Charlotte Park, En Abstrakt Kunstner At Kende

Jeg finder genkendelige ting i værkerne af Charlotte Park. Jeg ser i hendes malerier en næsten grænseløs angst og søgen, afløst i visse øjeblikke af en ro eller stilhed, men altid med selvtillid. Park er ikke en særlig kendt kunstner i dag, selvom hendes nærmeste bekendte er blandt de mest berømte kunstnere fra det forrige århundrede. Hun var gift med James Brooks, hvis værker findes i Tate, MoMA og Smithsonian, blandt andre institutionelle samlinger. Park og Brooks boede ved siden af Jackson Pollock og Lee Krasner i New York City. Da Pollock og Krasner flyttede til Hamptons, overtog Park og Brooks deres lejlighed og fulgte senere efter dem til Long Island. På trods af at være socialt omgivet af dusinvis af andre talentfulde malere, udviklede Park en særpræget visuel stemme, som for mig er øjeblikkeligt genkendelig. Måske er hun relativt ukendt i dag sammenlignet med sine samtidige, fordi de alle gladeligt var forbundet med abstrakt ekspressionisme. Selvom mange samtidige kunstskribenter og forhandlere har gjort åbenlyse forsøg på at "genopdage" Park og presse hendes værker ind i den samme historiske kontekst, føler jeg ingen trang til at skrive om Park som en del af den bevægelse, tendens eller fænomen, eller hvad det nu var eller er. Park synes for mig at have været på en personlig kunstnerisk rejse, en der fulgte en unik udvikling. I modsætning til så mange af hendes jævnaldrende, som opnåede kritisk succes og derefter stivnede, nåede Park sit højdepunkt sent i sin karriere, som en klog vismand, der endelig når toppen af et bjerg og ser alt, til sidst, i den mindste ting. Hvor abstrakt ekspressionisme altid synes at handle om en slags "mig-hed", skabte Park en samling værker, der føles mere som "alt-hed". Hendes malerier kortlægger ikke kun hendes individualitet, men også hendes menneskelighed – hendes udvikling fra søgende til indre fred.

En figur i isolation

Født i Concord, Massachusetts i 1918, tog Park sin kunstuddannelse fra Yale i 1939. Hun arbejdede for Office of Strategic Services (OSS), som senere blev CIA, under Anden Verdenskrig, og flyttede derefter til New York med Brooks efter krigen. I efterkrigstidens Manhattan befandt hun og Brooks sig midt i en af verdens mest levende kunstneriske avantgarder. Alligevel er det eneste aspekt af den scene, der synes at have gennemsyret Parks værker fra den tid, fokus på abstraktion. Hendes malerier afslører ringe interesse for de hovedtemaer, hendes samtidige beskæftigede sig med, såsom underbevidsthed, automatisk tegning, transcendentalisme eller mytedannelse. Park synes ikke at have set sig selv, som Pollock gjorde, som naturens legemliggørelse. Hun malede i stedet som en kunstner, der var interesseret i at stille grundlæggende spørgsmål om, hvad maleri er, og om det virkelig egner sig til at udtrykke hele den menneskelige oplevelse.

Charlotte Park - Solen, 1950. Olie på papir monteret på lærred. 18 x 24 tommer (45,7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

Tidlige malerier som “Maske” (1950), “Solen” (1950) og “Afgang” (1955) antyder en, der tilsyneladende forsøger at male folkemængder – sammenklyngede, biomorfe former fanget i et spil af skub og træk. Formerne i disse malerier er ikke rigtig motivet. Det er snarere forholdet mellem dem og deres omgivelser, der føles vigtigt. I en udvidet serie af fortrinsvis sorte malerier, som hun begyndte at lave i 1950’erne, syntes Park at forsøge at rive gennem plastiske realiteter for at opdage noget bag overfladen. Vrede og frustration synes indlejret i disse rå visuelle udbrud. Følelser, allegori og metafor prøver at give sig til kende, men malerierne virker næsten utilstrækkelige til at bære deres budskaber. Den ene erklæring, som disse malerier gentagne gange formår at give, er, at den, der malede dem, føler sig alene.

Charlotte Park - Uden titel, 1985. Akryl på papir. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks og Charlotte Park Foundation. Venligst Berry Campbell Gallery

At finde gitteret

Nogle forfattere modstår trangen til at fortælle historier, så mærkeligt som det kan lyde. De ønsker blot at skrive, uden struktur, uden forventninger. Historien kan være et bur, der fratager forfatteren mange kreative friheder. Nogle malere føler det samme med gitteret. At skulle skabe såkaldte kompositioner, der følger eksisterende visuelle formater, er en kilde til ægte frustration for en kunstner, der bare vil male. Den angst, der er til stede i hendes værker gennem det meste af hendes karriere, antyder, at Park var intimt bekendt med denne kamp. Gennem 1950’erne og 60’erne og ind i de tidlige 70’ere raser hendes værker mod rammens grænser, underminerer gitterets indflydelse, afviser traditionelle forestillinger om harmoni og balance og ignorerer begrebet om den “overalt” kompositionsstrategi, som mange af hendes samtidige omfavnede. Mange af de malerier, hun lavede i denne første halvdel af sin karriere, føles slet ikke som malerier for mig – de føles som kampe: kampe med rummet; kampe med lyset; kampe med materialiteten; kampe med det, polynesierne kalder mana: den energi, der samler sig i alle ting.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Akryl på lærred. 18 x 18 tommer (45,7 x 45,7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park lagde energi i sine malerier. Hun overførte noget levende fra sig selv, eller af sig selv, til en livløs ting, et billede. Den kamp sluttede dog brat omkring midten af 1970’erne, da Park tog en afstikker til en uventet æstetisk sidevej – den af Piet Mondrian og arven fra neoplastikken. Malerier som “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) og “Pereshia” (1976-78) tager op, hvor den forenklede, neoplastiske farvepalette og gitterstruktur fra Mondrian slap. Dog gør Park det hele i fri hånd og med et frit sind. Hendes fase med neoplastisk gittermaling var kortvarig, men idéen om gitteret forblev til stede i hendes værker resten af hendes karriere. Det er som om, at i stedet for at kæmpe med rammernes begrænsninger og kompositionsstrukturens anti-liberalisme, fandt Park uventet en hemmelig frihed i sin omfavnelse af sådanne rammer. Hendes malerier var altid selvsikre, men det sene indtog af gitteret gjorde dem rolige og stille. Personligt har jeg mindst tilknytning til disse fredelige malerier i hendes samlede værk, men jeg formoder, at min mening ikke ville betyde noget for Park, da hun var en sjælden kunstner, der malede mest for sig selv.

Forsidebillede: Charlotte Park - Uden titel, 1960. Olie på lærred. 34 x 34 tommer (86,4 x 86,4 cm). © Berry Campbell Gallery
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio