Abstraktion og Arte Povera Gennem Ånden af Giuseppe Penones Lymfe Matrix

Besøgende til Palais d’Iéna i Paris under Foire Internationale d'Art Contemporain (FIAC) 2019 fik en sjælden oplevelse: installationen af Matrice di Linfa (Lymph Matrix), en 40 meter lang, halveret fyrretræsskulptur, som Giuseppe Penone først præsenterede i 2008. Ved første øjekast, da de så Matrice di Linfa i paladsets store hal, kunne beskuerne måske ikke have genkendt det som et værk af nutidig kunst. De kunne have troet, at en vikingekano var udstillet. Skåret længderetning, udhulet i midten, og med sine grene skåret af ved 80 centimeter mærket, ligner det fældede træ faktisk et gammelt transportmiddel, hvis stunted årer driver det gennem mystiske floder. Ved nærmere eftersyn bliver dog yderligere indgreb tydelige. En vegetabilsk harpiks, der simulerer saft, løber gennem hulrummet som en strøm, der dækker de kropslige aftryk, Penone har lavet med sine hænder og fødder. På gulvet ligger læderark. I et ledsagende essay skriver Penone: "Stammen af et omvendt fyrretræ mister noget af sin vegetale natur og antyder en anden, dyreagtig slags natur; De grene, der, bevægende i vinden, har skubbet træet mod lyset, omgiver nu det som et offeralter." Værket er idiosynkratisk og svært at aflæse - en perfekt erklæring for den kunstneriske filosofi, som Penone var med til at bane vej for: Arte Povera, eller Poor Art. Et revolutionerende æstetisk perspektiv, der først blev opsummeret af Germano Celant i 1967 i sit manifest "Notes for a Guerilla," Arte Povera omfavner humanisering og natur. I sit manifest kritiserede Celant den systematiske dehumanisering af kunsten, som han så blive udført i USA, hvor selvudnævnte autoriteter som kritikere, kuratorer, professorer og forhandlere konspirerede med historien for at fabrikere såkaldte kunstbevægelser. "Derovre en kompleks kunst," skrev han, "her en fattig kunst, forpligtet til nutiden. Målet er befrielse... en afskaffelse af alle positioner formuleret i kategorier (enten "pop" eller "op" eller "primære strukturer") til fordel for en fokalisering af gestusser, der ikke tilføjer noget til vores forfinelser af perception, der ikke modsætter sig som kunst til livet, der ikke fører til bruddet og skabelsen af to forskellige planer af egoet og verden."

Individualitet nu

En af de vedholdende misforståelser om Arte Povera er, at ordet Povera har noget at gøre med billigdom eller skrøbelighed i forhold til de materialer, der anvendes i værket. I virkeligheden nævner Celant ingen steder i "Notes for a Guerilla", at Poor Art skal laves med materialer, der ikke vil holde. Tværtimod. Han foreslår, at Poor Art kan laves med alle midler eller materialer, som kunstneren vælger. "Kunstneren bliver en guerillakæmper," siger han, "i stand til at vælge sine kampsteder." Denne fejlslutning kan være en generalisering, der opstår ud fra en misforståelse af værkerne fra første generations Arte Povera-kunstnere som Pino Pascali, der brugte enkle ingredienser som jord og vand i sit arbejde; Piero Gilardi, der tilegnede sig almindelige, dagligdags genstande som værktøj fra en jernhandel; Piero Manzoni, der lavede kunst af sin egen afføring; eller Alberto Sacchi, der sagde: "Jeg valgte at bruge fattige materialer for at bevise, at de stadig kunne være nyttige."

Giuseppe Penone, Matrice di Linfa, Palais d’Iéna, oktober 2019, Udstillingsvisning. Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008. Fyrretræ, harpiks, terracotta, læder, metal, 131 x 4500 x 212 cm. Foto kredit: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Venligst udlånt af Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London

Det operative ord, som Sacchi brugte, var imidlertid "vælg." At handle som om alle Arte Povera-kunstnere træffer det samme valg ignorerer arbejdet fra Gianni Piacentino, der brugte materialer som Plexiglas, gummi, polyester, jern og kobber; eller Alighiero Boetti, der i dag er mest berømt for sine kort. Boetti brugte alt fra frimærker til plastikkuglepenne i sit arbejde, men materialitet var ikke hans hovedfokus. Det, der betød mest, var at lave personlige udsagn eller selvindlysende, empiriske udsagn, såsom at bemærke den åbenlyse kulturelle mangfoldighed i verden. Faktisk er det eneste, Celant sagde er essentielt for Arte Povera, at kunstnere prioriterer individualitet. Kønsspecifik sprogbrug til side, ophøjer hans manifest selvet og siger: "Manden er budskabet. Frihed, i de visuelle kunstformer, er en alt-forurenende mikrober. Kunstneren nægter alle etiketter og finder kun identifikation med sig selv." Celant overvejer endda, at termen Poor Art let kunne udskiftes med frasen Rich Art, takket være "de enorme instrumentelle og informationsmuligheder," som kunstnerisk frigørelse tilbyder.

Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008 (detalje). Fyrretræ, harpiks, terrakotta, læder, metal, 131 x 4500 x 212 cm. Foto kredit: Rebecca Fanuele. Venligst udlånt af Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London.

Udslet klichéen

En anden misforståelse om Arte Povera er, at det var en bevægelse, der begyndte og sluttede i Italien i midten af det 20. århundrede. I virkeligheden har det altid eksisteret, og forhåbentlig vil det altid eksistere. Celant satte kun ord på en virkelighed, der altid har været en del af den menneskelige tilstand: den indre kamp mellem struktureret styring og lederløs frihed. I denne henseende er Arte Povera-ånden tydelig i den ældste kunst, vi kender: den palæolitiske hulekunst i Nordspanien. Vi kan se, at denne kunst blev lavet med de materialer, der var tilgængelige, og at den synes at afspejle menneskeheden og naturen. Men vi ved intet om den sociale struktur hos de kunstnere, der skabte den. Var de frie? Var de fanger? Var de en del af et struktureret samfund? Var de frivillige medlemmer af en ikke-hierarkisk klan? Deres arbejde modstår for evigt at blive fuldt forklaret, bortset fra at sige, at det eksisterer - en perfekt Arte Povera-udsagn.

Giuseppe Penone, Tanker af blade, 2016. Bronze, flodsten, 189 x 132 x 315 cm. Foto kredit: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Venligst udlånt af Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London.

Man kunne sige, at den samme ånd også er det, der fik Marcel Duchamp til konstant at stille spørgsmål ved, hvad samfundets institutioner betragter som kunst, og at det er det, der inspirerede Gutai Group, Fluxus, de Nouveau Realists og Zero Group til deres tvetydige opdagelser. Og den er stadig til stede i praksis hos utallige nutidige kunstnere, der laver uklassificerbart arbejde, eller som modstår presset for at gentage sig selv. Som Celant skrev i sit manifest: "Dette arbejde er forpligtet til registreringen af 'den ugentagelighed af hvert øjeblik.'" Er denne forpligtelse ikke kernen i abstraktion? Ved at komme med definitive udsagn om, hvad der kategorisk er udefinerbart, hjælper hver abstrakt kunstner i en eller anden grad os med at undslippe "dogmas konsistens", så vi kan sætte os selv fri. På deres ensomme måder, arbejder de hen imod udtrykket af det ukendte og manifestation af det tidligere usete—håbende, måske forgæves, ikke at kopiere det, der allerede er—disse kunstnere er arvinger til en af de primære aspirationer i Arte Povera: udryddelsen af klichéen.

Fremhævet billede: Giuseppe Penone - Pensieri di foglie, 2016, detalje. Foto kredit: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Med venlig hilsen Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London.
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio