเห็นและจิตวิญญาณของการทดลอง เขาไม่สามารถอธิบายได้ชัดเจนว่าเขาหวังจะค้นพบอะไร หรือการทดลองเหล่านี้มีความหมายอย่างไร เขากล่าวว่า “เรามักจะมองข้ามความหมายมากมายในชีวิตที่ไม่ใช่คำพูด สีสามารถสื่อสารอารมณ์และการแสดงออกทั้งหมดของประสบการณ์ชีวิตโดยไม่ต้องให้คุณลักษณะเชิงบรรยายหรือวรรณกรรม”
Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland
ผู้ที่ชื่นชอบความซับซ้อนอาจมองข้ามอาชีพที่ตั้งอยู่บนความเรียบง่ายและความอยากรู้อยากเห็นได้ง่าย ภาพวาดของ Kenneth Noland ดูเหมือนไม่มีความดราม่าใด ๆ เลย แต่กลับแสดงออกอย่างลึกซึ้ง เหมือนเสียงร้องไห้ของเด็ก เสียงระฆัง หรือเสียงไซเรน เรารู้จักพวกมันทันทีในสิ่งที่พวกมันเป็น เรารู้ว่าพวกมันขอให้เราตอบสนอง แม้ว่าเราอาจไม่เข้าใจจุดประสงค์ที่แท้จริงหรือว่าการตอบสนองของเราควรเป็นอย่างไร แต่บางที เช่นเดียวกับเสียงระฆัง เสียงร้อง และไซเรน การตอบสนองจากทุกคนอาจไม่จำเป็น
ภาพเด่น: Kenneth Noland - April (รายละเอียด), 1960. อะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 16 x 16 นิ้ว © Kenneth Noland
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
