吉姆·霍奇斯将纽约的中央车站变成抽象装置

Jim Hodges 是那些罕见的抽象艺术家之一，他的作品既能表达我们时代精神中最困扰的方面，同时又展现其美丽。Hodges 最近在纽约中央车站开设了一件名为“我梦见了一个世界，称之为爱”的新装置艺术。该装置以2016年在纽约Gladstone画廊21街展出的同名展览为名，并以其物质形态呈现，覆盖了超过700平方英尺的多个表面，由5000多块切割玻璃组成。此作品与彩色玻璃有着材质上的传统联系。然而，与透光的彩色玻璃窗不同，这件装置安装在不透明的表面上，突显了彩色玻璃的反光特性。这件作品如何表达我们时代精神中最困扰的方面？它是破碎的；有时混乱；并且带有些许末世感。它又如何表达这一刻的美？它拥抱运动；活力；光泽；并调动了彩虹般的色彩——与大多数彩虹的视觉表现不同，它包括了黑色和棕色。色彩调色板充满了自然的气息，从海洋和大气的蓝色，到森林的绿色，再到土壤的红色和棕色。然而，作品的人工制造感告诉我们，这显然是人类干预的结果。最后，这件装置带有明显的乐观主义。它不是对事实碎片和数据的负担的评论，而是对创造行为中蕴含的原始可能性的赞颂。它不属于令人疲惫和被剥削的信息时代，而属于承诺一切皆有可能的新兴想象时代。

扩展的扩展领域

每个领域都包含一些肮脏且艰难的工作需要完成。那些从事这些工作起步，后来又登上顶峰的人，往往是我最喜欢的人，因为他们在基本的物质层面上理解自己的职业。在视觉艺术中，其中一项工作是艺术品搬运工：负责包装、运输和悬挂我们在画廊和博物馆墙上看到的艺术品。作为艺术品搬运工的艺术家学会了工艺的重要性，并且真正理解人们与艺术建立物理联系的重要性。Jim Hodges 在布鲁克林的普拉特学院获得绘画硕士学位后，开始了他的艺术品搬运工生涯。他以此换取免费的工作室空间。在纽约搬运、装箱和悬挂艺术品的过程中，他从传统画家转变为在绘画扩展领域工作的艺术家：一个理论宇宙，在这里色彩、表面和构图突破画布和墙壁的限制，进入所有表面、所有材料和所有空间。

装置视图，Jim Hodges，我梦见了一个世界，称之为爱，纽约Gladstone画廊，2016年

他2014年在波士顿当代艺术学院举办的中期回顾展“给予多于索取”展示了Hodges如何利用作为艺术品搬运工的早期经历，在过去三十年中扩展了扩展领域。一面由用过的餐巾纸组成的墙壁，每张餐巾纸上都装饰着脆弱的花朵图像，展示了绘画图像在某些方面与墓穴的诡异而美丽的相似性：一个美丽的容器，用来承载曾经存在或可能从未存在的东西。天花板上悬挂的吹制玻璃铃铛，每个内部都涂有细腻的柔和色彩，成为一个不仅仅是特定场地的装置艺术。它捕捉并释放了邻近窗户的变化光线；以迷人的声音承诺挑逗观众的思绪；如果观众大胆地躺在地上仰望，它又转变为一个平面上的色彩与形态构成——扩展领域中的一幅画作。

通勤者经过Jim Hodges在纽约中央车站的永久装置艺术我梦见了一个世界，称之为爱。图片由Gladstone画廊提供。

反思的潜能

当他在1980年代开始职业生涯时，艾滋病危机是Hodges极为关注的问题。他曾多次谈及我们社会中缺乏人性，这一核心挑战使得艾滋病大流行最糟糕的年份比本应更致命。如今，在当前的疫情中，就像当年一样，我们拒绝在他人身上看到自己，甚至常常无法承认我们自己真正的样子。在许多作品中，Hodges表达了人性及其永恒伴侣死亡的理念。他经常引用的一个形象是蜘蛛网——一个抽象的寓言，象征着我们彼此依存的人，以及那些无助地被困在折磨者陷阱中的人们。

Jim Hodges在纽约中央车站的永久装置艺术我梦见了一个世界，称之为爱。图片由Gladstone画廊提供。

凭借其流淌、流动的生物形态形状，中央车站的“我梦见了一个世界，称之为爱”与蜘蛛网一样扎根于自然。许多遇见它的人无疑会像苍蝇一样匆匆而过，急于避免陷入他们认为的陷阱。那些停下来细细品味作品的人，首先会看到它表面的特质——塑料感；光与动。他们可能会感受到玻璃的重量，这种材料源自土地与火焰。随着时间推移，他们可能会产生形而上的反应——一种原始力量引发根本变化的不安感。无论他们是否停下并进行内省，还是匆匆而过，每个看到这件作品的人至少会直觉地领会它的反思潜能。他们会在其中看到自己，也会看到他人。这是一件充满同理心的艺术作品——见证了一位多年来致力于帮助我们理解何为人类的艺术家。

封面图片：Jim Hodges在纽约中央车站的永久装置艺术我梦见了一个世界，称之为爱。图片由Gladstone画廊提供。
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作者 Phillip Barcio