วิวัฒนาการของสไตล์ในงานศิลปะของปีเอต มอนเดรียน

ศิลปินหลายคนพยายามแสดงออกถึงสิ่งที่เป็นสากล แต่คำว่าสากลนั้นหมายความว่าอย่างไร? สำหรับ Piet Mondrian หมายถึงจิตวิญญาณ: แต่ไม่ใช่แบบเคร่งครัดหรือทางศาสนา แต่ Mondrian ใช้คำว่าจิตวิญญาณเพื่อหมายถึงความสมดุลพื้นฐานที่เชื่อมโยงสิ่งมีชีวิตทั้งหมด ผลงานจำนวนมากของ Piet Mondrian artwork ที่เราสามารถย้อนดูได้ในวันนี้ เล่าเรื่องราวของศิลปินที่ผ่านการเปลี่ยนแปลงทางสุนทรียภาพ จากการแสดงภาพที่เป็นรูปธรรมและมีวัตถุประสงค์ ไปสู่ความเป็นนามธรรมบริสุทธิ์ โดยการติดตามวิวัฒนาการนั้นผ่านขั้นตอนต่าง ๆ เราสามารถเดินตามเส้นทางปรัชญาและศิลปะส่วนตัวของ Mondrian ซึ่งเขาพยายามเข้าใจแก่นแท้สากลของมนุษยชาติและแสดงออกอย่างสมบูรณ์แบบผ่านศิลปะนามธรรม

Piet Mondrian ในวัยเยาว์

เหมือนกับ ศิลปินนามธรรม หลายคน Piet Mondrian เริ่มต้นการฝึกฝนศิลปะด้วยการเรียนรู้วิธีคัดลอกโลกธรรมชาติอย่างแม่นยำ ตั้งแต่เด็กเขาเรียนวาดภาพจากพ่อ และจากลุงซึ่งเป็นศิลปินมืออาชีพ เขาได้เรียนรู้การระบายสี เมื่ออายุ 20 ปี Mondrian เข้าเรียนที่สถาบันราชวงศ์ศิลปะภาพ Amsterdam ซึ่งเขาได้รับการศึกษาทักษะคลาสสิก เขากลายเป็นผู้ชำนาญในการคัดลอกผลงานของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ เมื่อจบการศึกษาเขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพเชิงเทคนิค และพัฒนาทักษะวิเคราะห์ที่จำเป็นในการคัดลอกภาพจากชีวิตจริงอย่างสมบูรณ์แบบ

แต่หลังจากจบการศึกษา Mondrian ได้รับรู้ถึงศิลปินยุคหลังอิมเพรสชันนิสม์ และวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับสิ่งที่เขาสามารถทำได้ผ่านการวาดภาพเริ่มเปลี่ยนแปลง เขาได้รับแรงบันดาลใจจากวิธีต่าง ๆ ที่ศิลปินเหล่านี้พยายามแสดงสิ่งที่แท้จริงมากขึ้น เช่น การเพิ่มความเข้มของแสงหรือประสบการณ์ของสี ซึ่งไม่สามารถแสดงออกได้ด้วยการลอกเลียนแบบโดยตรง Mondrian สำรวจเทคนิคของศิลปินอย่าง Georges Seurat และ Paul Cézanne และเริ่มกระบวนการแยกตัวออกจากการวาดภาพที่เป็นตัวแทน ผ่านนามธรรมเขาพยายามหาวิธีแสดงความจริงพื้นฐานของโลกธรรมชาติ

Piet Mondrian - Evening: Red Tree, 1908-1910. ขนาด 99 x 70 ซม. พิพิธภัณฑ์ Gemeentemuseum den Haag, เฮก, เนเธอร์แลนด์

การสะท้อนถึงสิ่งจำเป็น

เริ่มแรก Mondrian ละทิ้งความจำเป็นในการใช้สีที่สมจริง และเลิกความจำเป็นในการลอกเลียนแบบรูปร่างอย่างสมบูรณ์แบบ เขามักทำงานเป็นชุด วาดภาพเดียวกันในหลายรูปแบบที่แตกต่างกันเล็กน้อย เช่น ในชุดภาพวาดที่เขาเริ่มต้นราวปี 1905 เขาวาดฟาร์มหลังเดียวกันในหลายสไตล์ เปลี่ยนสี เปลี่ยนการแสดงรูปร่าง และเปลี่ยนการใช้ เส้น ในแต่ละภาพมีความคล้ายคลึงกัน เช่น ฟาร์มสะท้อนในแหล่งน้ำใกล้เคียง แต่ในแต่ละภาพอารมณ์ของภาพแตกต่างกัน แม้จะมีอารมณ์ที่แตกต่างกัน แต่ละภาพยังคงมีความรู้สึกของความสมดุลตามธรรมชาติและกลมกลืน

ผ่านกระบวนการทำงานเป็นชุด Mondrian สามารถใช้ทักษะวิเคราะห์ของเขากับผลลัพธ์ต่าง ๆ ที่เขาได้มา เขากลายเป็นผู้ชำนาญในการเข้าใจวิธีต่าง ๆ ที่นามธรรมสามารถส่งผลต่อคุณสมบัติทางอารมณ์และสุนทรียภาพของภาพวาด เขายังตระหนักถึงรูปแบบสากลพื้นฐานที่มีอยู่ในโลกธรรมชาติและวิธีที่มนุษย์ตีความว่าเป็นสิ่งที่น่าพึงพอใจทางสุนทรียะ ดังที่เขากล่าวว่า; “ถ้าสากลคือสิ่งจำเป็น มันก็เป็นพื้นฐานของชีวิตและศิลปะทั้งหมด การรับรู้และรวมตัวกับสิ่งสากลจึงให้ความพึงพอใจทางสุนทรียะสูงสุด และความรู้สึกงดงามสูงสุด”

Piet Mondrian - The Flowering Apple Tree, 1912

จิตวิญญาณและสถานที่

ในปี 1908 Mondrian เข้าร่วมสมาคมเทโอโซฟี ซึ่งเป็นองค์กรที่มีสมาชิกเป็นศิลปินอย่าง Wassily Kandinsky และ Theo van Doesburg ด้วย เทโอโซฟีพยายามหาวิธีเชื่อมโยงและเข้าใจปัญญาจิตวิญญาณโบราณของจักรวาล Mondrian เชื่อมั่นว่าศิลปะเชื่อมโยงโดยตรงกับคำถามสูงสุดของชีวิต และผ่านศิลปะสามารถสื่อสารแก่นแท้ที่กลมกลืนของการดำรงอยู่ ได้รับอิทธิพลจากการแสวงหาปัญญาสากลของเทโอโซฟี Mondrian พยายามลดทอนวิธีการของเขาให้เรียบง่าย กลับสู่ธรรมชาติพื้นฐาน สิ่งนี้แสดงออกในงานศิลปะของเขาในหลายรูปแบบ เช่น รูปทรงที่ลดทอนลงและการใช้สีที่บริสุทธิ์มากขึ้น เช่นใน Evening: Red Tree ปี 1908

กระบวนการลดทอนภาษาภาพของเขาถึงจุดเปลี่ยนสำคัญที่สุดในปี 1912 เมื่อ Mondrian ย้ายไปปารีส ที่นั่นแนวหน้าได้รับอิทธิพลจากแนวคิดของ คิวบิสม์วิเคราะห์ วิธีที่คิวบิสม์เผชิญหน้ากับพื้นผิวและระนาบ และการจำกัดโทนสีของมัน กระตุ้นให้ Mondrian ทุ่มเทตัวเองอย่างเต็มที่กับนามธรรม แม้ว่าเขาจะไม่สนใจจับความเคลื่อนไหวหรือมิติที่สี่ แต่เขาทดลองใช้ระนาบของคิวบิสม์และนำการใช้สีที่เรียบง่ายและเบาลงมาใช้

Piet Mondrian - The Grey Tree, 1911. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 78.50 ซม. × 107.5 ซม. (30.9 นิ้ว × 42.3 นิ้ว) พิพิธภัณฑ์ Gemeentemuseum Den Haag, เฮก

กลับบ้านอีกครั้ง

ในปี 1914 Mondrian ออกจากปารีสเพื่อกลับบ้านเยี่ยมพ่อในช่วงเวลาสั้น ๆ แต่สงครามโลกครั้งที่หนึ่งทำให้เขาต้องอยู่ในเนเธอร์แลนด์เป็นเวลาห้าปี แม้จะห่างไกลจากแนวหน้าในปารีสในช่วงเวลานี้ Mondrian ยังคงแสวงหาการกลั่นกรองภาษาภาพนามธรรมของเขาเพื่อแสดงแก่นแท้ที่กลมกลืนของสากล อย่างบังเอิญ ในเนเธอร์แลนด์ในช่วงเวลาเดียวกันมีศิลปินสองคนที่มีการแสวงหาสุนทรียภาพคล้ายกันซึ่งช่วยสร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ที่ Mondrian จะพัฒนา ศิลปินคนหนึ่งคือ Bart van der Leck ซึ่งโน้มน้าวให้ Mondrian ว่าการใช้สีของเขายังเป็นการแทนภาพ และเขาควรหันไปใช้สีบริสุทธิ์และสีพื้นฐาน

ศิลปินอีกคนคือ Theo van Doesburg ที่มีอิทธิพลต่อ Mondrian ให้ทำภาพให้แบนราบเพื่อลบปริมาตร และลบทุกอย่างนอกจากเส้นและสี Mondrian กล่าวถึงการค้นพบนี้ว่า; “ผมมาถึงการทำลายปริมาตรด้วยการใช้ระนาบ ซึ่งผมทำได้โดยใช้เส้นตัดระนาบ แต่ระนาบยังคงสมบูรณ์เกินไป ดังนั้นผมจึงทำเพียงเส้นและนำสีมาไว้ในเส้น ปัญหาเดียวที่เหลือคือการทำลายเส้นเหล่านี้ด้วยการต่อต้านซึ่งกันและกัน”

Piet Mondrian - Composition, 1916, สีน้ำมันบนผ้าใบ พร้อมไม้ ขนาด 47 1/4 x 29 3/4 นิ้ว (120 x 75.6 ซม.) พิพิธภัณฑ์ Solomon R. Guggenheim, นิวยอร์ก คอลเลกชันก่อตั้ง Solomon R. Guggenheim, © 2007 Mondrian/Holtzman Trust

วิวัฒนาการสู่ความกลมกลืน

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง Mondrian ร่วมกับ Theo van Doesburg และ Bart van der Leck พัฒนาสไตล์ที่เรารู้จักในชื่อของเขาเอง พวกเขาเรียกวิธีการนี้ว่า De Stijl ซึ่งแปลว่า สไตล์ ในภาษาดัตช์ มันประสบความสำเร็จในการสร้างนามธรรมบริสุทธิ์ ปราศจากการอ้างอิงถึงรูปธรรม Mondrian ยังละทิ้งการใช้ชื่อที่อ้างอิง โดยตั้งชื่อภาพ De Stijl ของเขาว่า คอมโพสิชัน ตามด้วยคำอธิบายสีเฉพาะ

ในผลงาน De Stijl ช่วงแรก Mondrian ใช้พื้นที่สีหลายเฉด และใช้เส้นแนวนอน แนวตั้ง และเส้นทแยงมุม แต่เขาเลิกใช้เส้นทแยงมุมอย่างรวดเร็ว โดยเลือกใช้เพียงเส้นแนวนอนและแนวตั้ง ซึ่งเขาถือเป็นตัวแทนของแรงสมดุลในธรรมชาติ เช่น การกระทำและการไม่กระทำ หรือการเคลื่อนไหวและความนิ่ง อย่างไรก็ตาม Van Doesburg ยังคงใช้เส้นทแยงมุม โดยเห็นว่าวิธีของ Mondrian จำกัดและเคร่งครัดเกินไป ความแตกต่างเล็กน้อยนี้ทำให้ทั้งสองศิลปินยุติความร่วมมือ และนำไปสู่การสิ้นสุดของ De Stijl

Piet Mondrian - Composition II in Red, Blue, and Yellow, 1929. สีน้ำมันและกระดาษบนผ้าใบ ขนาด 59.5 ซม. × 59.5 ซม. (23.4 นิ้ว × 23.4 นิ้ว) พิพิธภัณฑ์แห่งชาติ เบลเกรด, เซอร์เบีย

แสดงออกถึงสากล

หลังจากแยกทางกับ Van Doesburg ทั้งสองได้ตั้งชื่อใหม่สำหรับการตีความ De Stijl ของตนเอง Van Doesburg เรียกสไตล์ใหม่ของเขาว่า Elementarism และ Mondrian เรียกสไตล์ใหม่ของเขาว่า Neo-Plasticism นอกจากการใช้เส้นแนวนอนและแนวตั้งเท่านั้น Neo-Plasticism ยังใช้เพียงสีพื้นฐานคือ แดง น้ำเงิน และเหลือง และค่าสีพื้นฐานคือ ดำ ขาว และเทา คำว่า Plastic ใน Neo-Plasticism มาจากประวัติศาสตร์ที่เรียกศิลปะทุกประเภทที่พยายามแสดงความเป็นจริงสามมิติว่าเป็นศิลปะพลาสติก Neo-Plasticism สื่อว่าความเชื่อของ Mondrian ว่าสไตล์นามธรรมเต็มรูปแบบของเขาแสดงออกอย่างเรียบง่ายและตรงไปตรงมาถึงสิ่งที่จำเป็น จริง และสากล

มีมุมมองหลายอย่างเกี่ยวกับนามธรรมผ่านการลดทอน บางคนเชื่อว่ามันซ่อนสิ่งที่แท้จริง บางคนเชื่อว่ามันเผยให้เห็นสิ่งจำเป็น บางคนถือว่ามันเหมือนกับการทั่วไป และจึงตีความว่าไม่สมบูรณ์โดยธรรมชาติ ผ่าน Neo-Plasticism Mondrian นำเสนอจุดยืนที่มั่นใจในเรื่องนี้ เขาเชื่อว่าการลดทอนเป็นสิ่งจำเป็นเพื่อให้มนุษย์บรรลุสภาวะสูงสุดของการดำรงอยู่ เขาเชื่อว่าความซับซ้อนเป็นการแสดงออกของธรรมชาติที่ต่ำต้อยที่สุดของมนุษย์ และรายละเอียดเล็กน้อยทำให้เรามุ่งเน้นที่ความแตกต่างส่วนตัวมากเกินไป ป้องกันไม่ให้เราบรรลุความรู้สึกของความเป็นสากล โดยการแสวงหาสิ่งที่เรียบง่ายที่สุด จำเป็นที่สุด และเกี่ยวข้องกับทุกคน เขาพยายามสร้างภาษาภาพนามธรรมใหม่ที่ทุกคนที่พบเห็นสามารถเข้าใจและเชื่อมโยงกันได้อย่างลึกซึ้งและสากล

ภาพเด่น: Piet Mondrian - Truncated View of the Broekzijder Mill on the Gein, Wings Facing West, 1902. สีน้ำมันบนผ้าใบบนกระดาษแข็ง ขนาด 30.2 x 38.1 ซม. คอลเลกชัน MOMA
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบเท่านั้น
โดย Phillip Barcio