Et interview med John Monteith

John Monteith blev født i 1973 i Newmarket, Ontario, Canada og er uddannet fra Parsons The New School for Design’s MFA-program i 2008. Han har rejst og boet mange steder i verden, hvilket har påvirket og ændret hans arbejdsmetode gennem årene. Hans indviklede og farverige værker i voks og pigmenter på lagdelt tegnefilm samt hans omhyggeligt lagdelte fotodokumentationer har gjort ham til en eftertragtet og velkendt abstrakt kunstner.

John Monteith har været internationalt repræsenteret og har været i fokus ved flere soloudstillinger og gruppeudstillinger, såsom: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zürich, Schweiz; og “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Tyskland. Hans værker indgår i faste samlinger på The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; og Morris and Associates i London, England. IdeelArt havde fornøjelsen af at interviewe kunstneren for at tale om hans arbejdsproces og kommende projekter.

Hvilke materialer og teknikker bruger du i din arbejdsproces? Hvordan har din praksis ændret sig over tid?

I min tidligere malerpraksis brugte jeg olie på lærred og arbejdede repræsentativt med store figurative malerier. Siden 2005 har jeg foretaget et markant skift med hensyn til medium og motiv. Min arbejds udvikling fulgte naturligt mine tanker, ikke kun om byrum, men også personlige relationer og flere lag af forbindelse. Jeg har altid været fascineret af, hvad der kendetegner det viste og det skjulte.

I 2006 begyndte jeg at arbejde med tegnefilm og udnyttede dets gennemsigtige egenskaber til at lægge billeder oven på hinanden. Mens jeg stadig arbejdede repræsentativt, brugte jeg olie, som blev fortyndet for at udnytte dets gennemsigtige natur. Jeg malede arkitektur og bycentre, steder jeg havde besøgt, som havde historisk betydning, og endda rester af en gammel bilulykke, jeg så i en skov i Kyoto, Japan, hvor et par biler formentlig for omkring femten år siden kørte ud ad en stejl vej. Hver af disse scener var engang eller er stadig steder med brud. Når jeg skabte malerierne i denne serie, malede jeg hvert billede to gange på to forskellige ark tegnefilm og lagde dem oven på hinanden, hvor jeg forskød registreringen, så det øverste maleri var let forskudt i forhold til det nederste, som derefter blev lagt sammen til ét billede. Kombinationen af disse to “dele” til ét maleri skabte et værk, der befandt sig i en gådefuld tilstand af forandring, i en forstand en bevægelse fanget i tiden. Efter at have udstillet disse malerier sammen med en række tekstbaserede værker, blev jeg mere reduktiv i min kunst, tog en konkret tilgang til mine tegninger og malerier, som stadig refererede til det tidslige i byens sfære og en erindrings-/historiediskurs som fremsat af forfattere som Andreas Huyssen.

I 2011 begyndte jeg serien (de) Construction/(re) Construction, som blev skabt ud fra fotodokumentation af mellemliggende rum som døråbninger og gange i indkøbscentre, lufthavnsterminaler og andre offentlige rum. Jeg lavede disse malerier ved at bruge formerne af kastet lys og skygger, der findes i disse “skrotpladser,” et begreb opfundet og skrevet om af Rem Koolhaas. Det er “ingen-sted” steder, hvor vi tilbringer meget tid i transit fra punkt A til punkt B. Som med min sidste gruppe malerier brugte jeg samme strategi med at male to identiske lag, men denne gang, når jeg lagde lagene sammen, forskød jeg dem til den ønskede position, før jeg færdiggjorde maleriet, trak visse elementer frem og skubbede andre tilbage.

Ved færdiggørelsen monterede jeg malerierne på uigennemsigtigt hvidt plexiglas, håndskåret til hver maleris mål. Det gjorde det muligt for mig at hænge værkerne på væggen som et traditionelt maleri, men også at tænke på malerierne skulpturelt ved at hænge hvert værk på sin egen stander. At installere værkerne på denne måde skabte nye fysiske relationer mellem værkerne, samtidig med at det refererede til galleriets arkitektur og ændrede “én til én” synslinjen ved beskuelsen, og dermed ændrede oplevelsen af malerierne. Mine værker får på denne måde forskellige associationer. Jeg har altid været interesseret i lagdeling, men jeg er også interesseret i at bruge ét materiale til at referere til et andet, i dette tilfælde mine malerier installeret som skulpturer. Forskellige malerier kan ligne tegninger, og fotografier og tegninger kan ligne malerier. Hvert trin i min kreative proces viser sig visuelt i det endelige værk; sporene er altid læselige. For mig ligger indholdet her. I vores byer udspiller dette scenarie sig, når vi søger beviser og spor fra fortiden, skjult under nutidens overflade.

Jeg tilbragte de sidste to år i Berlin, hvor jeg lavede tegninger, der voksede organisk frem i modsætning til min tidligere brug af fotografiske referencer. Jeg undersøgte særligt byens genopbygning, dens topografi og også byens “tomrum”, der bærer spor af fortiden. Ud fra denne forskning skabte jeg sammenhængende grupper af tegninger, der informerer hinanden, når de ses samlet, samt værker, der tog højde for den arkitektoniske genopbygning i byens centrum.

Hvor lang tid tager et værk normalt?

Det afhænger virkelig. Da jeg var i Berlin, var jeg som regel i mit atelier seks dage om ugen. Det er svært at sige, hvor lang tid et værk tager, da jeg ofte arbejder på flere stykker samtidigt. I min proces starter jeg med meget tynd maling og bygger langsomt op, eller i mine tegningers tilfælde brugte jeg ofte et par uger på at lave prøver, før jeg fastlagde min tilgang til værket. Grundlæggende er min proces langsom og arbejdsintensiv.

Hvad er afgørende for dit arbejde?

Min praksis har ført mig til mange byer, både for at bo og for forskning. Hver gang jeg flytter, påvirker og ændrer det mit arbejde. Disse steder er katalysatorer for, hvordan jeg tænker om at skabe kunst og hvordan jeg udfører min proces. Nye måder at tænke og skabe på opstår, når gamle vaner brydes og rystes op.

Hvordan ved du, hvornår et værk er færdigt?

Jeg arbejder ikke på en så ubestemt måde; det er klarere for mig. Der har aldrig været tvivl om, hvad jeg skal gøre næste gang for at færdiggøre et værk. Det største spørgsmål for mig er, hvordan jeg placerer hvert stykke i sammenhæng med andre værker i udstillingen, og hvordan værket skal installeres? Det er altid de sværeste spørgsmål, når jeg overvejer, hvordan mit arbejde vil blive læst, og hvordan udstillingsrummet vil påvirke denne læsbarhed. Mens jeg arbejder med mit valgte materiale, er indramning også en overvejelse. Indramning kan enten gøre eller ødelægge mit arbejde. Jeg kan godt lide at arbejde med indrammere, jeg stoler på, som kan tilbyde deres indsigt og idéer.

Hvad betyder det for din proces at have et fysisk sted at lave kunst, og hvordan får du dit atelier til at fungere for dig?

Mit atelier skal være et ensomt og stille sted. Jeg er fleksibel med placeringen, men atelierets størrelse sætter visse grænser, især med hensyn til skala og hvor stort det er muligt at arbejde. Hvis man har et lille rum, vil et værk se meget større ud i atelieret, end det gør, når det hænger på væggene i et stort galleri.

Er der noget, du arbejder på lige nu, eller noget, du glæder dig til at gå i gang med, som du kan fortælle om?

Lige nu er jeg i Halifax, Canada, hvor jeg laver research om fibrebaserede kunstpraksisser til en ny serie vævede værker. Mens jeg var i Berlin, blev jeg mere og mere interesseret i at udvide min traditionelle praksis og inkorporere nye medier—jeg vil stadig male, men bare på en anden måde.

Hvordan navigerer du i kunstverdenen?

Jeg tror, den bedste måde at håndtere presset på er at tilbringe så meget tid som muligt i sit atelier og blive ved med at lave værker. Der er en vis trøst i processen med at bevæge sig fremad på måder, der udfordrer en. Jeg læser forskellige tekster og kunstpublikationer, der handler om kulturteori og undersøgelse frem for rene udstillingsanmeldelser eller artikler om kunstmarkedet. Det hjælper også at have mit fællesskab omkring mig—jeg har grupper i Berlin, New York og Toronto—bestående af kunstnere, kuratorer, forfattere, designere, musikere og dj’s, som støtter mit arbejde, ligesom jeg støtter deres. At engagere sig i samtaler og bare være til stede med dem hjælper mig enormt med at håndtere presset ved at være kunstner.

Hvad er det bedste råd, du har fået, da du brød igennem i kunstverdenen? Hvilket råd har du til unge, spirende kunstnere?

Det bedste råd, jeg fik, kom fra Martha Rosler, som sagde: “Stol aldrig på nogen med din karriere. Du skal altid holde øje med, hvordan du bliver repræsenteret, og hvordan dem, der repræsenterer dig, indrammer samtalen om dit arbejde.”

Er du involveret i kommende udstillinger eller begivenheder? Hvor og hvornår?

Jeg deltager i en gruppeudstilling på Gallery Wenger i Zürich, Schweiz, som åbner den 24. oktober 2015 og varer til den 9. januar. Jeg har også nogle andre projekter, som stadig er i de tidlige udviklingsfaser.

Fremhævet billede: Memorial Day Installation O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Med tilladelse fra kunstneren