Charlotte Park, En Abstrakt Kunstner At Kende
Jeg finder velkendte ting i arbejdet af Charlotte Park. Jeg ser i hendes malerier en næsten grænseløs angst og søgen, som i visse øjeblikke erstattes af en ro eller stilhed, men altid med selvtillid. Park er ikke en særligt kendt kunstner i dag, selvom hendes nærmeste samarbejdspartnere er blandt de mest berømte kunstnere i det forgangne århundrede. Hun var gift med James Brooks, hvis arbejde findes i Tate, MoMA og Smithsonian, blandt andre institutionelle samlinger. Park og Brooks boede ved siden af Jackson Pollock og Lee Krasner i New York City. Da Pollock og Krasner flyttede til Hamptons, overtog Park og Brooks deres lejlighed, og senere fulgte de dem til Long Island. På trods af at være socialt omgivet af dusinvis af andre talentfulde malere, udviklede Park en unik visuel stemme, som for mig er øjeblikkeligt relaterbar. Måske er hun relativt ukendt i dag sammenlignet med sine samtidige, fordi de alle var gladeligt forbundet med Abstract Expressionism. Selvom mange nutidige kunstskrivere og forhandlere har gjort åbenlyse forsøg på at "genopdage" Park og tvinge hendes arbejde ind i den samme historiske kontekst, føler jeg ingen trang til at skrive om Park som en del af den bevægelse, eller tendens, eller fænomen, eller hvad det nu var eller er. Park synes for mig at have været på en personlig kunstnerisk rejse, en som fulgte en unik udvikling. I modsætning til så mange af hendes kolleger, der opnåede kritisk succes og derefter blev stivnet, nåede Park sit højdepunkt sent i sin karriere, som en klog vismand, der endelig når toppen af et bjerg, ser alt, til sidst, i den mindste ting. Mens Abstract Expressionism altid synes at handle om en slags "mig-hed", skabte Park et værk, der føles mere som "alle-hed". Hendes malerier kortlægger ikke kun hendes individualitet, men også hendes menneskelighed—hendes udvikling fra søger til indre fred.
En figur i isolation
Født i Concord, Massachusetts i 1918, fik Park sin kunstgrad fra Yale i 1939. Hun arbejdede for Office of Strategic Services (OSS), som senere blev CIA, under Anden Verdenskrig, og flyttede derefter til New York med Brooks efter krigen. I efterkrigstidens Manhattan befandt hun og Brooks sig midt i en af de mest livlige kunstneriske avantgarden i verden. Alligevel synes den eneste aspekt af den scene, der ser ud til at have gennemtrængt det arbejde, Park lavede på det tidspunkt, at være fokus på abstraktion. Hendes malerier afslører lidt interesse for de hovedsagelige bekymringer hos hendes samtidige, såsom det underbevidste, automatisk tegning, transcendentalisme eller myteskabelse. Park ser ikke ud til at have set sig selv, som Pollock gjorde, som naturen inkarnat. Hun malede derimod som en kunstner, der var interesseret i at stille grundlæggende spørgsmål om, hvad maleri er, og om det virkelig er egnet til at udtrykke helheden af den menneskelige erfaring.
Charlotte Park - Solen, 1950. Olie på papir monteret på lærred. 18 x 24 tommer. (45,7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery
Tidlige malerier som "Masque" (1950), "The Sun" (1950) og "Departure" (1955) antyder nogen, der tilsyneladende forsøger at male folkemængder—samlede, biomorfe former fanget i et spil af skub og træk. Formerne i disse malerier er ikke rigtig emnet. Det er snarere forholdet mellem dem og deres omgivelser, der føles vigtigt. I en udvidet serie af for det meste sorte malerier, hun begyndte at lave i 1950'erne, syntes Park at forsøge at rive igennem plastiske realiteter for at opdage noget bag overfladen. Vrede og frustration føles indlejret i disse ru visuelle udbrud. Følelser, allegori og metafor forsøger at udtrykke sig, men malerierne synes næsten utilstrækkelige til at bære deres budskaber. Den ene erklæring, som disse malerier lykkes med at gøre gang på gang, er, at den, der malede dem, føler sig alene.
Charlotte Park - Uden titel, 1985. Akryl på papir. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks og Charlotte Park Foundation. Venligst Berry Campbell Gallery
At finde gitteret
Nogle forfattere modstår opfordringen til at fortælle historier, så mærkeligt som det måtte lyde. De ønsker simpelthen at skrive, uden struktur, uden forventninger. Historie kan være et bur, der berøver forfatteren mange kreative friheder. Nogle malere har det på samme måde med gitteret. At skulle skabe såkaldte kompositioner, der overholder eksisterende visuelle formater, er en kilde til reel frustration for en kunstner, der bare ønsker at male. Den angst, der er til stede i hendes arbejde gennem det meste af hendes karriere, antyder, at Park var nært bekendt med denne kamp. Gennem 1950'erne og 60'erne, og ind i de tidlige 70'ere, raser hendes arbejde imod rammernes grænser, skubber gitterets indflydelse væk, afviser traditionelle opfattelser af harmoni og balance og ignorerer forestillingerne om den "all over" kompositionelle strategi, som mange af hendes samtidige omfavnede. Mange af de malerier, hun lavede i denne første halvdel af sin karriere, føles ikke rigtig som malerier for mig - de føles som kampe: kampe med rum; kampe med lys; kampe med materialitet; kampe med det, polyneserne kalder mana: energien, der samler sig i alle ting.
Charlotte Park - Pereshia, 1976. Akryl på lærred. 18 x 18 tommer. (45,7 x 45,7 cm). © Berry Campbell Gallery
Park lagde energi i sine malerier. Hun overførte noget levende fra sig selv, eller af sig selv, til en livløs ting, et billede. Den kamp kom dog til en brat afslutning omkring midten af 1970'erne, da Park tog en afstikker ind i en uventet æstetisk sidevej - den af Piet Mondrian og arven fra Neo-Plasticism. Malerier som "Gerardia" (1975), "Hellebore" (1975-77) og "Pereshia" (1976-78) tager fat lige der, hvor den forenklede, Neo-Plastiske farvepalet og gitterstruktur fra Mondrian slap. Undtagen at Park gør det hele frihånd, og med et frit sind. Hendes fase med Neo-Plastisk gittermaleri var kortvarig, men ideen om gitteret forblev til stede i hendes arbejde resten af hendes karriere. Det er som om, at Park uventet fandt en hemmelig frihed i sin omfavnelse af sådanne parametre, snarere end at kæmpe med rammernes begrænsninger og den anti-liberale kompositionsstruktur. Hendes malerier var altid selvsikre, men den sene fremkomst af gitteret i dem gjorde dem stille og roligt. Jeg relaterer personligt mindst til disse fredelige malerier blandt hendes værker, men jeg tør vædde på, at min mening ikke ville betyde noget for Park, da hun var en sjælden kunstner, der malede primært for sig selv.
Fremhævet billede: Charlotte Park - Uden titel, 1960. Olie på lærred. 34 x 34 tommer. (86,4 x 86,4 cm). © Berry Campbell Gallery
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio
