Abstraktion og Arte Povera Gennem Ånden af Giuseppe Penones Lymfe Matrix

Besøgende i Palais d’Iéna i Paris under Foire Internationale d'Art Contemporain (FIAC) 2019 fik en sjælden oplevelse: installationen af Matrice di Linfa (Lymfematrix), en 40 meter lang, på langs delt fyrretræsskulptur, som Giuseppe Penone først præsenterede i 2008. Ved første øjekast i paladsets store sal kunne man måske ikke genkende Matrice di Linfa som et værk af nutidskunst. Man kunne tro, at en vikingekano var udstillet. Træet, der er savet over på langs, udhulet i midten og med grene afskåret ved 80 centimeters mærket, ligner faktisk et gammelt fartøj, hvis korte årer driver det gennem mystiske floder. Ser man nærmere efter, bliver yderligere indgreb tydelige. En planteharpiks, der simulerer harpiks, løber gennem hulrummet som en bæk og dækker kropsaftryk, som Penone har lavet med sine hænder og fødder. På gulvet ligger stykker af læder. I et ledsagende essay skriver Penone: ”Stammen af et væltet fyrretræ mister noget af sin planteagtige natur og antyder en anden, dyreagtig natur; Grenene, der i vinden har skubbet træet mod lyset, omgiver det nu som et offeralter.” Værket er særpræget og svært at tyde – et perfekt udtryk for den kunstneriske filosofi, Penone var med til at bane vejen for: Arte Povera, eller Fattig Kunst. Et revolutionerende æstetisk perspektiv, først opsummeret af Germano Celant i 1967 i hans manifest ”Noter til en Guerilla,” hvor Arte Povera omfavner humanisering og natur. I sit manifest kritiserede Celant den systematiske afmenneskeliggørelse af kunsten, som han så blev udført i USA, hvor selvudnævnte autoriteter som kritikere, kuratorer, professorer og forhandlere i sammensværgelse med historien fabrikerede såkaldte kunstbevægelser. ”Derovre en kompleks kunst,” skrev han, ”herovre en fattig kunst, engageret i nutiden. Målet er befrielse... en afskaffelse af alle positioner formuleret i kategorier (enten ’pop’ eller ’op’ eller ’primære strukturer’) til fordel for en fokusering på bevægelser, der ikke tilføjer noget til vores forfinelser af opfattelse, som ikke modsætter sig livet som kunst, som ikke fører til brud og skabelse af to forskellige planer for ego og verden.”

Individualitet Nu

En af de vedvarende misforståelser om Arte Povera er, at ordet Povera har noget at gøre med billighed eller skrøbelighed i forhold til de materialer, der bruges i værket. I virkeligheden nævner Celant ikke ét sted i ”Noter til en Guerilla,” at Fattig Kunst skal laves med materialer, der ikke holder. Tværtimod foreslår han, at Fattig Kunst kan laves med alle midler eller materialer, som kunstneren vælger. ”Kunstneren bliver en guerillakæmper,” siger han, ”i stand til at vælge sine kamppladser.” Denne fejlopfattelse kan være en generalisering, der udspringer af en misforståelse af værkerne fra første generation af Arte Povera-kunstnere som Pino Pascali, der brugte simple ingredienser som jord og vand i sit arbejde; Piero Gilardi, der tilegnede sig almindelige, dagligdags genstande som værktøj fra en byggemarked; Piero Manzoni, der lavede kunst af sin egen afføring; eller Alberto Sacchi, der sagde: ”Jeg valgte at bruge fattige materialer for at bevise, at de stadig kunne være nyttige.”

Giuseppe Penone, Matrice di Linfa, Palais d’Iéna, oktober 2019, udstillingsudsigt. Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008. Fyrretræ, harpiks, terrakotta, læder, metal, 131 x 4500 x 212 cm. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Venligst udlånt af Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London

Det afgørende ord, som Sacchi brugte, var dog ”vælge.” At antage, at alle Arte Povera-kunstnere traf det samme valg, overser værkerne af Gianni Piacentino, der brugte materialer som plexiglas, gummi, polyester, jern og kobber; eller Alighiero Boetti, der i dag er mest kendt for sine kort. Boetti brugte alt fra frimærker til plastikpenne i sit arbejde, men materialet var ikke hans hovedfokus. Det vigtigste var at lave personlige udsagn eller selvindlysende, empiriske udsagn, som at påpege verdens åbenlyse kulturelle mangfoldighed. Faktisk sagde Celant kun, at det væsentlige ved Arte Povera er, at kunstnerne prioriterer individualitet. Uanset kønssprog hylder hans manifest selvet og siger: ”Mennesket er budskabet. Frihed i billedkunsten er en altgennemtrængende kim. Kunstneren afviser alle mærkater og finder kun identifikation med sig selv.” Celant overvejer endda, at udtrykket Fattig Kunst lige så godt kunne udskiftes med Rig Kunst takket være ”de enorme instrumentale og informationsmæssige muligheder,” som kunstnerisk frigørelse tilbyder.

Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008 (detalje). Fyrretræ, harpiks, terrakotta, læder, metal, 131 x 4500 x 212 cm. Foto: Rebecca Fanuele. Venligst udlånt af Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London

Udryd Clichéen

En anden misforståelse om Arte Povera er, at det var en bevægelse, der begyndte og sluttede i Italien i midten af det 20. århundrede. I virkeligheden har den altid eksisteret og vil forhåbentlig altid eksistere. Celant satte blot ord på en virkelighed, der altid har været en del af den menneskelige tilstand: den indre kamp mellem struktureret styre og lederløs frihed. I denne henseende er Arte Povera-ånden tydelig i den ældste kendte kunst for os: den palæolitiske hulekunst i det nordlige Spanien. Vi kan se, at denne kunst blev lavet med de materialer, der var til rådighed, og at den synes at afspejle menneskeheden og naturen. Men vi ved intet om den sociale struktur hos de kunstnere, der lavede den. Var de frie? Var de fanger? Var de en del af et struktureret samfund? Var de frivillige medlemmer af en ikke-hierarkisk klan? Deres værker modsætter sig for evigt fuld forklaring, bortset fra at sige, at de eksisterer – et perfekt Arte Povera-udsagn.

Giuseppe Penone, Pensieri di foglie, 2016. Bronze, flodsten, 189 x 132 x 315 cm. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Venligst udlånt af Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London

Man kan sige, at den samme ånd også var det, der drev Marcel Duchamp til konstant at stille spørgsmål ved, hvad samfundets institutioner anser for kunst, og at det var det, der inspirerede Gutai-gruppen, Fluxus, de Nye Realister og Zero-gruppen til deres tvetydige opdagelser. Og den er stadig til stede i praksis hos utallige nutidige kunstnere, der laver uforklarlige værker eller som modstår presset for at gentage sig selv. Som Celant skrev i sit manifest: ”Dette arbejde er engageret i registreringen af ’hver øjebliks uigenkaldelighed.’” Er denne forpligtelse ikke kernen i abstraktionen? Ved at lave endegyldige udsagn om det, der kategorisk er ubestemt, hjælper enhver abstrakt kunstner i en vis grad os med at undslippe ”dogmets konsistens,” så vi kan sætte os selv fri. På deres ensomme måde, i arbejdet mod udtrykket af det ukendte og frembringelsen af det hidtil usete – i håb, måske forgæves, om ikke at kopiere det, der allerede er – er disse kunstnere arvinger til en af Arte Poveras primære aspirationer: udryddelsen af klichéen.

Fremhævet billede: Giuseppe Penone - Pensieri di foglie, 2016, detalje. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Venligst udlånt af Archivio Penone og Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio