18 فنانًا تجريديًا معاصرًا يتحدثون عن تراثهم

من الخطير والمستحيل تعليم الفن. ومع ذلك، من الضروري أيضًا ذلك. لكي يوجد الفن، يجب على الفنانين أن يتعلموا كيف يصبحون ما هم على وشك أن يصبحوه، وكيف يخلقون ما هم على وشك أن يخلقوه. سيتعلم البعض في المدرسة، من بشر آخرين ناقصين مثلهم والذين، لأي سبب كان، تحملوا المهمة الخطيرة والمستحيلة والضرورية لمشاركة الآخرين بما تعلموه. سيجد فنانون آخرون معلمين خارج الفصل الدراسي. قد يتعلمون ما يعنيه أن يكونوا فنانين من خلال التواجد مع فنانين آخرين في الافتتاحيات أو في الحانات. قد يتعلمون ما يعنيه صنع الفن بمشاهدة الفيديوهات على الإنترنت، أو من خلال تفكيك الفن الذي يرونه في المتاحف أو في الكتب. قد يعلم بعض الفنانين أنفسهم ما هم عليه باتباع الإلهام الذي يتلقونه من العمارة والتصميم، من خلال الاستجابة ببساطة للأفكار والمشاعر التي يختبرونها أثناء تفاعلهم مع البيئة المبنية اليومية ومنتجاتها ومساحاتها التي لا تعد ولا تحصى. قد يتعلم آخرون كيف يكونون فنانين ببساطة من خلال احتضان—ثم تغذية—دافعهم الداخلي للخلق. يمكن لعملية الصنع أن تعلمنا كيف نصنع. يمكن لعملية الوجود أن تعلمنا ما نريد أن نكون. في النهاية، كل من ينجح في اجتياز عملية التعلم إلى اللحظة التي يمكنه فيها قول العبارة، "أنا فنان"، دون أن يشعر أنها كذبة سيكون لديه قصة يرويها عن معلميه. اليوم نقدم لكم مجموعة من هذه القصص من فنانين شجعان بما يكفي لمشاركة أصول تعلمهم. هم شجعان لأن إعلان تراثهم الجمالي أو المفاهيمي يعرضهم لتهديد رهيب. قد تدرك، أيها القارئ، أن فنانًا ما كان طالبًا لفنان آخر، أو استُلهم من هذا أو ذاك، وتخطئ في اعتبار ذلك اختصارًا. قد تقول، "آها! الآن أرى من يقلدهم"، أو، "الآن أفهم فنهم!" بدلاً من ذلك، أثناء قراءتك لهذه الحكايات عن كيف أصبح هؤلاء 18 فنانًا ما هم عليه، دع المعلومات توسع إدراكك. اتبع كل خيط واحفر أعمق. قد تلمح الجمال الخطير والمستحيل والضروري لما يعنيه حقًا تعليم وتعلم الفن.

Anya Spielman

Spielman كانت طالبة لدى Wayne Thiebauld أثناء دراستها في جامعة كاليفورنيا في ديفيس. عن معلميها الآخرين، تقول:

"كان تأثيرًا كبيرًا بالنسبة لي رؤية ثلاثية Hieronymus Bosch، “The Garden of Earthly Delights” في متحف برادو عندما كنت مراهقًا. أذهلني الرموز الدينية بالإضافة إلى الألوان الزاهية والتراكيب المعقدة في عمله. استجبت فورًا للثنائية في عمل Bosh: لوحته القاسية والمضيئة: درجات الحبر الأسود، الأومبر، الوردي الشاحب، العظم، الأحمر القاني والأزوريت؛ منحنيات كبسولات المتعة الشفافة في عدن مقابل الهبوط النفسي والجسدي الحاد إلى جحيم هلوسي. عبقرية Bosch الرؤيوية جسدت الطبيعة البشرية بكل أشكالها، بحميمية وقوة مباشرة أجدها نادرة للغاية حتى اليوم."

Anya Spielman - Ultraviolet، 2015. زيت على لوح. 15.3 × 15.3 سم

Deanna Sirlin

Sirlin درست مع Louis Finkelstein أثناء دراستها العليا في Queens College، جامعة مدينة نيويورك. في نفس المدرسة، درست مع Benny Andrews، الذي تدرب كفنان تعبير تجريدي في مدرسة معهد الفن في شيكاغو في خمسينيات القرن الماضي؛ وClinton Hill، الذي كان مساعد استوديو لـ Mark Rothko؛ وناقد الفن ومحرر مشارك في Artforum روبرت Pincus-Witten، الذي تقول إنه "ساعد عيني النقدية؛" وCharles Cajori، الذي كان طالبًا لدى Hans Hoffman. تقول Sirlin:

"[Lineage] هو بالفعل سؤال معقد. الروابط مع الفنانين تأخذ مسارات جانبية أيضًا. كانت Anne Truitt مهمة بالنسبة لي عندما كنت فنانًا شابًا في Yaddo. كانت Melissa Meyer أيضًا هناك في ذلك الصيف [1983]. كانت Erin Lawlor زميلتي في الاستوديو في مركز Rothko في لاتفيا. كان Jose Heerkins في مركز Rothko في نفس الوقت معنا [2016]. كانت Kara Walker طالبة عندما كنت أُدرّس في كلية أتلانتا للفنون، وشاركت Kara وأنا في نفس بينالي أتلانتا في عام 1992. ثم هناك الفنانون الآخرون—الكتاب وكتاب المسرح. كانت Hayden Herrera [سيرة Frieda Kahlo و Arshile Gorky] مرشدتي ككاتبة فنون. كنت أنا و Chris Kraus [I Love Dick] في Yaddo معًا... كنت صديقًا مقربًا لكاتب المسرح Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. كان كاتب سيناريو لـ Warhol... آمل ألا أكون قد أربكت الأمور عليك في هذا الجواب الإضافي."

Deanna Sirlin - عجب، 2015. وسائط مختلطة على قماش. 127 × 106.7 سم

بريندا زابيتيل

"عندما بدأت الرسم لأول مرة، كنت متأثرة بشدة ببيكاسو. كنت منجذبة لاستخدامه للألوان وعلامات الرسم، خاصة في “الفتاة أمام المرآة” (1932). لاحقًا، عندما بدأت أرسم بطريقة التعبيرية التجريدية، أصبحت أكثر انجذابًا لجوان ميتشل وويلم دي كونينغ. ومع ذلك، بدأت حقًا في النظر إلى أعمالهم بعد أن كنت أرسم بهذه الطريقة، وليس قبلها."

Brenda Zappitell - في اللحظة، 2017. فلاش وأكريليك مع شمع بارد على لوح. 127 × 127 سم

Daniel Göttin

في مقابلة عام 2006 لـ Minus Space NY، سأل الرسام كريس آشلي Göttin من أين يبدأ كفنان. أجاب Göttin:

"تاريخ الفن أحيانًا يتظاهر بأن حركة فنية معينة هي كيان كامل. استخدام مصطلح “concrete” لا يتطابق بالضرورة مع الخلفية الأيديولوجية لـ Konkrete Kunst، التي كانت أيضًا قائمة على أفكار حول المجتمع والسياسة. اهتمامي هو حول كيان يمكن أن يشمل أيضًا التناقضات—نعم ولا، وحتى ربما. نقطة انطلاقي هي توليفة من وجهات نظر أو مواقف مختلفة في نفس الوقت، والتي بالنسبة لي هي رؤية مكانية. يمكن أن تكون واضحة أو دقيقة، متماثلة أو غير متماثلة أو كلاهما معًا، مع أو بدون تناقض. يمكن أن تكون قاعدة وانحراف معًا. بعض الأعمال المبكرة التي قمت بها كانت كولاجات مرتبطة بعمل كورت شفترز (Merz)، أي مواد معثور عليها ملصقة بشكل تقريبي على قطعة من الورق المقوى—مادية، مباشرة، مرتجلة، عرضية، ملونة، حتى دادائية. لاحقًا، أصبحت مهتمًا بالفن البسيط، حيث يكون العمل الفني غالبًا مخططًا بدقة، ومبنيًا بشكل مثالي وواضح مع استخدام محدد للمواد والانتباه للتفاصيل. كلا الحركتين مهمتان بالنسبة لي، وأحيانًا أرى عملي يحمل أجزاء من كلاهما، متوافقًا بين هذين الموقفين في تاريخ الفن."

Daniel Göttin - بدون عنوان 2 (وردي)، 1992. أكريليك على بفاتكس. 97 × 58.5 × 3 سم

غاري بالير

"من الصعب جدًا فهم تأثيرات المرء، على الأقل بالنسبة لي، حيث أعمل إلى حد كبير من الحدس وليس من الوعي. أعتقد أن سنوات تكويني كطالب فنون في UCLA (بكالوريوس 74، ماجستير 77) شكلت جزءًا كبيرًا من شخصيتي. في تلك الأيام، كانت UCLA مدرسة رسامين إلى حد كبير ذات توجه أوروبي/حداثي. في أول فصل للرسم، تم تسجيلي في فصل الرسم التمهيدي مع Richard Diebenkorn (لم أكن أعرف من هو)، لكنه كان لديه بعض المشاكل مع قيادة الكلية وتم إنهاء منصبه قبل بدء الفصل. لذا درست مع Richard Joseph، الواقعي الجديد، الذي وضعني على أساس متين. لم أبدأ في تجربة التجريد إلا بعد ستة أشهر، أثناء عملي في فصل رسم متقدم مع Charles Garabedian. على مر السنين، كان الأستاذ الذي ربما كان له أكبر تأثير علي هو William Brice. كان بيل مدرسًا وصديقًا متحدثًا ببلاغة، محترمًا، كريمًا، متفكرًا، ومرحًا. كفنان مجتهد ومنتج، كان يتحدث كثيرًا عن ضرورة قضاء الوقت في الاستوديو في معالجة الأمور وكل شيء آخر أقل أهمية. أفكر فيه كثيرًا وأشعر بأنني محظوظ جدًا لأنني عرفته لفترة طويلة. استغرق الأمر عدة سنوات لأفصل نفسي عن فكرة كوني طالبًا وعن سماع أصوات أساتذتي القدامى في رأسي كلما رسمت، لكن مع مرور الوقت حصلت على فهم واضح لمن أنا والمسؤولية التي أتحملها لصنع أعمال تحقق رؤيتي. غالبًا ما أرى جوانب من فنانين آخرين في عملي، وأحيانًا أشعر أن هناك حقًا اتصالًا عبر نفس الأفكار وأحيانًا يبدو أن أي تشابه هو فقط سطحي. في النهاية، دع كتاب الفن يتحدثون عن التأثيرات."

Gary Paller - 9 (2015)، 2015. حبر على ورق. 37.8 × 29 سم

Tracey Adams

كان مايكل مازور (1935-2009) معلمي في الطباعة منذ 25 عامًا. التقينا لأول مرة عندما كنت أقيم في مركز الفنون الجميلة في بروفينس تاون حيث كان مايكل يقدم ورشة عمل لمدة أسبوع حول الطباعة. هناك العديد من الأمور التي تبرز في اتصالنا الأول: كان مايكل شخصًا متعاطفًا وواعياً اجتماعياً بشكل لا يصدق، ليس فقط في موضوعه المختار (رسومات وطباعة لمرضى يعانون في مستشفى نفسي وحيوانات خلف القضبان في حديقة حيوانات)، بل في محادثاتنا الفردية حول الحياة. علمني أن أكون كريمًا من خلال المثال كطريقة لموازنة الانشغال بالذات في الاستوديو. لم يكن هناك شيء في تقنيته أو السعي وراء مهنة فنية لم يشاركه مايكل. قضى مايكل وقتًا في الصين خلال أواخر الثمانينيات ومن خلال حبه للمناظر الطبيعية الآسيوية، تعلمت تبسيط حركاتي، والرسم باقتصاد في التعبير، وهو شيء أحتفظ به قريبًا جدًا إلى قلبي. لن أنسى أبدًا حسه الفكاهي عندما كان يقول لي، "Tracey، هذا ungepatchke!"، وهي كلمة ييديش تعني مشغول جدًا ومزخرف.

Tracey Adams - Balancing Act 2، 2016. جواش، جرافيت وحبر على ريفس. 66 × 50.8 سم

Kyong Lee

Lee تذكر أن أول إلهام لها كان لوحة مائية لـ Paul Cezanne شاهدتها عندما كانت تبلغ من العمر 11 عامًا، وتركت "انطباعًا لا يُنسى." وتضيف:

"كان أستاذي، Klaus Stümpel، قريبًا جدًا من الطبيعة لدرجة أنه كان يُلقب تقريبًا بـ‘مزارع.’ أوصى بأن أدرس Frantisek Kupka. درست عمليته في التجريد ومنظوره الكوني والصوفي. فوق كل شيء، تعلمت أكثر من أي شيء عن حبه للحياة ورغبته في الحفاظ على أفكاره. عندما عدت إلى كوريا، فكرت في كاندينسكي مرة أخرى. أعتقد أن رغبته في إيجاد الحقيقة الموضوعية والعالمية في الفن هي تحدٍ مستحيل. أعتقد أن الفن ذاتي وشخصي أكثر من أي شيء آخر. عندما أبحث عن أعمق جوانبي الداخلية، أستطيع التواصل مع داخل الآخرين. أعتقد أن الفن يمكن أن يكون وسيطًا يربط بين الكون الصغير (الإنسان) والكون الكبير (العالم). خاصة، اللون هو موضوع بحثي. أبحث عن اللون كصفة. أحب موقف Richter تجاه العمل، وشغفه بالرسم، وروح التجريب. ربما On Kawara؟ أحب عمله، الذي أراد أن يثبت أنه حي، وأريد أن أثبت لنفسي من خلال العمل كل يوم أنني ما زلت حيًا، عاطفيًا وحسيًا. أفكاري حول Wassily Kandinsky والعديد من الحد الأدنى مختلفة جدًا عن النظرة العامة. لا أتفق مع وجهة نظرهم الفنية."

Kyong Lee - Picture with White، 2008. أكريليك على قماش، 150 × 200 سم

Joanne Freeman

Freeman تذكر التأثيرات التي تشمل فنانين (Ellsworth Kelly، Carla Accardi، Henri Mattise، Paul Feeley، Morris Louis، Barnett Newman، و Andy Warhol)، مصممين (Saul Bass و Roy Kuhlman) ومعماريين (Le Corbusier). لكنها تتحدث أيضًا عن الطرق الشخصية التي أثرت بها الثقافة على فنها، كما في الحكاية التالية:

"كان عمل والدي في اللافتات. مثل معظم الأطفال في المدن الأمريكية، نشأت في المقعد الخلفي للسيارة، وكنت واعيًا جدًا لللوحات الإعلانية والنيون. كان التحفيز البصري المباشر الجذاب جزءًا من نفسيتي. مؤخرًا زرت متحف MoMA في نيويورك وتأثرت مرة أخرى بلوحة بارنيت نيومان "Vir Heroicus Sublimis" (رجل، بطولي وسامي) (1950-51). كان رد فعلي الغريزي لقوتها وفوريتها وبساطتها ساحقًا، مما أكد ماضيي البصري وهويتي."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple، 2014. جواش على ورق خادي يدوي الصنع. 33.1 × 33.1 سم

Brent Hallard

"بالنسبة لي، كان Mondrian. كان الفنانون التجريديون في ذلك الوقت يعملون بشكل أكثر مفهومية مع التجريد، بمعنى أنهم أحبوا الفكرة، بينما عمل Mondrian بالعكس من خلال الآليات وخرج في النهاية معيدًا اختراع سطح الصورة. لم يفعل ذلك الكثيرون منذ ذلك الحين. ثم بدأت أفكر أنه يجب أن تكون هناك طرق أكثر للدخول إلى هذا الفضاء الغريب الذي كان Mondrian يتحكم فيه بوضوح. [Ellsworth] Kelly و[Robert] Mangold أظهرا طرقًا أخرى للتعبير عن هذا الفضاء 'الآخر'. منحتني تجربة هؤلاء الفنانين مساحة لتقدير جهود أقراني حقًا، والسعي لتجاوز الظرف التالي."

Brent Hallard - Clouds، 2013. أكريليك على ورق. 25.4 × 35.6 سم

Audrey Stone

"لقد أحببت وفكرت كثيرًا في عمل Vija Celmins. ملاحظتها المكثفة وتنفيذها الهادئ ملهمان جدًا لي. لطالما ألهمتني Louise Bourgeois بعزمها على التعبير عن نفسها بأفضل وسيلة لأفكارها. مصدر إلهام أكثر وضوحًا سيكون Agnes Martin، أحب تحفظها الواثق، وMark Rothko للضربة العاطفية التي يمكن لعمله أن يوجهها."

Audrey Stone - رقم 61، 2011. خيط، حبر ورصاص على ورق. 43.2 × 35.6 سم

Pierre Auville

يذكر Auville الحصون الألمانية من عصر الحرب العالمية الثانية التي تصطف على الساحل الأطلسي الفرنسي. يقول: "يرى معظم الناس أنها تشوهات قبيحة. في عيني، كان جوهرها جزءًا من المشهد الطبيعي، حيث دمجها الزمن مع الرمل والكثبان والبحر أو مع اللوحات التي وضعها فنانو الشوارع عليها." بالإضافة إلى ذلك، تأثر Auville بهذه التجربة من شبابه:

"في سن السادسة أو السابعة، حظيت بفرصة زيارة كهف لاسكو في جنوب غرب فرنسا. كان ذلك صدمة لي. اشترى والداي بعض النسخ المقلدة كتذكارات وقضيت ساعات أنظر إليها في قبو منزلنا متسائلاً ما الذي يصنع الفرق بين الصور والعمل الفني الحقيقي. كان الفرق واضحًا، لكنني كنت أجد صعوبة في فهم جوهره. كنت أشغل وأطفئ الضوء، وألصق الرمل على الصور في محاولة لتقليد جوهر لوحات لاسكو، لكنني لم أصل أبدًا إلى ما كنت أعتقد أنه روحها."

Pierre Auville - 4 Carrés، 2014. أسمنت ملون على ألواح من الفوم. إطار هيكلي وتعليق في الخلف. 120 × 120 × 6 سم

Luuk de Haan

De Haan يذكر تأثيرات تتراوح بين الفنانين (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) إلى مصممي الألبومات (Hipgnosis, Peter Saville)، إلى الموسيقيين (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). يقول:

"في السنوات التي سبقت بلوغي، حظي لغة Piet Mondriaan البصرية بالكثير من الاهتمام في هولندا. كنت صغيرًا جدًا لأفكر بمصطلحات الفن، لكن Mondriaan كان موجودًا، وكان مثيرًا للاهتمام. ولا يزال كذلك! بعد قليل تعرفت على السوبروماتيين الذين، مثلي، أخذوا الأشكال الهندسية كنقطة انطلاق. وبما أن أخواتي أكبر مني بحوالي خمس سنوات، اكتشفت (عبر أصدقائهن) في سنوات مراهقتي المبكرة الموسيقى 'التقدمية' وتصميم الأغلفة المصاحب لها. ليس من المستغرب أنني أردت أن أصبح مصمم أغلفة فنية. إذا كان علي اختيار فنان بصري واحد غيّر طريقتي في النظر إلى الأشياء، فسيكون [Ellsworth] Kelly. في منتصف الثمانينيات اشترى متحف Stedelijk في أمستردام "Blue Curve VI" (1982). كنت أذهب بانتظام لرؤيته ودرست اللغة البصرية. لكن الآن، وربما الأهم، أنا موجه أيضًا برد فعلي الخاص تجاه الفن... بدأت أفكر في الفن... الغرض، المعنى، يا إلهي."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9، 2013. حبر Ultrachrome HD على ورق Hannemuhle. 29.7 × 21 سم

Brenda Biondo

"تعاليم جوزيف ألبيرس تؤثر على كيف أفكر في وضع الألوان في سياقات مختلفة. ومساحات السماء لجيمس توريل أثرت على كيف أفكر في وضع اللون الجوي في سياقات مختلفة. بشكل عام، الجمالية العامة لسلسلة ورق السماء واللوحات المتحركة الخاصة بي متأثرة بشدة بالرسامين الأمريكيين المعاصرين مثل Georgia O’Keeffe، Mark Rothko، Barnett Newman، [Ellsworth] Kelly، Frank Stella، وغيرهم."

Brenda Biondo - ورق السماء رقم 21 (كبير)، 2015. طباعة صبغية بالتسامي على الألمنيوم (تشطيب مطفي/لامع). 83.8 × 96.5 سم

Pierre Muckensturm

"اكتشفت، قبل أكثر من 20 عامًا، كنيسة رونشامب، عمل متأخر للمهندس المعماري شارل إدوار جانيريه، المعروف باسم لو كوربوزييه. لم أشعر، لا قبلها ولا بعدها، بمثل هذا الإدراك لصحة الإمكانيات بين الضخامة والارتفاع. ثم بدأ لي هذا البحث الطويل، الذي لا يزال يغذيني اليوم، بهدف الاقتراب من العلاقة الأنسب بين الممتلئ والفارغ."

Pierre Muckensturm - 17.1، 2017. كاربوراندوم ونقش جاف على النحاس. طباعة على ورق bfk rives 250 جرام. 56 × 56 سم

Jessica Snow

"أود أن أتحدث عن الفنان الذي ألهمني لعقود، أكثر من أي فنان آخر: ماتيس، فنان يمكن دراسته طوال الحياة. أعماله اتخذت مسارات عديدة بسبب تجاربه واستقصائه لإمكانيات جديدة في الرسم. هي جميلة، مبهجة، معقدة، أحيانًا رائعة وهادئة، وأحيانًا صعبة وتحديّة — تعكس كيف هي الحياة."

Jessica Snow - Fling 1، 2015. ألوان مائية على ورق. 31.8 × 31.8 سم

Susan Cantrick

بدلاً من سرد تأثيراتها، Cantrick تذكر الفنانين الذين يهمها عملهم أكثر، سواء كان هناك رابط مباشر لعملها أم لا. قائمتها القصيرة للحديث والمعاصر:

"Shirley Jaffe، Thomas Noskowzki، Amy Sillman، Charlene von Heyl، Richard Diebenkorn، Juan Uslé، وPer Kirkeby. هذه قائمة انتقائية وليست شاملة، لكن ما يجمعهم هو الوضوح، التعقيد، والحيوية — وهي اهتماماتي الخاصة — معبرًا عنها من خلال اللون القوي والبنية، الأشكال المميزة، ومساحة الرسم الضحلة. بالنسبة لما قبل الحداثة، Vermeer، Degas، وManet في قمة قائمتي، مرة أخرى لتلك الثلاثية من الصفات: الوضوح، التعقيد، الحيوية. بالإضافة إلى ذلك: التوتر في تمثيل Vermeer الصلب ينقل سكونًا محسوسًا بشكل لا يصدق — تعليق الزمن. طريقة Degas الخاصة في تأطير مساحته بمناطق "صامتة" وغير متحركة و/أو عنصر عمودي قوي تعزز المشاهدة الإيقاعية المطولة. وهناك فورانية وانتعاش في Manet والتي، بعيدًا عن كل البراعة الأخرى، هي في أفضل حالاتها، جذابة."

Susan Cantrick -sbc 141، 2012. أكريليك على كتان. 100 × 100 سم

Anne Russinof

"في حالتي، لم أتأثر بفنان واحد بحد ذاته، بل بالمجتمع الفني الذي نشأت فيه في شيكاغو. كان هناك فنانون في كل مكان في حيي، المسمى منطقة لينكولن بارك أو أولد تاون، وعندما أظهرت اهتمامًا بالرسم في مرحلة ما قبل المراهقة، تم تشجيعي على الذهاب إلى المدرسة المرتبطة بمعهد الفن الرائع في شيكاغو لتعلم رسم الأشكال. هناك تمكنت من المشي مباشرة عبر المتحف مع مجموعته الانطباعية الشهيرة للدخول إلى المدرسة. أعتقد أن هذا هو ما شكل اهتمامي بالخط والإيماءة واللون."

Anne Russinof - انظر وانظر، 2014. زيت على قماش. 76 × 76 سم

Macyn Bolt

"تُوجد أصولي الفنية في الفنانين الذين يجمعون بين نهج "اختزالي" لصنع الصورة/الشيء مع اهتمام بالسطح والتفاصيل الدقيقة. يتبادر إلى الذهن Brice Marden، Imi Knoebel، David Novros وSol Lewitt. بالإضافة إلى ذلك، يستمر العمل النحتي لـ Richard Serra، Carl Andre وFred Sandback، مع استخدامهم الخاص للمساحة ثلاثية الأبعاد، في إلهام نهجي في الرسم."

Macyn Bolt- ملاكم الظل (B.2)، 2015. أكريليك على قماش. 122 × 96.9 سم