Abstraktion er i det fysiske - Jules Olitski

Karrieren for den ukrainsk-amerikanske kunstner Jules Olitski (1922 – 2007) minder os om, at kunst ikke er en fast menneskelig aktivitet, som skal udføres på samme måde af alle udøvere, som for eksempel at flyve et passagerfly. Kunstnere er – eller bør være – fuldstændig frie til at genopfinde feltet så ofte, de ønsker. Olitski blev kun ledt af én faktor: hans intuition. Han ville få en vision om et billede, eller en fornemmelse han ønskede at fange, eller en materiel tilstedeværelse han ønskede at manifestere, og satte sig for at få det til at ske. Om hans vision passede med tendenser eller smag var uden betydning. De fleste kalder hans arbejde abstrakt, men han selv lavede ikke den sondring, måske fordi hans særlige vision for et maleri for ham var sin egen slags motiv. Hvis man drømmer om at male en farvesprøjt, der hænger i luften, og så maler et maleri, der realiserer den drøm, så er det maleri præcis, hvad det beskriver: et maleri af en farvesprøjt, der hænger i luften. Hvor meget mere konkret kan man blive? Om råd til andre kunstnere sagde Olitski engang: ”Forvent intet. Gør dit arbejde. Fejr!” Han kan have givet lignende råd til sine beskuere: ”Forvent intet. Se på værket. Fejr!” Alligevel er kunstoplevelse en særskilt glæde fra kunstkritik. Kritikere, historikere og kunsthandlere har længe haft svært ved præcist at placere Olitski inden for den lineære eventyrfortælling, der kaldes kunsthistorie, måske fordi Olitski aldrig gad spørge sig selv, hvor han passede ind. Han skiftede stil og medier og metoder så ofte, at han ikke blot er svær at historisere, men også svær at gøre til handelsvare, da så mange samlere ønsker at kunne tale om de kunstnere, de samler, i form af en bekvem kortfattet betegnelse: ”Det er gittermaleren. Det er damen, der lavede edderkopperne. Det er fyren, der lavede kasserne. Osv.” Det kan man ikke med Olitski. Han lavede for mange ting til kun at være kendt for én. Vi sidder derfor fast med kun én mulighed – den bedste mulighed: ”Forvent intet. Se på malerierne. Fejr.”

At male på kanten

Født i Snovsk, nutidens Ukraine, udvandrede Olitski til USA med sin mor som étårig, efter hans far blev myrdet af den lokale sovjetiske kommissær. De slog sig ned i Brooklyn, New York, og allerede i gymnasiet viste Olitski en avanceret tilbøjelighed for kunst. Han vandt en pris til at studere kunst i Manhattan og fik til sidst et stipendium til at gå på Pratt Institute. Efter at være blevet indkaldt til Anden Verdenskrig brugte Olitski sine G.I. Bill-privilegier til at fortsætte sin kunstuddannelse i Paris. Der studerede han modernistiske mestre på nært hold og konfronterede sine egne dæmoner. Mest bemærkelsesværdigt indså han, at han blev styret af sin egen uddannelse. En øvelse, hvor han malede med bind for øjnene, eksemplificerer hans ønske om at overvinde manipulationen af sine egne idéer. Den samme hengivenhed til kreativ frihed ledte ham resten af livet.

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. Akryl på lærred. 60 x 84 tommer (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Hans første maleriudstillinger i 1950’erne var domineret af dystre, mørke, impastoede abstraktioner, som ”In Memory of Slain Demikovski” (1958), et værk opkaldt efter hans far. Men i 1960 tog Olitski en helt anden tilgang og brugte nye typer akrylmaling til at skabe flade, levende farvede kompositioner, hvor biomorfe, amøbelignende former tilsyneladende bobler frem i billedlige petriskåle. Fem år senere skiftede han retning igen, denne gang med en industriel sprøjtepistol i et forsøg på at opnå sin drøm om at male ”en farvesprøjt, der hænger som en sky, men ikke mister sin form.” Hans sprøjtepistolmalerier besidder virkelig mange af de samme luftige egenskaber som gasformige skyer i en fjern tåge, oplyst bagfra af eksplosioner fra stjerner. Denne samling af værker fik virkelig Olitski til at tænke over, hvad han kaldte ”kanten” af et billede. ”Et maleri skabes indefra og ud,” sagde han. Den ydre kant af værket var ifølge hans forståelse ikke lærredets kant, men farvens kant. Olitski opfattede, at farven strækker sig ud over maleriets grænser, båret af lys og mental opfattelse ind i det grænseløse rum mellem maleriets overflade og vores øjne.

Jules Olitski - Grafikserie #2 (Orange), 1970. Serigrafi. 35 x 26 tommer (værk); 36 x 27 tommer (indrammet). © Jules Olitski

Struktur og strøm

Omkring midten af 1970’erne skiftede Olitski metode igen og blandede sin tidligere, afdæmpede impastoteknik med brugen af sprøjtepistolen og skabte malerier som ”Secret Fire – 2” (1977), der udstråler en tydelig materiel tilstedeværelse, på trods af en æterisk farvepalet. Han fortsatte med at udvikle denne blanding af metoder og skabte en samling dristige, metalliske abstraktioner i 1980’erne, som ”Eternity Domain” (1989), og en samling helvedesagtige, oprindelige værker i 1990’erne, som ”Upon a Sea” (1996). Selvom de visuelt er forskellige, deler disse værker alle et lignende ledende princip, som Olitski opsummerede således: ”Jeg tænker på maleri som besjælet af en struktur, men en struktur født af farvefølelsens strøm.” De malerier, Olitski skabte i sine sidste leveår, som ”With Love and Disregard: Rapture” (2002), udtrykker dette ledende princip på dramatisk vis. Strukturen i deres materielle tilstedeværelse er lige så ubøjelig som en sten, men deres lethed i væren hævder ubetinget sin farverige arv i ”farvefølelsens strøm.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna på lærred. 88 x 71 1/2 tommer (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Udover sin livslange abstrakte malerpraksis tegnede Olitski også løbende figurative portrætter og landskaber. Han havde også en produktiv skulpturkarriere, som, ligesom hans malerkarriere, kun var begrænset af hans egen fantasi. Som barn fik Olitski kælenavnet Prins Patutsky af sin stedfar. Det navn dukker op igen og igen i hans værker: ”Patutsky i Paradis” (1966); ”Patutsky Passion” (1963); ”Prins Patutsky Kommando” (1966). Det er netop denne hengivenhed til barnlig uskyld, jeg ser gennemsyre alt, hvad Olitski opnåede som kunstner. Kunsthistorien giver normalt kun legendarisk status til kunstnere, der er radikale tidligt i deres karriere, efterfulgt af ”modenhed” og derefter gentagelse. Olitski passede ikke ind i det mønster. Så eksperimenterende og frit som muligt gjorde han bare sit arbejde uden forventninger og fejrede. Det gør ham til en legende for mig.

Fremhævet billede: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna på lærred. 79 x 109 tommer (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio