ทำไมภาพวาดกริดของสแตนลีย์ วิตนีย์ถึงมีความสำคัญ

ภาพวาดล่าสุดของจิตรกรนามธรรมชาวอเมริกัน Stanley Whitney มีลักษณะเฉพาะที่เหมือนตารางกริดอย่างชัดเจน พวกมันเป็นชั้นสีที่มีโครงสร้างเหมือนสถาปัตยกรรม ซึ่งทำให้นึกถึงแถบสีโทรทัศน์แบบนีโอ-พลาสติกิสต์ และภาพวาดเส้นล่าสุดของเขายิ่งเผยให้เห็นความชื่นชอบในกริดอย่างชัดเจน ประกอบด้วยองค์ประกอบง่าย ๆ ของเส้นสีดำหนาที่คล้ายกับกระดานหมากรุกหรือตาข่ายปลาแบบหยาบ แต่ Whitney ไม่ได้เป็นจิตรกรกริดเสมอไป กริดเป็นสิ่งที่เขาค่อย ๆ ดึงดูดใจมาตลอดหลายสิบปี จริง ๆ แล้วเมื่อมองย้อนกลับไปในภาพวาดของเขาตลอดห้าทศวรรษที่ผ่านมา เราไม่อาจไม่เชื่อมโยงเรื่องราวความก้าวหน้าบางอย่างกับผลงานนี้ ซึ่งได้ขยายออกไปไกลเกินกว่าจุดเริ่มต้น และกลายเป็นทั้งเรียบง่ายและลึกซึ้งมากขึ้นในระหว่างทาง นี่เป็นเรื่องน่าขันเพราะ Whitney เคยกล่าวใน Modern Art News Podcast ว่าสาเหตุที่เขาเลือกใช้ภาษาภาพนามธรรมเป็นเพราะ “ผมไม่อยากเป็นผู้เล่าเรื่อง” แต่การเปลี่ยนแปลงทางสุนทรียะของเขากลับเล่าเรื่องราว มันไม่ใช่เรื่องราวแบบเริ่มต้น-กลาง-จบที่เป็นแบบแผน แต่เหมือนกับลำดับเหตุการณ์ หรือชุดรายงานข่าวจากแนวหน้าในสงครามที่ยังดำเนินอยู่ สงครามนี้ซึ่ง Stanley Whitney ต่อสู้มาตั้งแต่ก่อนจะหันมาทำงานนามธรรมในปลายทศวรรษ 1960 คือการต่อสู้กับสื่อการวาดภาพและการวาดเส้น และบทบาทของพวกมันในการแสดงออกของสีและพื้นที่

วัยเยาว์ที่เต็มไปด้วยสีสัน

ไม่แปลกใจเลยที่ Stanley Whitney จะเป็นที่รู้จักในเรื่องการศึกษาสี ตอนนี้ในวัย 70 ปี เขาเล่าเรื่องราวน่ารักเกี่ยวกับตอนที่เขาเป็นเด็กอายุสิบขวบที่เข้าร่วมชั้นเรียนวาดภาพครั้งแรกที่โรงเรียนในย่านบ้านเกิดของเขาที่ Bryn Mawr รัฐเพนซิลเวเนีย ครูสั่งให้เด็ก ๆ วาดภาพเหมือนตัวเอง ขณะที่นักเรียนคนอื่นพยายามจับภาพใบหน้าที่สมจริงต่าง ๆ Whitney กลับรู้สึกดึงดูดใจสีมากกว่าหัวข้อที่เป็นภาพแทน

แทนที่จะพยายามผสมสีที่เกี่ยวข้องกับรูปลักษณ์จริงของเขา เขากลับวาดภาพเหมือนตัวเองที่รวมทุกสีที่เขาคิดออก Whitney บอกว่าครูชอบภาพวาดนั้น แต่พ่อแม่ของเขาไม่เข้าใจ พวกเขาไม่ส่งเขากลับไปเรียนชั้นนั้นอีก แต่สิ่งนั้นไม่ได้หยุด Whitney จากการถูกดึงดูดโดยความเป็นไปได้ของการวาดภาพและสี จริง ๆ แล้วไม่เกินเลยที่จะบอกว่านับตั้งแต่วันนั้นในชั้นเรียนวาดภาพครั้งแรกตอนอายุสิบขวบ Stanley Whitney ยังคงมุ่งมั่นค้นหาวิธีที่สมบูรณ์แบบในการทำให้สีเป็นหัวข้อของเขา

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, เครดิตภาพจาก Galerie Nordenhake

การค้นหาพื้นที่

นอกจากความชื่นชอบในสีแล้ว Stanley Whitney ยังถูกดึงดูดโดยกระบวนการวาดเส้นในวัยเยาว์ ภาพวาดขาวดำของเขาดูเหมือนไม่เกี่ยวข้องกับความรักในสีของเขาในตอนแรก แต่มีความเชื่อมโยงบางอย่างระหว่างทั้งสองที่เขาใช้เวลาหลายปีจึงจะเข้าใจ ความเชื่อมโยงนั้นเกี่ยวข้องกับพื้นที่ เมื่อเขาวาดภาพขาวดำ เขาพบว่าการจัดสรรพื้นที่สามารถเกิดขึ้นได้หลายวิธีในขณะที่เส้นต่าง ๆ ต่อรองความสัมพันธ์กับพื้นที่ว่างสีขาวในองค์ประกอบ แต่เมื่อเขามีทักษะในการวาดภาพมากขึ้น เขากลับงุนงงกับวิธีการที่จะทำให้เกิดการต่อรองพื้นที่เดียวกันกับสี

ในผลงานรูปคนช่วงแรก สีรู้สึกอึดอัดและแคบ ในการทดลองนามธรรมครั้งแรกซึ่งเป็นการเล่นกับการวาดภาพสีแบบ Color Field ที่เพิ่มเครื่องหมายแบบลายเส้น สีรู้สึกหลวมเกินไป เขากล่าวว่า “ผมต้องการให้งานมีอากาศมาก ๆ ผมต้องการให้มีพื้นที่มาก ๆ ในงาน” แต่เขาดูเหมือนจะติดขัดกับวิธีการสร้างความโปร่งเบาบนพื้นที่ผืนผ้าใบ การค้นพบของเขาเกิดขึ้นในทศวรรษ 1970 ขณะเดินทางไปทะเลเมดิเตอร์เรเนียน ขณะเยี่ยมชมอียิปต์และโรม เขาเห็นคำตอบในสถาปัตยกรรมและแสงสว่าง สถาปัตยกรรมโบราณแสดงถึงโครงสร้าง การควบคุม และศักยภาพประชาธิปไตยขององค์ประกอบที่ซ้อนกัน เงาและแสงในทะเลเมดิเตอร์เรเนียนแสดงให้เขาเห็นว่าสีและแสงเป็นสิ่งเดียวกัน และสีเย็นกับสีร้อน เช่นเดียวกับแสงเย็นและแสงร้อน แสดงถึงพื้นที่ นั่นทำให้เขาไขปริศนาการวาดภาพได้ว่า “อากาศและพื้นที่สามารถอยู่ในสี ไม่ใช่ว่าสีอยู่บนพื้นที่”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, ดินสอกดบนกระดาษ, เครดิตภาพจาก Galerie Nordenhake

กระบวนการอย่างเป็นระบบ

“นั่นคือจุดเริ่มต้นที่ทุกอย่างเริ่มเข้าที่เข้าทาง” Whitney กล่าว จากจุดนั้นเป็นต้นมา เขาได้พัฒนาผลงานไปอย่างช้า ๆ สู่ภาพวาดกริดที่เขาทำในปัจจุบัน เขาได้ทดลองใช้ลายเส้นแบบกราฟฟิตีเพื่อกำหนดว่าสีสามารถแสดงออกโดยเส้นได้อย่างไร คล้ายกับผลงานของ Mondrian เขาได้ศึกษาวิธีการเข้าหากริด ตั้งแต่รูปทรงซ้อนกันไปจนถึงแถวของจุดและแถบสี เขารู้ว่าเขาต้องการโครงกระดูกที่เป็นกรอบเพื่อบรรจุสีของเขาอย่างเท่าเทียมกัน แต่ก็ไม่ต้องการให้กฎของกริดบังคับชิ้นงานของเขาไปในทิศทางใดทิศทางหนึ่ง เขาต้องการหาสมดุลที่สมบูรณ์แบบระหว่างโครงสร้างและเสรีภาพ เหมือนกับดนตรีแจ๊ส

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, สีน้ำมันบนผ้าลินิน, เครดิตภาพจาก Galerie Nordenhake

ผลงานกริดที่สมบูรณ์แบบที่ Stanley Whitney สร้างขึ้นในปัจจุบันบริสุทธิ์และมั่นคง พวกมันดูเหมือนจะขาดความหยาบกร้านและความกังวลใจที่ทำให้ผลงานก่อนหน้านี้ดูมีชีวิตชีวา แต่เมื่อพิจารณาอย่างละเอียด ร่องรอยการวาดด้วยมือมนุษย์ยังคงปรากฏชัด และความซับซ้อนขององค์ประกอบเผยให้เห็นถึงความลึกซึ้งที่ Whitney ยังคงต่อสู้กับปัญหาของเขา เขาได้ค้นพบวิธีทำให้สีเป็นหัวข้อของเขา เขาค้นพบความลับว่าสีและแสงเป็นสิ่งเดียวกัน และทั้งสองเป็นการแสดงออกของพื้นที่ และผ่านการค้นพบเหล่านี้ เขาได้สร้างผลงานที่เต็มไปด้วยความหมายอย่างลึกซึ้ง แต่แม้จะค้นพบแล้ว เขายังคงอยู่บนขอบมีดโกน ไม่เคยเปิดเผย หรือบางทีอาจไม่เคยรู้หรือไม่สนใจที่จะรู้ ว่าความหมายนั้นคืออะไรอย่างแท้จริง

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ, เครดิตภาพจาก Galerie Nordenhake

ภาพเด่น: Stanley Whitney - Untitled, 2016, สีน้ำมันบนผ้าลินิน, เครดิตภาพจาก Galerie Nordenhake
ภาพทั้งหมด © ศิลปินและ Galerie Nordenhake;
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio