Et interview med John Monteith

John Monteith blev født i 1973 i Newmarket, Ontario, Canada og er kandidat fra Parsons The New School for Design’s MFA-program i 2008. Han har rejst og boet meget rundt om i verden, hvilket har påvirket og ændret hans produktionspraksis gennem årene. Hans indviklede og farverige værker af voks og pigmenter på lagdelt tegnefilm, samt hans omhyggeligt lagdelte fotodokumentationer, har gjort ham til en eftertragtet og velkendt abstrakt kunstner.

John Monteith er blevet internationalt repræsenteret og har været fokus for flere solo- og gruppeudstillinger, såsom: "At Night All Cats Are Grey", O’Born Contemporary, Toronto, ON; "Not Yet Titled", Galerie Wenger, Zürich, Schweiz; og "Vector Issue 5", Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Tyskland. Hans værker er en del af permanente samlinger på The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; og Morris and Associates i London, England. IdeelArt havde fornøjelsen af at interviewe kunstneren for at diskutere hans arbejdsproces og kommende projekter.

Hvilke materialer og teknikker bruger du i din arbejdsproces? Hvordan har din praksis ændret sig over tid?

I min tidligere malerpraksis brugte jeg olie på lærred og arbejdede repræsentativt, hvor jeg lavede store figurative malerier. Siden 2005 har jeg foretaget et betydeligt skift i forhold til medium og emne. Forløbet af mit arbejde har udviklet sig naturligt sammen med mine tanker, ikke kun om byrum, men også om personlige relationer og flere lag af relationer. Jeg har altid været fascineret af, hvad der kendetegner det viste og det skjulte.

I 2006 begyndte jeg at arbejde med tegnefilm, hvor jeg brugte dens gennemskinnelige egenskaber til at lagdele billeder sammen. Mens jeg stadig arbejdede repræsentativt, brugte jeg oliefarve, som blev tyndet for at udnytte dens transparente natur. Jeg malede arkitektur og bycentre, steder jeg havde besøgt, som havde historisk betydning, og endda resterne af et gammelt biluheld, jeg så i en skov i Kyoto, Japan, hvor et par biler kørte af en stejl vej for måske femten år siden eller deromkring. Hver af disse scener var engang eller er i øjeblikket steder for brud. I skabelsen af malerierne fra denne serie malede jeg hvert billede to gange på to forskellige ark tegnefilm og placerede derefter arkene oven på hinanden og skiftede registreringen, så det øverste maleri ville være let forskudt fra det nederste maleri, som derefter blev lagdelt for at skabe ét billede. At kombinere disse to "dele" til ét maleri skabte et værk, der lingerede inden for en gådefuld zone af flux, i en forstand, en bevægelse fanget i tid. Efter at have udstillet disse malerier sammen med en række tekstbaserede værker, blev jeg mere reduktiv i min kunstneriske skabelse, idet jeg tog en konkret tilgang til at lave mine tegninger og malerier, som opretholdt en reference til det temporære inden for den urbane sfære, og en hukommelses-/historiediskurs som fremført af forfattere som Andreas Huyssen.

I 2011 begyndte jeg serien (de) Konstruktion/(re) Konstruktion, som blev skabt ud fra fotodokumentation af interstitielle rum såsom døråbninger og gange i indkøbscentre, lufthavnsterminaler og andre offentlige rum. Jeg lavede disse malerier ved at bruge formerne af kastet lys og skygger, der er til stede i disse "junk spaces", et udtryk der blev opfundet og skrevet om af Rem Koolhaas. Disse er "ingen steder" steder, hvor vi tilbringer meget af vores tid i transit fra Punkt A til Punkt B. Som med min sidste gruppe af malerier, brugte jeg den samme strategi med at male to identiske lag, men denne gang, da jeg placerede lagene sammen, ville jeg skubbe dem ind i den ønskede position, før jeg færdiggjorde maleriet, trække visse elementer ud og skubbe andre tilbage.

I forbindelse med disse malerier monterede jeg dem på uigennemsigtig hvid plexiglas, håndskåret til dimensionerne af hvert maleri. Dette gjorde det muligt for mig at hænge værkerne på væggen, som man ville gøre med et traditionelt maleri, men alternativt at tænke på malerierne skulpturelt ved at hænge hvert stykke på sin egen stand. At installere værket på denne måde skabte nye fysiske relationer mellem værkerne, mens det refererede til galleriets arkitektur og ændrede "én til én" synslinjen for visning, hvilket ændrede naturen af ens oplevelse af malerierne. Mine værker får på denne måde forskellige associationer. Jeg har altid været interesseret i lagdeling, men jeg er også interesseret i at bruge ét materiale til at referere til et andet, i dette tilfælde mine malerier installeret som skulpturer. Forskellige malerier kan se ud som tegninger, og fotografier og tegninger kan se ud som malerier. Hvert skridt i min kreative proces manifesterer sig visuelt i det endelige værk; sporene er altid læselige. For mig er dette, hvor indholdet ligger. I vores byer udfolder dette scenarie sig, når vi søger efter beviser og spor fra fortiden, skjult inden for nutidens overflade.

Jeg har tilbragt de sidste to år i Berlin, hvor jeg har skabt tegninger, der voksede organisk i modsætning til min tidligere brug af fotografiske referencer. Jeg har især set på genopbygningen af byen, dens topografi og også byens "huller", der bevarer spor af fortiden. Ud fra denne forskning skabte jeg sammenkoblede grupper af tegninger, der informerer hinanden, når de ses i koncert, samt værker, der overvejede den arkitektoniske genopbygning, der finder sted i byens centrum.

Hvor lang tid tager et arbejde normalt?

Det afhænger virkelig af situationen. Da jeg var i Berlin, var jeg normalt i mit studie seks dage om ugen. Det er svært at sige, hvor lang tid et arbejde vil tage, da jeg har en tendens til at arbejde på flere værker ad gangen. I min proces starter jeg med meget tynd maling og bygger det langsomt op, eller i tilfælde af mine tegninger ville jeg ofte bruge et par uger på at lave tests, før jeg færdiggør min tilgang til arbejdet. Grundlæggende er min proces en langsom, arbejdskrævende en.

Hvad er integreret i dit arbejde?

"Min praksis har ført mig til mange byer, både for at bo og for forskning. Hver gang jeg flytter, påvirker og ændrer det mit arbejde. Disse steder er katalysatorer for de måder, jeg tænker på at lave kunst og hvordan jeg udfører min proces. Nye måder at tænke og skabe på opstår, når gamle vaner bliver brudt og rystet op." 

Hvordan ved du, hvornår et arbejde er færdigt? 

Jeg arbejder ikke rigtig på en så uklar måde; det er klarere for mig. Der har aldrig været et spørgsmål om, hvad jeg skal gøre næste gang for at løse et arbejde. Det største spørgsmål for mig er, hvordan jeg placerer hver del kontekstuelt med andre dele i udstillingen, og hvordan arbejdet skal installeres? Disse er altid de sværeste spørgsmål, når jeg overvejer, hvordan mit arbejde vil blive læst, og hvordan udstillingsrummet vil påvirke denne læsbarhed. Mens jeg arbejder med mit valgte materiale, er indramning også en overvejelse. Indramning kan enten gøre eller bryde mit arbejde. Jeg kan godt lide at arbejde med indrammere, jeg stoler på, som kan tilbyde deres indsigt og ideer.

Hvad betyder det at have et fysisk rum til at lave kunst i for din proces, og hvordan får du dit studiorum til at fungere for dig?

Mit studio skal være et ensomt og stille rum. Jeg er fleksibel med beliggenheden, men studioet dikterer visse parametre, især med hensyn til skala og hvor stort det er muligt at arbejde. Hvis du har et lille rum, vil et værk se meget større ud i dit studio, end det vil gøre, når det hænger på væggene i et stort galleri. 

Er der noget, du i øjeblikket arbejder på, eller som du er spændt på at starte, som du kan fortælle mig om?

I øjeblikket er jeg i Halifax, Canada, hvor jeg laver forskning om fiberbaserede kunstpraksisser til et nyt sæt af vævede værker. Mens jeg var i Berlin, blev jeg stadig mere interesseret i at udvide min traditionelle praksis og inkorporere nye medier – jeg vil stadig male, men bare på en anden måde.

Hvordan navigerer du i kunstverdenen?

Jeg mener, at den bedste måde at håndtere presset på er at tilbringe så meget tid som muligt i dit studie og fortsætte med at lave arbejde. Der er en vis trøst i processen med at bevæge sig fremad på måder, der udfordrer dig. Jeg læser forskellige tekster og kunstpublikationer, der er rettet mod kulturteori og undersøgelse snarere end direkte udstillingsanmeldelser eller artikler dedikeret til kunstmarkedet. Det hjælper også at have mit fællesskab omkring mig - jeg har grupper i Berlin, New York og Toronto - bestående af kunstnere, kuratorer, forfattere, designere, musikere og DJs, der støtter mit arbejde, mens jeg støtter deres. At engagere sig i samtale og bare være til stede med dem hjælper mig enormt med at klare presset ved at være kunstner.

Hvad er det bedste råd, du har fået, da du brød ind i kunstverdenen? Hvilket råd har du til unge, kommende kunstnere?

Det bedste råd, jeg fik, var fra Martha Rosler, som sagde: "Stol aldrig på nogen med din karriere. Du skal altid holde øje med, hvordan du bliver repræsenteret, og hvordan dem, der repræsenterer dig, indrammer samtalen om dit arbejde."

Er du involveret i kommende shows eller begivenheder? Hvor og hvornår?

Jeg vil være en del af en gruppeudstilling på Gallery Wenger i Zürich, Schweiz, som åbner den 24. oktober 2015 og løber indtil den 9. januar. Jeg har også et par andre projekter, som er i de tidlige udviklingsfaser.

Fremhævet billede: Memorial Day Installation O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Courtesy of the artist