ศิลปินนามธรรมที่มีลักษณะเหมือนภาพวาดมาก: นักเล่นแร่แปรธาตุยุคใหม่

ในสตูดิโอของเขาที่ไฮเดลเบิร์ก, Arvid Boecker (ภาพเด่น) ขูดอย่างเป็นระบบบนผืนผ้าใบด้วยไม้บีบสกรีนทีละชั้น เขาสร้างสิ่งที่เขาเรียกว่า "archaeology of color" ห่างออกไปแปดพันกิโลเมตรในสตูดิโออเมริกันของเขา, Clay Johnson ทำสิ่งเดียวกันด้วยเครื่องมือ drywall บางครั้งทำลายและสร้างใหม่ในส่วนเดียวกันถึงสามสิบครั้ง ขณะเดียวกันที่บรัสเซลส์, Janise Yntema ใช้ไฟแช็กเป่าร้อนขี้ผึ้งจนถึงอุณหภูมิที่เหมาะสม เพิ่มชั้นโปร่งแสงอีกชั้นให้กับงานที่สะสมมาหลายเดือน

ศิลปินเหล่านี้ไม่เคยพบกัน แต่พวกเขาแบ่งปันความหลงใหลที่กำลังกลายเป็นสิ่งหายากในศิลปะร่วมสมัย: ความเชื่อว่าสีเอง—น้ำหนัก เนื้อสัมผัส และการปรากฏตัวทางกายภาพ—มีพลังที่ไม่สามารถทดแทนได้

Clay Johnson, After Midnight,  2020

ศิลปะที่ค่อยๆ หายไปของความอดทน

เราอยู่ในยุคของทางลัดทางศิลปะ เครื่องมือดิจิทัลสัญญาผลลัพธ์ทันที เทคนิคใหม่ๆ ปรากฏขึ้นทุกสัปดาห์ ได้รับการเฉลิมฉลองเพียงเพราะความแปลกใหม่ โลกศิลปะ เช่นเดียวกับทุกสิ่ง ถูกล่อลวงด้วยความเร็วและความสะดวก เทคนิคการวาดภาพแบบดั้งเดิม—ช้า ใช้แรงงานมาก และไม่ให้อภัย—ดูเหมือนจะล้าสมัย

แต่กระจัดกระจายอยู่ตามสตูดิโอตั้งแต่เยอรมนีถึงแคลิฟอร์เนีย จากเบลเยียมถึงเนเธอร์แลนด์ ศิลปินบางคนยังคงผลักดันสีไปรอบๆ ผืนผ้าใบด้วยความทุ่มเทเหมือนช่างฝีมือยุคกลาง พวกเขาเป็นตัวแทนของสิ่งที่เราอาจเรียกว่า Very Painterly Abstract Art, การปฏิบัติที่ไม่ได้ถูกกำหนดโดยความงามร่วมกัน แต่โดยความเชื่อร่วมกัน: ว่าการจัดการสีทางกายภาพสร้างสิ่งที่กระบวนการดิจิทัลไม่สามารถเลียนแบบได้

นี่ไม่ใช่ความคิดถึง แต่มันคือการต่อต้าน

Janise Yntema, Murmur, 2015

อะไรทำให้งานศิลปะดู "Very Painterly"?

ดู Clay Johnson ทำงาน แล้วคุณจะเข้าใจทันที เขาไม่ใช้แปรง - อ่อนโยนเกินไป ทำนายได้เกินไป แทนที่จะใช้มีดพาเลตและเครื่องมือก่อสร้างขูด สร้าง ทำลาย และสร้างใหม่ สีอะคริลิกของเขาแห้งเร็วพอที่เขาจะตอบสนองต่อแต่ละชั้นที่ปรากฏ สร้างพื้นผิวที่ผ่านการทำงานจนเกือบเป็นประติมากรรม

หรือสังเกต Martina Nehrling's การสะสมรอยปาดสีแบบ impasto อย่างเป็นระบบ แต่ละแปรงถูกวางอย่างระมัดระวังจับยึดกับแปรงข้างเคียงเหมือนองค์ประกอบสถาปัตยกรรม สีทึบบริสุทธิ์ของเธอสร้างลวดลายสะกดจิตที่ดูเหมือนจะสั่นสะเทือนด้วยพลังทางกายภาพ

สิ่งที่ศิลปินเหล่านี้มีร่วมกันไม่ใช่สไตล์—งานที่เสร็จสมบูรณ์ของพวกเขาดูแตกต่างกันอย่างเห็นได้ชัด สิ่งที่พวกเขามีร่วมกันคือกระบวนการ: ความมุ่งมั่นอย่างลึกซึ้งต่อสีในฐานะวัสดุ ต่อพื้นผิวในฐานะหัวข้อ และเวลาที่แสดงให้เห็นผ่านชั้นที่สะสม

Martina Nehrling, Apophis, 2024

เสาหลักสี่ประการของศิลปะ Very Painterly

ผ่านการสังเกตอย่างรอบคอบของแนวปฏิบัติของพวกเขา หลักการพื้นฐานสี่ประการปรากฏขึ้นซึ่งกำหนดศิลปะ Very Painterly Abstract Art เหล่านี้ไม่ใช่กฎแต่เป็นความหลงใหล แรงขับเคลื่อนที่กำหนดทุกการตัดสินใจในสตูดิโอ

ความซื่อสัตย์ของวัสดุ

ศิลปินเหล่านี้ไม่พยายามทำให้สีดูเหมือนสิ่งอื่น Yari Ostovany เฉลิมฉลองวิธีที่เม็ดสีละลาย ปกคลุม ขูดออก และละลายอีกครั้ง Danny Giesbers สร้างชั้นโปร่งใสที่สร้างสนามเรืองแสง แต่ละเส้นแปรงมีบทบาทสำคัญในองค์ประกอบโดยรวมที่ใช้เวลาหลายเดือนในการทำให้เสร็จ สีได้รับอนุญาตให้เป็นสี—หนืด ทึบ แก่นแท้ และสวยงามในตัวเอง

ความลึกของเวลา

ทุกชั้นแสดงถึงการตัดสินใจ ช่วงเวลาหนึ่งในเวลา การตอบสนองต่อสิ่งที่เกิดขึ้นก่อนหน้า Jeremy Annear พื้นผิวที่เหมือนการนูนขึ้นกลายเป็นแหล่งโบราณคดีของการตัดสินใจสร้างสรรค์ คุณสามารถอ่านประวัติของแต่ละภาพวาดได้จากภูมิประเทศของมัน—ที่ที่ศิลปินสร้างขึ้น ขูดกลับ เปลี่ยนทิศทาง และหาทางแก้ไข

การมีส่วนร่วมทางกายภาพ

งานเหล่านี้ต้องการร่างกาย ไม่ใช่แค่จิตใจ Robert Niesse สร้างและทำลายส่วนสีหลายส่วนผ่านกระบวนการทางกายภาพที่ซับซ้อน Emily Berger ทำงานกับเส้นแนวนอนที่แสดงท่าทาง ร่างกายของเธอมีส่วนร่วมในแต่ละรอยเครื่องหมาย ภาพวาดเหล่านี้มีร่องรอยของความพยายามของมนุษย์ที่ไม่มีผู้ช่วยคนใดสามารถเลียนแบบได้ ไม่มีขั้นตอนดิจิทัลใดสามารถจำลองได้

การต่อต้านการทำซ้ำ

บางทีสิ่งที่สำคัญที่สุด งานเหล่านี้ไม่สามารถชื่นชมได้อย่างเต็มที่ผ่านหน้าจอ พวกมันต้องการการปรากฏตัวทางกายภาพเพื่อความเข้าใจอย่างสมบูรณ์ ในยุค Instagram ของเรา นี่เป็นการแสดงออกทางศิลปะที่กล้าหาญ: บางประสบการณ์ไม่สามารถแปลงเป็นดิจิทัลได้ บางความสุขไม่สามารถแบ่งปันได้ทางเสมือนจริง

Jeremy Annear, Cascading Lines, 2013

ความกล้าหาญของความล้าสมัย

ต้องใช้ความกล้าหาญในการทำงานแบบนี้ในปี 2025 ขณะที่ศิลปินคนอื่นๆ สำรวจความร่วมมือกับ AI ความเป็นไปได้ของ NFT และงานติดตั้งที่น่าตื่นตาตื่นใจ จิตรกรเหล่านี้กลับเข้าสู่สตูดิโอของพวกเขาเป็นเวลาหลายเดือนเพื่อทำงานอย่างโดดเดี่ยว พวกเขายอมรับเทคนิคที่ไม่มีทางลัด ไม่มีความพึงพอใจทันที และไม่มีศักยภาพไวรัล

ภาพวาดของ Arvid Boecker ปรากฏขึ้นผ่านการสร้างอย่างอดทน—ร่างองค์ประกอบด้วยดินสอก่อน จากนั้นพัฒนาสีและชั้นต่างๆ ในช่วงเวลานาน ผลงานแต่ละชิ้นกลายเป็นแผนที่ภูมิประเทศของความใส่ใจอย่างต่อเนื่อง ในวัฒนธรรมที่ให้รางวัลกับสิ่งที่เกิดขึ้นทันที เขายืนยันในสิ่งที่เกิดขึ้นในที่สุด

Janise Yntema ใช้เทคนิค encaustic wax ซึ่งเป็นเทคนิคโบราณจริงๆ—ใช้โดยชาวโรมันและพัฒนามาหลายพันปี ในสตูดิโอของเธอ เธอทาแว็กซ์ผึ้งธรรมชาติและเรซินบนแผ่นไม้ โดยใช้ความร้อนเป็นตัวทำละลายที่ใช้งานได้ ผ่านการสะสมชั้นโปร่งแสงช้าๆ เธอสร้างภาพที่แสงเองกลายเป็นองค์ประกอบที่ปรากฏในภาพ กระบวนการของเธอต้องการสิ่งที่เธอเรียกว่า "การเต้นรำทางเคมีระหว่างการควบคุมและการไม่ควบคุม"—ซึ่งตรงข้ามกับความคาดเดาได้ของดิจิทัล

Danny Giesbers, Neon 1 (ซ้าย) และ Dan Flavin (ขวา), 2020

เสียงสะท้อนทางประวัติศาสตร์ ความเร่งด่วนร่วมสมัย

แนวทางนี้เชื่อมโยงกับบรรพบุรุษที่มีชื่อเสียง Gerhard Richter กับภาพวาดสกีจจี้ของเขาที่แสดงบทสนทนาสุดยอดระหว่างการควบคุมและโอกาสผ่านพื้นผิวที่ผ่านการทำงานอย่างหนัก Frank Auerbach และ Leon Kossoff เปลี่ยน impasto ให้กลายเป็นสลักสามมิติ Anselm Kiefer ผสมผสานทราย ขี้เถ้า และความทรงจำลงในพื้นผิวที่แบกรับน้ำหนักของประวัติศาสตร์

แต่ศิลปิน Very Painterly Abstract ในวันนี้เผชิญกับบริบททางวัฒนธรรมที่แตกต่าง ที่ซึ่งศิลปินรุ่นก่อนทำงานเพื่อต่อต้านอำนาจของการถ่ายภาพและสื่อมวลชน ศิลปินเหล่านี้ทำงานเพื่อต่อต้านอำนาจของวัฒนธรรมดิจิทัลเอง พวกเขาไม่ได้แค่สร้างภาพวาด แต่กำลังรักษาวิธีคิด รูปแบบการมีส่วนร่วม และประสบการณ์ชนิดหนึ่ง

Emily Berger, Old Flame (ซ้าย) และ Red Dream (ขวา), 2022

ความพากเพียรระดับนานาชาติ

สิ่งที่น่าทึ่งคือความมุ่งมั่นนี้ปรากฏในวัฒนธรรมและทวีปต่างๆ Danny Giesbers ในเนเธอร์แลนด์พัฒนาวิธีการเชิงอัลกอริทึมควบคู่กับการทำเครื่องหมายแบบสปอนเทนีอัส ซีรีส์ "Shifts" ของเขารวมสีเรืองแสงที่เปลี่ยนแปลงตามสภาพแสง—พื้นผิวที่ผ่านการทำงานอย่างหนักกลายเป็นผู้เข้าร่วมในวิวัฒนาการอย่างต่อเนื่องของตัวเอง

Emily Berger ทาเลเยอร์สีอะคริลิกบนแผ่นไม้ในแคลิฟอร์เนีย สร้างพลวัตดึง-ผลักผ่านสีที่เสริมกันซึ่งมอบความสว่างที่ละเอียดอ่อนให้กับองค์ประกอบของเธอ ผ่านการขูดและการถู เธอเชื่อมโยงท่าทางของ Abstract Expressionist กับความตระหนักรู้ในวัสดุร่วมสมัย

Robert Niesse สร้างชั้นเคลือบเงาสลับกับเครื่องหมายลายเซ็นที่ทรงพลัง สร้างสิ่งที่เขาอธิบายว่าเป็น "บริบทที่โหดร้ายและบทสรุปขององค์ประกอบสี" วิธีการที่เป็นระบบแต่สัญชาตญาณของเขาสะท้อนพื้นหลังด้านการออกแบบในขณะที่ยอมรับการแสดงออกนามธรรมแบบสปอนเทนี

ศิลปินแต่ละคนนำความเฉพาะทางวัฒนธรรมมาสู่ความหลงใหลในวัสดุร่วมกัน เติมเต็มคำศัพท์ในขณะที่ยังคงรักษาความมุ่งมั่นที่จำเป็นต่อพื้นผิวที่ผ่านการทำงานอย่างหนักและความลึกของเวลา

Yari Ostovany, นี่คือที่ที่เราพบกัน (สำหรับ John Berger), 2015

ทำไมเรื่องนี้ถึงสำคัญตอนนี้

ในการปกป้อง Very Painterly Abstract Art เรากำลังปกป้องมากกว่าความชอบทางสุนทรียะ เรากำลังปกป้องคุณค่าของการมีส่วนร่วมอย่างต่อเนื่อง ของกระบวนการที่ไม่สามารถเร่งได้ ของประสบการณ์ที่ไม่สามารถดิจิไทซ์ได้

ศิลปินเหล่านี้เตือนเราว่าแม้จะมีความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี แต่ยังมีบางสิ่งที่ไม่สามารถทดแทนได้ในการจัดการวัสดุโดยตรงและทางกายภาพ พื้นผิวที่ผ่านการทำงานอย่างหนักของพวกเขายืนหยัดเป็นอนุสาวรีย์แห่งความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์ — บันทึกของการมีส่วนร่วมอย่างต่อเนื่องระหว่างศิลปินและสื่อที่ไม่มีขั้นตอนดิจิทัลใดสามารถเลียนแบบได้

ตลาดรับรู้ถึงความไม่สามารถทดแทนนี้ นักสะสมบางคนมองหาผลงานที่ต้องการการปรากฏตัวทางกายภาพเพื่อความเข้าใจอย่างสมบูรณ์ ภาพวาดที่เผยรายละเอียดใหม่ๆ ในทุกครั้งที่ชม พื้นผิวที่เปลี่ยนแปลงตามแสงและมุมมอง Very Painterly Abstract artists มอบประสบการณ์นี้อย่างแท้จริง

Robert Niesse, 2121-6, 2024

อนาคตของการต่อต้าน

เมื่อวัฒนธรรมดิจิทัลแพร่หลายมากขึ้น Very Painterly Abstract Art ก็มีคุณค่ามากขึ้น — ไม่ใช่แค่ความอยากรู้อยากเห็นทางประวัติศาสตร์ แต่เป็นความจำเป็นร่วมสมัย ศิลปินเหล่านี้ไม่ได้รักษาอดีตไว้ แต่พวกเขากำลังทำให้ประสบการณ์บางประเภทของมนุษย์ยังคงเป็นไปได้

พวกเขาเป็นนักเล่นแร่แปรธาตุคนสุดท้ายในยุคของทุกสิ่งที่รวดเร็วทันที เปลี่ยนวัสดุดิบให้กลายเป็นประสบการณ์ที่ไม่สามารถทดแทนได้ผ่านเวลา ความอดทน และความมุ่งมั่นทางกายภาพ สตูดิโอของพวกเขากลายเป็นสถานที่ศักดิ์สิทธิ์ที่ความสัมพันธ์ที่แตกต่างกับเวลาและการสร้างสรรค์ยังคงเป็นไปได้

ในการเฉลิมฉลองศิลปินเหล่านี้ เราไม่ได้เฉลิมฉลองเพียงความสำเร็จส่วนบุคคลเท่านั้น แต่ยังเฉลิมฉลองความมีชีวิตชีวาต่อเนื่องของแนวปฏิบัติที่ปฏิเสธการประนีประนอมกับความรวดเร็ว พวกเขาทำให้การวาดภาพไม่เพียงแต่ยังคงเกี่ยวข้องแต่ยังจำเป็น โดยเสนอสิ่งที่หายากขึ้นเรื่อยๆ: โอกาสในการพบกับร่องรอยทางกายภาพของความคิดและความรู้สึกของมนุษย์ที่ยั่งยืน

พื้นผิวสีหนาของพวกเขาไม่ได้มีแค่เม็ดสีเท่านั้น แต่ยังบรรจุความเชื่อมั่นว่าบางสิ่งไม่สามารถเร่งรีบ ดิจิไทซ์ หรือทำให้ง่ายลงได้ ในยุคที่เร่งรีบนี้ พวกเขายืนหยัดเพื่อการชะลอตัว ในโลกเสมือนจริงนี้ พวกเขาต้องการการปรากฏตัวทางกายภาพ ในยุคที่การทำซ้ำไม่มีที่สิ้นสุดนี้ พวกเขาสร้างสิ่งที่ไม่สามารถทดแทนได้

นี่คือความกล้าหาญของพวกเขา ของขวัญของพวกเขา และมรดกของพวกเขา

Featured image: Arvid boecker, From left to right: #1625, 2023, #1606, 2023, #1694, 2024. Courtesy of the artist.