สี, สมาธิ และพื้นที่ในภาพวาดของเคนเนธ โนแลนด์
ผู้สังเกตการณ์ทั่วไปอาจสับสน Kenneth Noland ว่าเป็นจิตรกรที่วาดลวดลาย จริงอยู่ที่ภาพวาดของ Kenneth Noland ที่น่าจดจำที่สุดแสดงถึงรูปทรงและลวดลายที่จำกัด: วงกลม, รูปตัววี, รูปเพชร, เส้นและตาราง แต่ตรงกันข้ามกับมุมมองนั้น Noland ไม่ได้สนใจในเรื่องของรูปทรงและการออกแบบเลย เหตุผลที่เขากลับมาที่ภาพลักษณ์เดียวกันซ้ำแล้วซ้ำเล่าคือเขาเชื่อว่าการทำซ้ำจะเชิญชวนให้ผู้ชมละเลยรูปทรงและการออกแบบ และมุ่งเน้นไปที่พื้นที่ที่เขาสนใจจริงๆ: ศักยภาพที่ไม่มีที่สิ้นสุดของสีและพื้นที่.
การเดินทางสู่สไตล์
นอกจากการเป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมแล้ว เคนเนธ โนแลนด์ ยังเป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของคุณค่าของ G.I. Bill; โปรแกรมของรัฐบาลสหรัฐที่อนุญาตให้ทหารที่ปลดประจำการเข้าเรียนมหาวิทยาลัยโดยไม่ต้องเสียค่าเล่าเรียน ในปี 1942 โนแลนด์เข้าร่วมกองทัพอากาศสหรัฐในวัย 18 ปี หลังจากกลับบ้านที่นอร์ทแคโรไลนาเมื่อสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สอง เขาใช้สิทธิ์ G.I. Bill ของเขาเพื่อสมัครเรียนที่โรงเรียนศิลปะในท้องถิ่น โรงเรียนแห่งนั้นคือ Black Mountain College ที่มีชื่อเสียง ซึ่งมีอาจารย์ที่มีอิทธิพลหลายคนจาก Bauhaus ย้ายมาเมื่อสถาบันของพวกเขาปิดตัวลงเพื่อตอบสนองต่อการแทรกแซงของนาซี.
ในขณะที่อยู่ที่ Black Mountain College, Noland ได้ศึกษาใต้การดูแลของ Ilya Bolotowsky ซึ่งเคยเป็นศิษย์ของ Piet Mondrian ผู้ก่อตั้ง Neo-Plasticism ในประเพณีของ Neo-Plasticists, Bolotowsky สนับสนุนรูปแบบ เรขาคณิต ที่เรียบง่ายและสีบริสุทธิ์ Noland ยังได้ศึกษาใต้การดูแลของ Josef Albers นักทฤษฎีและจิตรกร Modernist ชั้นนำ และนักเรียนที่มีความหลงใหลในความสัมพันธ์ของสี Noland ซึมซับการให้คำปรึกษาของครูของเขาและสร้างสรรค์จากแนวคิดของพวกเขา พัฒนาเป็นความสนใจตลอดชีวิตในความสามารถในการแสดงออกของการจัดองค์ประกอบที่เรียบง่ายที่ทำจากสีสดใส.
เคนเนธ โนแลนด์ - โกลบ, 1956. อะคริลิคบนผ้าใบ. 60 x 60 นิ้ว. คอลเลกชันของคอร์เนเลีย โนแลนด์ รีส. © เคนเนธ โนแลนด์
หลังการวาดภาพแบบนามธรรม
พร้อมกับ Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko และ Jules Olitski, Kenneth Noland ได้กลายเป็นที่รู้จักในฐานะส่วนหนึ่งของขบวนการ Color Field ซึ่งเป็นหนึ่งในแนวทางศิลปะที่เกี่ยวข้องกับสิ่งที่เรียกว่า Post-Painterly Abstraction. คำนี้ถูกสร้างขึ้นในปี 1964 โดย Clement Greenberg สำหรับการแสดงที่เขาเป็นผู้ดูแลที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะเคาน์ตี้ลอสแองเจลิส คำว่า Post-Painterly Abstraction หมายถึงแนวโน้มในงานจิตรกรรมที่ห่างไกลจากงานที่มีลักษณะเป็นจิตรกรรมและมีเนื้อสัมผัสหนา และมุ่งไปที่พื้นผิวเรียบและการขาดแคลนรอยแปรงที่มองเห็นได้.
แม้ว่าคำว่า Color Field Painting จะมีความหมายที่ไม่ชัดเจน แต่ Kenneth Noland ถือเป็นตัวแทนที่สำคัญของ Post-Painterly Abstraction งานจิตรกรรมของเขาปฏิเสธละครส่วนตัวของ Abstract Expressionism เขาได้ทำให้วิธีการจิตรกรรมเรียบง่าย โดยปฏิเสธการใช้คอลลาจ การประกอบวัตถุ การใช้วัตถุที่พบ และความซับซ้อนอื่น ๆ โดยอิงจากส่วนผสมที่เรียบง่ายที่สุด: สีและผ้าใบ สีของเขามีความสดใสและบริสุทธิ์ การจัดองค์ประกอบของเขาตรงไปตรงมาและเรียบง่าย และภาพของเขากลายเป็นหนึ่งเดียวกับพื้นผิวที่รองรับ.
เคนเนธ โนแลนด์ - Lapse, 1976. อะคริลิคบนผ้าใบ. 75 x 141 นิ้ว. © เคนเนธ โนแลนด์
การผสมผสานสีเข้ากับสนาม
โนแลนด์สร้างผลงานที่เรียกว่า "ภาพวาดสีฟิลด์" ชิ้นแรกของเขาประมาณปี 1956 ผลงานเหล่านี้ประกอบด้วยวงแหวนที่มีวงกลมสีซ้อนกันอยู่ มันน่าสงสัยที่จะคาดเดาว่าภาพวาดเหล่านี้เกี่ยวข้องกับประสบการณ์ของเขาในสงครามหรือไม่ เนื่องจากมันมีลักษณะคล้ายเป้าหมาย แต่ในสัมภาษณ์หลายครั้ง โนแลนด์กล่าวว่าเขาเลือกใช้รูปแบบวงกลมเพราะมันเป็นภาพที่ไม่มีภาพ ซึ่งสามารถทำให้ตามองเข้าสู่ประสบการณ์ของสีได้ แต่สีไม่ใช่สิ่งเดียวที่ภาพวาดของเขาเกี่ยวข้อง มันยังเกี่ยวกับการเผชิญหน้ากับการแยกจากกันระหว่างภาพวาดและพื้นผิวของมันด้วย.
ในประวัติศาสตร์ศิลปะส่วนใหญ่ ภาพวาดถูกมองว่าเป็นภาพที่ถูกวาดบนพื้นผิวที่เตรียมไว้แล้ว พื้นที่ที่ภาพวาดมีอยู่ นั่นคือผ้าใบ ถูกขึงไว้ล่วงหน้า ขึงตึง และเคลือบพื้นผิว มันรอคอยภาพวาด สนับสนุนมัน และแยกออกจากภาพ ในความคิดของจิตรกรอย่างโนแลนด์ การแยกนี้เป็นอุปสรรค แทนที่จะเพลิดเพลินกับการแสดงออกอย่างอิสระและไม่ถูกจำกัด ศิลปินกลับถูกจำกัดหรือถูกชี้นำโดยการสนับสนุนที่กำหนดไว้ล่วงหน้า แม้ว่าภาพที่ตามมาอาจยังไม่ถูกจินตนาการก็ตาม โนแลนด์ต้องการรวมภาพเข้ากับการสนับสนุน โดยการรวมสีเข้ากับพื้นที่ในแถลงการณ์ทางสุนทรียศาสตร์ที่เป็นเอกภาพ
เคนเนธ โนแลนด์ - มอร์นิง สแปน, 1963. อะคริลิคบนผ้าใบ. 103.7 x 142.5 นิ้ว. © เคนเนธ โนแลนด์
วัตถุแสดงออกที่รวมกัน
โนแลนด์ได้รับการเปิดเผยในปี 1953 ในรูปแบบของการเยี่ยมชมสตูดิโอของจิตรกรเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ ในสตูดิโอของเธอในนิวยอร์ก แฟรงเคนธาเลอร์ได้สร้างสรรค์สิ่งที่เธอเรียกว่ากระบวนการซึม-เปื้อน แทนที่จะเตรียมผ้าใบที่มีขนาดล่วงหน้าเพื่อเตรียมสำหรับภาพวาด เธอได้แผ่ผ้าผืนดิบออกบนพื้นและจากนั้นก็เทสีลงบนพื้นผิวที่ยังไม่ได้เตรียม สีจะรวมเข้ากับพื้นผิว แผ่กระจายออกในรูปแบบที่เป็นธรรมชาติทั่วพื้นผิวขณะที่มันรวมเข้ากับเนื้อผ้า สีและการสนับสนุนกลายเป็นเอนทิตีเดียวกัน.
เคนเนธ โนแลนด์ - มัช II, 1964. อะคริลิกเรซินบนผ้าใบ. 98 x 208 นิ้ว. © เคนเนธ โนแลนด์
โนแลนด์ได้ใช้เทคนิคการซึม-เปื้อนของแฟรงเคนธาเลอร์ทันที มันทำให้เขามีโอกาสสร้างวัตถุที่เป็นเอกภาพ ซึ่งสีจะถูกฝังอยู่ในนั้น นอกจากนี้ยังช่วยให้เขากำจัดลักษณะของรอยแปรงซึ่งถูกมองว่าเป็นเครื่องหมายของบุคลิกภาพของศิลปิน ทั้งสองความก้าวหน้านี้ทำให้เขาเริ่มสร้างภาพวาดที่ไม่มุ่งเน้นไปที่การแสดงสิ่งใดสิ่งหนึ่งโดยเฉพาะ แต่เกี่ยวกับองค์ประกอบที่สำคัญที่ทำให้เขาหมกมุ่น เช่น สี, พื้นผิว, เนื้อสัมผัส, ความสมมาตร และขนาด.
เคนเนธ โนแลนด์ - อินเตอร์ล็อค คัลเลอร์, 1973. อะคริลิคบนผ้าใบ. © เคนเนธ โนแลนด์
การครอบตัด
มีการบันทึกไว้อย่างดีว่า โนแลนด์ รวมถึงเพื่อนร่วมสมัยของเขา มอร์ริส ลูอิส ได้นำเทคนิคการแช่สีจากเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ แต่ยังมีเทคนิคอีกอย่างที่เคนเนธ โนแลนด์นำมาใช้ในภายหลังในอาชีพของเขาซึ่งอาจได้รับแรงบันดาลใจจากแฟรงเคนธาเลอร์ นั่นคือการตัดขอบ ในการถ่ายภาพ การตัดขอบหมายถึงการเลือกเฉพาะส่วนของการเปิดเผยที่คุณต้องการพิมพ์ เผยให้เห็นเฉพาะสิ่งที่คุณชอบ ภาพถ่ายหลายภาพของแฟรงเคนธาเลอร์ในสตูดิโอของเธอแสดงให้เห็นว่าเธอกำลังทำงานบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่ไม่ได้ยืด เธอตัดขอบและจัดกรอบผืนผ้าใบของเธอหลังจากที่ได้ทำการวาด ซึ่งทำให้เธอสามารถพัฒนาภาพได้โดยมีข้อจำกัดน้อยที่สุดแล้วเลือกพื้นที่ใด ๆ ที่เธอรู้สึกว่าสร้างวัตถุที่แสดงออกได้มากที่สุด นี่เป็นแนวทางที่เคนเนธ โนแลนด์ใช้บ่อยครั้ง โดยเฉพาะเมื่อเขาเริ่มทำผืนผ้าใบที่มีรูปทรง เขาจะทำงานบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่บนพื้นและสร้างองค์ประกอบสีโดยไม่มีข้อจำกัดทางพื้นที่ ซึ่งทำให้เขาสามารถสำรวจความสัมพันธ์ของสีได้อย่างอิสระโดยไม่ต้องกังวลเกี่ยวกับผลลัพธ์สุดท้าย เมื่อกระบวนการสร้างสรรค์และการค้นพบเสร็จสิ้น เขาสามารถ "ประทับตรา" ภาพสุดท้าย โดยเลือกพื้นที่ที่เขาต้องการจัดกรอบจากตัวเลือกที่ไม่มีที่สิ้นสุดในสิ่งที่เป็นกระบวนการแก้ไข โนแลนด์กล่าวถึงความงามของกระบวนการนี้ใน สัมภาษณ์ปี 1977 กับไดอาน่า วัลด์แมน สำหรับ Art in America โดยกล่าวว่า "สีหนึ่งอาจอยู่ที่ขอบของภาพหรือภายในพื้นที่ของภาพ: คำถามเกี่ยวกับด้านบน ด้านล่าง ซ้าย ขวา กลายเป็นความยืดหยุ่นโดยสิ้นเชิง เช่นเดียวกับคำถามเกี่ยวกับขนานหรือแนวตั้งหรือแนวนอน".
เคนเนธ โนแลนด์ - ซัมเมอร์ เพลน, 1967. อะคริลิคบนผ้าใบ. © เคนเนธ โนแลนด์
ความลึกของความเรียบง่าย
เคนเนธ โนแลนด์มองไปที่ช่างปั้นประติมากรเป็นระยะ ๆ เพื่อสำรวจธรรมชาติที่เป็นนามธรรมของสี โดยเฉพาะอย่างยิ่งได้รับแรงบันดาลใจจากช่างปั้นประติมากรเดวิด สมิธ และโนแลนด์ยังเคยร่วมงานกับช่างปั้นประติมากรโทนี่ คาโร โดยการทาสีให้กับประติมากรรมของเขาหลังจากที่สร้างเสร็จ เขาทำเช่นนี้เพียงเพราะความอยากรู้ และในจิตวิญญาณของการทดลอง เขาไม่สามารถบอกได้อย่างชัดเจนว่าเขาหวังจะค้นพบอะไร หรือการทดลองดังกล่าวมีความหมายอย่างไร เขากล่าวว่า "เรามักจะมองข้ามความหมายมากมายที่เกิดขึ้นในชีวิตซึ่งไม่ใช่คำพูด สีสามารถสื่อสารอารมณ์และการแสดงออกที่หลากหลายของประสบการณ์ในชีวิต โดยไม่จำเป็นต้องให้คุณสมบัติที่บรรยายหรือวรรณกรรม"
เคนเนธ โนแลนด์ - แคดเมียม เรเดียนซ์. © เคนเนธ โนแลนด์
ผู้ที่มีแนวโน้มชอบความซับซ้อนอาจพบว่ามันง่ายที่จะมองข้ามอาชีพที่อิงจากความเรียบง่ายและความอยากรู้อยากเห็นโดยสิ้นเชิง งานจิตรกรรมของ Kenneth Noland ดูเหมือนจะไม่มีดราม่าใด ๆ เลย แต่พวกมันกลับมีความแสดงออก พวกมันเหมือนเสียงร้องไห้ของเด็ก เสียงระฆัง หรือเสียงกรีดร้องของไซเรน เรารับรู้พวกมันได้ทันทีในสิ่งที่พวกมันเป็น เรารู้ว่าพวกมันกำลังขอให้เราตอบสนอง แม้ว่าเราอาจไม่เข้าใจวัตถุประสงค์ที่แน่นอนของพวกมันหรือว่าการตอบสนองของเราควรเป็นอย่างไร แต่บางที เช่นเดียวกับระฆัง เสียงร้อง และไซเรน การตอบสนองจากทุกคนอาจไม่จำเป็น
ภาพเด่น: Kenneth Noland - เมษายน (รายละเอียด), 1960. อะคริลิคบนผ้าใบ. 16 x 16 นิ้ว. © Kenneth Noland
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
