ทำไมภาพวาดกริดของสแตนลีย์ วิตนีย์ถึงมีความสำคัญ

ภาพวาดล่าสุดของจิตรกรนามธรรมชาวอเมริกัน Stanley Whitney มีคุณภาพที่ชัดเจนเหมือนตาราง พวกมันเป็นการจัดเรียงสีในลักษณะสถาปัตยกรรม ซึ่งทำให้นึกถึงแถบสีโทรทัศน์แบบนีโอพลาสติก และภาพวาดล่าสุดของเขายิ่งแสดงให้เห็นถึงความดึงดูดของเขาต่อกริด โดยประกอบด้วยการจัดองค์ประกอบที่เรียบง่ายของเส้นดำหนา ซึ่งคล้ายกับกระดานหมากรุกพื้นฐานหรือแผ่นตาข่ายปลา แต่ Whitney ไม่เคยเป็นจิตรกรที่ใช้กริดเสมอไป กริดเป็นสิ่งที่เขาใช้เวลาหลายทศวรรษในการโน้มเอียงไปหา แท้จริงแล้ว เมื่อมองย้อนกลับไปที่ภาพวาดของเขาในช่วงห้าทศวรรษที่ผ่านมา เราไม่สามารถหลีกเลี่ยงที่จะเชื่อมโยงเรื่องราวที่ก้าวหน้าเข้ากับผลงาน ซึ่งได้ขยายออกไปไกลกว่าต้นกำเนิด และกลายเป็นทั้งเรื่องที่เรียบง่ายและลึกซึ้งมากขึ้นในระหว่างทาง นี่เป็นเรื่องที่มีความขัดแย้ง เพราะ Whitney เคยกล่าวใน Modern Art News Podcast ว่าสาเหตุที่เขาเลือกใช้ภาษาทัศนศิลป์นามธรรมคือ เพราะว่า “ฉันไม่อยากเป็นนักเล่าเรื่องจริงๆ” แต่การพัฒนาทางสุนทรียศาสตร์ของเขาก็เล่าเรื่องราว มันไม่ใช่เรื่องราวแบบเริ่มต้น-กลาง-จบ ที่เป็นแบบปกติและมีความกล้าหาญ แต่มันเหมือนกับการเรียงลำดับเวลา หรือชุดของรายงานข่าวจากแนวหน้าในสงครามที่กำลังดำเนินอยู่ สงครามนั้น ซึ่ง Stanley Whitney ได้ต่อสู้มาตั้งแต่ก่อนที่จะหันไปสู่การนามธรรมในช่วงปลายทศวรรษ 1960 คือการต่อสู้กับสื่อของการวาดภาพและการวาดเขียน และบทบาทของพวกเขาในการแสดงออกถึงสีและพื้นที่.

เยาวชนที่มีสีสัน

ไม่แปลกใจเลยที่ Stanley Whitney ได้กลายเป็นที่รู้จักจากการสำรวจสี ตอนนี้เขาอยู่ในวัย 70 ปี เขาเล่าเรื่องราวที่น่ารักเกี่ยวกับการเป็นเด็กอายุสิบขวบที่เข้าร่วมชั้นเรียนการวาดภาพครั้งแรกที่โรงเรียนในละแวกบ้านในเมือง Bryn Mawr รัฐเพนซิลเวเนีย ครูได้สั่งให้นักเรียนในชั้นเรียนวาดภาพเหมือนของตนเอง ขณะที่นักเรียนคนอื่นพยายามจับภาพใบหน้าที่เป็นจริงของพวกเขา Whitney กลับรู้สึกดึงดูดไปที่สีมากกว่าที่จะเป็นเรื่องที่แสดงออกถึงความหมาย.

แทนที่จะพยายามผสมสีที่เกี่ยวข้องกับรูปลักษณ์ที่แท้จริงของเขา เขาได้ทำภาพเหมือนของตัวเองที่รวมทุกสีที่เขานึกออก วิทนีย์กล่าวว่าคุณครูชอบภาพวาดนี้ แต่พ่อแม่ของเขาไม่เข้าใจ พวกเขาไม่เคยส่งเขากลับไปที่ชั้นเรียน แต่สิ่งนั้นไม่ได้หยุดวิทนีย์จากการดึงดูดไปยังความเป็นไปได้ของการวาดภาพและสี แท้จริงแล้ว ไม่ใช่เรื่องเกินจริงที่จะกล่าวว่า ตั้งแต่วันนั้นในฐานะเด็กอายุสิบขวบในชั้นเรียนวาดภาพครั้งแรกของเขา สแตนลีย์ วิทนีย์ ยังคงมุ่งมั่นที่จะค้นหาวิธีที่เหมาะสมที่สุดในการทำให้สีเป็นหัวข้อของเขา.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

การค้นหาพื้นที่

นอกจากความสนใจในสีแล้ว สแตนลีย์ วิตนีย์ ยังมีความสนใจในกระบวนการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเยาวชน ภาพวาดขาวดำของเขาดูเหมือนจะไม่เกี่ยวข้องกับความรักในสีของเขา แต่มีความเชื่อมโยงที่ละเอียดอ่อนระหว่างทั้งสองสิ่งที่เขาใช้เวลาหลายปีในการตระหนักถึง ความเชื่อมโยงนี้เกี่ยวข้องกับพื้นที่ เมื่อเขาวาดภาพขาวดำ เขาพบว่าการกระจายของพื้นที่สามารถเกิดขึ้นได้ในหลายวิธีเมื่อเส้นต่างๆ เจรจาความสัมพันธ์ของพวกเขากับพื้นที่สีขาวในองค์ประกอบ อย่างไรก็ตาม เมื่อเขาเก่งขึ้นในการวาดภาพ เขากลับรู้สึกสับสนเกี่ยวกับวิธีการที่จะบรรลุการเจรจาพื้นที่เดียวกันนี้ด้วยสี

ในผลงานเชิงรูปแบบในช่วงแรกของเขา สีสันรู้สึกอึดอัดและแน่น ในการลองครั้งแรกของเขาในด้านนามธรรม ซึ่งเป็นการเล่นกับการวาดภาพแบบ Color Field พร้อมกับการทำเครื่องหมายที่มีการเคลื่อนไหว สีสันรู้สึกหลวมเกินไป เขากล่าวว่า “ฉันต้องการอากาศมากในงาน ฉันต้องการพื้นที่มากในงาน” แต่เขาดูเหมือนจะติดอยู่กับวิธีการสร้างความโปร่งสบายบนพื้นผิวของผ้าใบอย่างไร การเปิดเผยของเขามาในช่วงปี 1970 ในการเดินทางไปยังทะเลเมดิเตอร์เรเนียน ขณะเยี่ยมชมอียิปต์และโรม เขาเห็นคำตอบในสถาปัตยกรรมและแสง สถาปัตยกรรมโบราณแสดงถึงโครงสร้าง การควบคุม และศักยภาพทางประชาธิปไตยขององค์ประกอบที่ซ้อนกัน เงาและแสงของทะเลเมดิเตอร์เรเนียนแสดงให้เขาเห็นว่าสีและแสงเป็นสิ่งเดียวกัน และสีที่เย็นและร้อน เช่นเดียวกับแสงที่เย็นและร้อน แสดงถึงพื้นที่ นั่นปลดล็อกความลับของการวาดภาพที่เขากล่าวว่า “อากาศและพื้นที่สามารถอยู่ในสี ไม่ใช่ว่าสีอยู่บนพื้นที่.”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

กระบวนการที่เป็นระบบ

“นั่นคือจุดเริ่มต้นของการรวมตัวกันของสิ่งต่าง ๆ” วิตนีย์กล่าว ตั้งแต่นั้นมาเขาได้พัฒนาตนเองอย่างช้า ๆ สู่ภาพวาดกริดที่เขาสร้างขึ้นในปัจจุบัน เขาได้สำรวจการใช้ท่าทางที่คล้ายกับกราฟฟิตีเพื่อตรวจสอบว่าค่าสีสามารถแสดงออกได้อย่างไรโดยใช้เส้น ซึ่งคล้ายกับผลงานของ มอนเดรียน เขาได้ตรวจสอบวิธีการเข้าหากริด ตั้งแต่รูปทรงที่ซ้อนกันไปจนถึงแถวของจุดและแถบสี เขารู้ว่าเขาต้องการโครงสร้างที่เป็นกระดูกสันหลังเพื่อบรรจุสีของเขาในลักษณะที่เท่าเทียมกัน แต่เขาก็ไม่ต้องการให้กฎของกริดบังคับชิ้นงานของเขาไปในทิศทางใดทิศทางหนึ่ง เขาต้องการหาสมดุลที่สมบูรณ์แบบระหว่างโครงสร้างและเสรีภาพ เหมือนกับแจ๊ส.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

งานกริดที่เป็นผู้ใหญ่ที่ Stanley Whitney สร้างขึ้นในขณะนี้นั้นบริสุทธิ์และมั่นคง มันดูเหมือนในตอนแรกจะขาดความเข้มข้นและความวิตกกังวลที่ทำให้ความพยายามในอดีตของเขารู้สึกมีชีวิตชีวา แต่เมื่อพิจารณาอย่างใกล้ชิด ร่องรอยของมือมนุษย์ก็ชัดเจน และความซับซ้อนขององค์ประกอบเผยให้เห็นถึงความลึกซึ้งที่ Whitney ยังคงต่อสู้กับปริศนาของเขา เขาได้ค้นพบวิธีทำให้สีเป็นหัวข้อ เขาได้ค้นพบความลับว่าสีและแสงคือสิ่งเดียวกัน และเป็นการแสดงออกของพื้นที่ และผ่านการค้นพบเหล่านี้ เขาได้สร้างผลงานที่มีความหลากหลายและเต็มไปด้วยความหมายอย่างปฏิเสธไม่ได้ แต่ถึงแม้จะมีการค้นพบของเขา เขายังคงอยู่บนขอบของมีดโกน ไม่เคยเปิดเผย หรืออาจจะไม่เคยรู้หรือไม่สนใจที่จะรู้ ว่าความหมายที่แท้จริงนั้นคืออะไร.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

ภาพเด่น: Stanley Whitney - ไม่มีชื่อ, 2016, สีน้ำมันบนผ้าใบ, เครดิตภาพของ Galerie Nordenhake
ภาพทั้งหมด © ศิลปินและ Galerie Nordenhake;
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ