与克劳德·维亚拉的访谈

如果不提及法国及国际艺术界的重要人物——克洛德·维亚拉，20世纪下半叶的法国艺术史将是不完整的。这位杰出的创作者是近几十年来最伟大的法国抽象艺术家之一。尽管他曾有过尝试不同风格和方法的阶段，克洛德·维亚拉始终忠于自己的视觉语言，经常打破传统规则和绘画技法。维亚拉尤其因其著名的方法而备受赞誉：将单一形状直接附着在画布上，不使用任何绷架。在克洛德·维亚拉即将在巴黎丹尼尔·坦普隆画廊举办个人展览之前，IdeelArt与艺术媒体机构 Art Media Agency 合作，有机会在艺术家居住和工作的法国尼姆工作室度过一个下午，并对他进行了独家采访。

克洛德·维亚拉 - 本质与否定

维亚拉艺术生涯中最引人注目的一点，是无论他人如何看待自己的规则和规范，他始终忠于它们。职业生涯早期，维亚拉是Supports/Surfaces运动的一员，与其他艺术家一起专注于材料和创作动作，将主题本身置于次要位置。他对色彩和肌理的探索促成了一系列最为人熟知的作品。此外，维亚拉还在各种不同的表面上作画，包括回收材料、雨伞、各种织物，以及编织或打结的绳索。克洛德·维亚拉是当代抽象艺术的重要人物，至今仍在创作，其艺术生涯已延续50年。巴黎的坦普隆画廊正在举办一场展览，为这位重要的法国艺术家带来全新的历史视角。展览将于2016年6月4日开幕，持续至7月23日。

你的作品很大程度上围绕“重复-差异”这一对概念展开。动作、程序的重复；材料、色彩的差异……

我会说，我的作品首先关乎事物的日常本质。我们都是不断重复相同动作的人，而这些动作总会带来不同的情境。每一天都是对相同事物的重复，却产生了不同的结果

这就是我的创作原则：如果你每天在相似的材料上，尤其是在不同的材料上，重复相同的动作——你就会得到截然不同的结果。我并不寻求发明新东西：我让事物以自己的方式出现，于是新颖性自然而然地被创造出来。

每天，我生活、承受、收集、反思、挽救各种印象、感受和幻象。我让这一切滋养我。在未经涂底或粘贴的画布上创作时，材料十分重要。根据颜色的黏稠度不同，材料对它的反应也会不同：它可能吸收颜色、排斥颜色、让颜色停留在表面而不渗入；也可能反过来将其吸收并使其扩散。我探索各种材料和织物与颜色相遇时产生的不同效果，这些材料和织物可能是天鹅绒、防水布、床单。

你’人们经常把他描述为一位出色的色彩家。

我接受颜色呈现自身的方式，仅此而已。画家会寻找色调，使它们彼此相配。我把色调施加在织物、一种材料上，然后接受它

通过接受、听天由命、重复动作这些观念，我们可以与亚洲哲学进行一些类比。这对你的创作有影响吗?

哲学中吸引我的，是接受在某件事发生时不去干预所需付出的努力。接受发生的一切，将其记住，之后再进行分析——同时也去设想，如果当时采用不同的方式创作，会有哪些可能性，以及同一种材料所呈现出的差异。我希望把这一切铭记于心，忘掉它，然后重新开始。

Claude Viallat在他的工作室里

Claude Viallat - 无题第39号，1985年，画布罩布上丙烯，220 x 320 cm，86 5/8 x 126 in

关于绘画风格

这会是你对绘画的定义吗？

其中确实有这种意味。我属于这样一代人：他们思考过绘画的终结。20世纪50年代，我们经常听到“最后一幅画”这一概念。简而言之，有必要发明一种不同的方式

在我看来，以不同方式绘画，就是对我的职业提出质疑。绘画究竟由什么构成？拿来画布，把它们绷在画框上，粘贴、装饰，然后加入一系列颜色，以找到合适的色调。我曾尝试把未经处理的画布绷在画框上，并使用由热明胶和通用色料制成的颜料创作。我也用过木材着色剂，尝试用水、酒精稀释颜料；我用过无法提供任何保障的短暂色彩，也用过丙烯颜料。

最初的单色画仍然表现出将画布绷在画框上的愿望。但如果把画布绷在画框上就构成了一幅画，那么就有必要拆解这一机制：将画框置于一边，画布置于另一边，而这两个元素之间的张力构成一种新类型的绘画。

我们在 Supports/Surfaces 中发现了这一点。Dezeuze 研究没有画布的画框；Saytour 在未经处理的画布上表现网格，也就是说，他把画框的图像放在画布上；而我则在没有画框的画布上创作，因此实现了绘画的解构。

回过头看，你如何理解这种作为媒介的绘画解构？

这是必要的。年轻的美国人仍然在思考绘画的解构，但总是把画框重新置于前景。仿佛将画布从画框上取下，就违背了艺术史。对我而言，这是一段使绘画获得解放的平行历史，至少在某一个方向上是如此。如果我们观察国际艺术界，就会发现使用未绷裱画布创作的艺术家很少。美国人很难摆脱画框。

你的作品与马蒂斯提出的重视绘画本身这一理念相呼应’s 的基本对象。

马蒂斯作画时，画布的白色有时会出现在画面上——这在传统上被视为异端。在我的作品中，布料本身成为中间支撑，同时也是平均色，也就是说，成为组织色彩分布的标准，成为作品的材料。一切都根据这一标准发生反应。取决于这种中间支撑的品质，我们会得到与之形成关系的各种事物。

你如何定位自己与抽象艺术的关系？

我的绘画与其说是抽象或具象的问题，不如说是一个由同一形式的重复构成的系统。如果我改变形式而不改变系统，那么我什么也没有改变。我通过坚持使用相同的形式，并感知同一形式反复出现所体现的日常惯例的悖论，意识到自己拥有的自由。每天我都构造出无限不同的画布，这赋予我极其宽广的自由。

一般来说，我不选择布料，都是别人把布料带给我。我试着使用不太可能采用的材料。最重要的是，材料及其品质构成了我作品的大部分。

您在20世纪70年代前往美国，并受到美洲原住民艺术的触动。

是什么滋养了我的创作？当然是西方绘画史，但也是所有绘画的历史：东方、远东、澳大利亚和美洲——这里所说的美洲，是指“原住民”。所有在帐篷或盾牌上作画的印第安族群都给予我启发。盾牌绘画通常在圆形底面上完成，并饰以图腾动物和战利品——狐狸尾巴或狼尾巴、头皮……总之，一切能够讲述战士故事的东西。印第安人的盾牌不只是防御性的，它同时也是战士的象征性图像。盾牌是圆形的，通常由一根弯成环状并捆扎起来的柳枝制成。换句话说，这就是基本的圆。这是圆形画框的原始形象；正如拱形是画布绷在画框上——一根绳子绷在木头上——的最极致形象。这两件物体都至关重要。

同样，史前时代也是最初绘画表现出现的时期。那么，最初的绘画表现是什么？是人的手印；换句话说，有人滑倒了，跌进泥里，然后把手按在洞穴的墙上。滑倒并将手浸入泥中的动作，形成了一只沾满泥的手，随后它又把泥印留在墙上……随着泥巴干燥，它形成了手的图像：这就是第一幅肖像。那个“他者”通过自身的一部分、一道痕迹、一个印记得到了表现。在这第一幅图像之后，表现变得更加复杂：人类从嘴里喷出颜料，覆盖在手上，创造出手的反向形象。右手就是翻转过来的左手。向手上喷吐颜料的动作既拓宽了视角，也缩小了视角。从一开始，表现之中就蕴含着无限的可能性。

您的作品似乎与对本质和起源的思考有关。

这就是我试图做的事情。圆、环、盾牌和拱形都是基本元素。在历史中，人们了解到某些既简单又基本的手势或系统。例如，楔子可以把东西顶起来或挡住它们，以防某物滚动。铅垂线是一根绳子和一块石头，同时也是一种牛吼器——一种乐器——，一种称量物体、确定垂直方向的方式。这些元素都包含在这根绳子和这块石头中。还有绞棒或杆秤……这些都是普遍的基本系统。让我感兴趣的，尤其是在雕塑中，是重新利用或重新审视所有这些简单而普遍的系统。

你的雕塑是否构成一种普遍语法？

它们是脆弱、不固定的物件，任其保持脆弱状态，不提供任何安全感。但艺术史也是艺术市场的历史，而这些并非市场传统上重视的特征。它们无法提供安全感。

克洛德·维亚拉的工作室

克洛德·维亚拉工作室

关于艺术市场与Supports/Surfaces

你的创作如此多产，与市场背道而驰。你与市场是什么关系？

我的全部创作都旨在消解艺术的神话。有些元素是艺术市场的传统特征，例如艺术家的签名或稀缺性。我与它们背道而驰。我的创作十分多产，我认为一根画过的线与一幅画过的画布同等重要。所有绘画元素都构成绘画。一幅画中的一根线，和这幅画一样，本身就是绘画。我可以在画布上签名，却无法在线上签名；既然不能在线上签名，我为什么还要在画布上签名？

此外，还有美丽材料、美好职业的地位，以及材料所带来的安全感和对画布的神圣化。我的全部创作也都与此背道而驰。我享受创作的过程，不明白自己为什么要剥夺这种乐趣——尤其是究竟为了什么。也许我的画布因此受到影响，但我没有。其余的事情是经销商要操心的，与我无关。

也许我有些自命不凡。我从不犯错，因为我不追求任何东西。我创作，并接受自己创作出来的东西。对我而言，所有画布都同等重要。

你是否已经放弃了控制一切的意图？

最难的是接受自己无法驾驭日复一日所做的事情。接受自己无法驾驭所做的事情，本身就是一种自我驾驭。改变我的创作的最佳方式，是不知道自己将要做什么，迫使自己去发现，分析刚刚完成的作品，并预测自己可能会做什么。对我而言，这意味着始终留意我设想过的所有可能性，然后不再需要它们，因为作品会自行呈现结果。

Supports/Surfaces在美国被重新发掘。你对此有何感受？

Supports/Surfaces的作品传到了美国，美国画家也在提出与我们当时相同的问题——但以他们自己的方式——这对我来说完全正常。

事情就是这样运作的。20世纪70年代初，我在巴黎双年展上展示了一张网。碰巧的是，一位美国画家和一位日本画家在同一时间做了同样的事情，尽管我们彼此并不认识。他们通过各自的文化，从不同的逻辑出发，得出了这个图像。我觉得这非常令人着迷。

但是，如果绘画发生变化，首先受到影响的并不是图像——艺术家只能看到图像，这是我们这个时代的盲点。图像的改变与绘画无关，因为真正有趣的正是绘画本身。基本问题是：“什么是绘画？”

精选图片：克洛德·维亚拉在他的工作室

艺术媒体机构（AMA）参与了此次采访的进行。AMA是一家专注于艺术市场的国际新闻机构。AMA每周制作超过300篇文章，涵盖艺术界的各个方面，包括画廊、拍卖行、艺博会、基金会、博物馆、艺术家、保险、运输和文化政策。

克洛德·维亚拉工作室照片 ©IdeelArt

IdeelArt编辑部

来源

• 克洛德·维亚拉：《1980年代》，展览文献（丹尼尔·坦普隆画廊）：画廊对这场巴黎个展的介绍，展期为2016年6月4日至7月23日，开幕日为6月4日。
• 克洛德·维亚拉，传记文献（蓬皮杜中心）：机构传记，佐证他出生于尼姆、参与Supports/Surfaces运动，以及他采用重复形状的未绷画布。
• 克洛德·维亚拉在法国土伦的艺术之家（Artprice News）：独立报道他在回收织物上运用重复形态的创作体系，以及他在2025年仍持续进行的艺术活动。