奧斯卡·費辛格的迷人動畫

今年是奧斯卡·費辛格去世50周年，這位先見之明的天才比任何其他藝術家更接近於表達音樂與影像之間存在的神秘、抽象共通性。通過他的動畫電影，費辛格將形狀、形式、線條和顏色的視覺語言與音符、節拍、和聲和不和諧的音樂語言相互關聯。通過他發明的光影圖（Lumigraph），這是一種手動操作的發光裝置，類似於樂器，他展示了通過在機器上演奏的即興動態色彩組合來創造美學情感聯繫的潛力。通過他的畫作，他將隱藏在他的動態影像中的高度概念層面傳達出來，通過將它們凍結在簡化的二維表面上。與此同時，在他的職業生涯中，他在著作和演講中徹底闡述了他的藝術意圖。“我希望這部作品能滿足我們時代的精神和情感需求，”他在1950年寫道。“因為我們都在追尋某種東西——在一生中努力追求...希望...有一天，或許，某些東西會被揭示，從未知中出現，某些東西將揭示真正的創造：創造的真理！。”

奧斯卡·費辛格：天生的藝術家

一些藝術家是被造就的；另一些則是天生的。奧斯卡·費辛格從未在學校學習藝術。他於1900年出生於德國黑森州，像他那一代的大多數人一樣，青少年時期被徵召入伍。但由於他的身體狀況不佳，他並未被迫為德國參加戰鬥。相反，他在一家風琴工廠找了一份工作。這種早期接觸音樂創作機制的經歷對費辛格後來的發展來說是命運攸關的，尤其是在戰後他能夠接受的工程教育之後，當時他的家人搬到了法蘭克福。也許這些經歷對於一個注定要成為偉大藝術家的人的來說並不典型，但它們在本質上是創造性的，事實證明它們對於這位特定藝術家所等待的命運是完美的。

在1921年，Fischinger結識了前衛德國電影導演Walter Ruttman。Ruttman是少數幾位正在實驗電影作為抽象媒介的藝術家之一，探索它與其他藝術形式的互動方式。Fischinger受到Ruttman所做工作的啟發，並憑藉他的機械和工程背景，設法找到了一種方式來回報Ruttman的讚賞。他通過發明一種機械動畫裝置：一台“蠟切割機”來實現這一點。在聽說這個裝置後，Ruttman對此印象深刻，便向Fischinger請求使用權。Fischinger將他的機器使用權授予Ruttman，並隨後搬到了慕尼黑，在那裡他獲得了更多設備的使用權，使他能夠進一步進行自己的實驗。

Oskar Fischinger - 來自《無線電動力學》的靜態畫面，1942年，© 視覺音樂中心

電影

在慕尼黑期間，費辛格製作了他的一些早期電影。與其模仿現實世界，他們研究了光和聲音在電影中互動的其他方式。1926年，他寫下了其中一篇重要的論文，標題為Eine neue Kunst: Raumlichtmusik，或A New Art: Spatial Light Music。雖然這篇論文似乎在他生前從未出版，但現在已存檔於洛杉磯的視覺音樂中心，該中心擁有並管理費辛格的作品，包括他的電影和文件。費辛格在這篇論文中表達的思想，以及他早期電影中顯現的成就，使他與像瓦西里·康丁斯基這樣的藝術家在哲學上相互呼應，後者堅信非具象影像能在與音樂相同的抽象層面上進行精神交流。但通過專注於電影而非繪畫，費辛格能夠理解音樂和影像之間的一個基本區別：音樂與靜態影像不同，是在時間中發生的。

一個只持續片刻的單一音符對聽眾的情感影響，並不如一首持續一小時的交響曲來得深刻。對於影像來說也是如此。一幅畫作中的單一視覺構圖對觀眾的情感影響，並不如在動態影像中隨時間展現的視覺構圖來得強烈。基於這一基本思考過程，Fischinger花了接下來的二十年創作了一些最具開創性的抽象動畫電影。其中一些配有音樂，被稱為第一部音樂視頻。但它們與我們今天所知的音樂視頻完全不同。它們之所以配上音樂，只是為了探討視覺構圖和音樂構圖在抽象上如何與我們的大腦進行交流的相似性。

奧斯卡·費辛格 - 來自《圓圈》，1933-34年，© 視覺音樂中心

藍色構圖

在1935年，當時居住在柏林的奧斯卡·費辛格完成了許多人認為是他的代表作的作品：一部名為藍色的構圖的電影。這部動畫短片使用35毫米彩色膠卷拍攝，配樂來自德國作曲家奧托·尼科萊的歌劇溫莎的快樂妻子，該歌劇基於威廉·莎士比亞同名的劇作。整部電影中，色彩鮮豔的抽象形狀與音樂完美同步地舞動。背景似乎在二維和三維之間變換，並經常自我崩潰，轉化為無盡的、異想天開的視覺享受。

藍色的構圖 一個引人注目的方面是它的製作過程。Fischinger 手工製作了影片中那些小形狀的舞動。那些是經過精心繪製的模型，在拍攝過程中逐幀移動。每一個靜止的畫面在不同的情況下都可以構成一幅抽象畫。或者，如果他願意，每一個在拍攝前的構圖都可以被視為一個雕塑裝置。但 Fischinger 認為，只有在運動中，隨著時間的推移，這些抽象圖像才能達到與音樂作品相同的影響，因此他朝著這個方向指導了這部作品。

奧斯卡·費辛格 - 《藍色組曲》中的靜止畫面，1935年，© 視覺音樂中心

畫作

藍色的構圖 獲得了國際認可。部分由於其成功，Fischinger 能夠在 1936 年來到美國，在好萊塢為派拉蒙、華特·迪士尼和其他影業公司擔任各種職位。但他很快了解到藝術家的理想目標與商業電影製作公司的目標之間存在著鴻溝。由於無法找到財務支持來繼續製作他純粹藝術性的動畫作品，最終 Fischinger 被迫放棄電影。他在 1940 年代後期將大部分注意力集中在他的發明 Lumigraph 上。諷刺的是，他在生命的最後 15 年裡成為了一名畫家。

Fischinger 創作的畫作在多樣性上令人驚豔。就像他早期的動畫一樣，它們似乎包含了20世紀每位其他抽象藝術家的抽象視覺語言。但這些並不是衍生作品。相反，大多數這些圖像是 Fischinger 在像 Josef Albers、Bridget Riley、Morris Louis 和 Kenneth Noland 等藝術家獨立創作之前就已經開始的。與預期相反，這些畫作並沒有削弱他電影中的任何東西，反而增強了他對音樂和影像以及在時間中體驗它們的效果的想法。每幅畫都是一個捕捉的瞬間——一個更大經驗的孤立片段。在他的電影中看到它們帶我們踏上旅程。在他的畫作中看到它們讓我們像行家一樣欣賞它們。

Oskar Fischinger - 動態繪畫 I 的靜態畫面，1947年，© 視覺音樂中心

最糟糕的致敬

Oskar Fischinger 顯然是一位先驅，因此人們經常想要向他及其成就致敬也就不足為奇了。但在去年的六月，在他117歲的生日那天，Google 用一個 Google Doodle 向 Fischinger "致敬"——這是 Google 在其搜索頁面上提供給用戶的一種互動性娛樂。這個塗鴉讓訪客有機會通過點擊屏幕來改變一個音樂視覺作品。雖然有趣，但這對 Fischinger 來說是一種荒謬的致敬。Fischinger 曾在談到他在好萊塢的經歷時說過："沒有理智的創意藝術家能夠創造出理智的藝術作品，如果各種各樣的同事都在最終創作中發表意見……他們改變了想法，在想法誕生之前就扼殺了它們，阻止想法的誕生，並用廉價的想法取代絕對的創作動機，以迎合最低的共同分母。"

谷歌如何認為一位為商業工廠工作的高薪程序員可以通過向每一位擁有互聯網連接的人提供一個「對最終創作的發言權」來向這位藝術家致敬，這仍然是個謎。某處，有些東西在翻譯中失落了。但人類的其餘部分是否會追上奧斯卡·費辛格？也許吧。我們不難理解費辛格希望我們如何使用他的作品。他希望我們將其用於精神和情感的滋養。也許我們向他的遺產致敬的最佳方式不是創造愚蠢的客廳遊戲，或將他的成就簡化為「哇，他竟然沒有電腦就做到了這一切？!」這樣的陳述。相反，也許我們應該給予他作為藝術家、哲學家和詩人的應有尊重，並試圖理解他作品的更深層目的，這呼喚我們重新連接那些隱藏的奧秘，這些奧秘將我們各種且仍然相當被誤解的感官力量聯繫在一起。

Google慶祝奧斯卡·費辛格117歲生日，© Google

特色圖片：奧斯卡·費辛格 - 《快板》中的靜止畫面，1936-43，© 視覺音樂中心

所有圖片僅用於說明目的

由 Barcio 作品