Abstraktion er i det fysiske - Jules Olitski

Karrieren for den ukrainsk-amerikanske kunstner Jules Olitski (1922 – 2007) minder os om, at kunst ikke er en fast menneskelig bestræbelse, som skal udføres på samme måde af hver udøver, ligesom for eksempel at flyve et passagerfly. Kunstnere er - eller bør være - helt frie til at genopfinde feltet så ofte, som de ønsker. Olitski blev kun guidet af én faktor: sin intuition. Han ville have en vision om et billede, eller en fornemmelse han ønskede at fange, eller en materiel tilstedeværelse han ønskede at manifestere, og ville sætte sig for at få det til at ske. Om hans vision passede ind i tendenser eller smag, var ligegyldigt. De fleste kalder hans arbejde abstrakt, men han selv gjorde ikke den sondring, måske fordi hans særlige vision for et maleri var, for ham, sin egen form for emne. Hvis man drømmer om at male en spray af farve hængende i luften, og så maler et maleri, der realiserer den drøm, så er det maleri præcis det, det beskriver: et maleri af en spray af farve hængende i luften. Hvor meget mere konkret kan man blive? Om emnet råd til andre kunstnere sagde Olitski engang: "Forvent intet. Gør dit arbejde. Fejr!" Han kan have givet lignende råd til sine seere: "Forvent intet. Se på arbejdet. Fejr!" Alligevel er kunstværdsættelse en separat fornøjelse fra kunstkritik. Kritikere, historikere og kunsthandlere har længe haft svært ved at vide præcist, hvor de skal placere Olitski inden for den lineære eventyrhistorie kendt som kunsthistorie, måske fordi Olitski aldrig gad at spørge sig selv, hvor han passede ind. Han skiftede stil, medier og metoder så ofte, at han ikke kun er svær at historisere, men også svær at kommodificere, da så mange samlere ønsker at kunne tale om de kunstnere, de samler, i form af en bekvem forkortelse: "Dette er gittermaleren. Dette er damen, der lavede edderkopperne. Dette er fyren, der lavede kasserne. osv." Man kan ikke gøre det med Olitski. Han gjorde for mange ting til at blive kendt for kun én. Vi er derfor fastlåst med kun én mulighed - den bedste mulighed: "Forvent intet. Se på malerierne. Fejr."

Maleri på kanten

Født i Snovsk, nutidens Ukraine, emigrerede Olitski til USA med sin mor som etårig, efter at hans far blev myrdet af den lokale sovjetiske kommissær. De bosatte sig i Brooklyn, New York, og i gymnasiet viste Olitski en avanceret tilbøjelighed for kunst. Han vandt en pris til at studere kunst i Manhattan og fik til sidst et stipendium til at deltage i Pratt Institute. Efter at være blevet indkaldt til Anden Verdenskrig brugte Olitski sine G.I. Bill-rettigheder til at fortsætte sin kunstuddannelse i Paris. Der studerede han de modernistiske mestre på nært hold og konfronterede sine egne dæmoner. Mest bemærkelsesværdigt indså han, at han blev kontrolleret af sin egen uddannelse. En øvelse, hvor han bandt sig for øjnene, mens han malede, eksemplificerer hans ønske om at overvinde manipulationen af sine egne ideer. Den samme hengivenhed til kreativ frihed guidede ham resten af livet.

Jules Olitski - Med kærlighed og ligegyldighed: Rapture Blessing, 2002. Akryl på lærred. 60 x 84 tommer. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Hans første maleriudstillinger i 1950'erne var domineret af stemningsfulde, mørke, impasto-abstraktioner, såsom "I Erindring om Dræbte Demikovski" (1958), et værk opkaldt efter hans far. Men i 1960 vedtog Olitski en helt anden tilgang, idet han brugte nye typer akrylmaling til at skabe flade, levende farvede kompositioner, hvor biomorfe, amøbe-lignende former tilsyneladende bobler op til eksistens i billedlige petriskåle. Fem år senere ændrede han retning igen, denne gang ved at bruge en industriel sprøjtepistol i et forsøg på at opnå sin drøm om at male "et sprøjt af farve, der hænger som en sky, men ikke mister sin form." Hans sprøjtepistolmalerier besidder faktisk mange af de samme eteriske egenskaber som gasformige skyer i en fjern nebula, oplyst af eksplosionerne fra eksploderende stjerner. Dette værk fik virkelig Olitski til at tænke over, hvad han kaldte "kanten" af et billede. "Et maleri er lavet fra indersiden og ud," sagde han. Ifølge hans forståelse var værkets ydre kant dog ikke kanten af lærredet, men farvens kant. Olitski opfattede, at farve strækker sig ud over maleriets grænser, båret af lys og mental opfattelse ind i det liminale rum mellem maleriets overflade og vores øjne.

Jules Olitski - Grafisk Suite #2 (Orange), 1970. Silketryk. 35 x 26 tommer. (værk); 36 x 27 tommer. (indrammet). © Jules Olitski

Struktur og flow

Omkring midten af 1970'erne ændrede Olitski metoder igen, idet han blandede sin tidligere, dæmpede impasto-teknik med sin brug af en spraypistol, hvilket skabte malerier som "Secret Fire – 2" (1977), der projicerer en bestemt materiel tilstedeværelse, på trods af at de har en eterisk farvepalet. Han fortsatte med at udvikle denne blanding af metoder og skabte en række dristige, metalliske abstraktioner i 1980'erne, såsom "Eternity Domain" (1989), og en række helvedes primordiale værker i 1990'erne, såsom "Upon a Sea" (1996). Selvom disse værker visuelt er forskellige, deler de alle et lignende styrende princip, som Olitski opsummerede som følger: "Jeg tænker på maleri som besat af en struktur, men en struktur født af farvefølelsens strøm." De malerier, Olitski skabte i de sidste år af sit liv, såsom "With Love and Disregard: Rapture" (2002), udtrykker dette styrende princip på dramatisk vis. Strukturen af deres materielle tilstedeværelse er lige så ubøjelig som en sten, men deres lethed af væren gør ubestrideligt krav på sin kromatiske fødselsret i "farvefølelsens strøm."

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna på lærred. 88 x 71 1/2 tommer (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Udover sin livslange abstrakte maleri praksis, tegnede Olitski konstant figurative portrætter og landskaber. Han havde også en produktiv skulpturkarriere, som, ligesom hans malerikarriere, ikke var begrænset af andet end hans egen fantasi. Som barn fik Olitski kælenavnet Prins Patutsky fra sin stedfar. Det navn dukker op igen og igen i hans arbejde: "Patutsky i Paradis" (1966); "Patutsky Passion" (1963); "Prins Patutsky Kommando" (1966). Det er netop denne hengivenhed til barnlig uskyld, som jeg ser oversvømme alt, hvad Olitski opnåede som kunstner. Kunsthistorien tildeler normalt kun legende status til kunstnere, der er radikale tidligt i deres karriere, efterfulgt af "modenhed" og derefter gentagelse. Olitski passede ikke ind i den karakterbeskrivelse. Så eksperimentelt og frit som han kunne, lavede han bare sit arbejde, uden forventninger, og fejrede. Det gør ham til en legende for mig.

Fremhævet billede: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna på lærred. 79 x 109 tommer (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio